Flora Vieira e Nathan Sampaio

Indicado ao Oscar de Melhores Efeitos Visuais, Godzilla Minus One é a nova empreitada da produtora Toho para a franquia do monstro radioativo, entre nós desde 1954. Escrito e dirigido por Takashi Yamazaki, também responsável pelo CGI, o filme teve um orçamento calculado que varia de US$ 10 a 15 milhões. Seu primo americano, lançado em 2014 e considerado o reboot da franquia em terras ocidentais, em comparação, custou US$ 160 milhões.

Sua indicação não é à toa. Com um pequeno orçamento e uma equipe reduzida, os efeitos alcançam um primor técnico invejável a qualquer blockbuster produzido pelos Estados Unidos, num triunfo alcançado pelo diretor outras vezes, como em Lupin III: The First (2019). Competindo com o novo Missão Impossível – Acerto de Contas Parte 1 e Guardiões da Galáxia Vol. 3, ambos com orçamentos que beiram os US$ 200 milhões, o longa faz história na categoria e tem boas chances de vitória.

Em Godzilla Minus One, Koichi (Ryūnosuke Kamiki) é um veterano da Segunda Guerra Mundial que presenciou um monstro gigantesco matar quase todos os soldados de uma base japonesa, sendo um dos únicos sobreviventes. Nos anos seguintes ao ataque, ele tenta reconstruir sua vida junto de duas vítimas da devastação do Japão, Noriko (Minami Hamabe) e Akiko (Sae Nagatani). Porém, o sofrimento volta à tona quando Godzilla ameaça atacar Tóquio.

O filme surge como uma homenagem ao Godzilla de 1954, filme que iniciou a franquia e popularizou o Kaiju. Durante a produção do primeiro longa, os japoneses tentavam reconstruir sua nação após a devastação da guerra e do trauma das bombas atômicas. Com base nessa angústia, surge o monstro colossal que personifica o medo de um novo ataque atômico e as consequências sociais e ambientais que vieram do bombardeio. Mais do que uma história de criatura, a obra dos anos 1950 é um retrato de um povo destruído e amedrontado.

Com o passar do tempo, o significado original do monstro se perdeu, dando espaço para histórias mais leves e divertidas de lutas entre seres imensos, e o medo deu lugar à afeição. Mais recentemente, a Toho, produtora da narrativa de 2024, tem se empenhado em resgatar a origem do Godzilla, afinal seus temas ainda são atuais e merecem atenção. Essa intenção deu espaço para obras pesadas, angustiantes e amedrontadoras, no melhor sentido possível.

Shin Godzilla, de 2016, é o antecessor de Minus One e o reboot da franquia no Japão, que não recebia um filme novo desde Godzilla: A Batalha Final, de 2004. Diferente do mais recente, ele aposta numa versão do monstro que discute o desastre nuclear de Fukushima, em 2011, e a inércia do governo japonês diante do acidente. Dirigido por Hideaki Anno, o mesmo autor do anime Evangelion (1995), Shin é episódico e sem relação com o resto da franquia, um tanto errático, assim como seu monstro, cujo principal problema são as metamorfoses e seu potencial evolutivo infinito.

Enquanto Minus One escolhe criticar o império japonês e a cultura japonesa do sacrifício pela pátria, apostando em um final feliz, Shin coloca os pés no chão, enxergando que pouco mudou desde o fim da Segunda Guerra Mundial: a ameaça continua viva, e em constante mudança. O Godzilla de Minus One é belo e estático, enquanto Shin Godzilla é propositalmente feito para ser deformado, desconfortável e estranho ao cenário.

O longa é extremamente corajoso e ambicioso em sua abordagem. A suposta falha do jovem Koichi, no início da narrativa, representa o absurdo da cultura imperialista e belicista do Japão dos séculos XIX e XX. Esta falha, aos poucos, é transformada em virtude pela narrativa, quando ela valoriza, de forma direta e sem rodeios, a vida de cada um dos personagens que interage com o protagonista ao longo das duas horas de filme.

Engana-se quem pensa que a narrativa só se sustenta pela abordagem principal. A sutileza em que os traumas de Koichi são expostos por meio da relação dele com Noriko e Akiko permitem que se explore a tridimensionalidade do país no pós-guerra, seus conflitos internos e sua dificuldade em se desconectar do passado. A narrativa também dá abertura para que personagens como o cientista (Hidetaka Yoshioka) e a vizinha de Koichi (Sakura Ando) brilhem cada um à sua maneira, representando uma nação em profunda transformação, e que, aos poucos, percebe o absurdo que representam valores calcados no sacrifício pelo Imperador.

O enredo, quando usa os personagens para fazer esses paralelos, também conversa com o Japão do século XXI, que esconde seus crimes de guerra debaixo do tapete. Ao responsabilizar também o país por suas atitudes durante a Segunda Guerra, que levaram o Império a uma aliança com os nazistas, a narrativa cresce, inocentando e valorizando a vida dos indivíduos, que lutam contra uma nação retrógrada corresponsável, junto dos Estados Unidos, pela criação do Kaiju.

Coincidência ou não, Minus One surge no momento em que o universo compartilhado da Legendary, o Monsterverse, está em alta e essas duas visões sobre o Godzilla são antagônicas. Enquanto os Estados Unidos produzem filmes que associam a imagem da criatura a um salvador do planeta, o Japão mostra a devastação que esse ser poderia causar, uma briga ideológica para ver quem consegue cunhar na cultura pop o verdadeiro significado do monstro. Retomando às origens do longa de 1954, pode-se dizer que é uma disputa sobre a bomba atômica, na qual o país que a jogou tenta se justificar e a nação atingida mostra o trauma daquela experiência. 

Takashi Yamazaki faz um trabalho sensacional na direção, pois há muitas referências visuais ao Godzilla original, tanto em enquadramentos quanto em composições de cena, o que funciona como uma bela homenagem a Ishirō Honda, diretor do primeiro longa. Outra proeza da condução é a empatia criada entre espectador e os humanos da trama, algo raro em filmes de Kaiju, mas essencial em Minus One: sem essa perspectiva, a trama perderia seu impacto.

Um dos artifícios utilizados perfeitamente por Yamazaki para construir essa empatia é mostrar a pequenez dos humanos perante o Godzilla nas cenas de ataque, porque nesses momentos, a projeção flerta com o cinema de desastre, em que a sobrevivência depende de um pouco de esperteza e muita sorte. Os ângulos escolhidos por Kozo Shibasaki para mostrar a criatura são magníficos, servindo para amedrontar e causar desconforto. Além disso, diferente da versão estadunidense, Minus One não esconde o monstrengo na escuridão: aqui ele aparece em toda sua magnitude em plena luz do dia, demonstrando que não há nenhum momento em que os personagens estão seguros.

A trilha sonora acompanha e auxilia a direção ao transmitir angústia, medo e pavor. Com seus acordes lentos e graves intensos, o compositor Naoki Sato enfatiza o suspense das cenas e deixa o espectador apreensivo para o que vai acontecer. Há ainda músicas mais energéticas usadas no clímax da história, que referenciam o tema original do Godzilla, composto por Akira Ifukube. 

E caso o filme não lidasse com temáticas tão ricas quanto a valorização à vida, tão entranhadas na narrativa, seu final poderia ser interpretado como algo bobo, clichê e até como um dramalhão barato, mas não é isso que acontece aqui. A decisão de Koichi de continuar vivo, rompendo com a cultura vigente da época, e a sobrevivência de Noriko ao ataque do monstro marinho, é o desfecho feliz que o longa precisava para completar seu arco narrativo.

Godzilla Minus One é uma carta de amor aos fãs do universo do Kaiju, que recebem um prato cheio: personagens cativantes, raros em obras do tipo, efeitos especiais que deixam Hollywood com inveja e uma história que atinge onde dói, com dilemas importantes mesmo para o Japão do mundo atual. A Toho e o diretor Takashi Yamazaki criaram o monstro perfeito, e o colocaram no Oscar com menos de US$ 15 milhões. Os Estados Unidos ainda têm muito o que aprender.

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Nathan Sampaio 

Em 2014, foi lançado Godzilla, um filme que surgiu como uma proposta de trazer de volta um dos maiores (sem trocadilhos, risos) monstros do Cinema. Esse longa-metragem seria a porta de entrada para um universo compartilhado de filmes formados por monstros gigantes, o chamado “monsterverse”, projeto que seguiu com Kong: A Ilha da Caveira e Godzilla II: Rei dos Monstros lançados em 2015 e 2019, respectivamente. E agora, em 2021, esse universo chega ao ápice com o novo filme: Godzilla vs. Kong.

A título de curiosidade, vale ressaltar que esse não é o primeiro encontro entre esses dois ícones do cinema. Há um filme de 1962, intitulado King Kong vs. Godzilla, o qual foi uma coprodução entre Estados Unidos e Japão. Por causa disso, houveram diversas divergências entre os dois países, fazendo com que fossem lançadas duas versões do filme, uma estadunidense e outra japonesa, e talvez por essa versão ter sido caótica e por ter se tornado datada com o tempo, ela foi completamente esquecida.

Mas enfim, Godzilla vs. Kong, de 2021, acompanha duas histórias simultâneas. Uma delas é focada no Godzilla, o qual começou a atacar sedes da empresa Apex sem motivos aparentes, e cabe a Madison (Millie Bobby Brown), Josh (Julian Dennison) e Bernie (Brian Tyree Henry) descobrirem o porquê disso estar acontecendo. A outra história acompanha Kong, que está preso dentro de uma redoma na Ilha da Caveira, porém devido aos recentes ataques do Godzilla, os doutores Nathan Lind (Alexander Skarsgard) e Ilene Andrews (Rebecca Hall), juntamente com a garotinha Jia (Kaylee Hottle) decidem levá-lo em uma jornada para buscar uma fonte de energia que pode ser a única chance dos humanos contra o lagarto gigante. 

O enredo do filme, no geral, como podemos observar, é bem simples, direto e em alguns momentos é até meio bobo, porém ele funciona exatamente por isso, o diretor Adam Wingard entende que o foco desse longa não é uma história elaborada e emocionante, mas sim uma briga entre um macaco gigante e um lagarto gigante e com poderes. Para essa trama funcionar, bastaria que a luta tivesse suas motivações e que a história que ligasse tudo fosse minimamente bem feita e coerente, e o filme traz literalmente isso.

A divisão da trama em dois núcleos é boa para dar destaque a cada um dos gigantes do título, e tentar humanizá-los e mostrar suas intenções nos confrontos. O grupo que acompanha a jornada do Kong é o que carrega os melhores personagens do filme, porque todos eles possuem objetivos a serem cumpridos, o que dá um dinamismo à história, que jamais deixa de ser coerente, além de cada um deles ter um mínimo de caracterização para que o espectador se importe com eles. O maior destaque é a jovem Jia, que carrega a maior carga emocional do filme, e a atriz faz um ótimo trabalho mesmo sendo iniciante. 

Já o núcleo que acompanha o Godzilla é bem problemático, pois os personagens são muito desinteressantes e muito rasos, servindo apenas para fazer piadas ocasionais, as quais funcionam de vez em quando. Além disso, os obstáculos presentes nessa trama são resolvidos facilmente, além de dependerem de várias conveniências para prosseguir. Essa disparidade entre as duas histórias paralelas acaba prejudicando um pouco a experiência de imersão no filme. 

Em relação aos protagonistas, Kong é o que possui maior destaque, afinal, ele é o monstro que está do lado dos humanos. É interessante esse foco, pois o roteiro de Eric Pearson e Max Borenstein utiliza os seus dramas e a sua jornada para expandir esse universo de monstros, criando situações instigantes, cenários bacanas e até mesmo uma mitologia curiosa, as quais podem ser exploradas em um futuro longa-metragem. Godzilla não é tão explorado, até porque ele já possui dois filmes anteriores. Nessa história, ele serve mais como um antagonista e um rival na maior parte da trama, um papel muito bem desempenhado, uma vez que representa uma grande ameaça a todos os personagens.

Mas enfim, vamos falar do que realmente importa, que é a briga entre ambos. Nesses momentos, o filme realmente brilha e mostra ao que veio, uma vez que todas essas cenas são muito diferentes entre si e muito bem realizadas. Todo soco, chute, raio lançado ou machadada são sentidos pelo espectador, pois o diretor e a equipe de efeitos visuais, comandada por John “DJ” Des Jardin, buscam trazer um peso nas lutas e nos movimentos dos monstros, isso torna mais crível e mortal o embate. 

É muito interessante também que cada cena de combate tem suas peculiaridades, pois o roteiro e a direção buscam novos ambientes e novas armas para que a estrutura das lutas sempre seja diferente. Por isso, em cada embate um deles terá a vantagem, tornando assim mais difícil de prever quem será o vencedor definitivo. 

Ainda em relação a essas cenas de batalha, é interessante se notar que elas são sempre muito dinâmicas, a câmera se movimenta de um lado para o outro, além de mostrar ângulos mais distantes que exploram toda a grandeza e a destruição causada pelos colossos. Por esses vários motivos, a luta é sempre catártica, gerando momentos de pura empolgação com tudo o que está sendo mostrado. 

Um elemento que está diretamente ligado aos combates são os efeitos visuais, que não podem passar em branco sem elogios, afinal eles são surpreendentes. A equipe de efeitos consegue criar monstros muito palpáveis, é perceptível a textura dos pelos do Kong e como elas interagem com o ambiente, as escamas e as guelras do Godzilla também parecem muito orgânicas e vivas, é surreal de tão bem feito. 

Como o filme possui esses monstros bem críveis, consequentemente as lutas também possuem ótimos efeitos, cheios de uma movimentação fluida, frenética e orgânica. A confluência desses colossos com um cenário vivo, o qual também possui efeitos digitais, ajudam a construir cenas de ação que são um grande espetáculo visual.

Por último, os efeitos, além de servirem aos combates, também agregam nos momentos dramáticos dos gigantes de Godzilla vs. Kong, pois esse artifício ajuda a dar expressões faciais, mesmo que simplórias em alguns momentos, aos monstros. Isso é de suma importância para que eles sejam humanizados e que possamos nos importar com o destino deles.

Outro aspecto técnico que serve em favor das lutas é a fotografia de Ben Seresin, que foi responsável por criar iluminações distintas nas cenas de ação, algo que ajuda a diferenciá-las e cria um ambiente visualmente lindo. A iluminação ajuda tanto a diferenciar as cenas, que embora o filme tenha duas cenas que se passam no mesmo cenário, elas se distinguem por uma delas ocorrer à noite, à luz dos prédios, e a outra ocorre no amanhecer, isso é um exemplo prático do quão bom esse recurso é utilizado em Godzilla vs. Kong.

Portanto, Godzilla vs. Kong é um filme com uma história um tanto boba, com alguns personagens bons e outros nem tanto, porém nada disso atrapalha demais a experiência, uma vez que a maioria das situações apresentadas são coerentes e cativantes, além de servirem de apoio ao grande confronto que dá nome ao filme. Todos os embates são excelentes, possuindo efeitos deslumbrantes e dinâmicas de luta muito bem feitas. Em resumo, esse filme é bem empolgante, catártico e divertido, o mais puro entretenimento.

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Mesmo com cortes na cultura, educação, nossa agência do audiovisual parada, o Brasil saiu vitorioso no mês passado. Bom, ao menos lá fora. O festival mais importante do cinema, a 79ª edição de Cannes, homenageou Agnés Varda na capa e ocorreu entre os dias 14 e 25 e premiou e muito o cinema nacional.

Todo mundo esperava por um protesto (e até teve!) à altura do de 2016, quando o elenco de Aquarius levantou cartazes denunciando a situação de impeachment que acontecia no Brasil, com a ex-presidente do Brasil, Dilma Rousseff. Esse ano, Kléber já anunciava: Bacurau é o protesto e fala sobre o Brasil. Surpreendeu e agradou, levando o prêmio do Júri e dividindo a honraria com o francês “Les Miserables”. Fazendo companhia, A Vida Invísivel de Eurídice Gusmão, de Karim Aïnouz levou venceu a Mostra Um Certo Olhar, paralela à oficial, com filmes mais experimentais.

Nos bastidores, a RT Features, importante produtora brasileira, lançou 3 títulos, entre eles o já mencionado de Aïnouz, o psicóligoco thriller estrelado por Robert Pattison e Willem Dafoe, The Lighthouse e Port Authority, drama queer da nova iorquina Danielle Lessovitz.

Enquanto o caos aqui ainda reina, podemos afirmar: nosso cinema ainda vive! Sem mais delongas, seguimos com nossa tradicional seleção de destaques do mês na sétima arte, dessa vez com adição de duas séries de TV que se despediram em maio, confiram!

Ana Laura Ferreira, Egberto Santana Nunes, Gabriel Soldeira, Jho Brunhara, Vitor Evangelista

Pokémon: Detetive Pikachu (2019, Rob Letterman)

A primeira investida live-action da saga Pokémon chegou aos cinemas carregada de fofura e uma dose de nostalgia. Com Ryan Reynolds como voz do icônico Pikachu e Justice Smith como seu parceiro por acidente, Tim Goodman, o longa aposta em um roteiro menor e enxuto.

Ao investigar a morte de seu pai, Tim encontra Pikachu no apartamento que morava na infância, e descobre que os dois trabalhavam juntos como parceiros em investigações criminais. A partir daí o filme se desenrola sobre plot twists de vilões e um humor comentado a la Deadpool – censurado, é claro.

Detetive Pikachu diverte, mas se explica demais. Claro que é um filme direcionado para crianças, mas em alguns momentos a classificação indicativa cai para cinco anos. Tudo tem que ser repassado, todas as informações são relembradas a todo momento e o potencial de fazer um live-action que agrade tanto os fãs mais novos e os mais antigos se perde.

Apesar de todas as frustrações, vale o entretenimento. Alguns Pokémon são fofos, e o mundo fantástico criado no longa que une humanos aos parentes do Pikachu resgata o sonho de todas as crianças. Mas vá sabendo que algumas cenas poderiam estar também em Dora, A Aventureira.  – Jho Brunhara

Godzilla II: Rei dos Monstros (2019, Michael Dougherty)

Godzilla é um ícone pop incontestável. Criado para metaforizar ataques nucleares e a radiação do Oriente, Gojira ganha seu segundo filme do universo compartilhado dos Kaijus (os Grandes Titãs, monstrões).

Com um extenso e mal aproveitado elenco, o filme não se sustenta em ponta alguma. Enquanto o núcleo humano é antipático e cheio de firulas de roteiro, Rei dos Monstros faz pouquíssimo uso do que poderia ser sua salvação: a treta de Titãs.

As lutas são bem fotografadas e iluminadas, mas não compensam a investida de duas horas. Vera Farmiga e Sally Hawkins não têm quase nenhum material para trabalhar; Charles Dance é raso como uma piscina infantil e Milly Bobby Brown ainda não desabrochou. Pode esperar tranquilo o torrent. – Vitor Evangelista

A Gente Se Vê Ontem (2019, Stefon Bristol)

É bem triste que o único longa de viagem no tempo protagonizado por pessoas negras tenha como principal acontecimento e causa a salvação de um dos personagens de ser morto pela polícia. É gritar por mais escritores e diretores negros produzindo. Mas, ao mesmo tempo, é bom ter essa ideia, esperta e genial, trazida para as telinhas.

Na produção original da Netflix produzida por Spikee Lee, C.J. Walker (Eden Duncan-Smith) e Sebastian Thomas (Dante Crichlow) são dois amigos prodígios que estão montando uma pequena máquina do tempo para a feira de ciência, quando na volta de uma festa, o irmão de CJ, Calvin Walker (Astro) é confundindo com um ladrão e morto por um oficial. A partir daí, eles enxergam como uma oportunidade de testar o empreendimento e mudar o passado.

O que se segue são sequências de viagens, entre falhas e aprendizado. A dinâmica entre os amigos é bem desenvolvida, porém nas poucas horas do longa, as viagens cansam e se esgotam, terminando em um final nada memorável e incerto. No entanto, esses defeitos não sobressaem o objetivo principal da obra: discutir os efeitos que a violência policial tem na população negra jovem.

A curta duração também age de bom feito, sendo assim, atinge todos os públicos e acaba sendo uma boa pedida para quem se perde no catálogo de mesmice da Netflix. Uma boa direção, que não explora além do suficiente e entrega a mensagem da maneira correta. – Egberto Santana Nunes

Cemitério Maldito (2019, Kevin Kölsch, Dennis Widmyer)

Depois de 30 anos mais uma adaptação de “O Cemitério” de Stephen King foi lançada. O livro é ótimo e muito sombrio, faz incríveis leituras sobre luto e como lidar com a finitude da vida. A adaptação de 1989 é um tanto limitada, talvez devido a algumas atuações ruins ou à falta de sensibilidade do roteiro e direção que causa falta de empatia com aquela família e não um real senso de perigo quanto a ameaça do filme, porém não é de toda ruim, tendo sido elevada a um clássico pelos cults de plantão. Mas o que os diretores Kevin Kolsch e Dennis Widmyer conseguiriam trazer de novo para essa história. (?)

Bem, o filme tem momentos bem tensos e um senso de urgência nos instantes críticos. Mesmo anunciando o que vai acontecer ele ainda o faz de uma forma que incomoda quando o fato realmente acontece na sua frente. E faz uma mudança muito acertada quanto ao antagonismo, que no livro funciona muito, mas no filme de 89 é complicado. A mudança da personificação do mal e de como ela afeta e ataca os personagens fez a história cair muito melhor numa tela de cinema.

As atuações são eficazes, você sente muito mais peso nas ações dos personagens e se importa muito mais com o que acontece a eles (destaque para Jeté Laurence e John Lithgow). Por mais que o arco da mãe não tenha ficado bem resolvido é muito útil ao terror. Os diretores usam cenas meio jogadas com alucinações no meio do segundo ato que mesmo assim te fazem se segurar na cadeira. E por mais que tenha problemas, o arco é bem utilizado pelo antagonismo no terceiro ato. É importante destacar que as crianças mascaradas que foram muito usadas nas publicidades do filme são totalmente sem propósito e na história servem apenas como um artifício barato e injustificado.

É uma adaptação muito mais fiel ao clima do livro que necessariamente tudo o que acontece nele, tendo mudanças significativas no enredo, o que é compreensível quando se trata de adaptações para o cinema. Porém, talvez não tenha trabalhado ao máximo o material fonte como Stanley Kubrick fez com “O Iluminado” de 1980, que mesmo com muitas mudanças (tendo conseguido até o ódio de Stephen) o verdadeiro terror do livro foi totalmente exposto nas telas.

Cemitério Maldito é um mergulho um pouco mais intenso na obra original de Stephen King, mas mesmo tendo pontos positivos quanto a atmosfera e atuação, é mais um filme de terror esquecível e mediano na lista imensa de adaptações do autor. Dá pra passar o tempo, mas não traz nem de longe o pessimismo e o peso dramático do livro que King quase não publicou. – Gabriel Soldeira

Nosso Último Verão (2019, William Bindley)

Mais uma vez, a Netflix aposta em um filme adolescente que poderia facilmente estar na Sessão da Tarde. Simples, Nosso Último Verão tenta seguir os passos de A Barraca do Beijo e Para Todos os Garotos que Já Amei, mas dessa vez o plano não foi tão bem executado. O roteiro fraco, que tenta acompanha várias histórias simultaneamente, se perde ao nunca se aprofundar em alguma.

O excesso de personagens, que não ganham o devido tempo de tela, faz com que o filme se torne superficial e um pouco entediante por consequência. Com grandes estrelas teen do momento como KJ Appa de Riverdale, Tyler Posey de Teen Wolf e Maia Mitchell de The Fosters no elenco, o longa desperdiça todo o potencial dos atores. Outro grande problema aqui é o desenrolar da trama, que parece se dar apenas por obra do acaso, sem nenhuma consequência para as ações dos personagens.

Sem muitos pontos positivos para serem destacados, Nosso Último Verão cumpre sua proposta de apresentar diversas histórias de verão, mas, assim como aconteceu com Sierra Burgess é uma Loser, tem tudo para ser rapidamente esquecido. – Ana Laura Ferreira

Meu Eterno Talvez (2019, Nahnatchka Khan)

Essa é mais uma comédia romântica que entra para o catálogo da Netflix. Porém, diferente das que já estamos acostumadas, Meu Eterno Talvez traz novos elementos que complementam o clichê do filme. Com uma trama coesa, que se desenvolve rápido mas sem atropelos e com personagens carismáticos, o filme é uma das melhores produções originais do mês.

O elenco, quase que inteiramente composto por atores asiáticos, e o humor do filme lembram o sucesso Podres de Ricos (2018). Mas, neste caso, o grande destaque cômico fica por conta de Keanu Reeves, que interpreta ele mesmo no filme, ou pelo menos uma versão excêntrica de si mesmo. Mostrando que o John Wick também tem talento para a comédia, ele é responsável pelos momentos mais engraçados.

O roteiro simples ajuda o longa que consegue desenvolver bem os personagens e suas relações em pouco tempo. Sem excessos ou desperdícios, Meu Eterno Talvez peca um pouco nas incríveis coincidências que desencadeiam os acontecimentos do filme, mas ainda assim ele cumpre bem o que promete sem nunca perder seu característico humor sarcástico. – Ana Laura Ferreira

Veep – 7ª Temporada (2012 – 2019, Armando Ianucci)

Faltam palavras para descrever a genialidade pessimista de Veep, mas vamos lá. Após um hiatus maior (por conta do câncer da protagonista), a comédia chefe da HBO se despediu em um ano menor mas vigoroso e irreverente como sempre.

Enquanto Selina Meyer (Julia Louis-Dreyfus) luta para recuperar o cargo maior do EUA, sua trupe lida com todos os pepinos e abóboras que a ex-Veep coloca em seu caminho. Todo o elenco brilha. Não há sequer um ator ali no meio que não esteja no auge das personagens.

O Emmy, sem dúvida, voltará para as mãos da recordista Dreyfus e de Armando Ianucci, o criador do seriado. Não me surpreenderia se a brilhante Anna Chlumski também saísse premiada por sua hilária Amy Brookheimer. As piadas continuam ácidas e depreciativas, rápidas e cheias de camadas. Ninguém sai ileso.

Até mais, Veep. E obrigado por tudo. – Vitor Evangelista

The Big Bang Theory – 12ª Temporada (2007 – 2019, Chuck Lorre e Bill Prady)

Maio foi mês de chororô e despedidas. Game of Thrones se foi, Gotham e Veep também. E também chegou a hora da sitcom mais assistida da TV americana, The Big Bang Theory.

Uma das comédias mais longas da TV, a história dos cientistas da Califórnia cresceu pra se tornar uma celebração da cultura nerd. Sempre referenciando o que reverberava aqui no mundo real, Leonard (Johnny Galecki), Sheldon (Jim Parsons), Penny (Kaley Cuoco) e companhia alongaram sua estadia na rede CBS, visto que a ideia inicial eram apenas dez temporadas.

O décimo segundo ano não foi bom. Cheio de tramas paralelas e que atrasavam o passo narrativo dos amigos e suas esposas, Big Bang parecia acanhado e acovardado de entregar o que os fãs esperaram por tantos anos. O plot do Prêmio Nobel de Sheldon e Amy (Mayim Bialik) era cada vez mais escanteado ou repuxado para dar lugar a releituras de conflitos passados, como a relação Howard (Simon Helberg) e Raj (Kunal Nayyar) ou a amizade de Penny, Amy e Bernadette (Melissa Rauch).

Mas o final compensa, ou pelo menos adoça. A series finale abraça aqueles que persistiram e assistiram aos duzentos e setenta e nove capítulos entoando a clássica abertura na cabeça. Foi uma baita jornada. – Vitor Evangelista

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