Mariana Bezerra e Stephanie Cardoso

Na noite de 28 de outubro, o Cultura Artística, em São Paulo, foi tomado por flashes, tapete vermelho e uma plateia ansiosa para a exibição de O Agente Secreto durante a 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. A sessão contou com a presença do elenco e uma recepção calorosa – um marco simbólico para um filme que já nasceu com vocação internacional. Depois de brilhar no Festival de Cannes e ser escolhido para representar o Brasil no Oscar, o novo longa de Kleber Mendonça Filho vem consolidando o diretor como uma das vozes mais originais e respeitadas do cinema contemporâneo.

A produção tem chamado a atenção da crítica por sua narrativa envolvente, que mistura fato e ficção. Desde sua estreia, o longa tem provado que o Cinema nacional consegue dialogar com grandes plateias internacionais sem perder sua identidade. Ao revisitar momentos significativos da história brasileira, a obra apresenta personagens complexos e situações que estimulam reflexão, mostrando que produções brasileiras podem ter relevância e impacto globais. A repercussão em festivais, as indicações a prêmios e o interesse crescente do público reforçam a força criativa e narrativa do Cinema do país.

No dia da coletiva de imprensa em São Paulo, o roteirista e o ator protagonista Wagner Moura foram indicados para o Gotham Awards nas categorias de Melhor Roteiro Original e Melhor Performance de Protagonista, respectivamente. Apesar de não influenciar diretamente na nomeação ao Oscar, essa premiação, cuja votação é feita por críticos e representantes do Cinema Independente, abre a temporada de premiações. Esse bom começo aliado a decisão já estabelecida pela Academia de Cinema Brasileira de que O Agente Secreto será o representante nacional no Oscar pode ser o aval, ainda que incerto, para uma visão otimista em relação a futuras nomeações.

Para o diretor Kleber Mendonça Filho, a obra vai muito além do entretenimento imediato, como comentou em entrevista ao Persona: “Para o público mais jovem, eu quero muito que vejam O Agente Secreto, mas não é só O Agente Secreto, eu quero que vejam o cinema brasileiro como um todo, porque é muito bom quando a gente se identifica com uma coisa que foi feita aqui. Quando você vê uma boa história e bem contada do Brasil, acho que isso se torna um elemento extremamente forte”. O comentário ressalta não apenas a intenção de atrair novos espectadores, mas também de fortalecer a relação do público com a cultura audiovisual nacional, mostrando que histórias locais podem ser universais em suas emoções e dilemas.

A produtora Emilie Lesclaux, compartilha essa perspectiva e acrescenta outra dimensão ao sucesso do longa: “Então, fiquei muito feliz. A gente nunca sabe, quando termina um filme, como vai ser esse encontro com o público, com a crítica e com os festivais. Já em Cannes, sentimos que havia algo acontecendo, algo bem interessante. A cada novo festival, é uma nova alegria, porque cada lugar e cada cultura se comunica de um jeito próprio”. Além disso, ela observa que o sucesso do longa de Walter Salles, ganhador do Oscar de Melhor Filme Internacional, ajudou a preparar o público para receber esta nova produção: “Eles tratam do mesmo período, da mesma década de formas muito diferentes, mas é como se, pelo sucesso gigante de Ainda Estou Aqui (2024) muita gente já tivesse aprendido sobre essa época da história do Brasil, aqui e fora. Então, é muito interessante chegar um ano depois com essa preparação”.

O Agente Secreto é composto por um elenco de renome, à começar por Wagner Moura, que vem participando ativamente da campanha nacional e internacional de divulgação da produção. Na coletiva de imprensa em São Paulo, o ator reforçou a posição do diretor sobre a importância do cinema nacional: “Um país precisa se ver na sua cultura. Nenhum país se desenvolve sem se olhar […] O cinema brasileiro é quase documentarista, que nasce tentando entender ‘que país é esse?“. Em relação ao trabalho com KMF, o artista se mostrou realizado com o projeto: “Eu nasci para trabalhar com Kleber […] Existem diretores que são muito bons, mas que não são cinéfilos. São ótimos diretores, mas não têm a gramática do cinema. Ele [Kleber] tem”. 

Além disso, Moura ressaltou algo que vem abordando em entrevistas recentes: esse é seu primeiro filme, em 12 anos, falando em português. Ele definiu o processo de não apenas atuar em seu idioma, mas de fazê-lo em Recife como um dos mais felizes de sua vida profissional; “Resumindo: foi massa”, completou o ator. Durante o evento, a relação entre o elenco pareceu, de fato, ter surgido de uma experiência feliz, especialmente entre Tânia Maria, que interpreta Dona Sebastiana, e Wagner, a quem ela chamou de ‘professor’. Com pouco tempo de experiência nas telas, o nome da potiguar surgiu na lista da Variety de possíveis indicações ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. Dona Tânia, como ficou conhecida após o sucesso nas redes sociais – e na crítica – comentou que Kleber, como diretor, é ‘incomparável’. 

Segundo análise feita pela Folha de S. Paulo, em 2023, a média de idade das atrizes indicadas ao Oscar vem aumentando gradativamente nas últimas cinco décadas. É nesse contexto otimista, porém, ainda desafiador, que Dona Tânia se insere; a artista de 78 anos teve a sua estreia na atuação em Bacurau (2019), outro filme de Mendonça. Nesse sentido, a sua jornada se torna inspiradora para colegas de profissão, como Alice Carvalho, a Fátima de O Agente Secreto: “Eu tô com 29 anos, tenho algumas amigas com 38, 40, 41, 42 [anos] que são, muitas vezes, tomadas pelo sentimento de que a carreira acabou […] E pra mim, tem um valor imenso estar aqui nessa sala com vocês querendo saber quem é Dona Tânia. E tenho certeza que ela vai fazer um monte de filme daqui pra frente e isso vai ser muito importante para a minha geração e das meninas [outras atrizes] que estão aqui”. 

Carvalho, durante o Tapete Vermelho, também comentou, em entrevista ao Persona sobre o sentimento em relação a esse projeto: “Quando eu assisti em Cannes, fiquei tão orgulhosa e tão feliz do tamanho da pessoa que Kleber é, porque tem que ser uma pessoa muito grande para fazer um filme como esse. Para ser um grande artista tem que ser uma grande pessoa. E fiquei muito orgulhosa de estar dentro disso”. A atriz acrescentou que não imaginava a tamanha proporção que a popularidade da produção iria ganhar e que acredita que a obra cumpriu o seu papel de se comunicar com as massas.

Representando os antagonistas da trama, estavam no evento Gregório Graziosi, Robério Diógenes e Gabriel Leone. O último falou sobre o desafio de interpretar Bobbi, um assassino de aluguel contratado para matar Marcelo, o personagem de Wagner Moura: “Para mim, enquanto ator, é um barato, porque você constrói um outro lado, um lado que, obviamente, eu não me identifico. Mas é o tipo de desafio que eu gosto, que é de você entender que aquele cara ali, como tantos que existiam na época e tantos que existem, com comportamentos e com uma cabeça semelhante à do meu personagem”. Leone se refere a atividade criminosa de seu personagem, mas também ao alinhamento dele com figuras que simbolizam a discriminação é xenofobia no filme. “Para mim, enquanto ator, é isso que me interessa:  investigar, encontrar o ser humano por trás daquilo; as sutilezas e os detalhes. Isso para um ator é sempre muito interessante”, acrescenta.

Também marcaram presença nesse evento os atores Geane Albuquerque, Suzy Lopes, Laura Lufési, Isadora Ruppert, o preparador de elenco Leonardo Lacca, entre outros membros da equipe. Outra figura importante que estava tanto no tapete vermelho, como na coletiva foi a ‘perna cabeluda’, uma lenda urbana pernambucana que faz parte da história de O Agente Secreto. O filme estreou no dia 6 de novembro nacionalmente e também em cinemas da Alemanha e de Portugal.

O post O Agente Secreto: pensado para que o Brasil visse a si mesmo, abriu portas no mundo todo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Livia Queiroz 

Em Abril de 2024, um dia antes do marco de 30 anos da morte de Ayrton Senna, a Netflix divulgou um teaser oficial com um trecho da minissérie em homenagem ao piloto automobilístico, feita em parceria com a Senna Brands e a família do brasileiro. Após seis meses, a plataforma de streaming postou o trailer, para anunciar que a produção, dirigida por Julia Rezende e Vicente Amorim, seria lançada em Novembro. O Brasil esperou, com muita expectativa, pela oportunidade de voltar no tempo para reviver a era de esperança, carinho e vitórias dentro da Fórmula 1. 

No entanto, não foi exatamente isso que a obra entregou ao público. Ela foi dividida em seis episódios, cada um representando um momento da vida de Ayrton Senna, desde sua fase no karting, o trabalho com o pai, a convocação para a Fórmula Ford, a  ascensão na Fórmula 1 e sua trágica morte. A minissérie é construída de uma maneira semelhante à forma como ele levava a vida: de forma acelerada. Porém, algumas situações incomodaram, entre elas, a falta de cenas de corrida, do esporte em geral e o excesso de trechos sobre suas paixões na vida pessoal, incluindo um episódio focado em Xuxa, com quem o piloto se relacionou entre 1988 e 1990. Além disso, é notável uma suavização do caráter e personalidade do ícone. Onde está o atleta inconsequente e irritante nas pistas e reuniões? Cadê o senso de humor duvidoso e os meios sorrisos?  

Ícones do esporte, como Niki Lauda, Alain Prost, James Hunt, Michael Schumacher e Rubinho Barrichello, são apresentados ao longo dos episódios. Além deles, uma pequena passagem do piloto Nelson Piquet e outras personas da Fórmula 1, como o polêmico Jean-Marie Balestre e o adorado Ron Dennis, também fazem aparições. Esses personagens foram adicionados à minissérie não só para reproduzir a história do esporte, mas também para mostrar a importância e o papel de cada um deles na trajetória do brasileiro até virar uma lenda e tricampeão do Campeonato de Pilotos (The Drivers Championship), nos anos de 1988, 1990 e 1991.

Algumas invenções também foram colocadas no roteiro – produzido por Álvaro Campos, Gustavo Bragança, Rafael Spínola, Thaís Falcão e Álvaro Mamute – com a intenção de expressar metáforas de relações que Ayrton Senna tinha com alguns grupos sociais. Laura Harrison (Kaya Scodelario), por exemplo, foi criada para se referir ao vínculo que Senna teve com os jornalistas da época, desde os elogios e encantamento com seu talento às críticas pelo seu jeito e atitudes ao pilotar. Outra representação é Marcelo Silva (Anderson Amorim), um fã que o assistia desde pequeno até sua juventude, quando o piloto morreu, e foi apresentado como uma analogia e homenagem ao público, que o olhava com admiração e carinho. 

Além do que é mostrado e desenvolvido, houve omissões de eventos e relações, a exemplo da paralisia facial de Ayrton Senna, a rivalidade do automobilista com Piquet e, como adicionaram Lilian Vasconcellos e Xuxa, nada mais justo do que abordar com devida atenção o último amor da vida do piloto: Adriane Galisteu. Todavia, a ausência de uma menção à  ‘melhor volta da Fórmula 1’, em 1993, foi a mais revoltante, pois foi a partir dela que o mundo viu verdadeiramente a qualidade e o talento do brasileiro nas pistas molhadas, recebendo o apelido de ‘Rei da Chuva’. 

Entretanto, a atuação de Gabriel Leone é fenomenal: a imitação dos trejeitos de Senna, a voz, seu inglês com sotaque puxado e o semblante de concentração fizeram com que o público visse, por muitas vezes, o piloto ali, na tela da Netflix. E, claro, a caracterização dos personagens – feita pela figurinista Cris Kangussu e o caracterizador Martín Trujillo – deve ser elogiada, já que todos os atores ficaram muito parecidos com suas referências. Pâmela Tomé, por exemplo, ficou semelhante à ‘Rainha dos Baixinhos’. 

Dentre os personagens coadjuvantes mais marcantes, temos Alain Prost, um piloto francês que marcou a vida de Ayrton Senna, tanto em bons momentos quanto ruins. A série conseguiu retratar muito bem a relação que tiveram, com direito a cenas de momentos icônicos da Fórmula 1 protagonizados pelos dois. Um deles foi a ‘quase’ vitória sobre o europeu em 1984, quando Senna estreou em Mônaco, com chuva intensa e óleo na pista, em uma Toleman no 13º lugar. Após ultrapassar todos os pilotos e ficar em 2º – somente atrás do automobilista gaulês –, o presidente da FIA, Jean-Marie Balestre, e o diretor de prova Jacky Ickx, decidem encerrar a corrida devido à tempestade. O latino estava a menos de sete segundos de outro carro, que desacelera após a decisão e o brasileiro ultrapassa, mas a regra dizia que o piloto que estivesse na frente na volta anterior seria o vencedor. 

Outra bela representação é a batida proposital do brasileiro em Alain Prost no Japão, em 1990, quando Ayrton Senna disputava pelo bicampeonato mundial com seu ex-companheiro de equipe. Assim como mostrado na tabela da competição na série, ele chegou em Suzuka com 78 pontos e o francês com 69, e bastava o europeu não terminar uma das duas últimas corridas (Japão e Austrália) para levar o título. Dito e feito, depois da largada o piloto, ao invés de ultrapassá-lo, girou o carro para a esquerda na direção de Prost, resultado: ambos fora da corrida, uma briga intensa nos boxes – como relatado na série – e Senna bicampeão mundial. Um mês depois, admitiu que bateu de propósito e que foi um “erro de avaliação”.

No quinto episódio, intitulado Herói, a produção mostra, sem dúvidas, a melhor e mais emocionante cena dentro das pistas. Em um MP4/6, com uma velocidade de mais de 300 km/h, o piloto teve a maior parte de suas marchas quebradas na volta 52 em Interlagos, mas continuou a corrida apenas na sexta marcha até vencer pela primeira vez no Brasil, em 1991. O trajeto foi tão difícil que os gritos dele – os ouvintes pensavam ser de alegria – eram de dor. Fora a cena refeita, a narração de Gabriel Louchard como Galvão Bueno foi tão boa que, em certos instantes, é possível interpretar que é um replay do áudio verdadeiro. 

Assim como verbalizado ao longo da minissérie, Ayrton Senna foi uma grande inspiração para todo o Brasil, desde sua dedicação pelo que era apaixonado – o que se convertia em vitórias e, portanto, felicidade a um povo tão competitivo como o brasileiro – até sua vontade por tornar seu país melhor, que se desenvolveu na criação do Senninha e do Instituto Ayrton Senna. O piloto tornou-se uma figura tão importante no território nacional que, no dia de seu velório – público por opção da família para todos se despedirem –, foram registradas cerca de 500 mil pessoas no local e o Governo decretou luto oficial de três dias. 

A produção – realizada pelos irmãos Caio e Fabiano Gullane – é uma belíssima homenagem a uma nação viúva da estrela do automobilismo mundial, causando tremenda nostalgia nos seus espectadores. No entanto, a obra peca ao priorizar e exagerar em elementos fúteis de dramatização nos momentos marcantes da carreira profissional do piloto. Além disso, a ausência de conquistas históricas, pessoas importantes em sua vida e a omissão de certos eventos da Fórmula 1 desapontam. Caso outras escolhas tivessem sido feitas, podemos dizer que Senna teria vencido a corrida se não fosse pela derrapagem. 

O post Senna: pilotando pela homenagem, nostalgia e ausência apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Teixeira

Quatro anos após o início de suas gravações, a aguardada comédia romântica Eduardo e Mônica chega aos cinemas reverenciando não só a música de Renato Russo, clássica brasileira que inspirou o filme, mas também o amor e o respeito às diferenças. O longa, dirigido por René Sampaio e estrelado por Gabriel Leone e Alice Braga, narra a história do jovem vestibulando e da médica independente que se cruzam na tal festa estranha com gente esquisita e mostram que, definitivamente, os opostos se atraem. Ele, que assiste novela e joga futebol de botão com o avô, em contraposição se apaixona por ela, que bebe conhaque e gosta do Bandeira, Bauhaus, Van Gogh, Mutantes, Caetano e de Rimbaud. 

Ambientado em Brasília durante o retorno à democracia após o Golpe Militar de 1964, o enredo retrata a situação política do Brasil nos anos 80, sempre presente nas composições do músico. Eram tempos sombrios, onde a polarização política tomava conta da sociedade e da Arte nacional.. A união do contexto histórico com os ideais da chamada Geração Coca- Cola potencializa ainda mais as diferenças entre o casal no longa, trazendo as figuras paternas dos protagonistas como oponentes, sendo o pai de Mônica um militante exilado, e o avô de Eduardo um militar aposentado que hoje chamaria o golpe de revolução. 

O primeiro clímax deste conflito ocorre na ceia de natal, onde Seu Bira (Otávio Augusto), integrante da direita conservadora, faz duras críticas à militância esquerdista e ao pai da mocinha, que acabara de falecer. A contrariedade de ideais pesa no romance, que vivia seus primeiros momentos. A primeira data comemorativa que o casal passa juntos rompe com as expectativas criadas por eles e põe em confronto suas maiores sensibilidades: as relações familiares.

A partir disso, o roteiro de Matheus Souza, Claudia Souto, Michele Frantz Jessica Candal e Gabriel Bortolini e a direção levam o público às lágrimas ao explorar brilhantemente as divergências do casal, essas que escancaram o peso de serem diferentes. A comoção se dá sobretudo à construção das personagens, que é feita majestosamente. Para além do romance, destaca-se a individualidade de ambos, que se mostram tão apaixonantes quanto na letra da canção de Renato Russo, fugindo das limitações clichês do casal perfeito. Perfeitamente imperfeitos. “O filme fala, entre outras coisas, sobre como é possível amar e respeitar quem pensa muito diferente de você. Todos nós já fomos em alguma medida o Eduardo ou a Mônica em alguma relação”, afirma o diretor de Eduardo e Mônica, René Sampaio.

Para ele, trazer o universo de Renato Russo às telonas não é novidade. Em maio de 2013, o cineasta levou ao cinema a adaptação cinematográfica de Faroeste Caboclo, que compôs o icônico disco Dois (1986), e contou com Fabrício Boliveira, Ísis Valverde e Felipe Abib nos papéis principais. Sampaio ainda estuda uma terceira adaptação baseada no repertório da banda, sempre magnífico e cênico. Independente de qual canção seja a escolhida, a certeza que fica é que se o novo longa-metragem seguir o padrão de excelência, colherá também o sucesso nas bilheterias.

No longa, também se destaca a fidelidade do roteiro à música e a personalidade construída nas personagens. Os momentos em que a liberdade individual acerca do romance é pautada são muito bem desenvolvidos, fazendo com que os telespectadores compreendam Eduardo e Mônica e ampliem suas visões sobre o que realmente é amar e ser livre. A sensibilidade promovida engrandece a obra através da verdade transmitida. O que os olhos veem é aquilo que os ouvidos escutam. 

“Era importante sermos fiéis ao espírito do Renato. E das músicas compostas por ele, esta é a mais solar. A ideia, então, foi manter essa energia”, declarou a roteirista Bianca de Felippes. E assim foi. A proposta entregue segue firme no que o vocalista do Legião Urbana trouxe ao criar a canção baseada no romance de Leonice de Araújo Coimbra e Fernando Coimbra — embora o casal já tenha declarado que não se identifica com a letra, mas que possui uma forte ligação afetiva com o hino.

Produzida em tempos onde a Arte nacional viveu dias melhores em que haviam maiores investimentos públicos no setor cultural brasileiro, a adaptação gravada em 2018 e prevista para estrear em 2020, chega ao grande público tarde, mas na hora certa, dando brilho à reabertura das salas de cinema durante a pandemia. Em meio à ascensão da comédia nacional, uma produção exímia como Eduardo e Mônica ressalta a magnitude da Arte brasileira e de seus profissionais, que brilharam desde a preparação de um elenco afiadíssimo até o jogo de câmeras. Tudo anda no tom, não há exageros e nem ausências. 

Inegavelmente, Eduardo e Mônica é um dos maiores acertos do universo cinematográfico nos últimos anos e tem um futuro promissor nas grandes premiações, já tendo ganhado merecidamente um prêmio no Edmonton International Film Festival, na categoria de Melhor Filme Estrangeiro. E, com maestria, o enredo reforça a mensagem passada na composição da música há trinta e seis anos: o amor sempre fala mais alto.

O post Eduardo e Mônica: o amor sempre fala mais alto apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nicole Saraiva

“Loirinho não p****, meu nome é Pedro Dom”

A história do bandido gato inimigo número um do Rio de Janeiro foi curta, mas fez muito sucesso nas manchetes brasileiras no começo dos anos 2000. Pedro Machado Lomba Neto e sua gangue foram conhecidos e temidos por conta de assaltos realizados em edifícios de luxo e esquemas de corrupção policial na zona nobre fluminense. O conhecido como Pedro Dom também sofria com o vício em drogas desde muito novo, tendo passado por diversas internações ao longo de seus 23 anos de vida, fato que é abordado durante o desenvolvimento do personagem na nova produção nacional do Amazon Prime Video, DOM.

Cheia de nuances e detalhes, essa história chegou nas mãos talentosas do cineasta Breno Silveira, muito conhecido pelo sucesso 2 Filhos de Francisco, ao ser procurado por Luiz Victor Lomba, um policial da reserva que, nos anos 70, se aliou ao exército no combate da chegada de cocaína no Brasil. O pai de Pedro Dom gostaria de contar a vida do filho em uma tentativa de retratar um outro lado dessa figura tão emblemática na história do crime organizado do Rio de Janeiro. Os próximos passos você já sabe: a série DOM foi lançada no dia 4 de julho, bateu recordes de audiência e, hoje, carrega o título de produção internacional original mais assistida da plataforma. Inclusive, já foi renovada para uma segunda temporada.

A série baseada em fatos reais surpreende e emociona, humanizando o caso famoso dos anos 2000. Mas, o que torna DOM esse sucesso nacional? O conjunto da obra. A bela fotografia retrata muito bem a cidade do Rio, e pode lembrar produções como Cidade de Deus, principalmente quando o cenário é o morro, o detalhe da câmera na mão deixa a narrativa bem mais realista. A equipe fez um ótimo trabalho com a ambientação e é perceptível as diferenças conforme as mudanças de época, mas não poderíamos esperar menos da Conspiração, produtora independente latinoamericana muito popular no Emmy Internacional. 

O enredo, que vai além da biografia e da vida do crime, mostra intimamente a relação entre pai e filho, e como a trajetória de Victor e Pedro afetou e desgastou sua família. A trama em si retrata um problema social, o tráfico de drogas, contando isso de uma forma não linear, viajando entre os anos 1970 e 2000, e criando um paralelo de causa e consequência. Sua premissa busca entender porque Victor (Flávio Tolezani), um policial de elite que combatia o crime desde a adolescência, não foi capaz de impedir a cocaína de entrar em sua casa, e o que fez Pedro (Gabriel Leone), seu filho, chegar aonde chegou. 

A série criada por Breno Silveira e dirigida também por Vicente Kubrusly tem uma pegada mais intensa e pode ser muito pesada em alguns momentos, o que torna difícil assistir e digerir tudo de uma única vez, sendo necessário algumas pausas para respirar e refletir o que acabou de ser visto. O debate retratado na tela te faz pensar sobre qual a real extensão do vício, e até que ponto o usuário é capaz de ir para sustentá-lo. Pedro tenta, em diversos momentos, sair da vida do crime e das drogas, mas, como um ímã, ele é atraído de volta para esse universo. A vulnerabilidade que o personagem apresenta não o torna menos violento, e portanto não justifica suas ações agressivas, tornando Dom uma figura imprevisível e instável, que fisga a atenção do telespectador durante as cenas. Essa dualidade do protagonista o torna humano e deixa o público em uma sinuca de bico, pois é possível simpatizar e querer torcer por sua  melhora, mesmo sabendo que ela não virá. A grande sacada de Breno Silveira é não nos deixar esquecer que essa é uma história real com começo, meio e um triste fim que se aproxima. 

Um ponto positivo da produção é a maneira com a qual eles lidam e trazem o racismo incorporado na história, seja nos personagens que veem Lico (Ramon Francisco) como a verdadeira má influência do melhor amigo Pedro, apenas pelo fato de ser um jovem negro, filho da empregada e morador do morro, ou no processo da formação da quadrilha. Pedro Dom e Viviane (Isabella Santoni) eram os responsáveis pela invasão dos condomínios, já que, por serem jovens brancos, loiros e de olhos claros, eles não geravam desconfiança dos seguranças dos locais. Esses elementos mostram como o racismo estrutural está intrinsecamente enraizado na nossa sociedade, por mais que essa palavra não seja mencionada ao longo da história.

DOM tem suas falhas, e o departamento de som é uma delas, já que ele empobrece alguns diálogos, acaba ficando claro em algumas cenas que ele foi inserido depois e o tom já não é mais o mesmo, mas nada que prejudique a experiência do público. A produção também peca em alguns detalhes de caracterização, as lentes de contato azuis usadas por Gabriel Leone são difíceis de engolir, mas você acaba se acostumando ao longo dos episódios devido às ótimas atuações do elenco. 

O que, inclusive, vale uma menção honrosa para a Rede Globo e a Malhação, sua academia de jovens atores, já que boa parte do elenco começou a sua carreira na novelinha. Mas o grande trunfo da produção é o trabalho conjunto de Gabriel Leone e Flávio Tolezani, que brilham em tela como pai e filho, Os dois atores carregam muita química e dinamismo, principalmente nas nuances da diferença entre a adolescência e a vida adulta de Pedro, visto que Leone interpreta o personagem em ambas as fases.

O complexo herói que vemos em Victor origina algumas cenas pouco críveis, o que por vezes incomoda, desafiando a nossa inteligência e nos fazendo pensar “como será que ele saiu vivo dessa?”. No entanto, isso não é culpa do trabalho de Tolezani e sim do roteiro de Breno Silveira, Fábio Mendes, Higia Ikeda, Carolina Neves e Marcelo Vindicatto. Recentemente, chegou ao público uma carta aberta escrita por Érika, irmã mais velha de Pedro Dom, expondo situações que vão além do questionamento de se a produção DOM é boa ou não. 

O fato é que, se tratando de uma história real e, principalmente, de uma história recente, a produção revive anos de traumas e momentos difíceis da vida de uma família. Pedro tem uma irmã, um filho e uma mãe, que não autorizou e nem consentiu com a produção dessa série, e hoje sofre muito com a forma que a trajetória do seu filho foi retratada nas telas. Inclusive, segue lutando na justiça para entender, nas palavras de Érika, como a sua história de vida com seu filho e a morte  do mesmo se tornaram um produto pronto para consumo. Realmente tudo é válido em nome do entretenimento?

A representação amorosa, turbulenta, porém muito devotada ao bem-estar de sua família, retratada através de Victor, seu ex-marido, não condiz com a realidade. Tanto que, de acordo com a família, muito da intimidação e violência que Pedro praticou foram aprendidas com ele. Hoje, Victor Lomba não está mais entre nós, foi vítima de um câncer de pulmão no final de 2018 e acabou não vivendo para ver a produção sendo lançada. Morreram junto com ele os acordos financeiros fechados naquele mesmo ano para DOM, cujo dinheiro dos lucros nunca foi entregue à família. Um dinheiro que deveria estar sendo investido na criação de seu filho Pedrinho, de 16 anos, que está em tratamento psiquiátrico para ansiedade e depressão, e ainda tem que lidar com a procura da imprensa por uma declaração. 

A obra então apresenta uma série de inconsistências com a realidade, o que não seria um problema caso ela fosse apenas baseada em fatos reais, mas ela se vende de maneira quase bibliográfica e se sustenta em apenas um lado da história. Como um entretenimento, isso não prejudica DOM em nada, porém, do ponto de vista humano e empático, ela não deveria sequer existir, quem dera ser a produção internacional mais vista da plataforma. A narrativa não é fiel, ela engana e abre dores muito profundas.

De fato, a vontade da família não foi respeitada, a mãe Nídia Sarmento e a irmã Erika Grandinetti buscaram a justiça em 2019 para impedir a exibição da série, agora lutam para embargar o lançamento de uma segunda temporada. Concluindo, existem muitas problemáticas na produção, mas essas são discussões extensas e profundas sobre um sistema, a indústria cinematográfica em si e a reprodução de narrativas errôneas, o que levaria muito mais do que um texto inteiro. 

O elenco também conta com Laila Garin e Mariana Cerrone, como mãe e irmã de Pedro, respectivamente, que trazem muita emoção para a dinâmica familiar do protagonista, mostrando esse lado humano de que, apesar de um criminoso, o jovem, de fato, tinha uma família que o amava e queria vê-lo em uma melhor fase. Jasmin (Raquel Villar), Viviane (Isabella Santoni), Lico (Ramon Francisco) e Armário (Digão Ribeiro) são os integrantes do Bonde, a quadrilha de assaltantes que aterrorizou o Rio. Eles trazem a ação para a trama, protagonizam algumas das cenas mais intensas e é possível perceber muita entrega dos atores para os personagens. 

Durante o núcleo dos anos 70, temos o incrível Fábio Lago, presente em diversas produções brasileiras de sucesso, – incluindo a recém-lançada Cidade Invisível, da Netflix – interpretando o dono do morro Ribeiro, e Filipe Bragança como o jovem Victor Dantas. Eles fazem uma boa dupla, contracenam bem juntos e funcionam como um spin-off dentro da própria narrativa, lá é possível ver momentos de humor e tensão, e serve para justificar quem o pai se torna no futuro, um homem carregado de traumas adquiridos em seu tempo como policial infiltrado. Os dois intérpretes do Victor em diferentes fases da vida têm um trabalho de construção do personagem muito consistente, visto que Filipe tem um desenvolvimento bem construído em frente às telas e se destaca dentre os jovens atores. 

A série, no geral, é um bom drama policial, cativa, emociona e mantém o ritmo e o interesse do espectador até o último segundo. Quem busca uma boa produção com ação e drama dificilmente não gostará de DOM, e quem vive no Brasil entenderá as diversas problemáticas raciais e sociais que ela aborda. E trabalha muito bem em cena a maneira com a qual a milícia opera no Rio de Janeiro, colaborando para a continuidade do crime organizado. No fim, quem deveria proteger a população coloca seus interesses pessoais à frente e incentiva esse ciclo de violência a continuar. De fato, a história de Pedro Dom é regada de racismo institucional, desigualdade social, corrupção e violência. Uma parte do nosso país que adoramos ignorar. 

O post Muito além do crime: a história de Pedro Dom apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.