Íris Ítalo Marquezini e Nathan Sampaio

Um dos exemplos mais utilizados em escolas para representar o conceito de uma história épica é A Odisseia, de Homero. A trama de voltar para casa, ficar distante da família e reclamar dos sacrifícios que são de heróis por direito fundou muito do que se entende pelo ocidente hoje. Acontece que não só de histórias monumentais viviam os gregos. As tragédias, compostas por pessoas paralisadas pelas teias do destino e de erros fatais irreparáveis, colocavam a audiência na linha tênue entre entretenimento e choque pelo que era representado nos palcos dos teatros. 

Ésquilo, em A Casa de Atreus, demonstra um exemplo de como determinadas crenças, ganância e crueldade podem condenar gerações de uma família a sofrer um ciclo de violência interminável. Duna: Parte 2 continua a mostrar a tragédia que acomete essa mesma linhagem dezenas de milhares de anos depois. A graça do filme é o diretor Denis Villeneuve somar o épico e o trágico igualmente, de uma forma que, como alguns diriam anos atrás, seria impossível. Para uma história com tanto peso na religião, Duna: Parte 2 faz a audiência acreditar que é possível ir ao cinema para presenciar um milagre.

Duna: Parte 2, apesar de ser uma adaptação bastante fiel ao livro, decide focar principalmente em um único tema. A ecologia do planeta é deixada de lado no roteiro, para se debruçar totalmente no tópico do fanatismo religioso em um contexto colonialista. A história avança fazendo com que a audiência se impressione com a escala grandiosa dos eventos, mas tudo é feito para deixar uma ‘pulga atrás da orelha’ de quem assiste. 

Desde o primeiro longa, apresentam-se uma grande variedade de personagens – centrais e coadjuvantes – que não servem apenas para compor cena, pois todos se relacionam com algum aspecto importante do universo criado por Herbert. Porém, o filme de 2021 falha em desenvolver toda essa gama de indivíduos, tornando-os desinteressantes e, em alguns casos, sem propósitos narrativos, o que prejudica o envolvimento do público. Felizmente, o roteiro de Denis Villeneuve e Jon Spaihts amadureceu com o tempo – algo que trouxe arcos melhor estruturados, atrelados a personalidades únicas e marcantes.

Paul Atreides é o personagem que apresenta a melhor evolução, não só entre os filmes, mas também dentro desta sequência. O protagonista começa humilde, empático e concessivo, o que contrasta com a postura mais autoritária e messiânica que surge ao longo da narrativa. E como se não bastasse só o texto bem escrito, a performance de Timothée Chalamet é genial, captando todas as nuances da transformação de Atreides para Muad’dib. Além disso, o ator faz com que as suas falas sejam impactantes, mesmo aquelas que estão em um idioma fictício. 

Um dos melhores e mais importantes arcos dentro de Dune: Part Two (no original) é o de Lady Jessica Atreides, que se aprofunda tanto na mitologia do povo do deserto – os fremen – quanto nas intenções políticas da ordem das Bene Gesserit. A personagem tem relação direta com o tema principal da trama: a religião e como ela pode ser um instrumento muito poderoso de manipulação de massas. Jessica, mãe de Paul Atreides, entende essa questão e é exatamente por isso que decide usá-la ao seu favor, mesmo que isso vá de encontro com as vontades do seu filho. Nesse papel, Rebecca Ferguson entrega uma performance complexa, pesada, que flerta com a vilania, mas que nunca deixa de ser cativante.

Villeneuve e Spaihts souberam muito bem adaptar o material original por não se prenderem apenas em transpor o livro para a tela, mas se desafiarem a alterar acontecimentos e personagens em prol de fortalecer sua narrativa. Lady Jessica, no material base, critica constantemente o caminho messiânico e violento tomado por Paul; enquanto em Duna: Parte 2, a Reverenda Madre está bem confortável com a ideia de manipular os mais fracos e vulneráveis.

No romance de Frank Herbert, Chani (Zendaya) é passiva e se limita em aceitar as decisões do protagonista, o que a torna tanto amante como seguidora do Lisan al Gaib. Por outro lado, a fremen aparece para a audiência nas duas partes da adaptação como uma bússola moral. O longa a transforma em uma descrente das profecias, e essa convicção, unida a sua personalidade segura de si, criam pontos de conflito entre ela e Paul Atreides. Tal decisão torna a interpretação de Zendaya mais interessante e ajuda a engajar o espectador. 

Os antagonistas apresentam um desenvolvimento mais fraco se comparado aos protagonistas, já que todos os Harkonnen compartilham de traços de personalidade similares, como violência, impiedade e sede de poder. O que os torna únicos é o visual absurdo empregado em cada um deles: se não fosse a estética requintada alinhada à interpretação imponente de Stellan Skarsgård, como Barão Vladimir, e Austin Butler, como Feyd-Rautha, os personagens poderiam se tornar genéricos, mas há pinceladas de individualidade o suficiente que os tornam ameaçadores. 

As demais interpretações estão alinhadas com os propósitos da narrativa. Stilgar Ben Fifrawi (Javier Bardem) personifica os fremen que ainda acreditam no Messias cegamente, o que faz com que ele transite entre a figura cômica e aquele irracional pela própria fé incondicional. Já a Princesa Irulan Corrino (Florence Pugh), serve para vislumbrarmos as consequências políticas do primeiro filme, além de atiçar o público para a sequência. As performances mais fracas ficam por conta de Christopher Walken, como Imperador Shaddam IV, e Josh Brolin, que retorna como Gurney Halleck, por causa do menor tempo de tela e pela desconexão com a trama.

A conclusão da trama também melhora no novo capítulo, pois como o primeiro longa deixou um gancho para a sequência, havia a sensação da história parecer incompleta e sem final. Já a segunda parte parece mais inteira, pois possui uma linha narrativa melhor desenvolvida – com início, meio e fim bem delimitados e satisfatórios – tirando o gosto amargo deixado pela experiência anterior. 

Comparado com o primeiro filme, Duna: Parte 2 apresenta um ritmo muito melhor. O longa de 2021 adapta um trecho introdutório do livro original, e apresenta conceitos básicos do universo – o que faz a trama demorar, tornando a narrativa insossa. Já a sequência se beneficia da transposição do clímax da publicação sci-fi para as telonas: a direção de Denis Villeneuve consegue aproveitar bem isso, e faz a história ser impressionante, trágica, intensa, angustiante e, acima de tudo, deslumbrante

Os pontos positivos da Parte 1 se mantiveram neste novo capítulo. O design de produção feito por Patrice Vermette – vencedor do Oscar por Duna em 2022 – continua impecável e encantadora. Nesta segunda parte, mergulhamos ainda mais na cultura fremen, o que permitiu ao diretor de Arte mergulhar ainda mais nas referências de culturas do Oriente Médio somadas às identidades visuais de civilizações Incas e Astecas. A confluência de referenciais foi essencial para criar uma personalidade única e reconhecível ao universo de Herbert.

Um dos momentos mais deslumbrantes de Duna: Parte 2 é a sequência em Giedi Prime, planeta natal dos Harkonnen, que, por decisões estéticas de Villeneuve, foi toda feita em preto e branco, o que remete ao caráter colonizador da dinastia. Dessa forma, Vermette se inspirou em visuais plásticos e oleosos, que lembram o petróleo, e o resultado é um cenário opressor, repulsivo e nojento, características que se encaixam perfeitamente no grupo de antagonistas. 

A cinematografia também possui muitos méritos por essa sequência, pois o diretor de Fotografia, Greig Fraser – que retorna à sequência após ter ganhado o Oscar pelo primeiro capítulo –, se desafia ainda mais neste longa. Para passar a sensação do sol negro que ilumina Giedi Prime, usaram-se câmeras infravermelhas e dessaturação, o que proporcionou às cenas um tom mais natural e opressivo ao mesmo tempo, ajudando a diferenciar a ecologia de cada planeta.

Por mais que haja muitos elementos fantasiosos em cena, Fraser e Denis Villeneuve buscaram manter um viés realista nas filmagens e enquadramentos. Todo o segmento de Paul montado pela primeira vez no verme foi inspirado em vídeos de pessoas mergulhando e enfrentando vendavais, e o referencial mais próximo da realidade junto de closes mais intensos faz com que o espectador se sinta na pele de Muad’Dib.

A direção de Villeneuve do segundo capítulo consegue entregar cenas de ação ainda mais empolgantes que o primeiro, dando o tom épico que Duna merecia. A batalha final é grandiosa e espetacular, e é um deleite para quem se permitiu imergir naquele mundo. O deserto parece mais vivo, e o diretor se inspira em Lawrence da Arábia (1962) para filmar e transformar aquele cenário em um personagem vivo e atuante na trama, algo perceptível durante toda a projeção, principalmente nas interações entre os fremen e Arrakis, que parecem pertencer a uma mesma tribo. 

O único ponto negativo da cinematografia, também presente na Parte 1, é que a sensação de calor do deserto nunca é transmitida para o espectador. Jamais vemos Paul Atreides, Lady Jessica, Stigar ou qualquer soldado Harkonnen sofrer com o sol. Ter essa percepção auxiliaria na construção do mundo, pois os fremen pareceriam mais ameaçadores por viver naquelas condições, além de demonstrar ao público como aquela terra é inóspita. Isso é algo que pode ser melhor visto em outros filmes, como em Mad Max: Estrada da Fúria (2015).

Hans Zimmer retorna para a trilha sonora da sequência, reutilizando muito do primeiro filme, mas sem deixar de expandir o que já foi feito. As músicas aqui servem não só para demonstrar a grandeza e o aspecto único da história, mas também para dar um toque funesto às consequências dos atos dos protagonistas. Reconhecer algumas melodias não incomoda, pois se tem a experiência de ver Duna criar uma identidade sonora própria, bem distante das orquestras sinfônicas europeias que Zimmer conseguiu, com sucesso, se afastar.

As músicas Water of Life e Worm Ride são semelhantes a Gom Jabbar e Ripples in the Sand do primeiro filme, mas possuem diferenças cruciais. Uma das maiores novidades é o ritmo completamente frenético das composições utilizadas pelas cenas de ação, em que o punk da juventude de Hans Zimmer é abraçado, como na trilha Harvester Attack. A brilhante Loire Cotler retorna para fazer o já icônico vocal gutural e, ao mesmo tempo, alienígena para as novas faixas.

A trilha sonora aparece em Duna: Parte 2 para humanizar os sentimentos dos personagens. O primeiro filme falha em não apresentar esse lado emocional e utiliza as faixas principalmente para ambientar o planeta Arrakis. Já a sequência se beneficia muito da soundtrack, que coloca as famílias e os povos apresentados sob a luz de uma série de espectros emotivos.

O maior destaque fica para a belíssima A Time of Quiet Between Storms, utilizada como rima sonora para o romance entre Chani e Paul. A música foi composta por Zimmer com o intuito de representar o conceito de amor – e é possível dizer que o compositor conseguiu. A trilha complementa, por meio do som da flauta duduk, as belezas do cenário desértico do planeta Arrakis, além da relação ingênua e inocente entre os personagens naquele cenário hostil.

A recontextualização da mesma melodia no final do filme, com Kiss the Ring, só reitera as tristes mudanças sofridas por Chani e Paul até o desfecho da história. É possível ouvir sons ao fundo que lembram um martelador, mas se tratam de um coração batendo. A principal impressão que a produção deixa é justamente a de que a direção de Denis Villeneuve finalmente encontrou um caminho que faça a audiência se importar de vez e se maravilhar com o que é apresentado. 

Mesmo assim, Hans Zimmer não rouba o espaço de Richard King, o editor de som de Duna: Parte 2. Os sons de Arrakis são tão bem inseridos na trama que fica fácil esquecer, por alguns segundos, que estamos em 2024 e não a 10 mil anos no futuro. Essa impressão aparece seja pelo barulho das usinas colheitadeiras operando e explodindo, ou pelo rugido jurássico do shai-hulud para os personagens.

Um dos melhores usos de som na narrativa é a característica quase fantasmagórica da Voz. Enquanto no primeiro filme vemos apenas breves momentos do uso da habilidade das Bene Gesserit de controlar a mente das pessoas, a Parte 2 possibilita ver muitas aplicações criativas desse método. Vale menção tanto ao uso dela pela Lady Jessica quanto pelas breves aparições com toque femme fatale de Lady Fenring, interpretada por Léa Seydoux. 

Ainda assim, as combinações sonoras não param apenas nas características alienígenas e futurísticas interagindo de forma plausível com a areia. A mistura entre a cinematografia de uma epopeia e o som de outro planeta nos ajuda a entender o número chocante de seguidores que Paul Atreides conseguia conforme o avançar da história. Ouvir o puxar coletivo das centenas de milhares de dagacrises e sussurros que evoluem para gritos de guerra fiéis ao Lisan al Gaib é uma experiência inesquecível para os ouvidos de qualquer um.

O saldo geral da segunda parte inspirada no clássico de Frank Herbert é de expansão, tanto do primeiro filme quanto do próprio livro original, embora muito da obra fique de fora. Além do maior destaque dado para as Casas Harkonnen e Corrino, e para o universo que cerca essas famílias, em comparação ao longa de 2021, Duna: Parte 2 aprofunda a cultura dos fremen, fazendo uma distinção entre os povos do norte e do sul. Essa decisão é acertada, pois demonstra as diferenças de ideias entre as pessoas daquele povo. 

A melhor decisão da adaptação de Denis Villeneuve é justamente mostrar, sem rodeios para a audiência, o quanto a história proposta é subversiva. Embora Duna tenha muitos arquétipos de histórias de ficção científica – como um herói clássico super poderoso e um povo nativo para supostamente ser salvo –, é a partir da crítica sobre esses tropos narrativos, somada a um olhar questionador à religião e ao colonialismo, que a obra original se tornou clássica.

Villeneuve claramente não quis correr o risco da audiência não entender essa mensagem sobre o perigo de figuras messiânicas, mesmo que não pudesse escapar de uma estética techno-oriental presente desde as raízes da proposta elaborada por Herbert. Nessa perspectiva, são poucos os personagens com ascendência árabe presentes com destaque nos acontecimentos, mesmo que palavras como Lisan al Gaib e Mahdi sejam repetidas à exaustão, tornando-se até fontes para incontáveis memes. 

Por mais que os fremen não sejam um povo necessariamente árabe na obra original, uma maior representatividade à frente e atrás das câmeras seria mais benéfica para Duna. A resistência em não deixar a humanidade se extinguir é um dos temas principais do livro Imperador-Deus de Duna e da saga inteira em geral. Nesse sentido, focar em narrativas de um povo da vida real que sobrevive – apesar de todas as circunstâncias –, em não deixar a própria cultura morrer, faria todo o sentido dentro da lógica do universo proposto.

A segunda parte da epopeia de Denis Villeneuve supera o antecessor e abre portas para uma sequência que conclua a jornada de todos essesP personagens, bem como o fechamento do tema sobre as figuras messiânicas. O romance escrito por Frank Herbert inspirou centenas de histórias de ficção científica e de fantasia, e Duna: Parte 2 promete influenciar muitas obras que ainda virão. A franquia está alcançando o imaginário popular através de temas relevantes, um universo muito bem estruturado e um elenco marcante. A soma de todos esses fatores resulta em uma aventura de outra galáxia, que torna a experiência de ir ao cinema inesquecivelmente épica. 

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Ernesto Rangel

A mais nova adaptação da obra-prima Duna, escrita por Frank Herbert, chegou aos cinemas com uma grande responsabilidade em suas mãos: agradar aos fãs do livro, de 1965; corrigir os erros da primeira adaptação cinematográfica, de 1984; e ainda conquistar um novo público que nunca ouviu falar da saga em 2021, apesar de sua contribuição massiva para a ficção científica. Uma avaliação do filme deve se estender por esses três aspectos, nos quais o longa se apresenta: como adaptação de uma obra literária renomada; como remake de um filme falho; e como uma nova produção, lutando por espaço na cultura atual. É necessário ainda dedicar algumas passagens às qualidades necessárias para todo bom longa-metragem.

Quando se trata de transportar para a telona a trama de livros renomados, os desafios são muitos. Primeiramente existem os fãs que, em suas leituras, idealizam os cenários e as personagens dentro de suas perspectivas pessoais, fazendo com que seja quase impossível agradar a mais do que uma pequena quantidade deles simultaneamente. Existe ainda a questão da arte: o diretor, como artista, deve priorizar a fidelidade com a obra original ou a sua originalidade própria? Além disso, não podemos esquecer da tecnologia da época, que pode ser insuficiente (e era, na primeira adaptação oficial para as telonas) para apresentar a realidade retratada em um livro (veículo que se limita apenas pela imaginação).

Até mesmo títulos que conseguiram se tornar referência no quesito, como O Senhor dos Anéis, de Tolkien, ainda apresentam derivados (O Hobbit) que deixam a desejar. Além disso, existem uma gama de exemplos desastrosos disponíveis para a apreciação de todos aqueles dispostos, como as aventuras na telona de Percy Jackson, de Rick Riordan, ou ainda a tragédia em vinte e quatro quadros que foi a saga de A Torre Negra, de Stephen King, nas telas de cinema.

Os fãs podem respirar aliviados, pois por ser ele mesmo um deles, Denis Villeneuve foi extremamente fiel à obra original. É discutível se a materialização feita por ele foi aquela que agrada ao maior número de espectadores. As bilheterias foram soberbas (mesmo com o lançamento simultâneo nos cinemas e nos serviços de streaming do HBO Max, que canibaliza os números angariados) e, juntamente com o feedback que podemos encontrar nas redes sociais, é possível inferir que Duna atingiu uma grande aceitação entre o grande público, inclusive os fãs.

Para essa adaptação em específico o diretor, com certeza, precisou evitar produzir um filme que parecesse uma cópia dos títulos de Guerra nas Estrelas, que hoje são referência no gênero da ficção científica. Duna, de fato, compartilha a temática com essas produções, porém, é ancestral delas. George Lucas é um fiel discípulo de Frank Herbert e se inspirou profundamente no livro de Duna para a criação de seus longas, e podemos citar muitos paralelos entre as obras, como: Arrakis, o planeta que dá o nome a Duna e Tatooine, o planeta natal de Anakin, são ambos desérticos; Paul Atreides e Luke Skywalker, são superficialmente ambos os escolhidos; O Imperium, de Duna, e o Império Galáctico, de Star Wars; entre muitos outros. Por sorte, ou mérito do diretor, Duna escapa de parecer uma cópia, mas as comparações serão inevitáveis.

A trama gira em torno do, já mencionado, Paul Atreides. Herdeiro de sua casa, ele acompanha a mudança da sede de seu reino (original do planeta Caladan, um paraíso tropical) para Arrakis, um planeta onde a água é tão escassa que seus habitantes desenvolveram costumes associados à mais otimizada preservação de água. A falta da substância essencial à vida humana é compensada pela abundância em mélange, também conhecido como “especiaria” (spice), uma substância psicoativa, coletada exclusivamente na superfície do planeta deserto, e que serve como combustível das diferentes organizações que controlam e exercem sua atividade através do universo. 

A breve descrição do enredo acima deixa de fora uma série de elementos cruciais ao universo de Duna, como os gigantes Vermes de Areia, as Bene Gesserit, a Guilda Espacial, os Harkonnen, os Sardaukar, entre muitos outros. A primeira adaptação, dirigida por David Lynch nos anos 80, assumiu a responsabilidade de adaptar todo o primeiro livro em um só filme, o que foi desastroso: um roteiro confuso e mal estruturado (sendo justo, cortes na duração e no orçamento foram os culpados por esse resultado), o que reforçou o senso de que a obra de Herbert estava além da possibilidade para adaptação. 

No novo filme, pela felicidade dos fãs, os roteiristas Jon Spaihts, Denis Villeneuve e Eric Roth não cometeram o mesmo erro e adaptaram para as telonas apenas por volta da metade inicial do primeiro livro. Frank Herbert escreveu e publicou duas trilogias e um conto sobre o universo de Duna, o que já é muito, mesmo não considerando os outros nove livros e quatro contos escritos por seu filho após a morte do pai em 1986. Essa decisão foi acertada e permite um desenvolvimento mais cuidadoso da trama. Mesmo assim, uma crítica muito comum a essa nova produção é como ela deixa o espectador sem entender muito bem o que está acontecendo. Isso é natural e esperado, pois (e aqueles que leram o livro sabem) até mesmo a obra escrita apresenta essa barreira de entrada.

Oscar Isaac como Duque Leto Atreides é uma das melhores atuações de todo o longa. A postura que o ator evoca ao vestir a pele do duque mais respeitado do Landsraad (o corpo formado pelas grandes casas) deixa os que assistem arrepiados em diversos momentos do filme. Rebecca Ferguson e Timothée Chalamet também merecem seu destaque. Através da tremenda atuação de Ferguson temos a sensação de ver Lady Jéssica se personificar das páginas do livro para a tela. Coroando essa demonstração das belas artes, temos Chalamet no papel de Paul, uma das escolhas mais acertadas do elenco. O próprio diretor não poupa elogios em entrevistas para a atuação do ator protagonista.

Na direção a semelhança é ainda maior, ambos os filmes são contemplativos, o que pode ser um ponto negativo para aqueles que vão ao cinema esperando por mais uma dose de ação, como foi normalizado pela popularização dos filmes de super-herói. O foco de Duna não são as cenas de ação (apesar de conter algumas de altíssima qualidade), mas sim a apresentação do extenso universo e dos acontecimentos que se passam com Paul Atreides, que levantam questões extremamente relevantes, como religião e ecologia.

Com o auxílio do cinematógrafo Greig Fraser (responsável pela fotografia de títulos semelhantes, como Star Wars: Rogue One, e alguns episódios da série The Mandalorian), o diretor optou pelas cenas que não economizam na hora de impressionar. Com lindos visuais e a medida certa de cenas com enquadramentos afastados que dão ao espectador a noção da grandeza dos elementos de Duna, o diretor nos fascina: as massivas naves utilizadas em viagens interestelares e os gigantes vermes de areia que aterrorizam o deserto são visões para nos deixar de boca aberta.

A obra ainda é coroada pela trilha sonora de Hans Zimmer, que já emplacou uma série de grandes obras musicais em ótimos filmes, como Interstellar, Gladiador, e muitos outros. O músico, desta vez, nos presenteia novamente com suas trilhas que destacam e ampliam muito bem o sentimento evocado pelas cenas, com músicas sutis e intensas, sempre quando necessário. Além disso, as sinfonias servem muito bem à temática, visto que tiram, assim como a obra original (e o filme por consequência), inspiração das culturas do Oriente Médio.

Por esses e outros motivos Duna de 2021 merece ser assistido múltiplas vezes. Um filme sensacional para quem é fã do livro ou até mesmo do diretor. Uma produção refrescante para quem se decepcionou com o primeiro filme, e ainda uma ótima maneira para se gastar algumas horas, se o espectador quiser apenas o entretenimento de um filme casual. Resta agora ficar na espera da segunda parte, programada para iniciar sua produção em 2022 e chegar às telonas em outubro de 2023, e nos certificarmos se toda a nova franquia vai ter o mérito da boa adaptação ou vai acompanhar, ao hall dos infames, os desastres de franquias como Divergente e Os Instrumentos Mortais.

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“Imaginava o Paraíso tendo uma biblioteca por modelo.”

– Jorge Luis Borges

Mais um mês de 2021 chega ao fim, e, como de costume, junto dele as coberturas mensais do Persona. Para iniciar os nossos registros de novembro,  damos sequência a uma novidade que nasceu quase nos últimos momentos do ano: o Estante do Persona. 

Em outubro, criamos o nosso Clube do Livro, formado por membros da Editoria, que tem o intuito de promover a leitura compartilhada e encontros para discussão de obras escolhidas através de sugestões. Ao final do mês, o Clube reúne-se para montar uma lista de indicações literárias e preencher a sua Estante aqui no site, além de criar uma playlist com canções que remetem à obra em questão. 

Assim, em novembro realizamos a segunda leitura do Clube do Livro: Jamais o fogo nunca (2007), da chilena Diamela Eltit, que, no fim do mês, recebeu o prêmio da Feira Internacional do Livro de Guadalajara (FIL). O livro é narrado por uma mulher, cujo principal dado biográfico é ter sido sobrevivente da Ditadura chilena, vivendo, mesmo após o fim do regime, sob o aspecto claustrofóbico da clandestinidade. 

Os últimos dias ainda marcaram a entrega do Prêmio Jabuti, o mais importante da Literatura brasileira. No mês que traz o Dia da Consciência Negra, a premiação consagrou Jeferson Tenório, concedendo a ele o troféu na categoria Romance Literário — um dos mais prestigiosos da premiação — pelo excelente O Avesso da Pele. A obra, publicada pela Companhia das Letras, aborda questões de racismo através dos olhos de um jovem negro ao reimaginar a vida do pai, um professor morto devido à violência policial. O romance desbancou Solução de Dois Estados, de Michel Laub, visto como um dos favoritos ao prêmio.

Na categoria Livro do Ano, quem ficou com o Jabuti foi Sagatrissuinorana, livro infantojuvenil de João Luiz Guimarães e Nelson Cruz, publicado pela editora independente ÔZé. O enredo adapta a história clássica dos Três Porquinhos em uma linguagem que lembra Grande Sertão: Veredas, do mineiro João Guimarães Rosa, e gera um conto para falar sobre as tragédias que ocorreram em Mariana e Brumadinho, ambos desastres ocasionados pelo rompimento de Barragens em Minas Gerais.

Em Não Ficção, o livro-reportagem A República das Milícias, do jornalista Bruno Paes Manso, foi laureado na categoria Biografia, Documentário e Reportagem. A obra traça um paralelo entre a ascensão das milícias no Rio de Janeiro e a consolidação da família Bolsonaro na política, fazendo um recorte temporal que vai dos anos 1960 — com o surgimento dos esquadrões da morte no Rio — até o assassinato da vereadora carioca Marielle Franco, em 2018. 

Na categoria Ciências, a bióloga Natalia Pasternak e o jornalista Carlos Orsi saíram vitoriosos com o livro Ciência no cotidiano: Viva a razão. Abaixo a ignorância!, obra de divulgação científica que, entre outros temas, aborda e desmistifica a falácia de que vacinas causam autismo. A Personalidade Literária de 2021 — honraria entregue desde a criação da premiação — foi Ignácio de Loyola Brandão, escritor araraquarense cinco vezes vencedor do Prêmio Jabuti, e autor de obras de destaque, como Zero (1974) e Não Verás País Nenhum (1981). Em janeiro deste ano, Brandão recebeu o título de Doutor Honoris Causa pela Unesp. 

E se você procura por mais indicações literárias está no lugar certo. Além de acompanhar o ambiente literário neste mês de novembro, a Editoria do Persona também selecionou algumas outras obras para acompanhar Diamela Eltit e Jamais o fogo nunca na segunda edição do Estante do Persona. Tudo isso você pode conferir logo abaixo.  

Livro do Mês

Diamela Eltit – Jamais o fogo nunca (172 páginas, Relicário)

Sendo uma das principais autoras da Literatura chilena contemporânea, Diamela Eltit demonstra em suas obras uma enorme força social, e revela, por meio de sua voz poética, paradoxos da militância política. Em Jamais o fogo nunca, seu primeiro livro publicado no Brasil, em 2017 — um atraso de mais de 30 anos desde sua estreia literária, em 1983 —, lemos esboços de conversas e momentos entre uma mulher e o marido, militantes ávidos contra a Ditadura de Pinochet, enclausurados dentro de um quarto onde relembram e colocam em xeque tudo o que foi vivido durante o período. Narrado pela mulher, o livro apresenta o passado como uma assombração, em um espaço claustrofóbico que só é quebrado com a invasão da morte. 

O título do livro vem do poema Os nove monstros, do poeta peruano César Vallejo, no qual lemos: “Jamais o fogo nunca/fez melhor seu papel de morto frio”. Esse trecho é também a epígrafe da obra, e serve como um ponto de partida para entendê-la. Há na produção um forte apreço pelos corpos — característica que perpassa toda a carreira de Eltit, visto com ênfase em Forças especiais (2021), seu mais recente livro publicado por aqui —, às vezes chamados de “células” durante o romance. A recusa — e a proibição do marido — em sair de casa evidencia a desistência da utopia, motivo pelo qual ambos lutavam juntos nos anos de repressão política. Além disso, o caráter revelatório do romance aponta para as contradições escancaradas nas atitudes do próprio, um homem que lutava pela liberdade política mas era um repressor violento dentro da casa — a melhor simbologia da totalidade assombrosa da Ditadura, evidente até mesmo nos que seriam suas portas de saída.

Jamais o fogo nunca também aponta para um dado emblemático: a Democracia não se lembra daqueles que lutaram por ela. Essa é uma das características que parecem servir de mote a diversas cenas do romance, visto que a ideia de anular o individual para o bem coletivo foi invertida nas sociedades contemporâneas. O livro funciona como uma distopia do século XXI, na qual nós, latino-americanos, estamos sempre assombrados pelo passado da Ditadura Militar, ao passo que somos carregados por um “fogo morto frio”. No Brasil, Diamela Eltit possui quatro obras publicadas: Jamais o fogo nunca e Forças especiais, com tradução do também escritor Julián Fuks, lançadas pela editora Relicário; A máquina Pinochet e outros ensaios (2017), disponível somente em e-book através da editora e-Galáxia, com tradução de Pedro Meira Monteiro; e O Infarto da alma (2020), feito em parceria com a fotógrafa Paz Errázuriz e publicado pela editora IMS, sob tradução de Livia Deorsola. “Apoio minha mão adormecida na parede e não sinto nada. Já não sinto absolutamente nada.”

Dicas do Mês

Frank Herbert – Duna (680 páginas, Aleph)

Definir a complexidade e o alcance de Duna em apenas um par de parágrafos é uma tarefa que nem o Barão Harkonnen merece enfrentar. A obra de Frank Herbert foi publicada em 1965, quando a ficção científica de Isaac Asimov olhava para um futuro robótico e metálico, enquanto o desértico planeta Arrakis, por outro lado, buscava uma visão menos computadorizada do amanhã. Os dróides dão espaço para a ecologia, a religião e a política. Na trama, primeiro livro de uma longeva coleção, o jovem Paul Atreides vê seu mundo virar de ponta-cabeça quando o pai, o Duque Leto, é ordenado a comandar Duna, um planeta que em nada se assemelha com a terra natal da família real.

A partir dessa fina premissa, as quase setecentas páginas se enroscam em reviravoltas políticas, amores capciosos e uma execução e visão de mundo avançadas para a mente de um norte-americano nos anos sessenta. Ágil, empoeirado, extremamente envolvente e envelopado por um glossário que deixa os cabelos em pé, Duna se beneficia do caráter disruptivo de sua narrativa linear, mas não presa ao cotidiano. Entre um capítulo e outro, Herbert faz questão de viajar anos pelo tempo, sem ao menos avisar o leitor que o protagonista até então magrinho e confiante agora era um homem resiliente e altivo. Acompanhado da cuidadosa e apaixonada adaptação cinematográfica de Denis Villeneuve, o Duna de Frank Herbert (traduzido para cá por Maria do Carmo Zanini) tem tudo para continuar sua jornada atemporal de sucesso e aclamação. Mas esteja avisado: Duna é tão seco, que dá sede. – Vitor Evangelista

Pode soar um pouco batido ser mais uma das milhares de pessoas a falar de Os Sete Maridos de Evelyn Hugo, que todo dia tem uma porção considerável de tweets com comentários dedicados ao livro (e o famoso vestido verde da protagonista). Mas a obra de Taylor Jenkins Reid merece mesmo todos os holofotes que tem ganhado nos últimos meses. A autora, que já se mostrou craque em criar celebridades inexistentes, trouxe um romance viciante do início ao fim, percorrendo os bastidores mais perversos da vida do show business.

Evelyn Hugo é um dos nomes mais marcantes de Hollywood. Prestes a completar 80 anos de idade, a atriz Oscarizada decide que quer lançar uma biografia sobre sua vida e carreira, e curiosamente escolhe a jornalista Monique Grant para ser a autora da obra. A partir dessa premissa, o livro revisita a história da super estrela desde seus primórdios, percorrendo todos os percalços necessários para se tornar uma figura renomada, em paralelo com cada um de seus casamentos. Entre esses obstáculos, a repressão de suas origens latinas, sua fisionomia e até mesmo sua sexualidade para deixar seu nome cravado na calçada da fama. Em uma escrita que estampa um caráter quase documental, Os Sete Maridos de Evelyn Hugo é uma das ficções mais verdadeiras que poderíamos ter. – Vitória Silva

J.D. Salinger – Erguei bem alto a viga, carpinteiros & Seymour: Uma introdução (184 páginas, Todavia)

No final dos anos 1940, precisamente em 1948, o nome de um ex-veterano da Segunda Guerra, um dos poucos sobreviventes norte-americanos do Desembarque da Normandia, apareceu pela primeira vez na renomada revista The New Yorker. O texto que dava início a uma das carreiras literárias mais brilhantes de todos os tempos – apesar de sua curta extensão, considerando que o autor publicou apenas um romance (mas foi “o” romance), e sagrou-se através de novelas e contos – se chamava Um dia perfeito para peixes banana. O nome do autor? Jerome David Salinger, ou, como ficou conhecido, J. D. Salinger.

O conto apresenta Seymour Glass, irmão mais velho de uma família de mentes geniais; é uma figura icônica, misteriosa e profundamente comprometida em entender o mundo. Ao longo da carreira de Salinger, a disfuncional família Glass foi sendo traçada, e, à tangente, Seymour (morto desde sua aparição) transformou-se em um guru, a referência silenciosa para os irmãos – ele era “o imbatível”, segundo Buddy Glass. Não ironicamente, a carreira de Salinger foi se solidificando junto a consolidação do nome de Seymour, sendo esse um de seus personagens mais geniais. A última obra publicada por Jerome – antes de cessar suas publicações e iniciar a reclusão que durou até o fim de sua vida, em 2010 – foi Erguei bem alto a viga, carpinteiros & Seymour: Uma introdução (1963). 

É engraçado enxergar que, desde o surgimento de Seymour, tentamos entender sua mente e o que levou a fazer o que fez, mas, somente 15 anos depois, Salinger apresentará um livro para contar, propriamente, a história do personagem, mesmo que narrada pelo irmão. Em Erguei bem alto a viga, carpinteiros & Seymour: Uma introdução temos duas novelas, ambas narradas por Buddy, o escritor da família e alter ego de Jerome Salinger. Na primeira, acompanhamos a cerimônia de casamento frustrada entre Seymour e Muriel, na qual Buddy Glass se vê enroscado com a família da noiva, enquanto a segunda apresenta um esforço genuíno em reconstruir a mente desse personagem ausente, através de memórias e fragmentos que ele deixou para trás. O livro todo é o clímax da história da família, considerando, ainda, que essa cerimônia inusitada de casamento foi pincelada em Um dia perfeito para peixes banana. A obra encerra com maestria – e de forma cíclica – a carreira literária de Salinger, e representa o fracasso que pode ser a reconstrução do passado, à medida que a tentativa, mesmo no escuro, já demonstra uma vitória. – Bruno Andrade

Ali Hazelwood – The Love Hypothesis (383 páginas, Berkley)

Uma coisa fica clara assim que começamos a ler The Love Hypothesis: Ali Hazelwood não se envergonha nem um pouco das origens de seu livro. O fato da obra ter nascido como uma fanfic de Star Wars é celebrado desde sua capa (ilustrada pela paraguaia @lilithsaur), que evoca a semelhança dos atores dos filmes, até os agradecimentos, em que a autora ressalta a importância do apoio da comunidade para que a obra se tornasse um livro publicado. Na trama, a candidata a PhD Olive busca convencer sua melhor amiga de que está em uma relação romântica, e acaba tascando um belo de um beijo no Dr. Adam Carlsen, um professor linha-dura odiado pela maioria dos estudantes do campus.

O romance de estreia da autora não é nada menos do que um triunfo, tanto em gênero como em prosa. A caracterização romântica de suas personagens principais proposta dentro de um relacionamento falso (um dos clichês mais deliciosos do gênero) é primorosa, e não desperdiça nenhum momento entre as duas, forçando-as em situações cada vez mais comprometedoras, mas sem nunca tomar por garantido nenhuma das personagens secundárias ou a importância delas para a trama principal. Com a promessa de ser publicado pela Arqueiro no Brasil em 2022, The Love Hypothesis é um romance de peso e conteúdo que vai muito além de suas humildes origens. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Annie Wu, David Aja, Javier Pulido e Matt Fraction – Gaviã Arqueira: Vingadora da Costa Oeste (120 páginas, Panini)

Hawkeye chegou ao Disney+! A série inspirada nos quadrinhos do Gavião Arqueiro foi a responsável por introduzir Kate Bishop ao MCU, mas, antes de chegar ao streaming, a Gaviã Arqueira já viveu outras aventuras. No livro Gaviã Arqueira: Vingadora da Costa Oeste, a personagem não só já está devidamente aclimatada ao mundo heroico da Marvel, como também está familiarizada – e de saco cheio – de Clint Barton. E é procurando tirar férias dele e das turbulências da vida em Nova York que a arqueira, seu cachorro e seu arco e flecha viajam para Los Angeles… só que nem lá ela vai conseguir escapar dos problemas de ser uma heroína. 

Escrito por Matt Fraction, com as capas feitas por Javier Pulido e David Aja, o livro em quadrinhos reúne as edições 14, 16, 18 e 20 da série Hawkeye. Logo de cara, as ilustrações de Annie Wu são um atrativo por si só: cheias de cores, com desenhos bem dispostos, repletos de detalhes e perspectivas, e um design moderno, que combina com a protagonista, o visual de Gaviã Arqueira é deslumbrante. Mas as ilustrações não são tudo e, graças a Kate Bishop, a narrativa também dá certo: seguindo as aventuras da heroína, nos aproximamos dela e conhecemos mais da sua personalidade generosa e corajosa, e também engraçada, despojada, irreverente e rebelde. Seja ajudando o casal vizinho a conseguir flores para um casamento, seja protegendo Los Angeles da Madame Máscara, a divertida Gaviã Arqueira mostra porque, muito antes de ter de se encaixar ao universo cinematográfico da Marvel, já se considerava “praticamente uma Vingadora”. – Vitória Lopes Gomez

George Orwell – Dias na Birmânia (360 páginas, Companhia das Letras)

O mundo é repleto de culturas bem diferente da nossa e a Literatura nos permite viajar para conhecer essas civilizações tão discrepantes do nosso cotidiano. Com Dias na Birmânia, o primeiro romance de George Orwell, publicado em 1934, o leitor é transportado para um país asiático longínquo em meados do século XX. Nesse universo somos apresentados a John Flory, um inglês que reside na Birmânia em um período em que o país era uma colônia britânica. Orwell escancara o racismo nefasto do ambiente com os privilégios de Flory por não ser nativo do lugar, porém é mal visto por outros estrangeiros devido a sua amizade com os birmaneses. Os dias na Birmânia eram inóspitos até a chegada de Elizabeth, uma jovem superficial que despertou a comunidade local de sua rotina.

A premissa de Dias na Birmânia já acorda o leitor para uma visão crítica sobre o colonialismo e o racismo estrutural. Orwell apresenta, logo em sua primeira obra literária, a sua análise majestosa sobre regimes autoritários, que futuramente o levou a escrever 1984. A narrativa do primeiro romance do autor segue um ritmo angustiante com a autodesvalorização dos birmaneses cada vez mais acentuada e a depreciação de John Flory aumentando conforme o desenrolar da trama. A história contada por Orwell mostra um passado de um povo oprimido que reside em um país hoje conhecido como Myanmar. O mais revoltante de se debruçar sobre a história de Dias na Birmânia é pensar que a realidade dessa civilização ainda é a opressão. – Gabriel Gatti

Chico Buarque – Leite Derramado (195 páginas, Companhia das Letras)

O mês de novembro foi para acompanhar a premiação mais importante da Literatura Brasileira e apreciar a obra político-histórica de Diamela Eltit em Jamais o fogo nunca. Então, nada melhor do que relembrar também o Livro do Ano eleito pelo Prêmio Jabuti em 2010, que se encarrega de retratar a história do Brasil durante os nossos últimos dois séculos pelas palavras sublimes de Chico Buarque.

Em Leite Derramado, o autor tece uma narrativa ampla sobre a formação da sociedade e da política brasileira a partir das memórias de Eulálio, que está em seu leito de morte, desatando um monólogo nada confiável para quem quiser ouvir. O protagonista, membro de uma decadente família tradicional carioca, dedica seus últimos dias ao registro oral de sua linhagem, que se inicia com ancestrais portugueses, continua com barões do Império e senadores da Primeira República, e se encerra com agentes criminosos do Rio de Janeiro atual.

Assim como a consagrada escritora chilena, o aclamado letrista brasileiro faz uso de uma linguagem exímia do romance moderno, repleta de digressões livres e fechada na expressão da primeira pessoa. No entanto, ao contrário da carga dramática e psicológica da Literatura de Diamela Eltit, Chico Buarque é curto e grosso em suas análises, criadas a partir da perspectiva de um de seus exímios malandros. E este, por sua vez, nunca chora o tal do leite derramado. – Raquel Dutra 

Conceição Evaristo – Histórias de leves enganos e parecenças (112 páginas, Malê)

Conceição Evaristo é uma das maiores escritoras que esse país tem a honra de possuir. Mineira, poetisa, romancista e contista, Conceição venceu o Prêmio Jabuti em 2015, por uma de suas obras mais famosas: Olhos d’água. E foi homenageada pelo mesmo em 2019, como Personalidade Literária do Ano. Negra e de origem pobre, seus fortes versos ressoam a dura realidade vivenciada por ela, denunciando a marginalização social e opressões de gênero. Seus livros transmitem aquilo que Conceição carrega em seu interior: arte, cultura, sabedoria e beleza.

Histórias de leves enganos e parecenças, sexta obra da autora, reúne doze contos e uma novela que dão voz a meninas, mulheres, mães e avós. Aqui, a prática de escrevivências, mais uma vez, domina o lirismo poético de Conceição Evaristo, que transcreve histórias vindas de pessoas que têm a fala sufocada pela sociedade racista e intolerante. A moça de vestido amarelo, um dos grandes destaques do livro, fala sobre o sagrado afrodescente de maneira sutil e ao mesmo tempo potente, carregando muita graça e sabedoria. Com o sagrado em voga, contos como Nossa Senhora das luminescências e Fios de ouro impulsionam a oralidade feminina e a tradição de matriz africana. Retratando o cotidiano pela voz do oprimido, Conceição Evaristo faz Arte. – Ana Júlia Trevisan

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