Marcela Jardim

Lançado em 2015, Divertida Mente rapidamente se destacou como uma das animações mais inovadoras da Pixar, tanto pelo seu conceito original, quanto pela forma sensível e educativa que abordou a psicologia humana. A trama acompanha Riley, uma menina de 11 anos que enfrenta mudanças profundas ao se mudar para uma nova cidade — uma transição que evoca o desconforto das primeiras vezes e a instabilidade emocional que costuma acompanhá-las. Dentro de sua mente, cinco emoções – Alegria, Tristeza, Raiva, Medo e Nojinho – disputam o controle de suas reações, refletindo os conflitos internos que surgem diante do desconhecido. O filme cativou o público infantil com sua estética vibrante e personagens carismáticos, ao mesmo tempo que conquistou os mais velhos na maneira que trata com delicadeza temas como amadurecimento e saúde mental.

Um dos maiores méritos da animação é sua capacidade de traduzir conceitos abstratos da psicologia em uma narrativa acessível, visualmente impactante e emocionalmente verdadeira. A personificação das emoções, a arquitetura da mente da protagonista e os mecanismos que explicam memória e personalidade são recursos que tornam o funcionamento emocional mais compreensível para diferentes idades. O maior destaque, no entanto, é a revalorização da Tristeza — frequentemente vista como um sentimento a ser evitado. 

O longa rompe com a ideia de que só a felicidade importa ao mostrar que a Tristeza é essencial para processar perdas, buscar apoio e construir vínculos mais autênticos. Esse reposicionamento emocional abre espaço para debates mais amplos sobre bem-estar psicológico, contribuindo para a desestigmatização da tristeza e a valorização de uma saúde mental mais completa e realista.

Desde seu lançamento, Divertida Mente tem sido amplamente utilizado por psicólogos, terapeutas e educadores, tanto como ferramenta didática quanto como instrumento de acolhimento. Sua mensagem reforça que todas as emoções são legítimas e necessárias para o desenvolvimento emocional, especialmente em momentos de mudança e transição. 

A produção mostra que o medo das primeiras experiências é parte do crescimento e precisa ser validado. Ao legitimar esses sentimentos, a obra ajuda crianças (e adultos) a reconhecerem seus limites e a se reconectarem consigo mesmas de maneira mais empática. É nesse ponto que a animação ultrapassa seu papel de mero entretenimento, tornando-se uma ferramenta terapêutica e um veículo de educação emocional.

A recepção crítica e comercial também reforça sua relevância. Com mais de US$850 milhões arrecadados mundialmente e o Oscar de Melhor Animação, Divertida Mente provou que é possível unir sensibilidade, inovação narrativa e sucesso de público. A Pixar, conhecida por equilibrar emoção e humor, elevou seu próprio padrão ao oferecer uma obra que fala de saúde mental sem cair em clichês ou simplificações. A escolha de colocar a Tristeza como personagem-chave foi um gesto ousado e necessário, desafiando o discurso hegemônico da positividade tóxica que domina muitas narrativas infantojuvenis. Assim, a animação tornou-se uma referência duradoura sobre como lidar com as emoções de forma honesta e compassiva.

Hoje, uma década após sua estreia, o impacto de Divertida Mente segue firme na cultura pop e nos discursos sobre saúde mental. Sua influência é perceptível em diversas outras produções audiovisuais, como a série Produção de Sonhos, que passaram a tratar o universo emocional com mais nuances. Mais do que uma tendência, o longa inaugurou uma mudança de paradigma: passou a ser aceitável, e até necessário, falar de tristeza, frustração e medo com as crianças, em vez de apenas protegê-las desses sentimentos. Em uma época marcada por ansiedade e sobrecarga emocional desde a infância, a produção se mostra cada vez mais atual, funcionando como um lembrete de que sentir — tudo o que sentimos — é parte vital da experiência humana.

A sequência chegou em 2024, demonstrando o vínculo emocional duradouro do público com o filme original. Com Riley entrando na adolescência, novas emoções surgiram, ampliando ainda mais a complexidade da narrativa. Essa nova fase da protagonista, marcada por dúvidas sobre identidade, primeiras paixões e transformações físicas e sociais, representa um território emocional riquíssimo a ser explorado. No entanto, existiu também o desafio de manter a sensibilidade e profundidade do primeiro filme, sem cair em repetições ou superficialidades.

Divertida Mente 2 aumenta o alcance de sua mensagem, mostrando que a saúde mental é uma jornada contínua, em que cada fase da vida traz novos desafios internos. A transição da infância para a adolescência é, por si só, marcada por perdas simbólicas e primeiras dores, que muitas vezes exigem não a negação, mas o acolhimento da tristeza. É nesse ponto que a franquia continua a inovar: ao validar sentimentos desconfortáveis como parte do processo de crescer e ao reconhecer que nenhuma emoção deve ser excluída da narrativa.

Assim, dez anos depois, o longa permanece como um dos mais importantes da animação contemporânea. Seu legado ultrapassa o Cinema, influenciando práticas pedagógicas, terapias e conversas cotidianas sobre sentimentos. Ao destacar a importância da Tristeza como elo de empatia e autoconhecimento, e ao mostrar que as primeiras vezes e as mudanças — por mais difíceis que sejam — fazem parte do amadurecimento, a obra se mantém essencial. Mais do que um sucesso de bilheteria, Divertida Mente é um marco na forma como a cultura pop representa o universo emocional humano, ajudando a formar uma geração mais consciente, sensível e emocionalmente alfabetizada.

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Livia Queiroz

“Como evitar que memórias ruins gerem convicções equivocadas?”. Essa é uma frase da Nojinho no final da trama desse filme, após uma conclusão da Alegria de que lembranças que não nos agradam devem ser colocadas no esquecimento. A verdade é que todas as nossas memórias são importantes e criam o que somos, as boas formam nossas expectativas, sonhos e habilidades sociais, e as ruins nos ajudam a sermos mais fortes psicologicamente e a digerir nossos erros para melhorar nossas atitudes. Divertida Mente 2, lançado em Junho de 2024 e candidato ao Oscar de Melhor Animação, é recheado de filosofias do crescimento pessoal. 

O segundo filme chegou aos cinemas após quase dez anos desde o primeiro e, dentro da história, se passaram três anos. Com isso, a narração gira em torno da passagem da Riley como criança ao início da adolescência e, consequentemente, a chegada da puberdade. Então, nada mais normal do que surgirem novos sentimentos, mais sofisticados e, antes, não necessários – como diz a Ansiedade no longa. Assim, começa a ‘bagunça’, com quatro novas personagens: Ansiedade, Vergonha, Tédio e Inveja. Apesar de todas serem vistas pelo ser humano como defeitos, elas têm papéis fundamentais na construção social; a sofreguidão, por exemplo, nos ajuda a recordar e se importar com nossas tarefas, relações e eventos, e o aborrecimento nos leva a buscar aventuras para nos satisfazer e se livrar da monotonia. 

Assim como no primeiro filme, a psicologia das cores é praticada na criação de cada nova emoção. A Ansiedade é laranja, com personalidade energética, overthinker, atrapalhada e que se vê na obrigação de cuidar e se preocupar com o futuro, fato comum do distúrbio psicológico. Já a vergonha foi colocada como um homem gigante rosa com nariz grande e um moletom para se esconder em sua timidez, mesmo assim, ele foi um dos que se mostraram mais corajosos e dispostos a mudar os problemas que a Ansiedade cria ao longo da trama. O tédio foi personificado como uma francesa roxa desinteressada com o mundo, ficando alheia em seu celular; uma clara e fiel representação do desenvolvimento social das novas gerações junto da tecnologia. E a Inveja, uma pequena menina verde turquesa de olhos esbugalhados e brilhantes, uma referência à expressão “olho gordo”, que apoia e inveja Ansiedade o tempo todo. 

O início do longa-metragem é uma recapitulação dos primeiros 15 anos da protagonista, mostrando o seu crescimento, o que foi uma ótima ideia já que, tecnicamente, a audiência ‘perdeu’ três anos da vida dela. Primordialmente, existe uma beleza intencional por trás da demora para a sequência chegar aos cinemas, as crianças que antes viram o filme na mesma idade ou até menores que a Riley, chegaram para a segunda obra cinematográfica já tendo vivenciado o que ela estaria passando e, nesse sentido, correlacionam as situações e sentimentos com si mesmos. Essa nova filmagem torna-se, então, uma terapia lúcida em formato de animação, já que seu público alvo continua sendo o público infantil e a intenção é ser um programa familiar. 

Essa genialidade, que foi o ápice da sequência quando observamos a proposta de inteligência emocional que a obra promete, só foi possível com um roteiro mais complexo que o anterior, com construções de diálogos mais profundos e reflexivos, no sentido de abordar problemas da vida com maior seriedade. Um exemplo dessa abordagem é o Senso de Si – figura mental que guarda nossas convicções por meio de aprendizados de memórias e que molda quem somos – o qual é destruído conforme a Ansiedade toma o controle da mente, trazendo a conclusão de que esse transtorno faz esquecermos de nosso juízo. Ficamos tão pilhados com possibilidades e medos que não ‘ativamos’ nosso discernimento sobre o nosso ‘verdadeiro eu’ e, então, acabamos fazendo algo que não é do nosso feitio. Por essas razões, é inegável a ousadia e habilidade dos roteiristas, Meg LeFauve e Dave Holstein, ao tratarem de uma emoção tão complexa como essa e, mesmo assim, manterem o filme leve. 

Entretanto, a complicação e clímax da filmagem colocam uma máscara de vilã na ansiedade como um todo, para somente no final deixar implícito que não existem emoções ruins. Teria sido mais agradável para interpretar corretamente se o público visse mais da vulnerabilidade da personagem para além de quando ela ativa uma crise de ansiedade na Riley e perde o controle, se arrependendo veementemente. Em contraste com o erro, a produção soube diferenciar um distúrbio de um sentimento comum de forma cativante. O excesso de ansiedade é tratado no filme como o principal vilão, e ele realmente é. A inquietação é natural em pequena quantidade, ela nos faz pensar mais em cada possibilidade – como a primeira ação da criatura laranja para ajudar a protagonista – mas a doença (que se caracteriza a partir do momento que a Ansiedade isola as antigas emoções) não é saudável e isso é mostrado em diversos momentos que a Riley poderia ter aproveitado o momento presente – como as pequenas conquistas nos treinos de hóquei – porém não o fez, pensando no futuro. 

É perceptível que Alegria não gosta da mudança com a puberdade e novas emoções se envolvendo na vida de Riley, muito embora ela não admita até o final de Inside Out 2 (no original). O motivo? A nostalgia da vivência que teve com a menina até crescer na adolescente que e a insegurança para caso ela não precise mais das ‘velhas’ e tradicionais emoções. É por essa sensação que outra filosofia é refletida no clímax do filme: seria normal sentirmos menos alegrias depois da infância? Sim, no primeiro setênio da vida somos muito inocentes, não compreendemos a diferença entre o que é bom e o que é maldade e tudo vira uma descoberta – o que consequentemente causa felicidade pela curiosidade atingida. Porém, isso não significa que não haja momentos de felicidade nas próximas fases da vida e que devemos deixar que a insegurança e ansiedade tomem conta de nós, como ocorreu com Riley. 

A Alegria, principal emoção da protagonista, passa por uma transição assim como sua dona, experimentando outras sensações além da sua própria. Um exemplo dessa mudança é quando eles fogem do isolamento e buscam por soluções para chegar à cabine de controle da mente novamente, já que a figura que emana felicidade surta de raiva e mostra sua preocupação e tristeza com a lentidão para resolverem os problemas causados pela Ansiedade. Essas cenas são o que nos conformam de que não somos nós mesmos se nos limitamos a somente memórias boas, como questionado por Nojinho no filme. O que nos leva ao final do longa, quando as emoções aceitam que todas elas são importantes para a Riley ser quem ela é e formar, então, seu Senso de Si verdadeiro, um exemplo de auto aceitação e reconciliação, mais um elemento da inteligência emocional que a cinematografia quis ensinar. 

Além dos problemas na cabine cerebral, alguns eventos canônicos da vida de toda adolescente são mostrados na obra, como a separação entre amigas por mudanças de escolas, a estranheza do início da puberdade, os primeiros crushes, crises de personalidade na transição entre infantilidade e juventude, e a vontade de impressionar pessoas mais velhas nas quais você se inspira. Esses momentos também são de extrema importância para a construção da intimidade e carinho do público com a protagonista, já que elas se enxergam nas mesmas situações que ela está experienciando. 

Fora da trama, como sempre, a Pixar surpreende com a beleza na produção de suas animações, cada ambiente novo dentro da cabeça de Riley era feito pensando nos mínimos detalhes e significados. O mais lindo é com certeza o Centro de Convicções, que constitui uma cachoeira com brilho azul fluorescente que vai banhando as memórias, que formam convicções por cordas brilhantes as quais ligam-nas para se juntarem ao Senso de Si no formato de uma árvore, uma metáfora para o crescimento pessoal. 

Por fim, o filme tem uma mensagem para os adultos e, principalmente, aos pais de crianças e adolescentes: Tenham paciência com seus filhos, vocês já tiveram a idade deles e sabem como é difícil passar por mudanças significativas em si mesmo. Esse nível de compreensão recomendado entre pais e filhos é de extrema importância para a construção de relações mais saudáveis na adolescência – fase conhecida pela ausência de diálogo entre os dois grupos – que, consequentemente, levarão a uma vida adulta com maior afeto e longevidade, ou seja, uma divertida mente.

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A Pixar é muito conhecida por suas obras carregadas de mensagens profundas, e por sua tentativa de explicação de conceitos complexos para crianças. Durante os 35 anos de existência da empresa, eles trataram sobre depressão em Divertida Mente (2015), amadurecimento nos quatro filmes de Toy Story, o luto em Dois Irmãos (2020) e até o sentido da vida em Soul (2020). Parecia que a aventura era um bônus na história. Mas, eis que surge Luca, em junho de 2021, e os papéis se invertem. A mensagem está lá, mas não é o foco principal.

A história gira em torno de Luca Paguro (Jacob Tremblay é a voz original do personagem, e Rodrigo Cagiano dubla o garoto na dublagem brasileira), um monstro marinho de 13 anos que tem apreço pela superfície, mas que nunca chegou nem perto, pois seus pais o proíbem disso – lembra uma certa sereia bem famosa do estúdio parceiro. Então, rapidamente, somos apresentados a Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer/Pedro Miranda), outro ser da espécie de Luca, mas que vive em um farol na superfície. E, assim, começa uma história de amizade e aventuras que os dois passam, em busca de liberdade e aceitação.

O filme é dirigido pelo vencedor do Oscar 2012, na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, Enrico Casarosa, e traz uma aura infantil e desbravadora. O cineasta italiano utiliza de suas lembranças da infância para construir a cidade de Portorosso, e suas paisagens. Tudo é muito rico e, ao mesmo tempo, contido. Essa é uma das grandes diferenças do filme para os demais do estúdio: a criação de mundo. A Pixar sempre teve uma construção de cenários muito grandiosos, desde Monstrópoles até o minúsculo mundo dos insetos. Já em Luca, todo o universo dos personagens era em Portorosso, e, por poucos momentos, pode-se ver suas vidas no fundo do mar e suas peculiaridades.

Ainda falando sobre as questões técnicas do filme, Luca se destoa um pouco da forma convencional do estúdio em sua animação. E isso é extremamente benéfico. Mesmo que as texturas e riquezas de detalhes sejam uma marca registrada da Pixar, o longa traz uma diferença no desenho. Os personagens são mais cartunescos e arredondados, com cores vivas e performances como se estivessem em uma pintura. A transição dos protagonistas quando estão em sua forma humana e acabam se molhando, tomando sua verdadeira feição, parece como quando uma tinta aquarela encosta na água. 

Luca é um personagem fácil de se apaixonar. Ele é ingênuo, afetuoso e extremamente curioso. É lindo ver sua alegria ao conhecer aquele novo mundo, e depois sua vontade de aprender mais sobre o universo e tudo além de Portorosso. Já Alberto vai na contramão. Ele é excessivamente confiante e impulsivo, mas com um coração imenso. Com o passar do tempo, as feridas de Alberto são expostas ao público, e a conexão com ele é imediata, e se entende o real motivo pelo qual a Vespa é a solução dos seus problemas. 

O roteiro de Mike Jones e Jesse Andrews consegue construir uma amizade verdadeira entre os dois, e cresce com a chegada de Giulia Marcovaldo (Emma Berman/Beatriz Singer). A garota italiana é uma personagem encantadora, com sua audácia e vontade de ganhar o grande torneio de Portorosso. Sua aparição marca o ponto de partida do crescimento dos personagens.

A habilidade de transformar o pequeno em majestoso é o grande mérito do longa. A “Nova Iorque” do filme é uma vila italiana de duas ruas. O grande desafio é um triathlon: com os desafios de uma competição de natação, quem come mais rápido uma massa e um caminho de pedalada. O grande vilão, um adolescente chato – e bota chato nisso – que quer vencer as crianças. E o grande sonho, que vai mudar a vida deles, é comprar uma Vespa. Na simplicidade, Luca ganha sua forma, e encanta quem o vê. 

O filme ser simples não é um defeito. Não quer dizer que não há um desenvolvimento de personagens, ou que a narrativa é irrelevante, pelo contrário, a todo momento ele está em constante evolução. O crescimento de Luca, as feridas de Alberto – momento em que a Pixar consegue retirar as lágrimas do seu público –, a motivação pela qual os pais do protagonista não queriam o deixar ir para a superfície. No fim, o que temos é uma linda história para assistir no Disney+.

Porém, a produção desliza em um aspecto: ela acaba se apressando na construção. Em sua uma hora e trinta e seis minutos, algumas questões são corridas demais. Nos primeiros minutos do filme, nós conhecemos a família de Luca, sua casa e o Alberto, já o convidando para ir para a superfície, sem uma maior interação e exploração do mundo aquático. Mas isso não é algo que estrague completamente a experiência, só deixa com uma pontinha de que poderia nos dar um pouco mais.

Mesmo sendo simples em sua narrativa, Luca traz uma mensagem importante: a de se desprender de seus preconceitos, e crescer junto aos outros. É uma obra sobre proteção, aceitação e compreensão das diferenças entre as pessoas. Os criadores flertam disso com o público, ao inserir o pai de Giulia, Massimo (Marco Barricelli/Dláigelles Riba), como um homem truculento, sendo um dos personagens mais queridos e amáveis da história – além de ir contra o discurso capacitista ao colocá-lo como um PCD que nasceu sem um braço, e demonstrando sua força e autonomia. 

Não é à toa que muitos internautas ligaram o filme com a descoberta da sexualidade. Realmente, a situação passada pelos personagens é vivida pela comunidade LGBTQIA+, e frases ouvidas por eles são comuns em suas vidas. Uma cena em especial foi muito compartilhada, da avó de Luca dizendo: “Algumas pessoas nunca vão aceitá-lo. Mas algumas vão. E parece que ele sabe encontrar as pessoas boas”. Mas, isso pode ser amarrado a outras diferenças sociais, dependendo de suas vivências. Independente disso, a mensagem continua a mesma, de que é necessário exercitar o ato do respeito. E, se caso tentarem te menosprezar, dizendo que você não consegue algo, ou se você se sentir inseguro de algo, grite “Silenzio, Bruno”, e siga em frente. 

É difícil de ver um filme da Pixar contido, sendo que o último lançado por eles literalmente tentou explicar o sentido da vida. Então, Luca chega com essa visão mais ingênua, sem grandes conceitos, acessível a todas as idades. É o que chamariam de ‘filme Sessão da Tarde’, que agrada a família toda, perfeito para assistir em um domingo depois do almoço. Não acho que seja a melhor animação do estúdio, e tão pouco penso que essa era a pretensão dos criadores. Mas o selo da luminária saltitante pode atrapalhar nas expectativas. Se fosse um longa da DreamWorks, teria sido um dos melhores filmes do ano. Ainda assim, Luca é cativante e gostoso de assistir. Ele está disponível no Disney+, sem custo adicional, para apreciar com a família toda.

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Pedro Gabriel 

A Pixar sempre teve êxito explorando os dilemas da vida por perspectivas diferentes. O estúdio esmiuçou, nos filmes de Toy Story, os aspectos da amizade e mudanças na vida aos olhos de um brinquedo, nos emocionou com a relação entre pai e filho em Procurando Nemo (2003), e com a história de uma vida maravilhosa de UP: Altas Aventuras (2009). E, com Divertida Mente (2015), não é diferente. Em junho, a animação comemora cinco anos.

O que começou como um projeto problemático, beirando o plágio do tão amado Rio (2011), os diretores Pete Docter e Ronnie del Carmen, além do produtor Jonas Rivera, se juntaram para produzir o filme Newt, sobre duas salamandras que se odeiam e precisam uma da outra para salvar a espécie. Mas no meio do caminho, tiveram a brilhante ideia de criar Divertida Mente, após Pete perceber que sua filha, uma criança relativamente extrovertida, começou a ter uma grande timidez com o passar dos anos. Isso o levou a pensar sobre a mente da pequena. Para melhor representação, eles procuraram saber mais sobre o assunto, consultando psicólogos e pesquisando sobre estudos das emoções.

A partir da frase “Já olhou para alguém e pensou, o que se passa na cabeça dela?“, os roteiristas Pete Docter, Meg LeFauve e Josh Cooley constroem uma história fascinante, ao explorar a vida da pequena Riley de 11 anos, que vê seu mundo virando de ponta cabeça ao ter que se mudar de Minnesota para São Francisco. Mas o diferencial está na perspectiva em que a história é contada, através da personificação das emoções da garota. Na pele das principais emoções, Alegria (Miá Mello na dublagem brasileira), Tristeza (Katiuscia Canoro), Medo (Otaviano Costa), Nojinho (Dani Calabresa) e Raiva (Léo Jaime), a trama mostra como têm sido a vida da Riley, e constroem um sistema onde tais emoções comandam as ações da garota, criando memórias através dos sentimentos que comanda no momento, e assim, construindo seu caráter.

A história começa quando a família se muda. Com a quebra da vida perfeita que Riley levava, as emoções em sua cabeça sofrem um colapso. Com isso, um acidente acontece e as memórias base (fatos marcantes que definem quem uma pessoa é, moldando sua personalidade) são sugadas para o longo prazo (lugar onde as demais memórias ficam armazenadas), junto com a Alegria e a Tristeza. Desde os momentos iniciais do filme, sabemos que as personagens não possuem um bom relacionamento. Elas terão que abrir mão de suas diferenças, e embarcarem em uma aventura para um bem maior, voltar a central de controle, e restaurar a personalidade da Riley, que se encontra em uma crise existencial após seu “apagão”, restando apenas o Medo, Raiva e Nojinho para controlá-la. 

Com uma mistura de tecnologia, roteiro e criatividade, a Pixar trata de conceitos da psicologia de forma simples, com cores para representar cada emoção, bolas de vidro coloridas para as memórias, ilhas de personalidade, estúdios para a gravação dos sonhos, uma prisão dos maiores medos sendo o subconsciente, um grande fosso para as memórias esquecidas, que se desfazem na escuridão. Tudo isso com um selo de qualidade do estúdio, com afinco aos mínimos detalhes, como texturas da pele e roupas dos personagens.

A narrativa consegue equilibrar as duas histórias que se completam em uma. Enquanto seguimos os dramas da Riley na nova vida, com problemas na casa, na escola e com os pais, vemos como suas atitudes afetam na volta das emoções para a central de controle. Isso se expande em alguns momentos, pois são apresentados a mente de outras pessoas. Exemplo disso é uma cena com uma dinâmica no jantar em família, onde as emoções dos pais são mostradas. Nela, podemos ver a diferença de maturidade e conhecimento dos sentimentos deles, que mantém um controle maior na hora de tomar decisões, e com uma organização melhor na central de controle.

A história, como já de costume do estúdio, é feita para todas as idades, trazendo uma carga dramática diferente para cada fase da vida. Consegue prender as crianças na fofura e aventura ali proporcionada, e emociona os adultos com a profundidade e sensibilidade do roteiro. Além da história já explicitada, com a insegurança diante das mudanças, e crise existencial, o filme abre portas para a discussão sobre a importância da tristeza na vida (visto como uma alusão a depressão), o amadurecimento e as mudanças que ele traz nas nossas atitudes, a perda de um amigo e a importância do esquecimento em certas ocasiões. 

O filme possui uma carga dramática excepcional, com diversos momentos que levam o espectador às lágrimas. Um bom exemplo disso é o carismático amigo imaginário de infância, Bing Bong, fazendo com que o espectador torça para que ele reveja a Riley. Até nos  esquecemos que ele é apenas uma criação da mente da menina, onde protagoniza uma das melhores e mais emocionantes cenas do filme, ao lado da Alegria. Em paralelo, a história que ocorre com a própria Riley possui seus conflitos decorrentes de sua crise existencial, que a leva a fazer coisas antes inimagináveis, e se fecha em um desabafo de tirar o fôlego.

Divertida Mente (Inside Out, no original) foi apresentado no festival de Cannes e mais tarde acabou ganhando o Oscar de Melhor Animação. O longa reabriu os olhos do estúdio, que até o momento estava produzindo apenas histórias empacadas e sequências de seus sucessos, sem uma produção original de fôlego. Mesmo que o filme que o sucedeu não seja o melhor: o esquecível O Bom Dinossauro (2015),  Divertida Mente trouxe um foco em futuros projetos originais, como os emocionantes Viva! A Vida é Uma Festa (2017) e Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica (2020). A história dos sentimentos da Riley acabou sendo mais um grande acerto para o gigante estúdio da Pixar, que diverte e emociona do início ao fim, mesmo cinco anos depois.

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