Stephanie Cardoso

A história recente do pop tem mostrado que nem sempre a fama garante permanência. Muitos artistas descobrem, depois do auge, que sobreviver fora do fenômeno coletivo exige mais do que reconhecimento imediato. Para quem saiu de uma das maiores boybands, esse desafio se torna ainda mais visível. Louis Tomlinson, moldado pelo sucesso global do One Direction, passou os últimos anos tentando se desvincular da sombra de uma banda que definia tudo ao seu redor. Entre expectativas infladas, comparações constantes e uma carreira solo construída com passos cautelosos, sua identidade artística nunca pareceu totalmente resolvida. How Did I Get Here nasce exatamente desse conflito: um álbum que questiona o percurso, revisita o passado e tenta, enfim, estabelecer um lugar próprio dentro da indústria atual.

Desde o primeiro instante, o disco nos faz ficar completamente viciados. Nele, há a sensação de proximidade: é como se o artista estivesse falando diretamente com o ouvinte, dividindo medos, esperanças e pequenas vitórias. A obra aposta em melodias envolventes, refrões que grudam e ritmos dançantes que mantêm a energia sempre em movimento. Mesmo quando as letras se inclinam para a vulnerabilidade, a música nunca se fecha em melancolia excessiva. Pelo contrário, encontra força justamente no contraste entre batidas vibrantes e confissões emocionais, equilibrando euforia e fragilidade com naturalidade – tudo isso, com uma lente cor de rosa.

Em Broken Bones, sétima faixa do disco, Tomlinson se revela como alguém que abraça as cicatrizes como parte inevitável de um grande desejo em viver intensamente. A canção não fala de um sofrimento passivo, mas de uma escolha: a de errar, cair e se machucar, desde que isso signifique sentir algo real. Quando ele canta sobre “adorar uma briga” e preferir “o sabor do perigo” à segurança do tédio, fica claro que os ossos quebrados funcionam como metáfora para uma vida vivida sem anestesia. Mesmo com arrependimentos, ele faria tudo outra vez, e essa repetição funciona como um mantra, reforçando que os tropeços são apenas o preço de uma jornada que ainda vale a pena ser percorrida.

“Eu me arrebentei, é, mas foda-se;
Eu vou fazer tudo de novo, fazer tudo de novo;
Não sei quando, mas;
Eu vou fazer, vou fazer tudo de novo, fazer tudo de novo;
Com você”

Antes de seu novo trabalho, Louis Tomlinson já vinha testando os limites de sua carreira solo. O caminho não foi imediato: singles com sucessos mornos e turnês como artista solo foram recebidos com curiosidade, mas também com expectativa crítica, em um cenário em que cada passo era comparado com o sucesso meteórico de sua antiga banda. Esse período de construção da identidade artística deixou claro que Louis precisava de consistência emocional e narrativa para que sua trajetória solo se consolidasse.

Seus trabalhos anteriores, como Walls (2020) e Faith In The Future (2022), já indicavam essa tentativa de equilíbrio entre o pop acessível e introspectivo. O primeiro transitava entre baladas sentimentais e faixas de pop-rock com pegada britânica, mostrando maturidade, mas também algumas hesitações em definir um estilo único. Era um disco que buscava firmar sua própria voz, mas ainda se apoiava em referências e estruturas já conhecidas. Com o álbum de 2022, Louis dá um passo adiante: seu trabalho amplia a energia e aposta em composições mais expansivas e otimistas, com refrões mais abertos e uma sonoridade que dialoga melhor com o palco e com o público. Em seu projeto atual, essa evolução parece mais consolidada, cada canção soa deliberada, com uma coerência temática e emocional que não estava tão evidente em seus últimos trabalhos, revelando um artista que aprendeu a lidar com expectativas, público e a própria vulnerabilidade.

Outro ponto alto do lançamento é Imposter, que coloca a crise de identidade no centro da narrativa. A canção mergulha no sentimento de inadequação e na paranoia de quem não se reconhece mais no papel que desempenha. Em cada um dos seus versos tem um toque de insegurança, na qual nos é mostrado o seu desconforto de não se reconhecer mais e de sentir que está interpretando um papel que já não é seu. 

A letra cria um sentimento de empatia – afinal, quem nunca se sentiu deslocado? – que nos faz perceber que nem todo artista vive em um mundo cor de rosa, apesar da fama. No entanto, mais uma vez, a produção suaviza o impacto emocional, optando por uma sonoridade que acolhe em vez de confrontar. Em vez de realmente nos fazer entender que essa sensação exista, o artista foca mais em uma mensagem superficial, como se quisesse apenas dizer que existe esse problema mas sem de fato discuti-lo. O resultado é eficaz em termos de empatia, entretanto menos incisivo do que poderia ser. 

“Acho que há um estranho na minha cama
Meu coração está batendo mais rápido
Não consigo me livrar dessa sensação
De que eu sou o impostor”

o longo do disco, a coerência é um dos principais méritos. As faixas se conectam por temas como amadurecimento, pertencimento e reconstrução pessoal, e a produção mantém uma identidade clara do início ao fim. Em contrapartida, também expõe um limite: poucas músicas fogem do terreno já conhecido do pop. Falta, em alguns momentos, o risco que poderia transformar o álbum em um statement mais forte dentro da discografia do artista. Além disso, a falta de profundidade lírica é um problema recorrente, já que a mensagem da maior parte das músicas é de uma perspectiva otimista que enfraquece o que foi dito.

Dark To Light com certeza é uma das músicas de maior destaque desse trabalho. Nela, vemos uma sinceridade e honestidade diferente da apresentada até aquele momento. Na faixa, vemos o eu lírico dizendo que desejava que a pessoa a visse como ele a vê. Não existe um otimismo de que tudo vai ficar bem, só uma sensação de impotência, de que não há nada a ser feito. É uma letra sensível, que revela uma vulnerabilidade do artista, uma confissão escondida entre seus versos. Na internet, fãs teorizam que a música foi feita para Liam Payne, que também integrou o One Direction, e que veio a falecer enquanto Tomlinson trabalhava neste projeto.

Apesar de seu acerto lírico e conceitual, boa parte das músicas não surpreende. Diversas seguem caminhos previsíveis, oferecendo conforto onde poderia haver um risco maior – como por exemplo, nas canções Lemonade e Sunflower. Ainda assim, a coesão do projeto compensa a falta de risco absoluto, transformando-o em uma narrativa contínua. Dentro de sua carreira solo, seu mais atual projeto marca um ponto de consolidação. O cantor não tenta apagar o passado nem se dissociar de suas raízes; ele reconhece a trajetória e constrói a própria voz a partir dela. O lançamento soa como um registro honesto de amadurecimento e autoafirmação, mais seguro em seu próprio território, mas sem perder a sensibilidade que conecta artista e público. O disco soa honesto, controlado e emocionalmente consistente – qualidades importantes, ainda que não revolucionárias. 

How Did I Get Here não muda os rumos do pop atual, tampouco soa irrelevante. Seu valor está menos no impacto imediato e mais na construção de uma identidade que, finalmente, parece estável. É um álbum que prefere clareza a ousadia e maturidade a espetáculo – escolhas que talvez não gerem manchetes, porém sustentam uma carreira. Para Louis Tomlinson, isso não é pouco: é a confirmação de que ele sabe exatamente onde está.

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Guilherme Barbosa

Desde sua estreia notável com De Primeira, Marina Sena tem trilhado uma jornada louvável na música brasileira. Transitando maravilhosamente entre o pop, a MPB e outros ritmos, seu estilo singular rapidamente cativou o público, garantindo-lhe um lugar de destaque no cenário mainstream do Brasil. Em Vício Inerente, a mineira demonstrou ainda mais audácia, explorando ritmos urbanos e experimentações sonoras que evidenciaram sua identidade artística. Agora, com o lançamento de Coisas Naturais, ela consolida essa evolução de forma surpreendente, apresentando um trabalho mais maduro, criativo e conectado com suas influências. Essa nova fase mostra que a cantora não tem medo de inovar e está sempre expandindo suas sonoridades e visuais de um jeito único.

Em seu terceiro disco, a cantora, mesmo utilizando sonoridades mais experimentais e com um apelo comercial, talvez menor que em seu trabalho anterior, entrega um conjunto coeso e cheio de sutilezas. A produção musical de Janluska revela diversas camadas sonoras que harmonizam elementos do samba, MPB, bossa nova, funk e pop, como apresentado em Carnaval. Se nos álbuns precedentes a artista mineira já evidenciava talento para transitar por diversos gêneros, aqui ela atinge a maestria.

A composição em Coisas Naturais também merece reconhecimento especial. Marina sempre explorou temas como a reconexão com a natureza, o autoconhecimento, o amor em suas variadas manifestações e a passagem do tempo, mas assim como a produção, aqui também se torna nítida a sua evolução e habilidade artística. As canções falam sobre crescimento pessoal, da busca pela paz interior e da aceitação da natureza transitória da vida, revelando uma maturidade não só artística como também pessoal, como revelado pela cantora em uma audição exclusiva do álbum antes do lançamento para fãs. 

Desde o lançamento do lead single do álbum, Numa Ilha, em dezembro de 2024, já era esperado que o novo disco transcendesse o que foi apresentado em Vício Inerente. Coisas Naturais não somente cumpre a expectativa como a supera, costurando os diferentes ritmos entre as faixas com clamor. Marina atinge o ponto alto da sua nova obra logo na terceira faixa. Desmitificar é uma canção forte, com batidas vibrantes, daquelas que foram feitas para ouvir no último volume e cantar bem alto em um show ao vivo. E, como em toda sua discografia, não poderiam faltar músicas voltadas para a autossuficiência, muito bem representadas por Voltei pra Mim e Pra ficar comigo em seus trabalhos anteriores. O pódio fica para Ouro de Tolo, onde Marina usa o violão e cria uma melodia daquelas gostosas de ouvir, como ficou evidente em seu evento de audição do álbum, onde cantou a música ao vivo para o público.

Desde seu lançamento, Coisas Naturais tem sido alvo de elogios vibrantes tanto da crítica especializada quanto do público. O disco tem performado muito bem nos charts, se tornando o 5º álbum nacional da história a ocupar simultaneamente todo o Top 10 da Apple Music Brasil e já acumulou mais de 70 milhões de streams no Spotify. O show de estreia da nova turnê aconteceu no Espaço Unimed, em São Paulo, que tem capacidade para 8.000 pessoas e teve  todos os ingressos vendidos. Os resultados e a recepção do público comprovam como Marina tem ido pelo caminho certo, sempre evidenciando sua autenticidade.

Atualmente, Marina Sena se destaca como um dos grandes nomes que transformam a música popular brasileira. Sua habilidade em mesclar referências tradicionais com o contemporâneo a posiciona de forma privilegiada no cenário musical. Com Coisas Naturais, ela reafirma a possibilidade de inovar sem renegar as raízes, honrando a tradição musical brasileira enquanto aponta para o futuro. Sua obra estabelece um diálogo tanto com a tradição do Clube da Esquina quanto com as batidas modernas do pop internacional, criando uma sonoridade singular e atraente. A contribuição de Marina vai além de suas canções: ela representa uma geração que busca liberdade estética, identidade própria e autenticidade em um tempo marcado pelo excesso de fórmulas simplistas.

O impacto de seu novo trabalho se estende para além das paradas musicais. Ao abraçar uma sonoridade mais orgânica e explorar temas introspectivos, ela abre caminho para que outros artistas se sintam encorajados a seguir suas próprias verdades artísticas. A forma como Marina se conecta com o público, seja através de letras que ressoam com experiências universais ou performances energéticas, demonstra que a autenticidade é um pilar relevante em sua carreira. O álbum não é apenas um sucesso comercial, mas também um catalisador para uma nova onda de experimentação na música brasileira, provando que é possível equilibrar a inovação artística com o reconhecimento popular.

Coisas Naturais é, sem dúvida, um marco na discografia de Marina Sena e um dos melhores álbuns brasileiros lançados recentemente. É uma obra que atesta a coragem em amadurecer, reinventar-se e aprofundar suas criações. O álbum provoca uma experiência sonora envolvente, emotiva e admirável, consolidando Marina como uma das vozes mais autênticas de sua geração. Em um cenário musical frequentemente caracterizado pela repetição, é revigorante acompanhar uma artista que valoriza tanto a qualidade quanto a verdade artística. Marina Sena, com seu talento e ousadia, demonstra que elementos naturais, quando cultivados com esmero, podem florescer em criações raras e preciosas na música.

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Arthur Caires

Selena Gomez tem uma carreira musical carregada de hits. Desde o começo, quando estava fazendo músicas contratuais para a Disney, ela entregava ‘farofas’ marcantes como Slow Down e Love You Like A Love Song. Já em 2015, quando conseguiu mais controle artístico com Revival, ela foi pioneira no pop ASMR com as deliciosas Hands To Myself e Good For You. Na era dourada dos singles avulsos em 2017, a cantora lançou algumas de suas melhores faixas, como Bad Liar e Fetish. Até mesmo o Rare, de 2020, tem Dance Again e Souvenir, que servem algum propósito.

Porém, ao longo dos últimos anos, foi possível perceber que a Música tratava-se mais de um hobby para Gomez do que algo que ela colocasse um esforço substancial. Logo após o lançamento de Emilia Pérez, em 2024, a atriz declarou em uma entrevista: “Será muito difícil para mim voltar para a Música algum dia”. Mesmo assim, após um período polêmico envolvendo seu namoro altamente público com o produtor Benny Blanco, a ex-Disney lançou um novo álbum.

I Said I Love You First surge como um disco colaborativo entre os dois artistas, concebido, supostamente, para narrar a história de como se conheceram e celebrar seu amor incondicional. Benny Blanco, que já havia trabalhado com Selena Gomez em Revival, é um dos produtores que mais influenciaram a década de 2010. Com um currículo repleto de sucessos, ele foi peça-chave na produção de Teenage Dream, de Katy Perry, além de assinar hits para nomes como Kesha, Maroon 5 e Justin Bieber.

O resultado dessa combinação é uma coleção aleatória de músicas de outras pessoas em que o único trabalho de Gomez foi adicionar os vocais. Em Bluest Flame, a cantora tenta aproveitar da composição de Charli XCX para emular um hype pós-brat. A mesma coisa acontece em Ojos Tristes, que ao menos conta com a participação da banda The Marías. Em sua essência, são músicas boas e bem produzidas, mas a falta de autenticidade nos faz pedir pela versão dos respectivos artistas que as inspiraram.

Os momentos aproveitáveis de I Said I Love You First são quando é possível perceber uma vulnerabilidade verdadeira na letra e na voz de Selena Gomez. Younger And Hotter Than Me e Scared Of Loving You, co-produzidas por Finneas, mostram a artista desabafando sobre suas inseguranças com relação a sua juventude na indústria e o medo de perder alguém. Cowboy e You Said You Were Sorry também flertam com essa introspecção, incorporando influências sonoras de Lana Del Rey, mas acabam esbarrando em letras que não atingem a mesma profundidade emocional.

O maior desperdício de potencial, no entanto, é Call Me When You Break Up, o primeiro single oficial, em parceria com Gracie Abrams. A faixa tinha todos os elementos para se tornar um pop chiclete envolvente, porém, o efeito distorcido nos vocais de Gomez e o encerramento abrupto passam a impressão de um trabalho inacabado. O mesmo problema se repete em Sunset Blvd, uma produção agradável que, infelizmente, traz a letra mais constrangedora do álbum: “Eu só quero tocar, tocar/Tente o seu melhor para não chegar lá/Me dê, me dê, como eu amo seu grande, grande coração”.

Em suas aparições públicas, Selena Gomez e Blanco parecem um casal genuinamente feliz e é evidente que a criação deste álbum foi um processo especial para ambos. Não há nada de errado em querer transformar esse sentimento em Música – o problema está na forma como o relacionamento deles é traduzido para as canções. As letras não revelam nada substancial sobre a conexão dos dois, o que torna o disco menos uma declaração de amor e mais um exercício de branding.

Além disso, a imagem pública de Benny Blanco, com suas excentricidades e declarações questionáveis, acaba influenciando a recepção do projeto, desviando a atenção do que realmente importa. No fim das contas, I Said I Love You First luta para encontrar uma identidade própria. O álbum soa como uma coleção de faixas dispersas, incluindo, por algum motivo, I Can’t Get Enough, um reggaeton de 2019. Não é memorável – e, se o objetivo era transformar esse romance em Música, talvez fosse mais interessante simplesmente assistir aos vídeos dos dois no Instagram.

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Gustavo Capellari

Em 2020, a cantora Jessie Ware, já consolidada na época no mercado fonográfico britânico com três álbuns lançados, entrava em uma empreitada importante para sua carreira: o lançamento do seu quarto disco, intitulado What’s Your Pleasure?, que trouxe uma sonoridade diferente da que a artista vinha explorando anteriormente. Naquele ano, Ware explorava a pergunta “qual é o seu prazer?”. Já em 2023, That! Feels! Good! é lançado e faz uma afirmação na qual o prazer é celebrado. Esse pequeno detalhe, embora pareça pouco importante, nos ajuda a entender as transformações nos estilos explorados pela cantora.

O que os dois álbuns mais têm em comum talvez seja a presença da Música disco, juntamente com as letras e melodias cativantes que compõem a trajetória da diva. Investindo em ritmos dançantes e com um apelo comercial maior do que seus primogênitos – Devotion (2012) e Tough Love (2014) –, ela passa a ganhar cada vez mais espaço nos charts e admiração da crítica.

A Música tem a capacidade de nos transportar para lugares de conforto, sejam eles utópicos ou não. Jessie Ware se coloca na posição de alguém que precisava de um escape da realidade e a criação de seus dois últimos álbuns a prestou esse papel, especialmente considerando que o mais recente foi gravado e produzido inteiramente durante a pandemia da covid-19.

Isso também não quer dizer que ela já não tivesse conquistado posições de destaque anteriormente. A artista foi nomeada múltiplas vezes em diversas premiações, dentre elas o Brit Awards, o MOBO Awards (voltado para a Música originária das comunidades negras) e o Mercury Prize, tendo sido indicada para Álbum do Ano pelo seu debut em 2012 e pelo seu lançamento de 2023.

Talvez um dos diferenciais mais marcantes de Ware seja a sua capacidade de performar e compor música pop de forma eclética e elegante, trazendo múltiplas influências e utilizando-as de uma maneira que faça sentido para um projeto específico. Enquanto seus primeiros três álbuns têm uma sonoridade mais voltada para o R&B e o soul, What’s Your Pleasure? e That! Feels! Good! abraçam o estilo disco.

Embora mais voltado para os clubes de dança (antigamente chamados de discotecas), o disco tem uma origem comum aos gêneros anteriores: as comunidades afro-americanas. O desenvolvimento dessa subcultura na década de 1970 provocou diversas transformações na sociedade e na cultura, e foi essencial para a construção das bases da Música eletrônica como a conhecemos hoje, inclusive o nu-disco.

Para além da Música em si, as comunidades que frequentavam as discotecas nos Estados Unidos também incluíam, além da comunidade negra, pessoas de outros grupos subalternos da sociedade norte-americana, como latinos e LGBTs. Jessie Ware e James Ford, seu produtor de longa data, evidentemente conhecem e prestam homenagem à influência histórica do disco.

Ware também explora outros gêneros, como o diva house, o soul e o funk estadunidense. A produção afiada de Ford e de Stuart Price serve como uma luva para os vocais e arranjos das faixas, que marcam a transição de um disco um pouco mais melancólico do lançamento predecessor para uma atmosfera mais enérgica e animadora. Talvez, Remember Where You Are, que finaliza o What’s Your Pleasure, delimite o início dessa transição, pois, na época, a artista ficou em dúvida se a música deveria estar mesmo no álbum por ser mais exultante do que a maioria das outras.

A música negra é uma das grandes fontes de influências artísticas de Jessie Ware, que cita sua admiração a figuras como Donna Summer, Minnie Riperton e Evelyn “Champagne” King. Ela também já colaborou com outras mulheres que constroem o que poderíamos chamar de pop sofisticado contemporâneo, notadamente Kylie Minogue e Róisín Murphy. Porém, diferentemente de Ware, elas já construíam suas carreiras musicais há mais tempo, em especial Minogue, que começou em 1988. Ambas emprestam seus vocais na faixa-título, que dá início ao álbum.

Nessa faixa, um lema é repetido algumas vezes: “o prazer é um direito”. Trata-se de uma mensagem que se encaixa perfeitamente no conceito hedonista do disco, que celebra o prazer de viver, estar e ser quem se é. O amor e a sexualidade também aparecem como temas recorrentes. Além disso, ao tratar o prazer como direito de todos, Jessie Ware reitera sua consciência social perante as diversidades e opressões perpetradas contra mulheres, negros, imigrantes e pessoas queer.

A segunda canção, Free Yourself, fala sobre liberdade, empoderamento e volúpia. Ela sente que os seus dois últimos discos, mais do que reinvenções drásticas de sua Arte, seriam em grande parte retornos a questões passadas, e também caminhos para ela se libertar de pressões aprisionadoras masculinas e firmar sua independência artística.

That! Feels! Good! não se limita apenas a composições energéticas ou bombásticas. As faixas Hello Love, Begin Again e Lightning são mais plácidas do que o restante, o que promove um equilíbrio interessante que não torna o conjunto da obra cansativo e nem entediante demais. Seja para quem quer uma Música mais animada, ou para quem prefere uma sonoridade mais calma e atmosférica, há o que se aproveitar em um dos álbuns mais aclamados de 2023.

A ecleticidade, aqui, não é um problema, pois não há uma salada de estilos que não conversam entre si. É, pelo contrário, um projeto com uma segmentação coerente e que já apresenta, logo de início, o tipo de conteúdo que será passado ao ouvinte. A própria identidade visual do projeto também exala opulência e autodeterminação, combinadas a uma estética vibrante e, por vezes, kitsch, característica das décadas de 1970 e 1980.

Embora Ware enxergue seus últimos esforços artísticos mais como retornos a influências anteriores do que uma ‘reinvenção da roda’, é inegável que o seu trabalho apresenta originalidade, carisma e expressão própria que não soa como uma mera repetição de fórmulas prontas do pop. Em meio às suas próprias extravagâncias, That! Feels! Good! soa bem, como o título revela, também pela sua produção sóbria e letras que, embora sem uma grande complexidade, cumprem excelentemente seus objetivos.

“Pensem nesse disco e em What’s Your Pleasure? como o Bert e Ernie do revivalismo moderno do Studio 54, ou um par de hits de dopamina queer-codificados que realmente não podem ser imaginados existindo separadamente.” – Jessie Ware em entrevista para o jornal Independent

Afinal, seja para ouvir em uma festa, em uma reunião de amigos ou sozinho em casa com um bom par de fones de ouvido, Jessie Ware é capaz de encantar uma gama variada de públicos. Ela pode externalizar melodias doces ou sentimentos melancólicos; cantar como um golfinho ou como uma diva pop oitentista. Para o ícone da música alternativa – e, porque não, da música pop no geral –, podemos dizer: “estamos nos sentindo bem”.

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Isabella Lima

“Sinceridade não pode ser fabricada; a sinceridade de cada integrante do BTS é sedimento de suas provações, tribulações, tristezas, medos e esperanças a partir de suas próprias experiências vividas”, afirmou Jiyoung Lee em seu livro BTS Art Revolution, sobre o grupo de K-pop que conquistou, e ainda conquista, fãs leais ao redor do mundo. O legado de RM, Jin, SUGA, J-hope, Jimin, V e Jungkook é incontestável; sete rapazes de um pequeno país asiático que foram capazes de quebrar diversas barreiras linguísticas dentro da indústria da Música. O septeto, que iniciou a carreira em 2013, pode até ter anunciado uma pausa na carreira como grupo, mas seus trabalhos solos estão proporcionando aos fãs do BTS, conhecidos como ARMYs, verdadeiras obras musicais. Entre elas, encontramos os projetos de Min Yoongi, que se denomina como SUGA dentro do grupo, porém, quando em carreira solo, é conhecido por Agust D.

Apesar de ser a mesma pessoa, o cantor utilizou os nomes fictícios para explorar todo o seu potencial artístico, seja em equipe ou sozinho. O pseudônimo Agust D não é estreante no cenário musical: suas letras combativas, carregadas de rap e críticas são a marca registrada do artista desde 2016, quando lançou o seu primeiro projeto solo intitulado Agust D. Em 2020, a segunda parte da sua jornada chegou com o nome D-2, e agora, em 2023, conhecemos o capítulo mais recente dessa história: o álbum D-DAY, que além de dois videoclipes inéditos, também ganhou um documentário no Disney+, SUGA: Road to the D-DAY. 

O filme explora o processo de produção do projeto mais recente do cantor, além de abordar suas principais questões criativas. Yoongi sempre foi conhecido por ser um dos membros mais introvertidos do BTS, algo que o ajuda a expor com sinceridade a carga emocional das letras que escreve. Porém, logo no início do documentário, um ponto essencial é trazido pelo próprio artista: a despedida dos seus 20 anos e a chegada dos 30. Isso é algo que faz com ele se pergunte o que ainda pode retratar em suas canções. “Minhas histórias acabaram, mas preciso contar uma”, revela durante a filmagem, mostrando a dificuldade de entender a fase adulta quando se é alguém que atingiu tantos sonhos ainda tão jovem. Em meio a esse contexto, o artista oferece reflexões valiosas misturadas com momentos musicais em um estilo grunge e rock star. 

Aprendemos, ou melhor, relembramos com Min Yoongi que o processo criativo não é uma linha reta. A autocobrança está presente na vida de muitas pessoas e para ele não é diferente. O rapper comenta com muita sinceridade sobre suas preocupações e medos para seu novo disco. Da mesma forma que atualmente as informações chegam extremamente rápido, os produtos musicais também são consumidos de maneira acelerada, o que gera uma ansiedade e pressão nos artistas para atingir a hiperprodução. Apesar dessa espiral de pensamentos, Suga mostra que o caminho para a criatividade não é, e nem precisa ser, linear. Algumas músicas do D-DAY, como Haegeum e AMYGDALA, por exemplo, tiveram suas primeiras versões criadas em 2020, mas só foram efetivamente lançadas agora. 

Além disso, quem nunca teve um bloqueio criativo? Eles existem e está tudo bem pedir ajuda, isso não descredibiliza todo nosso esforço. Em Junho de 2022, Agust D viu a composição do seu novo álbum chegar a um beco sem saída. A maneira como ele decidiu passar por essa situação foi, justamente, saindo da rotina e, o mais importante, pedindo ajuda. Para isso, ele reuniu um time de compositores em PyeongChang, interior da Coreia do Sul, onde foi gravada a segunda temporada de BTS In The Soop. Neste momento, o documentário acompanha a reunião da equipe, mostrando que um processo difícil para apenas uma pessoa se tornou um momento de descontração e trabalho na medida certa quando feito em grupo. Suga ainda comenta que, quando se junta com outras pessoas, pode passar 12 ou 13 horas trabalhando, mas sempre acaba sendo uma construção mais divertida e menos solitária. 

Aqui também percebemos a importância de sempre se lembrar das nossas motivações pessoais. Uma das partes mais emocionantes de SUGA: Road to the D-DAY se passa no Japão, quando Suga tem a oportunidade de conhecer um dos seus ídolos de infância, o produtor, compositor e vencedor do Oscar Ryuichi Sakamoto. Quando pequeno, Yoongi assistiu ao filme O Último Imperador e desde então as composições de Sakamoto o inspiraram a ser músico. As reflexões que leva para essa conversa são focadas em entender como se manter motivado dentro da sua profissão, uma vez que ele já faz música há 17 anos e muitas vezes se sente cansado e até cogita parar. Para Ryuichi, com seus 70 anos de experiência, a composição deve ser interpretada como uma escada infinita, uma vez que, quando um artista fica 100% satisfeito com a sua obra, é o fim do seu propósito.

No fim, Agust D e seu documentário cumprem com o propósito de transmitir um valor muito importante: a vulnerabilidade. É admirável como enxergar e sentir os momentos difíceis de uma celebridade pode a aproximar do seu público prioritário, os seus fãs. Suga expõe suas dores, dificuldades e ansiedades na esperança de que isso possa acalentar outras pessoas. Todos esses fatores fazem SUGA: Road to D-DAY ser equivalente a um daqueles abraços que buscam dizer que tudo vai ficar bem. O artista, que iniciou a jornada do seu novo álbum sem saber qual narrativa explorar, finaliza revelando: “Quais você acha que são as chances da chegada de um futuro totalmente controlável? Há uma grande chance do futuro que você teme nunca acontecer. Essa é a história que eu queria compartilhar com vocês (…) Quero compartilhar histórias que tenham foco no presente”.

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Enzo Caramori

Em todas mitologias, existem rotas desconhecidas que até mesmo os mais vividos viajantes e argonautas nunca se atreveram a traçar em seus mapas envelhecidos, especulando apenas o que seriam esses tão grandiosos perigos. Pode-se logo pensar que o medo esteja nas ondas de um mar revoltoso, mas a verdadeira violência é a de se prender em órbitas obsessivas do mais temido feitiço: o desejo. Vários são os poetas – talvez os maiores excursionistas desse percurso – que, esquecendo-se do poder de reconfiguração da paixão, perdem-se, tentando capturá-la com objetividade, em suas profundezas.

A artista estadunidense Caroline Polachek é uma das viajantes que também não encontrou o seu destino, até mesmo porque seu maior objetivo está no próprio ato da busca. Em seu novo e triunfal álbum, Desire, I Want To Turn Into You, Polachek constitui uma cartografia do desejo na forma da música pop. Nela, diferentemente de outras narrativas em que o ser apaixonado quer tomar controle e dar nome ao que sente, a cantora prefere ser transportada pelo êxtase do sentimento. As excursões feitas nas doze faixas do esperado sucessor de Pang são ruminações, balbucios e expressões fundadas pela letargia, que mais criam imagens do que a paixão pode ser do que realmente um dizer concreto. 

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A fragmentação do discurso amoroso em múltiplas peças mostra o quebra-cabeça teórico montado pela artista a partir de modelos sem uma forma fixa. As harmonias e os elementos melódicos repetem-se, camuflados, entre as músicas; os versos – minimalistas porém nada literais – não possuem uma ligação nem uma linearidade uns com os outros. Como se dispostas aleatoriamente, suas composições mostram a vontade de propor uma visualidade pela simplicidade poética de suas letras. “Uma terna criatura / Uma febre / Encantadora, fluorescente”, exerce a tentativa sinestésica de capturar o desejo pelo reino das sensações e do inconsciente, no qual Polachek navega.

Nessa fixação a um vasto universo de imagens, a criadora de Pang traduziu a pintura surrealista Aniversário, de Dorothea Tanning, no sonho brutal de Door, que inaugurou sua carreira solo depois do grupo Chairlift. Já para Desire, o olhar arqueológico da autora procura, para dentro e fora de si, os mais variados símbolos: pinturas rupestres de bisontes, cornucópias romanas, quimeras, sombras platônicas e as lendas mitológicas de Minotauro e Teseu. E diferentemente de seu antecessor, as habitações agora são demasiadamente quentes para saias xadrez e espartilhos.

Em Smoke, é a efervescência gutural de um vulcão jorrando lava, representado por batidas e graves tectônicos — feitos do produtor executivo do álbum, Danny L Harle — que traduzem o descontrole e a violência de um corpo que busca o outro. O som de Harle, que situa-se em um bubblegum pop aéreo misto de um techno cartunesco, aqui ganha uma substância extremamente terrena e sóbria. Na mesma paleta de tons quentes, a faixa Sunset reside sob o sol de Barcelona, na qual o produtor Sega Bodega abandona o deconstructed club das baladas underground europeias para compor acordes fervilhantes em um violão flamenco. A canção situa a possibilidade de se estar perto, se não já envolvido, pela intimidade e pelo suor da luxúria.

Na clara dubiedade do título, da vontade de tanto debruçar-se quanto tornar-se o desejo, é onde a tese de Desire reside acesa. Polachek propõe charadas e mitologias entre o abismo de estar, ao mesmo tempo, extremamente conectada e distante com o outro. Essa falsa proximidade, colocada principalmente pelo isolamento social da quarentena, serve como uma fantasia escapista para a compositora, na qual é possível encontrar uma segurança na impermanência que, no fundo, busca um lugar para pouso. 

Bunny is a Rider é a recitação dessa energia, na qual as instrumentações surpreendem por sua complexidade, tomada por um ritmo com uma pitada tropical e por seu potencial pegajoso na sonoridade pop. Bunny foi o primeiro single do projeto, que assusta em suas batidas assíncronas e robóticas e em seus elementos inesperados, como o grunhido remixado da filha recém-nascida de Danny. Em um groove despretensioso, a faixa é quase uma reinvenção da deliciosamente confusa After Party, de Don Toliver, só que por uma estrela pop atmosférica e imaginária. No single, Polachek é atrevida e viciosamente indisponível e  – por que não? – offline.

Polachek, ainda longe de uma materialidade e sendo mais um conceito do que, realmente, uma presença, concebe, no título da música Pretty In Possible, um enigma (seria ‘‘no possível’’ ou ‘‘impossível’’?). A faixa guarda a lírica cerebral característica da vocalista, diluída no fluxo de consciência de sua composição, transeunte na progressão de tiques mecânicos que ganham uma leveza solar no instrumental de Harle. Seja pela incógnita ou pela ameaça de devorar, a canção traça a direção do projeto, enquanto parece, sonoramente, com algo que encaixaria-se no minucioso e rutilante Details, de Frou Frou, com um misto da aura sugestiva de Candy Perfume Girl.

É como se fosse capturada a sensação de vertigem que precede um viajante diante de águas desconhecidas, ou de um cantor frente à aproximação de seu refrão que, em Pretty In Possible, nunca chega. Nem o Oráculo possui pistas para seu fim, levando a percursos inesperados entre arranjos acústicos e eletrônicos que dão espaço à emulação de texturas e imagens sutis de erotismo: “Com o seu batom na minha coxa / Beba as lágrimas até elas secarem”.

Mais extrovertido que Pang, Desire possui seus momentos de introspecção que são, em meio do êxtase na maioria das canções, como a recaída de uma euforia sensual que retrai-se para dentro da casca de sua própria estranheza. Crude Drawing of An Angel é um episódio onírico, sexual e esquisito – do mesmo nervo de Die 4 You, de Perfume Genius e de Watching You Without Me, da obra prima de Kate Bush – que aposta em um storytelling com pistas de voyeurismo. Esse olhar mais sombrio mira a finitude das coisas em Hopedrunk Everasking. Na mesma sensação de quietude e magia, Polachek observa tudo com extrema efemeridade, enquanto reflete que os séculos, sentimentos, rumores e noites são cíclicos mas, para iniciarem-se novamente, precisam em algum momento encontrar o seu fim.

No entanto, assim como qualquer humana — mesmo que, muitas vezes, tal condição é destituída para ser pensada como uma ninfa, uma fada ou uma sereia —, Caroline Polachek sonha com a imortalidade. I Believe tem o tom épico e grandioso de um hit do pop italiano dos anos 1980, com seus sintetizadores radiantes, mudanças inesperadas de acordes e a gigantesca presença da voz da estadunidense, que traz a lembrança vocal das canções de Celine Dion. Tudo parece ter sido retirado de um baile disco do próprio universo do álbum, desde as samples orquestrais retiradas de bancos sonoros da internet até o seu próprio arquétipo de diva.

A diva é uma construção essencialmente feminina, ligada a uma maturidade e a um senso de paixão que pode levar à afetividade extrema ou à destruição. No espaço imaginativo dessa figura mística e imaterial é onde se processa o luto da morte de Sophie Xeon, produtora de uma música eletrônica imortal e futurista, além de extremamente pessoal, poética e plástica. O potencial dramático, somado a energia luminosa das pistas de dança, ganha o potencial de elegia nos vocais crescentes de I Believe, que parecem querer alcançar Xeon, aonde quer que ela esteja, e chegar ao infinito: um lugar transformativo de ideias, corpos e existências que um dia a pioneira já conquistou.

Em Blood and Butter, a paixão é um contágio pelo qual Polachek está sufocada, ecoando enunciados em torno do desterramento de quem ama. O instrumental colide a organicidade de gaitas de fole e melodias folclóricas – parecendo terem sido tiradas do The Sensual World, o libidinoso e folclórico álbum de Kate Bush — a uma base eletrônica delicada que poderia ter saído do techno pop da Madonna em Ray of Light. Tudo é extremamente desejante e, mesmo que ainda abstrato, a canção é onde se resplandece seu discurso mais declamatório e confessional. Transtornada pela possibilidade de entregar-se ao outro e reconfigurar-se inteiramente perante o desejo, Polachek puxa tudo para perto de si, para que se sinta o seu perfume e sua fome de quem vive de nada além da libido, num ímpeto mais do que corpóreo e até creepy de imprimir-se na pele do outro, lacerando-a como uma tatuagem.

Se em sua coletânea irreverente dos mais variados elementos míticos e históricos, a mente criadora poderia ser classificada como enciclopédica, talvez a artista prefira ainda a Wikipedia. Conectar-se ao antigo e ao arcaico é um dos meios que a faz encontrar materiais brutos e substratos para a sua própria escultura do desejo, mas ainda assim prefere não perder sua contemporaneidade. Em sua poesia, toma conta o ritmo ininterrupto do monólogo de Molly Bloom, o final da leitura moderna da Odisseia, por James Joyce, só que talvez já um pouco afetado por fábulas cibernéticas. Esse anacronismo dorsal que atravessa Desire tece seu magnum opus: Billions. 

Sexting como se tivesse, metricamente, compondo sonetos e guardando amantes dentro de sua boca, como pérolas. A viajante mergulha em um hedonismo dionisíaco em Billions, o testemunho total de Desire. A linha do baixo e os timbres são hipnóticos e tântricos, algo entre a sensualidade rítmica de Venus as a Boy, as produções de Timbaland nos anos 1990 e a ressonância de gongos em rituais de culto à sexualidade e à natureza. Existe, talvez como em nenhuma outra faixa do álbum, uma universalidade em suas imagens, em que todas as possíveis argumentações do desejo são diluídas nos vocais espiralares da cantora, que se apresenta como uma iniciadora, quase xamânica, às liturgias do corpo. Enigmática, sexual e complexa, Polachek coloca sua voz em um massivo exercício de distorções que atingem seu ápice cerimonial no fim da canção, em um coro de crianças que, dando fim a sua viagem mas não ao seu querer, entoam como um mantra: “nunca me senti tão perto de você”.

Ser liderada pelo caos da emoção é algo que dirige Polachek para o paradoxo de ser extremamente corpórea ou intensamente etérea, escrevendo versos sem pretensão, como se a cabeça estivesse nas nuvens. Essa variação temática de um  ímpeto de despossessão do corpo e da vontade carnal de habitar a si mesmo é a metáfora máxima – mesmo que não seja dita pelas passagens de seu álbum – da perda da inocência: algo tão físico mas, ao mesmo tempo, inteiramente conceitual. O desejo é, antes, lava. Depois pó, depois nada.

A ilustração mais verdadeira das vias de Desire, I Want To Turn Into You, entre os diversos símbolos acionados para esse universo de luxúria, são as subterrâneas e labirínticas linhas de metrô sem um sentido fixo; para as quais o olhar distante da cantora, na capa do projeto, funciona como um aviso. Adentrar-se ao movimento do desejo é entender que, durante a rota, a transmutação de si é algo inevitável, mas são justamente o que essas mudanças podem instigar – erupções, incêndios e cicatrizes – que a fazem de refém a esses caminhos. Todavia, o desejo é um perigo cauteloso, que anuncia e pede permissão para atingir as fragilidades humanas. A essas perguntas, Caroline Polachek sempre responde, em bom e alto tom, um deleitoso e vertiginoso ‘‘sim”. 

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Laura Hirata-Vale

“Eu tenho os melhores amigos neste lugar” é a frase que resume o que é a 5 Seconds of Summer. Amigos desde a escola, Luke Hemmings, Calum Hood, Michael Clifford e Ashton Irwin começaram a trajetória do grupo com covers publicados no YouTube em 2011, na cidade de Sidney. Em Setembro de 2022, a banda australiana lançou o seu quinto álbum de estúdio, 5SOS5, que mostra toda a evolução e maturidade adquirida pelo quarteto durante mais de uma década de carreira.

Foram quase dois anos de uma separação forçada pela Covid-19, suspensão de shows e muita reflexão. Por isso, o disco é uma renovação para o grupo. Depois de ser marcada pelo lançamento do complexo e sentimental CALM, logo no começo da pandemia, a 5 Seconds of Summer mostra como mudou durante o período de isolamento social. O lançamento de dois projetos solos de seus integrantes – Superbloom, do baterista Ashton Irwin, e When Facing The Things We Turn Away From, do vocalista Luke Hemmings –, e a saída da gravadora Interscope Records e o ingresso na BMG Rights Management, que gerencia outros cantores como Louis Tomlinson e Rita Ora, mostraram como a banda adquiriu mais liberdade e independência. 

O quinto álbum é responsável por sintetizar toda a evolução musical que a banda adquiriu ao longo dos anos. Os dois primeiros discos foram marcados pela presença do pop punk que, lentamente, foi se tornando um pop rock cheio de guitarras, baixos e baterias. 5SOS5, por sua vez, consolida o gênero e ainda adiciona mais variações de sons aos clássicos, como sintetizadores, pianos e cordas. A mudança de estilo musical, ao mesmo tempo que consegue atingir mais pessoas, deixou alguns fãs saudosistas sentindo falta do passado; principalmente quando se fala da parte do fandom mais antigo, que acompanha a banda desde seus primórdios.

O quarteto dá um show de vocais: a maior parte das músicas possui Hemmings como o vocalista principal, mas, diferentemente do passado, muitas partes são cantadas pelos três outros integrantes, fazendo o trabalho ter uma harmonia bela e equilibrada. Além disso, o guitarrista Michael Clifford canta inteiramente a faixa Emotions. Com frases como “Não se importe comigo, só estou me sentindo meio quebrado, meio quebrado, se precisar de mim, estarei aqui com minhas emoções, minhas emoções”, a canção é uma das mais tocantes, íntimas e sensíveis do disco todo.

Clifford também teve um destaque diferente durante o álbum: ele foi o responsável por boa parte da produção do projeto. Por causa da mudança para a BMG, a banda teve mais liberdade para criar, produzir e escrever, e assim, 5SOS5 possui uma variedade de sonoridades, sentimentos e ritmos, indo de músicas reflexivas e cheias de energia para canções com temas tristonhos, chegando até em odes à amizade e ao companheirismo.

Direto de uma caixinha de música, Older mostra todo o romantismo da 5 Seconds of Summer. O single tem os vocais de Hemmings e sua noiva, a cantora-compositora Sierra Deaton, conhecida pelo hit Little Do You Know. Em uma canção melódica, melancólica e até dolorosa, a dupla canta sobre a paixão e o pesar causado pela perda do amor da vida. Com versos poéticos e bem pensados, como “Em seu vestido de noiva cor de cocaína”, “Minha querida devota delicada” e “Eu sempre estarei sangrando amor” podemos ouvir, sentir e entender a dor e a angústia que o eu-lírico sente. A música é como uma carta de despedida, em que cada palavra escrita possui uma enorme carga sentimental.

Com a flexibilização das medidas protetivas contra a Covid-19, o lançamento de 5SOS5 fez com que a banda realizasse ações que não pôde fazer com o quarto álbum. O primeiro single, Complete Mess, foi lançado simultaneamente com o seu videoclipe, no começo de Março de 2022. Ao longo do tempo, a era ganhou outros cinco singles e mais quatro vídeos. Houve também, no dia em que o disco foi liberado, o show especial The Feeling of Falling Upwards: One Night Only realizado no Royal Albert Hall, uma sala de espetáculos emblemática de Londres, como uma celebração aos dez anos de carreira, ao álbum novo e à volta aos palcos. 

Com o retorno dos shows, o grupo já está confirmado em dois festivais de música: o Tecate Pa’l Norte, no México, e o When We Were Young, nos Estados Unidos. Em relação a outros planos, há a especulação de que Ashton estaria trabalhando em seu segundo projeto solo. É interessante ver como a banda cresceu desde o seu terceiro álbum, Youngblood, o responsável pelo primeiro bilhão de streams de uma canção do quarteto. Em 5SOS5, podemos ver uma 5 Seconds of Summer mais madura, adulta e que se sente confortável em experimentar novos estilos, sons e ritmos. 

Depois de tanto tempo esperando por novidades, os corações da fanbase ficaram “em um liquidificador emocional” e quase pararam por causa das dezenove músicas que compõem o disco. E, de um jeito cheio de carinho, afeição e celebração, a 5SOS vai conquistando seu espaço no cenário musical enquanto acha seu lugar no mundo. Sem esquecer de suas raízes e fazendo questão de voltar ao “nascer do sol em Sydney”, o grupo também mostra como o quinto integrante da banda é a junção da Música com os fãs.  

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Gabrielli Natividade da Silva 

Não é segredo que Harry Styles sabe fazer uma boa Música. Já tendo acumulado mais de cinco anos de carreira solo e alguns grandes prêmios (incluindo um Grammy), o cantor lançou, no dia 20 de maio, seu novo álbum, Harry’s House, formando sua santíssima trindade perfeita. Se Harry Styles narra um amor trágico e Fine Line é um equilíbrio entre quedas e acertos, o caçula é revigorante como a trilha sonora de um clássico filme romântico. São treze novas faixas muito empolgantes e aconchegantes que refletem otimamente que o britânico está em sua melhor fase, cada vez mais seguro de si, de sua vida e, claro, de sua Música. 

A ideia de casa e conforto foi muito bem pensada, apesar de reciclar uma estratégia de marketing do álbum lançado em 2019. Muitos fãs provavelmente se recordam do “surto” para desvendar os mistérios de Eroda. Para promover o clipe de Adore You, Harry escolheu vender a ilha fictícia como um verdadeiro destino turístico, sem revelar que estava por trás de toda a obra. O mesmo foi feito com Harry’s House: meses antes do anúncio do disco, foram criadas contas no Twitter e no Instagram para a suposta loja de decoração You Are Home – houve até anúncios em jornais locais. Tudo começou a ficar suspeito quando a marca passou a postar nada mais que frases no Twitter e imagens atrás de uma porta semiaberta no Instagram. Se confirmaram as teorias de que o terceiro álbum realmente estava vindo quando Styles seguiu todos os perfis nas redes sociais. 

Em entrevista para Zane Lowe, Harry comentou sobre a proposta geral para o álbum: “É sobre um dia na minha casa, pelo que eu passo. Um dia na minha mente. Na minha casa eu estou tocando músicas divertidas, músicas tristes, alegria, dor, um dia na minha vida”. De fato, o disco faz com que o ouvinte se sinta próximo e íntimo do cantor, como se estivesse acompanhando-o a um passeio com muita conversa. Não haveria título melhor para refletir essa ideia e, apesar de haver especulação sobre a sua origem ter relação com a música Harry’s House/Centerpiece, de Joni Mitchell, Harry disse, na mesma entrevista, que é uma referência ao cantor japonês Hosono, que lançou o álbum Hosono House. De qualquer forma, ambos os projetos foram lançados na década de 1970 e conversam bem com o estilo de acordes suaves e instrumentos de sopro utilizados por Harry.  

A tracklist, como um todo, é muito intrínseca e vulnerável. Grande parte das músicas dialoga entre si, demonstrando diversos ângulos de um grande amor que pode andar em círculos, até que os envolvidos tenham força para se adaptar às mudanças e aos desafios. Todavia, Matilda carrega uma fragilidade incomparável. A faixa é delicada ao máximo, sendo um conselho direto do próprio Harry para todos que cresceram sem receber o amor que deveriam e sentem a culpa por isso, incentivando a autocompaixão e a libertação de relações tóxicas. “Eu acho que as pessoas sentem muita culpa por coisas que elas não necessariamente deveriam sentir. É seu direito proteger o espaço ao seu redor e ser protetor consigo mesmo e cuidar de você mesmo”, declarou Styles para a NPR.

Para falar sobre as prováveis inspirações para o novo trabalho do britânico, é necessário apontar que Styles é muito influenciado por grandes artistas dos anos 1970 e 1980, como Queen, Fleetwood Mac e Mick Jagger. Esses exemplos sempre estiveram presentes nas músicas do ex-One Direction – especialmente em seu primeiro álbum, quando Harry ainda estava buscando seu próprio estilo e espaço – e não foi diferente com a leva mais recente. A referência oitentista ligada ao jazz, às baladas e ao rock clássico, misturados ao pop, funcionaram muito bem, apesar de não ser uma ideia totalmente inédita. Dua Lipa e The Weeknd, por exemplo, alcançaram o topo das paradas, em 2020, com essa mesma tática, e o mesmo é esperado para o britânico com Harry’s House. 

Daydreaming é outro exemplo da mistura entre o contemporâneo e as influências do final do século passado. A faixa é consolidada como uma das mais divertidas do álbum e isso pode ser explicado por ter feito uso do sample de Ain’t We Funkin’ Now, de autoria do The Brothers Johnson. Com a bateria, o baixo e o trompete bem característicos, a música de 1978 tem tudo o que é necessário para a de 2022 funcionar – Quincy Jones, produtor musical da dupla, elogiou Styles e agradeceu pelos créditos. Trazer esse estilo para as outras músicas ficou por conta de Harry e seu time, o cantor escolheu trabalhar novamente com Kid Harpoon e Tyler Johnson, além de seu guitarrista Mitch Rowland. O trio participou, junto ao cantor, no processo de criação dos dois álbuns lançados anteriormente e, novamente, fizeram um ótimo trabalho.   

Passando para a ordem das faixas, Harry expôs para a iHeart sobre os desafios para encontrar a sequência perfeita. “Sequenciamento é, provavelmente, a parte que eu acho mais estressante, porque está essencialmente finalizado e você só tem que ouvir de várias formas diferentes”. Bom, todo o esforço compensou, pois o álbum passa uma energia decrescente que é muito interessante de se ouvir, começando com a animação dos trompetes de Music For a Sushi Restaurant, até chegar nas batidas calmas de de Love Of My Life. Contudo, não dá para negar que o cantor está em sua era invertida, isso é visto na própria capa do álbum, no início de Boyfriends e até mesmo no vídeo promocional divulgado quase um mês antes do lançamento, que contém o áudio invertido da última música do disco. Levando tudo isso em conta, é possível concluir que, talvez, a sequência “correta” de Harry’s House também é invertida, mesmo fazendo sentido dos dois modos, sendo uma genialidade impressionante, como de costume para Styles.

“To boyfriends everywhere…fuck you!”, assim foi anunciada a 12ª faixa do álbum em pleno Coachella. Faltando pouquíssimos dias para o lançamento do álbum, Harry estreou Boyfriends em um dos maiores festivais de Música do mundo (diga-se de passagem, todo o seu show foi uma apresentação de ouro). A faixa, apesar de subestimada por muitos, é, provavelmente, uma das mais sinceras de todo o disco, seguindo o tempo todo um ritmo acústico e com enfoque total na voz do britânico, passando claramente a mensagem sofrida de uma pessoa que, apesar de se doar muito, foi magoada por um namorado ruim. Além dela, também foi performada Late Night Talking, a música, que só confirmou a vibe disco que o álbum teria, também narra sobre se doar inteiramente a alguém, sem pedir nada em troca. 

Harry sempre foi bom em se colocar no mapa com bons singles: em 2017 foi Sign Of The Times, em 2019 foi Watermelon Sugar e agora, em 2022, foi As It Was. A música, que alcançou números incríveis muito rápido, se sustenta como uma boa representação de todo o álbum, com uma batida nostálgica e uma letra reflexiva. “É sobre metamorfose, se perder e se encontrar. Abraçar o fato de que a vida te atinge em momentos diferentes, não quando você espera. Isso é maravilhoso, mas com essas coisas maravilhosas vêm algumas jornadas emocionais complexas”, disse Styles para a NPR. A coreografia do clipe, criada por Yoann Bourgeois e inspirada em um de seus trabalhos antigos, carrega perfeitamente a ideia de forçar um ciclo vicioso que já não funciona mais. O vídeo como um todo, porém, casa com a proposta de libertação e aceitação da mudança, a arte foi criada por um time inteiramente ucraniano, liderado pela diretora Tanu Muino. 

Com um disco muito empolgante e inspirador, Harry expõe mais umas vez seus amores e suas dores, de um jeito diferente de seus outros trabalhos, mas ainda sim muito coerente à sua essência original. O poder de Harry’s House, com certeza, foi reconhecido como merece. Todas as 13 faixas ocuparam um lugar na lista da Billboard Hot 100 na semana de lançamento do disco (contabilizando a semanada do dia 30 de julho, As It Was ocupa o pódio do chart por 16 semanas) e Styles chegou ao primeiro lugar da Hot 100 Songwriters. É previsto um caminho próspero para essa nova era, talvez até mesmo um segundo gramofone de ouro para a casa de Harry. 

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Eduardo Rota Hilário

Não há ser humano no mundo capaz de trilhar um caminho feito todo de luz. Justamente por sermos humanos, a complexidade nos acompanha dia após dia, guiando-nos sempre diante das surpresas e mistérios da vida. Partindo dessa lógica, nossa existência se faz um eterno e heterogêneo jogo de luzes, penumbras e sombras. Nossa Arte, por sua vez, apenas reflete essa humanidade multifacetada, criando possibilidades e universos únicos, por vezes até mais atraentes do que aquilo que, por convenção, resolvemos chamar de ‘realidade’. De todas essas questões, especificamente da última, Maria Bethânia entende bem.            

Gravado em 2020, o novo álbum da Abelha Rainha, Noturno, só foi disponibilizado pela gravadora Biscoito Fino em julho de 2021. Mas isso não quer dizer que, até o dia do aguardado lançamento, os fãs da intérprete brasileira desconheciam totalmente as 12 faixas do disco. Afinal, uma parte desse repertório foi apresentada no show Claros Breus, de 2019, realizado na boate carioca Manouche. E o que se tornou uma espécie de consenso para a crítica nacional, quando finalmente nasceu a nova obra de Bethânia, foi exatamente a experimentação – em parte, herdada do espetáculo no Rio – que Noturno constrói com os fulgores e as trevas dos últimos anos.             

Partindo de uma espécie de paradoxo, a porta de entrada para o mais recente universo de Bethânia é a angústia perfeita. Ao escutarmos Bar da Noite (Bidu Reis/Haroldo Barbosa), faixa que abre o disco, temos a certeza de que resgatar um samba-canção gravado mais de uma vez por uma figura da dimensão de Nora Ney, nome brasileiro centenário e de canto extasiante, só poderia ser a escolha de uma intérprete sublime, igualmente consolidada e incomparável, que tem a sensibilidade como guia de todos os seus passos artísticos. Acompanhada pelo piano de Zé Manoel, a voz de Maria Bethânia assume, aqui, um ar tão dramático, que consegue nos transportar diretamente para o “Bar que é o refúgio barato/Dos fracassados no amor”.

Em sequência antitética, O Sopro do Fole estabelece a primeira contraposição festiva do álbum. Arquitetando uma jornada em família, essa composição de Zeca Veloso, filho de Caetano, dá vida a um baião que surpreendeu até mesmo a Abelha Rainha. Em entrevista ao jornal O Globo, Bethânia afirmou que “É estranho o Zeca tão carioca, tão urbano, ter feito uma canção quase que regional. É uma sensibilidade aguçada e talento de sobra. Foi uma das maiores emoções desse disco”. De fato, uma música tão singela sinaliza cristalinamente a poesia que paira sobre a família Veloso. 

De qualquer modo, lirismo é o que não falta em Noturno. Certos regionalismos, por sinal, seguem o mesmo caminho. Juntar esses dois elementos, no fim, pode ser uma decisão perfeita. Ótimo exemplo disso é Lapa Santa, que encanta os ouvintes desde sua abertura – quase – épica. Lançada como segundo single do álbum, a canção de Paulo Dafilin e Roque Ferreira alude ao município de Bom Jesus da Lapa (BA), que é banhado pelo rio São Francisco, e também às mais variadas e ricas devoções do povo nordestino. Logo em seguida, o samba De Onde Eu Vim, também de Paulo Dafilin, se afasta do tom dramático e da melancolia anteriores, mantendo, porém, uma inevitável saudade da Bahia, terra natal de Bethânia – e lugar tão distante durante a pandemia.

Em relação às faixas nem sempre recordadas, Vidalita (Maria Teresa Martin Cadierno) com certeza merece destaque, já que, ao lado de Mi Unicornio Azul, gravada por Ney Matogrosso para o álbum Nu Com a Minha Música, essa é uma das mais belas canções em espanhol lançadas por intérpretes brasileiros em 2021. Curioso é que, além de ser um recurso criativo, a junção de voz e violão em Vidalita denuncia uma preocupação recorrente no pandêmico e mórbido ano de 2020: “Meu disco tem muito voz e violão, voz e piano, porque era uma maneira de realizar. Foi a solução que encontramos.”, revelou Bethânia ao jornal baiano Correio.

Também lembrada com menor frequência, Música Música entoa versos otimistas e enxerga uma luz no fim do túnel: “Nascem novamente no meu peito/As ilusões” e “a vida/De novo me convida/Ao som divino de um violino/Chama pra cantar/A bem-aventurada música/Da esperança”, narra a letra de Roque Ferreira. Tendo em vista que cada faixa carrega uma dedicatória própria, não é à toa que essa, em específico, foi dedicada aos sobreviventes. Já Cria da Comunidade (Xande de Pilares/Serginho Meriti), canção razoavelmente popular, é a escolha mais inusitada de todo o álbum. Aventurando-se por novos caminhos, e dividindo os vocais com Xande de Pilares, Maria Bethânia nos surpreende nesta bela colaboração, já que obtém sucesso até mesmo fora das sonoridades às quais está mais habituada.  

Mas o maior destaque de Noturno é, com certeza, o bolero Prudência. Da autoria de Tim Bernardes, artista que se fixa cada vez mais na história da Música brasileira, essa canção já é um dos grandes sucessos da filha de Dona Canô, podendo, mais cedo ou mais tarde, estar ao lado de clássicos como Onde Estará O Meu Amor, Olhos Nos Olhos e Não Dá Mais Pra Segurar (Explode Coração). Sobre ela, na já mencionada entrevista ao jornal O Globo, Bethânia contou que “Caetano ouviu e achou que fosse uma dessas pérolas antigas do cancioneiro nacional que eu escolho para os meus discos. Mas era do Tim!”. De certa forma, existe a forte sensação de que Prudência nasceu consagrada – e os números no Spotify parecem concordar com essa ideia.

Por falar nas composições mais ouvidas, A Flor Encarnada, de Adriana Calcanhotto, é outro momento inigualável de Noturno. Igualmente emoldurado pelo recurso voz e piano – tocado pelo mesmo Zé Manoel, de Bar da Noite -, o lead single do álbum mergulha qualquer ambiente em uma melancolia densa, dramática, transformando os mínimos detalhes em um verdadeiro “sertão de lágrimas”. Poética ao extremo, essa flor de beleza torta se mostra demasiadamente trágica – e, talvez, seja exatamente o exagero de seus versos, combinado com uma profundidade instrumental, que a transforme em uma das canções mais bonitas de toda a obra.   

Assim como Calcanhotto, alguns dos compositores recorrentes na discografia de Maria Bethânia não poderiam ficar de fora de Noturno. É essa a realidade de Paulo Dafilin, Roque Ferreira e, com toda certeza, Chico César. Este último, vale ressaltar, banha-se na esperança cintilante de Luminosidade, que recebe a dedicatória “para pedir misericórdia”, enquanto Adriana aparece em dose dupla, protagonizando dois momentos cruciais do álbum. No segundo deles, Dois de Junho, o Caso Miguel é revivido com muita teatralidade, violência, revolta e dor, denunciando à posteridade a morte evitável de um menino negro, de apenas cinco anos, neste “país negro e racista”.

Carregando uma das dedicatórias mais significativas de Noturno, “para os indiferentes”, Dois de Junho manifesta uma carga política incalculável, porque imortaliza um episódio que não pode se perder em meio à indiferença. Assim como em Carcará, Balada de Gisberta e Cálice, assistimos, aqui, àquela voz que não se cala, verdadeiro dote de uma artista devidamente atenta aos momentos históricos que vivencia. Não satisfeita com a visível qualidade da letra, Maria Bethânia ainda se insere, durante toda a canção, em uma atmosfera instrumental tensa, que guia as aflições metafóricas e literais da crônica musical de Calcanhotto.        

A esperança, contudo, não morrerá tão cedo. Para encerrar magistralmente o álbum, a Abelha Rainha declama alguns fragmentos do revigorante poema Uma Pequenina Luz, do poeta português Jorge de Sena. Em constante comunhão com a Literatura, Bethânia nos emociona ao apontar que, embora incerta e vacilante, uma pequenina luz brilha “no meio de nós”, próxima, exata, firme… Eterna! Como um milagre, então, o calor dessa chama nos toca. Afaga o coração. Acaricia a alma. Traz lágrimas ao rosto dos ouvintes mais sensíveis e suspiros à postura daqueles mais abalados. “Brilha./Não na distância. Aqui/no meio de nós./Brilha”.

É interessante lembrar que, em Claros Breus, quem encerrava o espetáculo era justamente a canção Bar da Noite – e, com ela, toda a escuridão dos cenários noturnos. Em um processo inverso, o novo disco de Bethânia traz essa música para sua abertura e coloca o desfecho preciso sob responsabilidade de um poema extremamente luminoso. Afastando-se de devaneios ingênuos, Noturno junta um excelente repertório escolhido pela intérprete baiana com a direção musical e os arranjos do maestro Letieres Leite (In Memorian), erguendo, a partir desse – e de outros – encontros, uma esperança realista de um futuro melhor.    

Certo é que Noturno também se consolida como um dos grandes discos de 2021 – e de toda a carreira de Bethânia. Em 2019, quando lançou Mangueira – a Menina dos Meus Olhos, a Abelha Rainha entregou aos fãs uma obra de qualidade, elaborada com muito carinho e zelo, mas que funcionava mais como tributo do que um álbum expressivo e denso. Agora, o que se contempla é uma experiência nova, até mesmo arriscada, mas que reitera o faro sensível de Maria Bethânia para suas interpretações. Uma mistura de luz, penumbra e sombra feita para quem sabe desbravar com intensidade as estradas da vida.

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Vitória Silva

O céu não é o limite para Billie Eilish. Aos 20 anos, a jovem californiana já coleciona 7 gramofones dourados, incluindo o da almejada categoria de Álbum do Ano, por seu disco de estreia. Mais recentemente, ainda celebrou um prêmio da Academia para a sua prateleira, sendo a primeira artista nascida nos anos 2000 a conseguir esse feito. No show business desde 2016, tudo que Billie Eilish Pirate Baird O’Connell toca vira ouro – e não é nem brincadeira. Sua grande máquina de sucessos, movimentada em conjunto com seu irmão FINNEAS, foi a responsável por lhe render a aclamação de WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?. 

Após percorrer o lado mais sombrio de seus próprios pensamentos e sonhos perturbadores, Billie finalmente aterrissa em terra firme. Se emancipando dos delírios da juventude e a pose irreverente da adolescência, a cantora de fato assimilou a entrada da vida adulta em Happier Than Ever. E o ponto de partida do novo disco já apresenta essa comprovação: “Estou ficando mais velha, acho que estou bem/Gostaria que alguém tivesse me dito que estaria fazendo isso sozinha”. 

Em meio a essa realização, a jovem artista também se depara com uma realidade em que, agora, aquilo que ela costumava gostar de fazer se tornou apenas um simples ofício. Caindo a mesma grande ficha de toda uma juventude obrigada a crescer em meio a sociedade do cansaço do século 21, Billie entende em Getting Older que a constante cobrança por produtividade e alcance do sucesso nos leva ao esgotamento completo, tanto fisicamente quanto no âmbito de nossas motivações pessoais. 

Acompanhar a jornada da artista pela concretude que a maturidade apresenta é mergulhar em uma imersão de pensamentos, dominados pela geração Z que precisa lidar com uma avalanche de mudanças sem nem ser avisada previamente. Em meio aos tapas na cara do mundo moderno, uma decepção amorosa é a força motriz para a conquista de sua libertação. Outra loirinha já havia ditado a máxima: quebre o coração de uma jovem estrela do pop, e veja as músicas de sucesso que ela é capaz de fazer. E, aqui, Eilish segue o ensinamento à risca. 

No documentário Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, lançado em 2020, seu frustrante relacionamento com o rapper Brandon Adams havia sido apresentado como um fator desolador para suas vivências durante a turnê do disco anterior. Em Happier Than Ever, todo esse desapontamento acaba sendo transformado em força, mostrando uma Billie muito mais segura de si. Se em party favor a jovem cantora ainda precisava deixar mensagens na caixa postal implorando por um retorno de seu interesse amoroso, agora ela já assume o poder de simplesmente escolher quem deseja responder ou não.

Exalando uma confiança provocativa, a ex-loirinha escreve praticamente uma carta aberta ao antigo namorado em Lost Cause, apontando cada uma das quebras de expectativas que teve com ele, enquanto tira sarro de sua pose durona, fruto de uma masculinidade frágil cravada. “Eu costumava pensar que você era tímido/Mas talvez você não tivesse nada em mente/Talvez você estivesse pensando em si mesmo o tempo todo”. Isso ainda aproveitando o videoclipe da faixa para, talvez pela primeira vez, largar de seus surrealismos em troca de se divertir com as suas amigas numa típica festa do pijama. 

Poucas coisas no mundo conseguem declarar melhor a dor da assimilação e a felicidade do livramento do que a faixa que também dá nome ao álbum. Se as pontadas anteriores não foram suficientes, Billie Eilish usa Happier Than Ever para aplicar o seu devido golpe fatal. A postura passiva no início da música vai minuciosamente abrindo espaço para uma explosão de sentimentos entalados na garganta. Assim, ela vocifera da forma mais honesta possível todas as dores decorrentes de uma paixão mal acabada, com o suporte de guitarras estridentes que fazem jus a artistas anteriores a ela que não tinham medo de mostrar a fragilidade de um coração partido. 

Para se redimir com a cidade que ela clamou em alto e bom som que passou a odiar, Eilish lançou pelo Disney+ o documentário Happier Than Ever: Uma Carta de Amor para Los Angeles. Por meio de uma apresentação no teatro histórico do Hollywood Bowl, a artista passeia intimamente pelas faixas do disco, com apresentações que prestam uma homenagem ao local que a abriga desde sua infância. Relação essa que ex nenhum seria capaz de acabar por completo. 

Ela pode tentar afirmar isso por diversas vezes ao longo do disco, mas talvez a cantora não esteja tão mais feliz do que nunca. A emancipação fantabulosa de Billie Eilish não é repleta apenas de autoconfiança, levando em consideração que encarar essa realidade em meio a uma indústria extremamente destrutiva são outros quinhentos. A Billie mais angelical e menos sombria do que vimos anteriormente presente na capa disco é denunciada pelas lágrimas que molham suas bochechas, mostrando o caráter dual de que o princípio que permeia seu novo trabalho ainda parece distante. Aquela felicidade que antes estava diretamente relacionada ao sucesso, agora encontra-se mais próxima de uma vontade de ter as luzes apagadas por um breve instante. 

A perda de sua pureza interior é trazida à tona nos delicados versos de GOLDWING, apontando como o universo midiático usa das jovens celebridades em ascensão para depois descartá-las como meros objetos: “Eles vão reivindicar você como um souvenir/Apenas para te vender em um ano”. Provando que realmente saiu dos pesadelos de sua mente para confrontar os da vida real, a cantora ainda se aprofunda nos fantasmas que tanto tememos ter que confrontar, e que são dissecados em faixas como o single Your Power. Tem algo mais condizente com a realidade do que crises existenciais, abusos de poder, distorções sobre o prazer feminino e a ansiedade em relação a um futuro que parece nunca chegar?

O fato de se tornar uma mulher adulta quando todos os olhares do mundo estão voltados para você é um buraco bem mais embaixo do que qualquer uma pode estar acostumada, e o fatídico destino de outras artistas ainda não foi suficiente para servir como lição ao grande público. Not My Responsibility é inteira dedicada ao desabafo de Eilish diante das opiniões formadas especialmente em relação ao seu corpo. Em um monólogo questionador às diversas críticas que sofreu nesse aspecto ao longo de sua carreira, Billie ainda atinge o amadurecimento ao tirar de seus ombros a responsabilidade diante da opinião dos outros. 

Em um comercial da Calvin Klein de 2019, ela já tinha afirmado que costuma usar roupas largas para que ninguém pudesse opinar sobre seus aspectos corporais já que não poderiam ver o que estava por baixo delas, provocando inúmeras críticas ao seu estilo. Colocando em prática o que assume no interlúdio, a artista se entregou a vestidos bem apertados e pouca roupa para um ensaio da revista Vogue UK. Como uma bomba-relógio, conseguiu acionar a falsa simetria da internet de que o realce de suas curvas teriam um caráter apelativo, diferente de quando ela optava por se esconder pela vergonha do próprio corpo a que era condicionada. 

E sensualidade não poderia faltar para que Eilish cravasse de fato sua libertação interior. Assim, caminha desde uma poética bossa nova em direção aos sintetizadores explosivos enquanto clama a necessidade de ocitocina, ainda sem perder a irreverência que foi seu ponto de equilíbrio durante o período da adolescência. Uma nova Billie Eilish domina o espaço, mas sem deixar de lado as muitas realizações que fizeram parte de sua essência e crescimento perante o resto do globo terrestre.

O passeio nessa transição da juventude não seria o mesmo sem a produção de seu irmão FINNEAS. A união da dupla consegue fortalecer o lirismo das letras com a sonoridade que percorre diferentes gêneros e até mesmo compõe elementos da realidade, conforme ilustra o rosnado de seu pitbull Shark no início de I Didn’t Change My Number. Como se já não fosse suficiente, a cantora faz questão de retratar os sentimentos com clareza a partir das situações limite a que se coloca em seus videoclipes, honrando não só o seu talento musical como também a brilhante execução no audiovisual. Nada melhor para demonstrar a sensação de estar condenada às amarras provenientes da fama do que – literalmente – se colocar andando em meio a uma estrada com carros em alta velocidade. 

Já se consagrando como a nova favorita do pedaço, era mais do que óbvio que seu novo projeto fosse fazer a limpa nas indicações ao Grammy 2022. No caso, ela conquistou 7 nomeações, incluindo categorias principais como Álbum e Canção do Ano. O mérito das conquistas de Billie Eilish não há de ser contestado, enquanto os questionamentos deveriam passar a serem voltados aos responsáveis por insistir em sempre colocá-la à frente de qualquer outro artista, sem mais nem menos. Essa ignorância da branquitude por trás das principais premiações até mesmo provocou o constrangimento da própria, quando ela dedicou seu gramofone de Gravação do Ano, em 2021, à cantora Megan Thee Stallion, justificando que ela era quem realmente merecia o prêmio, pela faixa Savage. 

Em Happier Than Ever, Billie Eilish desce do pedestal a que tanto foi colocada, assim como é desarmada de todas as munições que havia usado para se blindar da perversa indústria musical – a mesma que atreveu-se a fazer parte e já não aguenta mais. O mundo que antes parecia um pouco embaçado, agora é enxergado com mais nitidez, lhe dando a ousadia de se abrir em um relato sincero que nos faz passear pelas profundezas de seu interior, e nos leva a nós mesmos. Se a ancoração na fria realidade do mundo moderno é sinônimo de satisfação, só poderíamos estar mais felizes do que nunca. 

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