Nathan Nunes

Em 1988, o diretor Robert Zemeckis (De Volta para o Futuro, Náufrago) e o lendário animador Richard Williams (Um Conto de Natal) lançaram ao mundo Uma Cilada para Roger Rabbit, filme que fez sucesso ao convencer o público de que humanos poderiam interagir de maneira convincente com personagens de animação. No ano seguinte, a Disney se preparava para estrear em seu canal a série Tico e Teco e os Defensores da Lei, uma revitalização da marca dos dois esquilos – existente desde os anos 40 – em forma de desenho animado, que também gerou bons resultados de audiência para a casa do Mickey. 

O que uma coisa tem a ver com a outra? Em 2022, Tico e Teco voltaram aos holofotes em Tico e Teco: Defensores da Lei. Lançado diretamente no Disney+, o longa possui um legado bastante similar ao de Roger Rabbit, tanto na sua feitura mista de desenho animado com live-action (isto é, atores em carne e osso) quanto ao valor que dão à Arte da Animação, narrativamente falando.

A história começa exatamente no final dos anos 1980, quando o seriado de mesmo nome estava em seu auge. É nesse momento que Teco (Andy Samberg, de Brooklyn Nine Nine) decide seguir carreira solo e abandona Tico (John Mulaney, de Big Mouth), consequentemente dando também fim ao show. Décadas mais tarde, os dois esquilos se encontram completamente diferentes (Teco está até mesmo com um novo design em 3D) e ainda com a amizade abalada para descobrir o que está por trás do desaparecimento de seu amigo Monterey Jack (Eric Bana, de Hulk e Star Trek). 

A produção do Disney+ foi indicada ao Emmy 2022 na categoria de Melhor Telefilme, na qual concorre com Ray Donovan: The Movie (Showtime), Reno 911! The Hunt for QAnon (Paramount Plus), The Survivor (HBO) e Zoey’s Extraordinary Christmas (Roku). Devido aos rótulos que tanto a indústria cinematográfica como a televisiva colocam de que animação é “coisa de criança”, é provável que a produção saia de mãos vazias na categoria, perdendo para um candidato mais “sério”.

Essa noção extremamente desrespeitosa e limitada acerca da animação é justamente o oposto da forma como Tico e Teco: Defensores da Lei a trata, pois o que temos aqui é a Arte do desenho animado sendo abraçada em suas diferentes nuances de estilo e cultura. No primeiro sentido, destaca-se o uso de técnicas variadas em conjunto: 3D, 2D, stop-motion, entre outros. Além de tudo ser muito bem feito, contribui para uma diversidade visual gostosa de se ver em cena. 

Já no segundo, chama atenção a maneira que o filme se utiliza de detalhes específicos que fazem parte da história da animação, como ferramentas sagazes de roteiro. Um exemplo é toda a piada da região onde se localiza o covil do vilão Sweet Pete (Will Arnett, de Lego Batman) ser chamada de “vale da estranheza”, em referência ao fenômeno de mesmo nome que ocorre quando os olhos do público não se acostumam com um personagem digital. 

Outro exemplo mais significativo está no plano do antagonista de sequestrar desenhos animados e criar cópias pirateadas e de baixa qualidade para vender no exterior, algo que acontece com animações famosas desde os anos 80. O caso mais emblemático desse tipo de prática na indústria foi o da empresa brasileira Vídeo Brinquedo, produtora de pérolas como Os Carrinhos, Ratatoing e Ursinho da Pesada.

Além de ser um tributo de muito bom gosto para a Arte da Animação, Tico e Teco: Defensores da Lei também é um excelente filme de amizade, tendo em vista a ótima química da dupla titular. Por mais estranhas que possam ter parecido as escolhas dos dubladores no começo, John Mulaney e Andy Samberg se saem muito bem entregando personagens extremamente cativantes a seu modo particular. 

O Tico de Mulaney tem aquela impetuosidade clássica, em conjunto com uma visão marrenta e cínica da vida, que é quebrada completamente pela espontaneidade do Teco de Samberg. O jeito meio bobalhão e descontraído do nosso querido detetive Jake Peralta está inteiramente presente no timing cômico do pequeno esquilo, juntamente com um olhar sensível acerca dos seus erros no passado e da amizade, difícil de ser reconectada com o parceiro. 

No que tange aos coadjuvantes, dois personagens se destacam. Um deles é o Capitão Putty de J.K. Simmons (Whiplash), que carrega o peso da presença de voz do ator em seu jeito bem sisudo e centrado. Já o outro é o Sonic Feio de Tim Robinson (Star Trek: Lower Decks e Solar Opposites), que funciona tanto como uma referência para os fãs mais ávidos, como também na forma de um personagem divertido por si próprio.

Dito todos os elogios, é bom ressaltar que o filme não é perfeito e nem pretende ser, visto que o foco aqui está muito mais na construção da amizade da dupla principal e na celebração da animação do que qualquer outro ponto. Nesse sentido, o único aspecto que incomoda um pouco é a ansiedade do texto de precisar explicar algumas referências para que o público não fique perdido, algo que o deixa com um sentimento meio engessado, mesmo que não necessariamente ruim. 

Ademais, o retorno dos esquilos que marcaram a infância de diferentes gerações nos anos 1990 para as telas não poderia ser mais simpático. Seguindo os passos que Uma Cilada para Roger Rabbit trilhou 34 anos atrás para valorizar a animação como forma de Arte séria, sob a qual poderia ser contada diferentes histórias, até mesmo uma de filme noir; Tico e Teco: Defensores da Lei funciona muito bem como uma nova carta de amor a esse universo tão específico e fascinante do Cinema, além de ser puramente cativante por si só.

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Leticia Stradiotto

Sempre queremos que a vida siga a linha pontilhada. A plataforma de streaming da Netflix acertou ao investir, no mês de novembro, em Entrelinhas Pontilhadas, a animação italiana com o nome original Strappare lungo i bordi. Com as funções de diretor e roteirista da série, o cartunista Michele Rech, mais conhecido como Zerocalcare, nasceu em Arezzo (Itália), e, mais tarde, mudou-se para Rebibbia, um bairro popular de Roma, no qual estabeleceu uma conexão inextricável. Alicerçado nisso, surgem suas primeiras obras em quadrinhos, como La profezia dell’Armadillo, traduzido para A profecia do tatu, que deu origem ao live action e, agora, consequentemente, à animação.

De início, tudo soa confuso e despretensioso ao ganhar uma sinopse recatada: “Durante uma viagem entre amigos, um cartunista com a consciência personificada em um tatu reflete sobre sua vida e um amor não correspondido”. No entanto, mesmo com apenas 6 episódios de curta duração, o desenho animado sai totalmente fora dos pontilhados e surpreende com um desenvolvimento estimulante. A trama relembra que animação não é sinônimo de infantil. Longe da ingenuidade, é impossível não se identificar com a série ao obter reflexões e emoções profundas encontradas no mundo real. Tudo isso com muitas referências históricas e culturais, do jeito que o jovem adulto gosta.

Entrelinhas Pontilhadas se ampara em uma enorme crise de identidade do personagem Zero – dublado pelo próprio diretor – ao longo de uma viagem com um destino não muito agradável, que será descoberto apenas em seu encerramento. O protagonista encontra vestígios de sua personalidade ao rememorar todas as vivências passadas, auxiliado pelos seus amigos de infância: Sarah e Secco, e também sua própria consciência em forma de tatu. Sem aptidão com sentimentos, Zero conclui que a razão não explica tudo sobre a vida. Viver em linhas tortas é necessário e, praticamente, inevitável.

Todos os personagens são apresentados pela visão do protagonista, como, por exemplo, Sarah, sua melhor amiga de infância, que passou por todas as fases rebeldes da adolescência ao lado de Zero, e, agora, luta para se tornar uma ótima professora. E Secco, seu melhor amigo, totalmente desencanado, que em situações difíceis busca apenas uma coisa: sair para tomar um sorvete. Ambos são indivíduos que, também, estão tentando se encaixar no mundo do jeitinho que dá.

Zerocalcare, também ilustrador da trama, aposta em abordagens intimamente complexas, porém, com desenvolvimentos fluídos e corriqueiros. Ao apresentar episódios sobre o embaraçado mundo dos relacionamentos, ainda relaciona o funcionamento de sensações como culpa, valor individual e, logo em seguida, apazigua as enunciações com condutas mais leves. Por exemplo, a cena em que o protagonista vira a madrugada escolhendo um filme e acaba dormindo sem ao menos tomar uma única decisão, tal situação manifesta certa personalização para nós, os telespectadores. De outro lado, a lembrança da escola primária, que se aparenta banal, mas, na verdade, é um belo puxão de orelha sobre a vaidade e a insignificância de problemas individuais.

Em meio às lembranças e análises do destino, o personagem não deixa de mencionar seu encontro com Alice, uma garota que conheceu em uma festa punk rock e, desde então, tornaram-se grandes amigos. Apesar de ter sentimentos por ela, Zero é bem desleixado e não identifica detalhes do relacionamento, então, o contato presencial era raro, deixando – quase – tudo entre bate-papos no MSN. Ainda assim, o protagonista demonstra-se gente como a gente. Expressar emoções e empatia está mais ligado às atitudes do que às percepções em si. Às vezes, um abraço e uma companhia para maratonar Gilmore Girls é tudo o que nós, ou melhor, a Alice precisa para sentir-se perceptível. 

Entrelinhas Pontilhadas é sobre não ter o controle de tudo. Zero não tem o domínio da sua vida, nem das pessoas ao redor dela, e, mesmo que controverso, também não comanda a própria consciência. A animação fortalece as incertezas da existência e tange como elemento de autoajuda. Embora contenha um humor ácido e extremamente cotidiano, a série aborda assuntos que são primordiais para a reflexão de qualquer telespectador. Queremos que a vida siga a linha pontilhada. Quando, na verdade, estamos rasgando a entrelinha sem olhar, pois temos medo de estar a quilômetros dos pontilhados. E, no fim de tudo, não tem problema romper fora os pontos da vida.

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Júlia Paes de Arruda

De fato, falar sobre Procurando Dory é algo muito especial, principalmente lembrar de assisti-lo nos cinemas, junto com os amigos. Em tempos como os de agora, o contato humano se torna cada vez mais distante. É inevitável sentir falta das conversas até altas horas da madrugada e das memórias afetivas que esses momentos proporcionam. 

As animações, em sua grande maioria, são responsáveis por criações de lembranças e, consequentemente, por aquela sensação de nostalgia. Por causa disso, sequências de desenhos queridos sempre geram alguma polêmica, tanto de críticos que acreditam em acertos, quanto em erros. Porém, o caso de Procurando Dory é que o enredo mantém a mesma fórmula de seu antecessor. Cinco anos depois, o filme realça ainda mais a importância da amizade, da confiança e do companheirismo, sem falar da relevância extremamente atual da preservação da biodiversidade. 

A narrativa acontece um ano depois dos acontecimentos de Procurando Nemo, com Dory (Ellen DeGeneres) tentando se adaptar à vida nos recifes. O caso é que, no meio de uma das aulas com o Tio Raia, a peixinha vê flashs da sua infância, ainda com sua família. Determinada a fazer de tudo para lembrar e encontrar seus pais, Dory, Marlin e Nemo embarcam para mais uma aventura para o Instituto de Biologia Marinha. 

Novos animais são incorporados dentro da história, como o polvo Hank (Ed O’Neill), a tubarão-baleia Destiny (Kaitlin Olson) e a beluga Bailey (Ty Burrell). Sem falar no leão-marinho Geraldo e na mergulhão Becky, os mais carismáticos de todo o enredo e responsáveis pelas risadas do público. Porém, o encanto e a graça dos animais despertam para um assunto de alta relevância: a preservação da biodiversidade marinha. 

Com a estreia de Procurando Nemo em 2003, mais de 1 milhão de peixes-palhaço foram capturados e aprisionados em aquários. A partir da estreia de seu sucessor, a ONG Saving Nemo lançou uma campanha de proteção aos cirurgiões-patela por se tratar de um quadro especial: a reprodução da espécie da Dory somente ocorre em recifes, ainda que existam tentativas em cativeiro. A humanização dos animais no filme, ainda que seja simpática, também promove o comércio (legal ou não) desses seres marinhos. A conscientização para tais atos é fundamental, sobretudo, por se tratar de uma animação tão amada quanto Procurando Dory. Entretanto, é nisso que a obra de Andrew Stanton peca. 

O debate sobre a conservação do meio ambiente não é algo atual, mas ele tomou altas proporções com a velocidade do mundo online. Desde a utilização de canudos plásticos até a produção de lixo, animais marinhos são as primeiras vítimas do consumo exacerbado desses polímeros. Aliado à pesca predatória e ao aquecimento global, o desequilíbrio ambiental nos oceanos, os verdadeiros donos do posto de pulmão do mundo, é extremamente danoso. 

Fora a questão ambiental, Procurando Dory abre espaço para abordar a inclusão. A perda de memória recente da peixinha é tratada com naturalidade desde sua apresentação, em 2003. Ainda que Marlin zombe e menospreze as atitudes da amiga, Dory é um exemplo de como compor uma pessoa com deficiência na sociedade de forma exemplar. Ao oferecer autonomia e recursos necessários para sua inserção nos recifes, a personagem consegue ser ela mesma sem preconceitos. O grande símbolo de empatia e solidariedade de seus companheiros é pensar “o que a Dory faria?”. Com o auxílio de seus pais, Jane e Charlie, junto de Marlin e Nemo, Dory mantém o seu clássico lema de “continue a nadar” e segue normalmente sua aventura. 

Além da protagonista, Hank, com seu transtorno pós-traumático e comportamentos antissociais, e Destiny, com seu problema de visão, acabam aderindo a temática. Contudo, é importante ressaltar que inclusão é diferente de integração. Ao contrário do que o atual governo estava propondo no final de 2020, a inclusão diz respeito às ações de combate às desigualdades de acesso. A romantização e segregação das deficiências apenas corrobora para que o indivíduo se adapte ao meio e não ao contrário. A acessibilidade, tanto pública quanto particular, é um dos principais alicerces para que atitudes capacitistas se extinguem e “normalizem” PcDs.    

Assim como a maioria das animações brasileiras, é a dublagem que conquista o público. A mineira Maíra Góes é quem dá vida à protagonista esquecida. Utilizando trocadilhos ritmados como “bar do Alberto” e “mar aberto”, cria-se todo o charme e encanto que somente Dory teria. A grande surpresa de todo o filme é encontrar Mckeidy Lisita soltando um “miga, sua louca” como voz de Bailey. Além disso, Antonio Tabet entrega todo seu aprendizado no Porta dos Fundos para o rabugento Hank. A menção honrosa vai para a cena dentro do caminhão, em que frases como “Perdeu, bípede!” e “Vem cá, essa esquerda aqui é pra sempre, é?” saem espontaneamente do polvo. 

Procurando Dory pode não ter sido o sucesso que Stanton procurava naquele momento. Apesar disso, a animação permanece fresca na memória e no coração dos fãs pelos peixinhos. O olhar mais maduro dos (agora) adultos, que cresceram aguardando a sequência dos anos 2000, promove uma conscientização pertinente sobre a preservação dos ecossistemas marinhos e mobilizações acerca da inclusão. A narrativa descontraída, inocente e divertida estabelece ensinamentos primordiais em diversas estruturas da sociedade sobre resgate, reabilitação e retorno. Eu não sou Marília Gabriela, mas agradeço por terem vindo. 

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Layla de Oliveira

A nostalgia é poderosa, e faz bem para nós. O esforço para relembrar alguma memória querida a partir fotos antigas, músicas e outros tipos de mídia possibilita facilitar o autoconhecimento e a conexão sentimental, aumentando a vitalidade e dando esperanças para o futuro. Por isso, muitos revivals e reboots estão preenchendo nossas TVs, cinemas e playlists; o consumidor merece receber essa felicidade.  

Então, quando a Netflix anunciou que estava produzindo Fate: A Saga Winx, uma série baseada no desenho italiano O Clube das Winx, a reação não poderia ser outra. Foi uma felicidade quase que generalizada, pois muitas pessoas cresceram e amaram aquelas seis garotas poderosas e incríveis que derrotavam as forças do mal, com direito a transformações mágicas e tudo o que tínhamos direito.

A animação original acompanha Bloom, uma adolescente que vivia normalmente na Terra, mas que a partir do momento em que ela encontra Stella, princesa de Solária e fada da luz do Sol e da Lua, tudo muda; a própria protagonista se descobre uma fada, com um poder ancestral e muito poderoso. Ela então segue para Alfea, uma escola especializada em ensinar fadas a controlarem seus poderes para se tornarem guardiãs, e lá conhece outras meninas: Flora, uma tímida fada da natureza; Musa, a fada da música e Tecna, fada da tecnologia. Na segunda temporada, as meninas conhecem Layla, princesa de Andros e fada das ondas, e ela se junta à equipe. 

O criador da animação, Iginio Straffi, percebeu a escassez de desenhos de ação com protagonistas femininas; então resolveu introduzir uma série animada que acompanha meninas jovens, pois ele estava interessado em “explorar o lado psicológico” de uma transição para a vida adulta. Inspirando-se em animações japonesas e juntando-os com elementos europeus, Straffi modelou cada uma das personagens baseada em alguma celebridade popular no início dos anos 2000: Bloom foi inspirada por Britney Spears; Stella, por Cameron Diaz; Jennifer Lopez foi a referência usada para Flora; Pink para Tecna; Lucy Liu para Musa e para Layla, a modelo foi Beyoncé. Essa foi uma estratégia usada pelo italiano para “representar as mulheres da atualidade”.

Por conta do desenho ser tão memorável e icônico, a Netflix tinha uma grande responsabilidade nas mãos, pois a expectativa era enorme. Então, o estúdio resolveu deixar claro que existiriam algumas diferenças entre a série live-action e o material original, como a substituição de Flora por Terra, a junção das Trix em uma personagem só, e a ausência de Tecna. Todas essas mudanças já deixaram os fãs do desenho com um pé atrás, especialmente a falta perceptível de uma das meninas; porém, isso não afetou drasticamente a empolgação do público, que ainda mantinha-se animado com a adaptação. 

O showrunner da versão da Netflix, Brian Young, foi um dos motivos para os fãs se manterem calmos: ele prometeu que todos que amavam as Winx quando crianças iriam se sentir contemplados pela série, e adicionou que ela teria um tom mais sombrio, voltado para agradar o público jovem adulto, “uma nova versão do desenho para agradar quem cresceu o assistindo”. Contudo, a partir do momento em que o trailer de Fate: A Saga Winx foi lançado, o desapontamento tomou conta de muitos, eu inclusa. Mas ei, depois de uma tempestade vem o sol! Então, ainda havia esperanças. Pequenas, mas elas estavam lá. E no dia 22 de janeiro, a série foi lançada e tudo se concretizou; no meu caso, foi um pesadelo mesmo, e por muitos motivos.

Primeiro, o próprio plot do seriado, que pode ser resumido em um monte de clichês de séries adolescentes misturadas no liquidificador, mas com uma pequena pitada de tempero de fada. Basicamente, a história contada é de Bloom (Abigail Cowen), que chega ao mundo mágico de Otherworld para estudar na escola mágica de Alfea depois de um acidente que envolveu seus pais, e mais especificamente a mãe, com quem Bloom não possui uma boa relação. Além de toda a questão eu-sou-incompreendida-pelos-meus-pais-mas-no-final-eu-entendo-que-eles-me-amam-e-só-querem-meu-bem, usada em praticamente 97% de toda mídia adolescente, um dos conflitos que envolvem a nossa ruivinha é um triângulo amoroso. Logo no primeiro dia, ela conhece Sky (Danny Griffin), um especialista, e há/era pra ter tido uma conexão instantânea entre os dois, mas aí aparece Stella (Hannah van der Westhuysen), que além de ser a guia de Bloom no primeiro dia e sua colega de quarto, também é a ex-namorada dele. Ou atual namorada. É complicado.

Enquanto frequenta as aulas em Alfea e aprende a controlar seus poderes, Bloom divide um quarto com outras meninas além de Stella, sendo elas Aisha (Precious Mustapha), Terra (Eliot Salt) e Musa (Elisha Applebaum). Todas elas possuem habilidades totalmente diferentes, porém possuem algo que Bloom não tem: a vivência em um território mágico. Ela então se sente deslocada, e procura saber mais sobre as origens de seus poderes de fada, tendo em vista que seus pais são humanos; ao questionar a diretora Farah (Eve Best), percebe que existe algo sendo escondido, então ela mesma decide saber mais sobre si. 

Não é um enredo totalmente arrasador, e muitas vezes Fate: A Saga Winx  falha em convencer o espectador em certas coisas, utilizando tantas frases clichês e supérfluas sobre feminismo ou qualquer outra coisa que parecem que foram compradas em liquidação. Mas tudo bem! Mesmo sendo uma farofa retirada diretamente de outras dez séries, é algo necessário de vez em quando. Entretenimento é entretenimento, e às vezes o que importa é servir como diversão. Respeito totalmente, e até porque é algo que pode melhorar numa segunda temporada, quem sabe. Nada de mais. 

Mas certas coisas eu não respeito, não entendo e especialmente, não perdoo. A primeira delas é a representação da amizade das Winx. No desenho, a amizade entre as seis meninas é construída na base do respeito, entendimento, apoio e amor, e é um dos motivos para ser tão marcante nas nossas memórias; enquanto isso, na adaptação da Netflix, a relação é facilmente resumida em uma única palavra: conveniência. Elas só se tornam amigas porque moram juntas, e consequentemente, o problema de uma delas afeta a vida das outras. Nos poucos momentos em que é possível testemunhar uma ligação mais forte entre as personagens, ela ocorre somente entre duas delas, tornando aquele discurso de “estamos aqui para o que precisar!” difícil de acreditar.

Não só isso, mas a personalidade das próprias fadas mágicas de Alfea foram alteradas. Bloom foi de corajosa e altruísta para simplesmente revoltada e impulsiva; Flora, que era tímida, foi substituída por Terra, que é mais falante, porém isso é demonstrado como inconveniente muitas vezes durante a série; Layla/Aisha, a princesa que sempre viveu de maneira isolada mas se mostrou valente, virou apenas a ‘amiga negra’ e responsável; Musa, cujo grande poder era a música, apenas a usa como uma válvula de escape, e isso talvez seja o menor dos problemas. A pior de todas foi Stella, pois parece que toda a informação que a produção tinha sobre a personagem era princesa e loira; assim, conseguiram fazer uma patricinha do bem à la Cher Horowitz virar a Regina George que tem poderes de luz.

Isso sem falar no tal do triângulo amoroso já citado. Imagino que o propósito dele seja mostrar que tudo bem se surgir algum problema por conta de um garoto. “Ele pode ser resolvido!” “Diga não à rivalidade feminina!” Bem, se Fate: A Saga Winx queria dizer não para esse tipo de coisa, para quê enfiar isso no meio da história? Sabe, existem muitas outras coisas que podem incitar algum conflito entre duas amigas. A relação de codependência emocional entre Sky e Stella é até engolível, mas depois de tanta briga, é resolvida de maneira tão simples que a única reação possível é um grande ‘ué?!’.

Existe outro problema que vou ter que comentar, desculpa. As roupas. A droga das roupas. A única coisa que posso dizer que admiro é a consistência, pois no momento em que eu descobri que a figurinista, Catherine Adair, trabalhou em Desperate Housewives, tudo fez sentido. Baseando-se nos quatro elementos, couro, jaquetas bomber, brilho e tweed, foi composta a caracterização dos personagens, que aliás são jovens de 16 a 18 anos, mas parecem ter uns 30 graças aos trajes. 

Em pleno renascimento da estética dos anos 2000, o auge do Y2K, Fate: A Saga Winx resolveu apostar em vestimentas chatas; por favor, o impacto na moda que essa série deveria ter. Seria um fechamento perfeito para essas tendências, com expectativa e classe; mas não, vamos nos restringir ao monocromático, porque fogo é vermelho, água remete ao azul e verde-musgo é claramente uma mensagem subliminar para a terra.

E quando você acha que não pode piorar, surgem duas novas cabeças no lugar da que acabou de ser cortada. Infelizmente presente em muitas produções, a série Fate: A Saga Winx não conseguiu escapar do famigerado whitewashing. As vítimas, Musa e Flora/Terra, são representantes da Ásia Oriental e de países latino-americanos, respectivamente; que foram substituídas por mulheres que, se não forem totalmente brancas, são white-passing. 

No material original, o planeta natal de Musa, Melody, é uma clara referência a países como China, Japão e Coréia do Sul, o que compõe uma parte importante do desenvolvimento da personagem e também da representação presente no grupo. Já a situação com a Flora é um pouco diferente, afinal, são personagens diferentes. Terra até a menciona em um episódio, dizendo que elas são primas, o que significa que talvez ela realmente exista nos moldes originais. Mas então, para quê aconteceu a troca? Por que não colocar a Flora como uma das personagens? 

Bem, uma das prováveis respostas seria por conta da diversidade de corpos e a representação de mulheres gordas na mídia. Brian Young disse ao The Guardian, relembrando o desenho, que “ninguém é assim. Era a coisa mais importante para mim que todas as crianças pudessem sentir que se viam nisso”. Porém, mesmo este argumento se torna absolutamente fraco por dois motivos: o primeiro é que uma minoria não exclui a outra, e Terra poderia muito bem ser representada por uma atriz gorda e latina; e também, na série, Terra é caçoada em muitos momentos por ser gorda, além de ser uma figura irritante por querer agradar a todos. É assim que se abraça a diversidade nos dias de hoje, produção?

Eu entendo, juro que entendo mesmo, essa vontade que grandes estúdios têm de fazer materiais mais sombrios e realistas para os adolescentes de hoje, até porque isso não é uma novidade, considerando séries como Gossip Girl, Pretty Little Liars e muitas outras que fizeram sucesso na década de 2010. Apesar disso, gostaria de fazer um comunicado: fazer menção a sexo e drogas a cada dois minutos não torna as coisas maduras, só irritantes. E mesmo com tantos problemas, Fate: A Saga Winx não precisava colocar um filtro cinza e escuro sobre tudo! Tenha como exemplos Skins, que tem tanto adolescente problemático a cada metro quadrado e cores fortes ainda existem. E Euphoria, pelo amor.

Resumo da obra: não tenho problemas com o seriado em si, e sim com o fato de que foi vendido como uma adaptação de algo muito querido pelas pessoas. Se quisesse usar como inspiração, ótimo. Se quisesse fazer uma adaptação mudando algumas coisas, ótimo, porque é isso mesmo que acontece; mudanças ocorrem para fazer com que o material original siga as normas da plataforma escolhida. Só não escolha ignorar completamente muitas das coisas que tornaram-se importantes para muitos dos consumidores e fãs das obras, e ainda por cima disfarçar e vender como se fosse nostalgia em forma de seriado. Porque em Fate: A Saga Winx, isso com certeza não aconteceu.

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Nathalia Franqlin

Finalmente chegou na Netflix a tão esperada continuação de Big Mouth. A série animada de comédia estreou em 2017, surfando nessa onda nova de animações para adultos nas plataformas de streaming. Ela conta com a participação de nomes relevantes no gênero, como seu co-criador Andrew Goldberg, que já participou do roteiro de Uma Família da Pesada. O criador da série, e amigo de infância de Andrew, Nick Kroll, também não é um novato nessa área, ele fez parte do elenco de Festa da Salsicha, que é – de fato – uma predecessora das animações esteticamente infantis, de gosto duvidoso e explicitamente sexuais.

Cada temporada de Big Mouth seguiu o desenvolvimento dos pré-adolescentes, em especial os melhores amigos Nick (Nick Kroll) e Andrew (John Mulaney). No primeiro ano, temos a chegada dos famigerados monstros hormonais na vida dos protagonistas, esse foi o começo do fim, o início da puberdade e o encerramento da infância. A priori, a série chocou e até repercutiu negativamente nas redes sociais entre os mais conservadores, pelo seu linguajar explícito e cenas grotescas. 

Já na segunda temporada, a trama perdeu um pouco o fôlego, diminuindo a quantidade de episódios escatológicos e tentando tomar um tom mais didático. Para isso, tratou de temas como ISTs e prevenção sexual, coisa que acabou por deixar Big Mouth cansativa, tediosa e, até mesmo, incoerente, já que, enquanto tomava um rumo educacional, continuava por mostrar de forma imprudente o uso da pornografia. 

Os anos recentes conseguiram se recuperar do catastrófico segundo. O terceiro chegou com um enredo muito mais interessante, buscando aprofundar os problemas pessoais dos personagens principais e focando na questão da masculinidade tóxica. Finalmente, a cereja do bolo: o quarto ano da série. O melhor até agora, mostrou o amadurecimento da narrativa e dos personagens, agora, adolescentes. Essa foi a única temporada da produção que conseguiu 100% de aprovação no site Rotten Tomatoes. 

A trama continua com foco nos melhores amigos. Mas, cada episódio desta temporada segue sendo um mais interessante que o anterior, e, apesar de todos  terem um certo nível de autonomia, o roteiro está muito bem escrito, fazendo com que eles trabalhem bem entre si. A quarta parte de Big Mouth não é maçante ou tediosa – como a segunda – não é aquele tipo de série que você assiste, com muita dificuldade, apenas pelo interesse no desfecho no final. Não, agora você vai querer maratonar a temporada toda de uma vez.

O primeiro episódio mostra como estão se desenvolvendo as intrigas geradas no final da terceira temporada com o beijo entre Missy e Nick, que deixou Andrew muito irritado. Este ainda se torna um bullie. Nesse ponto, é interessante como a série consegue desenvolver conceitos pouco materiais por meio de analogias, por exemplo, o sentimento de ódio que Andrew não consegue abrir mão se torna, literalmente, uma dolorosa e furiosa constipação intestinal, dublada por Paul Giamatti.

Logo no início, somos expostos a vários novos elementos e personagens singulares. Temos a aparição de Natalie (Josie Totah), uma adolescente trans. Big Mouth surpreende porque, de maneira geral, séries e filmes  – como o aclamado A Garota Dinamarquesa (2015) – tendem a tratar seus personagens trans como “personagens tipo”, ou seja, personagens extremamente genéricos e muito caricatos de um determinado grupo a ser representado, e sem a efetiva representação de atores e atrizes transexuais no elenco.

Mas não é isso que ocorre  aqui, começando pela atriz que dá voz à Natalie e também é uma mulher transexual. A personagem é uma menina complexa, tem suas próprias questões pessoais e sua personalidade não é apenas mostrar o orgulho trans ou ter um arco sofrido para se aceitar, ela é esperta, adora piadinhas de gosto duvidoso, fica ansiosa e insegura às vezes, mas tenta se mostrar forte e inabalável na maior parte do tempo. Ela é só mais uma pré-adolescente enfrentando grandes primeiras emoções e passando pela puberdade. 

Aparecendo junto com Natalie, temos Tito (Maria Bamford), o Mosquito da Ansiedade. Ele, sem dúvida, foi mais uma das sacadas geniais da série. Personificar um sentimento, como já havia acontecido antes com a Gata da Depressão (Jean Smart) e o Mago da Vergonha (David Thelwlis), é um dos melhores caminhos para demonstrá-los de uma forma que não vire gatilho para pessoa mais sensíveis, e mantém a proposta da série de explorar a puberdade enquanto “abraça as fraquezas do corpo humano e do sexo”. Tudo isso, claro, mantendo um tom leve e divertido.

Agora, o Mosquito é o responsável pela maioria dos conflitos envolvendo os personagens. Ele é irritante, insistente, não para de falar, sabe das maiores inseguranças de cada um e consegue alimentá-las; não é surpresa que essa seja a motriz do efeito dominó nos conflitos na série. É interessante como conseguimos nos identificar com os personagens quando eles estão vulneráveis pelo Tito, porque, de fato, todos já tivemos problemas com os mosquitos da ansiedade durante a adolescência, essa fase confusa tanto para nós, quanto para os personagens. Esse é, com toda certeza, um dos elementos que deixou essa temporada de Big Mouth tão provocante. 

Outro personagem que também ganha destaque é o Nick do futuro, ou Nick Starr. Ele não é novo dessa temporada, já havia sido mencionado anteriormente em um episódio do segundo ano de Big Mouth. Mas, agora, ele tem um destaque de super vilão ao estilo Psicopata Americano. Nick Starr é um episódio singular nessa temporada, ele quebra um pouco o ritmo da série e, a priori, pode ser incômodo para aquele que já se sente vidrado ao enredo. 

O capítulo do futuro acontece inteiramente na cabeça do Nick do presente, na forma de um pesadelo. Esse é o Nick completamente tomado por suas inseguranças e medos, ele é solitário, rico, viciado numa droga que o faz ter orgasmos, é narcisista e egoísta. Nesse futuro, há leis ambientais que protegem os mosquitos, todos idênticos ao Tito, e, por mais incômodos que eles sejam, ninguém pode matar nenhum, e também o planeta está entrando em colapso com o apogeu capitalista.

Esse não é o melhor dos futuros, mas é realista. Big Mouth, apesar de manter o mesmo nível desde o seu início, tomou um tom mais duro e crítico, talvez até mesmo sombrio. Isso é bem coeso, já que vemos esse mundo através dos personagens e, agora, é a vez deles estarem sendo, de fato, adolescentes e não mais pré-adolescentes, a infância morreu de vez. Eles não estão, necessariamente, mais maduros, e sim mais críticos, políticos, revoltados, ansiosos e inseguros.  

Outro ponto chave nessa última parte é a jornada de autoconhecimento de Missy (Ayo Edebiri). Ao final da terceira temporada, ela conhece Mona (Thandie Newton), sua Monstra Hormonal, o que leva ao fim da sua infância. O arco de descobrimento de sua identidade é uma das melhores partes desse ano. Missy é muito doce e gentil, mas precisa se descobrir e aceitar todas as partes de sua personalidade – incluindo a mais ousada e assertiva de todas. As várias Missys, incluindo a Missy revoltada e agressiva, a ajudam a iniciar sua adolescência e a se tornar menos inocente. Esse foi um desenvolvimento muito importante para a narrativa, ela ter ganhado tamanha progressão tornou a trama muito mais cativante. 

Ainda sobre a personagem, por causa do fomento nos debates sobre dubladores brancos dublarem personagens não-brancos, houve uma mudança no elenco dos voice actors. Missy não foi e não será mais dublada pela atriz branca Jenny Slate, agora  a atriz, escritora, comediante e produtora Ayo Edebiri será a porta-voz da personagem. Isso é pertinente também para a subjetividade da trama, já que esse é o momento em que a garota começa a se enxergar como uma pessoa negra e a levantar questões estéticas, sociais e culturais sobre sua auto expressão. Esse é o momento, por exemplo, que ela decide trançar o cabelo. 

Big Mouth realmente acertou nesta quarta temporada, trouxe elementos interessantes, amadureceu o tom e, finalmente, parou de incentivar o uso da pornografia. A Netflix já renovou a série para o quinto ciclo e, até mesmo, confirmou que haverá o sexto. Com base nas últimas datas de lançamento das temporadas anteriores, é provável que a próxima fique para o final de 2021, entretanto, ainda é possível que haja atrasos na produção em decorrência da pandemia e ela só esteja disponível no início de 2022. Agora, basta esperar para ver se ela vai seguir a evolução da quarta, se manter no nível das primeiras, ou nos surpreender ainda mais.

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