Guilherme Machado Leal

Em 2019, foi anunciado o elenco do live-action de A Pequena Sereia, tendo a atriz Halle Bailey como a protagonista Ariel, o que incomodou diversos fãs da animação original. Possíveis argumentos que poderiam ser levantados – mesmo sem um material promocional da obra sequer ter sido divulgado até aquele momento – deram lugar a uma enxurrada de comentários racistas pela internet. A cantora, da dupla Chloe x Halle, sofreu ataques desumanos devido a sua cor de pele: o primeiro teaser do filme foi bombardeado por um alto número de dislikes, o que mostra uma certa resistência – no caso, puramente racismo – do público para sua versão da Ariel. Agora, após a estreia, finalmente podemos avaliar de uma forma justa: Bailey fez jus à icônica sereia conhecida em 1989?

Essa pergunta não poderia ser respondida de outra forma: a artista é, de fato, a Ariel que precisávamos. Com a sua voz angelical e única, ela confere à personagem um traço de identificação ainda maior do que o presenciado na animação. A escolha da promissora atriz mostra que, quando quer, os estúdios Disney entregam ao público uma adaptação digna e que não compromete de forma alguma o seu material base. 

O retrato da icônica sereia é feito de uma forma extremamente cuidadosa, uma vez que a personagem, pelo seu carisma, precisava ter a sua história contada de uma maneira que transpusesse da animação para o real a sua singularidade, a qual captou fãs pelo mundo inteiro. Com a escalação da artista para o elenco, esse legado foi levado adiante, ainda mais ao se observar o número de garotas pretas que puderam se sentir, pela primeira vez em um live-action, uma princesa de um conto de fantasias.

Dirigido por Rob Marshall (Chicago), A Pequena Sereia demonstra todo o cuidado do cineasta na construção do projeto: com o objetivo de colocar em tela a realidade, ele optou pela técnica fotorrealista na hora de retratar o fundo do mar. Certamente, em algumas cenas específicas em que apenas o cenário abaixo da terra é mostrado, pode-se perceber que o distanciamento da fotografia do filme de 1989 foi colocado em prática pela equipe de produção, uma vez que é notável a forma como o lar de Ariel é retratado. Além disso, com os designs criados para o próprio longa, o trabalho de John Myhre evidencia um frescor no que se relaciona ao CGI de adaptações live-action – diferentemente do de O Rei Leão, já que o público, ao ver o resultado final do filme, consegue acreditar que aquele cenário existe na vida real.

Um ponto que deve ser ressaltado e elogiado em A Pequena Sereia são os atores. Devido a sua excelente bagagem como comediante, Melissa McCarthy expressa uma Úrsula, a vilã, ao mesmo tempo assustadora e divertida. A maquiagem da personagem, que na animação é inspirada na arte da cultura das drag queens, no live-action não possui esse fator, o que pode ser um problema para os fãs mais apegados. No entanto, a caracterização de McCarthy não atrapalha o andamento da personagem e muito menos a afasta dos espectadores. Outro acerto é Javier Bardem, como o temido Rei Tritão. A roupagem dada pelo ator humaniza o pai de Ariel, que é extremamente protetor com a sua família e respeitado como o líder dos mares.

Aliás, a vontade da protagonista aqui é mostrada de uma forma bem clara: ela quer ser humana porque quer a sua liberdade. Antes mesmo de conhecer Eric (Jonah Hauer-King), a adolescente já possui o sonho de se aventurar pelo mundo terrestre. Com a canção Part of Your World, solo poderoso da princesa, o público entende o porquê o fundo do mar não ser seu único lar, além de se emocionar com os vocais tocantes de Halle Bailey que, nesse número, mostra a capacidade e a facilidade com que domina o papel. Por outro lado, o melhor amigo da sereia, Linguado (Jacob Tremblay), é um dos pontos fracos: todo o carisma do personagem não é captado e colocado no live-action, tirando o interesse acerca do seu arco. Isso é algo que não acontece com Sebastião (Daveed Diggs), que serve como alívio cômico e obtém na versão de 2023 um maior tempo de tela, sendo assim o mais importante companheiro de Ariel.

Quando o live-action foi anunciado, a seguinte pergunta foi feita: “Quem seria capaz de interpretar o príncipe Eric?”. O cantor Harry Styles, inclusive, quase pegou o papel do par romântico de Ariel, mas foi Hauer-King quem levou a melhor. Entretanto, no momento em que se compara a atuação de King com o nível entregado por sua co-protagonista, percebe-se que a adaptação de Eric não foi um dos acertos do filme, visto que o seu solo, a música Wild Uncharted Waters, é completamente desnecessária dentro das 2 horas e 20 minutos pelas quais o longa caminha, além de não acrescentar camadas para o personagem.

Por esse lado, a trilha sonora composta por Alan Menken, que participou da curadoria e produção da animação de 1989 e da adaptação, consegue fazer com que o fã saia da sala de cinema correndo para os agregadores de música a fim de ouvir o álbum completo. Com a adição de quatro novas canções, dentre elas um novo solo da protagonista, chamado For The First Time, e a engraçada The Scuttlebutt – ambas escritas por Lin Manuel Miranda (Em Um Bairro de Nova York) em parceria com Menken – a trilha sonora é, com toda certeza, um dos pontos altos dessa nova versão. As faixas originais, como Kiss The Girl e Under The Sea, continuam tão divertidas de se assistir e, com exceção do design do personagem Linguado, todo o resto é representado de uma forma crível e real. 

A Pequena Sereia apresenta problemas de narrativa: mesmo com um tempo gigantesco, se comparado aos 83 minutos da animação, o filme não sabe se prioriza o desenvolvimento de personagem ou se prefere recriar cenas idênticas às do longa de 1989. Todo o terceiro ato é corrido e resolvido rapidamente, o que afasta seu público, dado que, pelo fato de as resoluções terem sido resolvidas em questão de segundos, o medo e o pânico são inúteis devido à falta de seriedade dos problemas gerados. Talvez se o solo de Eric e as outras duas músicas novas fossem cortadas, teria mais tempo para focar estritamente no desenvolvimento dos enredos que a trama apresenta.

Ao final, no geral o saldo de A Pequena Sereia é mais positivo do que negativo. Com a ótima direção de Marshall, alinhada ao comprometimento dos atores de entregarem um excelente trabalho, é possível se emocionar com o mais novo (não por muito tempo) live-action da Disney. Embora o filme tenha seus acertos, mais uma vez é preciso reforçar: a guinada de adaptações de obras que já existem para o Cinema evidenciam a crise que esse setor está passando, porque a existência de longas adaptados de animações é desnecessária. Até o momento, Aladdin é considerado pelo público geral o melhor filme adaptado da Disney, mas a história de Ariel vem logo atrás e, mais precisamente, por conta da belíssima atuação que Bailey entregou.

Por isso, é necessário o reconhecimento da atriz novata nesse papel. Ela interpretou uma personagem muito querida pelos fãs aficionados, o que não justifica de forma alguma todo o preconceito sofrido pela artista. Espera-se, aliás, que a internet aprenda duas coisas: primeiro, deixar de criticar o filme antes do lançamento e, segundo, parar de cometer crimes e disfarçá-los como opiniões. A protagonista é uma mulher forte e determinada, algo que transparece na intérprete no momento em que você a vê em cena. Dito isso, é importante exaltar A Pequena Sereia de 2023, pois é esse o projeto que apresenta ao mundo o talento incomparável de Halle Bailey.

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Isabella Siqueira

Seguir com a qualidade após uma ótima temporada é difícil, saciar as expectativas do público sem perder a essência era a intenção da segunda temporada de Expresso do Amanhã (tradução do original Snowpiercer). Mas, apesar das tentativas, o novo ciclo da obra de ficção científica conseguiu apenas ficar estagnado no tédio. Infelizmente, a produção da TNT, que foi lançada semanalmente pela Netflix e terminou no final de março, não faz jus ao final incrível de sua última revolução.

A segunda temporada da série optou por uma linha diferente da original da HQ francesa chamada O Perfuraneve, e do filme de 2013, dirigido pelo incrível Bong Joon-Ho. Agora, a recente descoberta do descongelamento da Terra, um clichê óbvio, mas compreensível, e o aparecimento de um novo vilão são as notícias mais recentes do trem de 1.001 vagões.

Após a conturbada revolta elaborada em conjunto por diferentes classes, e que terminou com a vitória da democracia, liderada pelo idealista Andre Layton, (Daveed Diggs), uma nova era chegou para o Snowpiercer. Mas, o que ninguém esperava era a volta do misterioso Sr. Wilford, vivido pelo experiente Sean Bean, que traz uma nova onda de problemas para os revolucionários de plantão. Esses são obrigados a encarar uma convivência problemática com o trem de recursos Big Alice, e a pausar indefinidamente as eleições prometidas.

Apesar da ideia ousada e bem clichê, claramente a escolha foi a melhor para a história, já que era impossível seguir eternamente no conflito Fundistas versus Primeira Classe. Contudo, o problema está na forma com que essa temporada se desenvolveu, já que ela perde o ritmo e entrega apenas tramas paralelas sem sal. Além disso, a característica mágica do trem do futuro é deixado de lado pela produção, que não se importou mais em mostrar as inovações tecnológicas que garantem a subsistência dos poucos sobreviventes do congelamento.

Mas, o verdadeiro erro da produção foi ter dispensado seu maior trunfo, que é interpretado pela sensacional Jennifer Connelly. A saída de Melanie Cavill, a verdadeira protagonista, terminou de enterrar a série, sendo difícil aturar os episódios sem a presença da maquinista principal. Por ser Melanie a única capaz de estudar o descongelamento do planeta, a nova rivalidade política acontece entre Wilford e Layton, que nem de longe possuem a esperteza da dona (e construtora) do Snowpiercer.

Diferente das séries originais da Netflix, cujas temporadas são lançadas na íntegra, a disponibilização semanal era um dos pontos positivos de Expresso do Amanhã, já que se assemelhava a uma faísca de esperança, mas, diferente da primeira temporada, que mesmo com um começo lento conseguiu engatar um ritmo contagiante com o auge da revolução fundista, a produção não agrada nem na dose dupla de episódios liberados pelo streaming.

Apesar das falhas, a mudança nos personagens é algo a se notar na série. Uma das transformações mais críveis está em Ruth, interpretada por Alison Wright, que realizava atos cruéis para manter a ordem no trem, enquanto idolatrava cegamente o Sr. Wilford como um grande salvador. Mas, ao se deparar com as consequências e vítimas de suas ações passadas, começa a questionar o real custo da paz construída por Melanie e Wilford. Ao mesmo tempo, Roche, Chefe dos Operadores vivido por Mike O’Malley, abandona a postura neutra e começa a valorizar a figura de bom líder, refletindo sobre os anos de tirania anteriores à revolução.

Outra boa adição ao leque de personagens é a filha da Melanie. Rowan Blanchard, a eterna Riley de Girl Meets World, dá vida a jovem maquinista Alex, que foi resgatada por Wilford após a traição de sua principal aliada. A garota entra como uma das principais figuras do trem de recursos Big Alice, e apesar do tratamento frio que ela reserva para a mãe, aos poucos o relacionamento das duas revela um lado sensível da antiga vilã.

Contudo, mesmo que a série desenvolva muito bem os novos e antigos personagens, outros são completamente deixados de lado pela produção ou colocados em tramas injustas e sem sentido. Bess Till (Mickey Sumner) e Jinju Seong (Susan Park), um dos casais mais promissores formados no começo, terminam sem nenhuma explicação decente. Enquanto Josie (Katie McGuinness), uma das mártires da luta fundista, do nada é encontrada viva e prestes a se tornar a nova mulher de gelo.

Sem a mesma agitação dos momentos finais da temporada anterior, com cenas de guerra bem trabalhadas e reviravoltas chocantes, a season finale do novo ciclo foi mais sóbria. Não foram batalhas sangrentas que resolveram quem detinha o poder afinal, mas sim quem tinha mais conhecimento sobre cada peça que constituía a locomotiva eterna. Para os mocinhos do Snowpiercer, essa era a maior desvantagem, visto que Layton possuía zero conhecimento sobre o trem, e Melanie estava fora de cena.

Entre muita desestabilidade e problemas de logística que envolveram o pós-revolução, não foi uma surpresa quando a maioria dos passageiros se manifestaram em preferência ao tirano Wilford, apesar da memória recente quanto aos anos de agressão idealizadas por ele, mas aplicadas por Melanie. Por fim, fica claro que apesar da personalidade ética, moral e idealizadora de Layton, era impossível que ele conseguisse levar a tão sonhada paz ao trem. Faltava não apenas o conhecimento sobre o funcionamento da locomotiva, mas sim uma dose de sagacidade para fazer pensar sempre dois movimentos à frente de seu adversário.

Mesmo que filmadas ao mesmo tempo para gerar no público uma sensação de continuidade, a diferença entre o sucesso da primeira temporada e o fiasco dos novos episódios se dá pelo ritmo lento da produção. O sentimento de agressividade e exasperação que inflaram o trem foram perdidos, dando lugar a tramas mal encaixadas e resoluções estilo Deus ex-machina. E, ainda que tenha uma história sólida cheia de possibilidades sobre o futuro do planeta Terra, a segunda temporada de Expresso do Amanhã permanece uma ficção científica superficial.

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Letícia Machado e Rafaela Thimoteo  

Como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta e pai fundador dos Estados Unidos presente na nota de dez dólares se tornou um dos maiores fenômenos na indústria dos musicais e plataformas de streaming de todos os tempos?

Hamilton: An American Musical é um musical composto, escrito e protagonizado por Lin-Manuel Miranda. Norte-americano de família porto-riquenha que nasceu em Nova York, em 1980, Miranda se inspirou na biografia de Alexander Hamilton do historiador Ron Chernow para criar essa peça.

Miranda estava férias de outro espetáculo que escreveu para a Broadway, In the Heights, em 2008, quando leu a biografia sobre Hamilton. Decidiu, então, não desperdiçar sua chance de fazer um musical totalmente inspirado na vida de um dos pais-fundadores dos Estados Unidos. 

O gênio por trás da obra já havia mencionado durante entrevistas que as pessoas subestimavam o potencial, a história e relacionamento de Alexander Hamilton com a cidade de Nova York. Foi a partir deste sentimento que o show começou a ser desenvolvido. 

Em maio de 2009, Miranda foi à Casa Branca, durante o evento Evening of Poetry, Music and the Spoken Word apresentar uma versão inicial da abertura do futuro espetáculo. Ele acabou surpreendendo e arrancando risadas dos convidados ao anunciar que faria um musical de hip hop sobre o primeiro Secretário do Tesouro dos EUA.

O musical estreou em fevereiro de 2015 off-Broadway (termo utilizado quando um musical é exibido em outros teatros profissionais menores que a Broadway), no Teatro Público de Nova York e tornou-se um sucesso de bilheteria e críticas positivas. Em agosto do mesmo ano, foi transferido para o Teatro Richard Rodgers na Broadway e os ingressos foram esgotados ainda na pré-venda. 

De acordo com a Forbes, após esta estreia a disputa por lugares foi tão acirrada que alguns ingressos chegaram a custar cerca de US$ 11 mil. Ainda em 2015, o musical rendeu a Lin-Manuel Miranda o prêmio History Makers Award pela New York Historical Society, assim como o de Melhor Música, Melhor Letra e Melhor Libreto de Musical no Drama Desk Awards. 

Em 2016, Hamilton obteve o recorde de 16 indicações ao Tony Awards, e conquistando 11 prêmios, entre eles o de Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Ator, Melhor Figurino, Melhor Direção, Melhor Coreografia e o principal da noite: Melhor Musical. Hamilton também venceu como Melhor Álbum de Teatro Musical no Grammy e Lin Manuel Miranda recebeu o aclamado Prêmio Pulitzer de Drama.

Da Broadway diretamente para o streaming 

Após o sucesso estrondoso, Lin decidiu realizar uma versão do show para o cinema com o elenco original. As filmagens foram realizadas em 3 apresentações diferentes, o que gerou alguns erros pontuais de continuidade, como a mudança de detalhes na roupa de alguns personagens, mas que não atrapalharam o êxito da obra. 

Devido à pandemia de COVID-19, o lançamento do filme que estava previsto para 15 de outubro de 2021, foi antecipado para 3 de julho de 2020, diretamente na plataforma de streaming Disney +, que chegará no Brasil somente em novembro deste ano. O trailer de Hamilton alcançou mais de 4 milhões de visualizações na data em que foi lançado. 

Influências

Se na música introdutória Alexander Hamilton afirma que “há milhões de coisas que ele ainda não fez” o show segue na direção oposta e faz o que outros musicais premiados da Broadway como O Fantasma da Ópera (1986) e Wicked (2003) não fizeram. De uma forma super contemporânea, o musical explora uma mistura gêneros usando o hip-hop, R&B, o pop e o soul. 

Com raps que chegam a alcançar a marca de 19 palavras em 3 segundos, como acontece em Guns and Ships, o ator coadjuvante Daveed Diggs (que interpreta tanto Lafayette quanto Thomas Jefferson) possui o recorde de rapper mais rápido da Broadway. Sua performance foi tão excepcional que ele recebeu o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante de Musical no Tony. O espetáculo entrega também um número difícil de ser batido: segundo o Five Thirty Eight, Hamilton apresenta uma média de 144 palavras por minuto, quando na média, musicais da Broadway apresentam de 58 a 77 palavras por minuto. 

O estilo musical de cada personagem também é individual, o que atrai ainda mais  à atenção para os mínimos detalhes. Enquanto o personagem Lafayette canta com um tom mais rouco em um rap rápido, certeiro, rimando várias palavras por estrofe em referência à rappers dos anos 90 como DMX, Ja Rule e Big Pun, Aaron Burr possui músicas com raízes no estilo musical popular jamaicano Dancehall.

Ao longo de quase 3 horas, os espectadores são capazes de se emocionarem com o R&B de Helpless e a balada romântica de Dear Theodosia, ou rirem do personagem Rei George III em You’ll Be Back e What Comes Next? no ritmo de um pop leve e divertido. 

Assim, o show apresenta músicas que atraem diversos tipos de público, que se emocionam, acredite se quiser, com a história de como o sistema econômico americano foi estabelecido. O sucesso das músicas também foi comprovado em 2016, quando o álbum The Hamilton Mixtape foi lançado e estreou em primeiro lugar na Billboard 200 com mais de 187 mil cópias vendidas.

A experiência visual

Um dos diferenciais que também garantiu pontos positivos para o filme foi a grande direção de Thomas Kail, cineasta norte-americano, também premiado com o Tony. A forma como as coreografias e o cenário foram meticulosamente montados colabora para que quem assista sinta a emoção dos atores. 

O terceiro dia de gravação do musical, que aconteceu sem a presença da platéia, garantiu cenas em planos fechados que detalham os sentimentos dos atores e até mesmo a saliva do Rei George III, interpretado por Jonathan Groff (Mindhunter), o que provoca uma experiência diferente até mesmo para quem já assistiu o musical no teatro.

O palco com o mecanismo circular móvel colabora para cenas em que as irmãs Schuyler andam pela “rua”, assim como em cenas no estilo Matrix no qual após um tiro a bala “caminha” lentamente pelo ambiente durante um monólogo.

Um dos destaques deste mecanismo está presente na música Satisfied, quando o movimento e a troca repetitiva de câmeras, combinados com as luzes e coreografia, provocam o efeito de retrospectiva e confusão de Angelica Schuyler. A personagem conta os fatos narrados na música anterior, mas desta vez do seu ponto de vista.

O palco da diversidade  

Além da inovar ao contar a história da independência dos Estados Unidos, um dos pontos mais marcantes de Hamilton é a inclusão de diversidade tanto nas letras das músicas quanto no elenco. Em alguns momentos da peça, as músicas falam sobre a questão dos imigrantes, sobre a busca por uma vida melhor e também fazem críticas à escravidão. 

Em Cabinet Battle #1, Hamilton enfrenta Thomas Jefferson em uma batalha de rap e critica o oponente dizendo que o Estado de Jefferson só possuía dinheiro suficiente para pagar as dívidas porque não distribuía salários, ou seja, seu lucro vinha da exploração de escravos.

O musical destaca atores negros, asiáticos e latinos para protagonizar os personagens da peça, quebrando paradigmas e mostrando que apesar da adaptação falar sobre figuras históricas que eram em sua maioria brancas, nada impede que sejam interpretados por pessoas de etnias diferentes.

A questão migratória também está muito atrelada a narrativa, tanto que em 2016, no lançamento de The Hamilton Mixtape, uma das músicas, intitulada Immigrants (We Get The Job Done), aborda a situação dos imigrantes, a injustiça que sofrem e critica o discurso xenofóbico.

A História está de olho em você

Mesmo recebendo prêmios e reconhecimento por contar de uma forma atual e dinâmica a história da independência dos EUA e a vida de Hamilton, é importante lembrar que o musical é uma adaptação de fatos reais, não um livro de História. Lin- Manuel Miranda alterou alguns elementos para desenvolver a narrativa. 

Em My Shot, Alexander fala sobre “um grupo de amigos abolicionistas” em referência a seus companheiros Laurens, Lafayette e Mulligan. Porém, mesmo participando de uma organização em prol da abolição e criticando Jefferson, alguns historiadores afirmam que Hamilton não tinha essa luta como prioridade. A família de sua esposa tinha escravos, assim como George Washington, de quem ele era muito próximo.

Em entrevista à Vanity Fair, Christopher Jackson, que interpreta George Washington, diz que como um homem negro, teve de conciliar estar na pele desse personagem e mostrar de alguma forma a vergonha de Washington em relação a escravidão, assunto que o personagem não cita diretamente durante a peça, mas que retorna em Who Lives, Who Dies, Who Tells Your Story.

Outro ponto de destaque é a presença das Schuyler Sisters: Angelica, Peggy e Eliza. Lin Manuel Miranda mudou pontos da história das irmãs, como ao escrever que Angelica era a mais velha e não tinha irmãos, portanto tinha que casar com um homem rico e subir socialmente ao invés de ceder à sua paixão pelo pobre Alexander.  

Registros históricos apontam que isso não é verdade. Angelica Schuyler tinha diversos irmãos, já era casada há anos e inclusive tinha filhos antes de conhecer Hamilton. Além disso, não estava presente quando ele e Eliza se encontraram. 

Miranda diz que ignorou esses fatores pois o musical seria dramaticamente mais interessante se Angelica não pudesse se casar com Hamilton por pressões sociais. Ele também buscava mostrar a personagem como uma intelectual, com visões feministas. Em The Schuyler Sisters, a atriz Renée Elise Goldsberry que interpreta Angelica, canta: “Eu tenho lido O Senso Comum de Thomas Paine e, por isso, os homens dizem que sou intensa ou louca”. 

Em Ten Duel Commandments os personagens falam sobre as dez regras que devem seguir durante os duelos armados. Apesar de pesquisas apontarem que existiam na verdade vinte, Miranda decidiu colocar apenas metade influenciado pela música Ten Crack Commandments do rapper Biggie Smalls.

Uma batalha de momentos marcantes 

É impossível falar desse musical e não destacar o trabalho do ator e cantor Leslie Odom Jr., que inclusive ganhou o Tony de Melhor Ator pelo personagem Aaron Burr. Seu papel como do rival de Hamilton evidencia a diferença na personalidade de ambos. Em Wait For It e Room Where It Happens conhecemos mais sobre o personagem, suas ambições e o porquê dele agir da forma que age.

A relação entre Alexander Hamilton e Aaron Burr ao longo da narrativa é um aspecto essencial na história. Somos apresentados aos personagens e descobrimos mais sobre a guerra, seguindo sempre um contraponto entre as opiniões de ambos. Burr é mais sucinto e contido, enquanto Hamilton sempre expõe suas opiniões.

Há sempre um paralelo entre os dois, como quando dizem que duelos são imaturos e não resolvem nada, mas no final acabam duelando entre si. Em Dear Theodosia, Burr expressa seu amor pela filha, enquanto Hamilton fala sobre seu filho. Por um momento a rivalidade entre eles dá lugar a um tom de delicadeza e emoção. 

E por falar em trechos emocionantes, a atriz de ascendência chinesa Philippa Soo, que interpreta Eliza, protagoniza um dos momentos mais marcantes do show na música Burn. Ressentida, ela canta enquanto põe fogo nas cartas que recebeu de Alexander.

Os paralelos entre as cenas continuam, a exemplo da primeira frase do musical: “como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta…”, que surge quando Burr se refere a Hamilton. O protagonista também repete “eu imagino tanto a morte que parece mais uma memória”, pois um dos seus objetivos era deixar um legado antes de morrer. O mesmo paralelismo ocorre nas músicas mais voltadas ao desenvolvimento das batalhas, como em Right Hand Man e Yorktown. Em Non Stop trechos de várias outras músicas são cantadas ao mesmo tempo, em uma espécie de catarse. 

O fenômeno cultural Hamilton não apenas abriu portas para uma nova maneira de se contar um fato histórico, como também inovou o cenário teatral em aspectos como a construção das letras, ritmo musical, diversidade no elenco e interação com o público. Seguindo um modelo diferente das adaptações convencionais como Les Misérables (2012) e Cats (2019), Hamilton foi um dos primeiros musicais a ser disponibilizado por streaming em sua versão original, entregando para muitos fãs que ansiavam pelo lançamento e acompanhavam pelo Spotify, Twitter e Youtube, a sensação de assistirem diretamente da Broadway, da sala onde tudo aconteceu.

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