Aryadne Xavier

“Você pensou que eu deitaria e morreria?/Oh não, eu não. Eu vou sobreviver/Enquanto eu souber como amar/Eu sei que permanecerei viva/Eu tenho minha vida toda para viver/Eu tenho meu amor todo para dar e/Eu vou sobreviver, eu vou sobreviver” 

– I Will Survive (Gloria Gaynor)

O ser humano pode não nascer programado para certos comportamentos, mas os aprende tão cedo que pode sentir, em seu íntimo, que as coisas apenas são dessa maneira. O desejo de pertencer, resquício fundamental do desenvolvimento em grupos, é tão latente que se transforma em uma vontade dupla de ser aquilo que é aceitável ou ao menos parecer ser. Lançada ao mundo pela primeira vez há 130 anos, a revista Vogue imprime o que seu próprio nome diz. Registrando e, talvez, ajudando a ditar o que está em alta, a publicação estadunidense foi, por incontáveis vezes, inacessível a uma parcela da população, que podia apenas se projetar nela, como um sonho. 

Tal projeção se via em uma sombra, refletindo aquilo que brilhava, mas o objetivo nunca foi copiar fielmente. Ao imitar as poses das modelos da Vogue em uma espécie de duelo, o grupo que participava das balls se apropriou daqueles movimentos, criando algo único. O Voguing se tornou algo muito além da revista, mesmo que seus nomes ainda possam ser assimilados. Esse ato de reconstruir, verbo que sempre fez parte dessa cultura, foi o que reinventou e revolucionou o que é ser uma pessoa da comunidade LGBTQIA+ em sua época de fundação, trazendo identidade, força e conexão até o presente.

A origem histórica desses encontros se inicia no Harlem, bairro da cidade de Nova Iorque que concentra uma população predominantemente afro-americana. Ainda que a primeira manifestação de algo parecido com um concurso de beleza para pessoas drags nos EUA seja de 1849, no Masquerade Ball, alguns dos registros mais antigos do que realmente pode ser considerado Ballroom datam das décadas de 1920 e 1930, no então Hamilton Lodge Ball, que viria a ser palco de diversas balls (nome dado aos bailes). 

A melhor maneira de sintetizar o que seriam esses encontros é descrita por Pepper LaBeija no documentário Paris is Burning (1990), ao dizer que esses bailes eram como uma fantasia de ser famoso. Fruto de uma população marginalizada e excluída de um progresso disponível apenas para a população que se parecia e estrelava os anúncios que pregavam o ‘modelo de vida americano’, as manifestações se tornaram um centro de encontro para negros e latinos que migraram para a terra do Tio Sam e toda a população LGBTQIA+ da região. 

Crystal LaBeija pode ser destacada como a pioneira na formação dessas casas ao fundar a House of LaBeija em 1968 com Lottie LaBeija, primeira house da Ballroom que propôs balls que contrariavam o silenciamento de corpos que não se encaixavam no padrão de beleza europeu, principalmente corpos negros. Em 1972, aconteceu o primeiro baile anual da casa criado para acolher pessoas diferentes. Essa abertura a diferentes categorias e a possibilidade de enquadrar todas as pessoas em um ambiente seguro para serem quem são transformou a o movimento em um símbolo político, de ocupação de espaços que pertencem a cada pessoa e celebração da diversidade de gênero, sexualidade e raça.

Na construção dessa cultura, alguns termos foram empregados para definir lugares, ações e pessoas. As houses, por exemplo, são casas que abrigam os Ball-goers (pessoas que frequentam os bailes), criando um senso de pertencimento e acolhimento. Cada casa leva um nome, geralmente o de sua fundadora, e todos os membros o recebem como um sobrenome. Dentre as houses mais conhecidas, é possível citar House of Dupree (Paris Dupree), House of LaBeija (Crystal LaBeija), House of Ninja (Willi Ninja), House of Pendavis (Avis Pendavis), House of Xtravaganza (Angie Xtravaganza) e House of Corey (Dorian Corey). 

As casas ainda são lideradas por uma figura maior, a mãe (Mother) ou, algumas vezes, o pai (Father). As primeiras são chamadas assim por serem as matriarcas de cada house, o porto seguro de muitas crianças (Children) que não encontraram apoio em suas famílias biológicas. Mais do que figuras experientes, as Mothers eram as vencedoras dos icônicos bailes que aconteceram no Harlem em décadas anteriores (1920, 1930 e 1940). Chamadas de Legendary, elas foram essenciais para a construção e estabelecimento dessas comunidades, além do suporte constante que existia entre a mãe da casa e suas crianças na época. 

Ball é a maneira mais informal de nomear os bailes em si: eventos de longa duração em que cada participante performa em sua categoria. Até mesmo por isso se explica o nome Ballroom, que determina os lugares onde acontecem esses encontros. Cada evento conta também com seus prêmios, sendo dado a quem vence o Grand Prize, troféu que traz muito prestígio ao vencedor(a/e) e a sua house. A honraria trazia um grande reconhecimento dentro da comunidade: a maioria das Mothers foram vencedoras de Grand Prizes e, quanto mais prêmios, maior a fama e o sucesso daquela casa. 

Quando falamos da influência da Ballroom na cultura pop, um grande exemplo é a música Vogue, um dos maiores sucessos da carreira de Madonna, que apresentou uma parcela dessa cultura ao mundo no início dos anos 1990. A canção conta com a participação ativa de José Xtravaganza. Importante relembrar que a artista não é e nunca foi a fundadora do estilo de dança conhecido como vogue, mesmo tendo figurado o clipe e as apresentações da música, além de ter sido o rosto representativo dessa manifestação em um imaginário popular por muito tempo. A influência também pode ser notada na produção de FKA TWIGS, cantora e performer que já esteve presente em alguns balls, como o The Mugler Ball (2014).

Um dos exemplos mais recentes e de maior explosão no cenário musical global é o álbum Renaissance. O projeto, protagonizado por Beyoncé, mas que carrega uma extensa lista de artistas envolvidos, veio como um resgate à cultura queer, apresentando o que há de mais potente na união dos ritmos. Na Sétima Arte, Pose da FX e Legendary da HBO são destaques, retratando o funcionamento das balls e as pessoas que participavam e ainda participam desses encontros. Mesmo falando muito no passado, por citar e tratar pontos históricos, é válido reforçar que a cultura Ballroom segue viva e resistente. 

No contexto de um país que mais mata pessoas LGBTQIA+ no mundo, é irônico sugerir que a comunidade tenha benefícios, imponha ditaduras ou algum tipo de glamourização em ser uma pessoa não heterossexual no Brasil. A fala da personagem Alícia, da novela A Favorita (2009), na qual afirma que “o chique é ser gay” pode ter virado um meme nas redes sociais recentemente, mas, nas entrelinhas, sabe-se que o riso vem como forma de tirar do centro o poder de quem se sente no direito de controlar a vida, os jeitos e os sentimentos do outro. 

Nesse cenário de luta diária, a cultura Ballroom também chegou aqui como um símbolo do movimento queer relacionado a pessoas não brancas. A primeira house brasileira é a House of Hands Up, fundada em 2015 por Eduarda Kona Zion em Brasília. Essa cultura de espaços acolhedores se fortalece até os dias atuais no país por ser um lugar com uma função social: acolher e permitir a existência de quem foi marginalizado pela sociedade por ser diferente do que é considerado a ‘norma’.

Lembrar e exaltar a cultura Ballroom é uma forma de colocar sob os holofotes pessoas negras, latinas e LGBTQIA+ e dar uma nova visão à sociedade, na qual essas vidas não estão atreladas ao sofrimento. Referenciando a fala da Deputada Federal Érika Hilton, “Aonde estão as pessoas trans além da prostituição? Aonde estão as pessoas trans além das manchetes policiais?”, estão nas balls, nas houses, expressando sua vida pela Arte da Dança e da Música. E estão muito além do que a sociedade os enxerga: estão ressignificando e criando. A Ballroom pode ser descrita como uma forma coletiva de sobrevivência, mesmo quando tudo de si é tirado. É sobre se encontrar em um lugar, se reconhecer e tornar sua vida fabulosa nas suas possibilidades de ser.  

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Mariana Nicastro

Uma renomada companhia de dança alemã guarda um segredo: suas dançarinas são parte de um coven. Suas coreografias, rituais. E sua mais nova aluna, seria ela uma presa fácil? Ou uma bruxa em ascensão? Suspiria: A Dança do Medo é uma contemplação às bruxas contemporâneas através de um Terror psicológico, folk e gore. 

Lançado no Brasil em 11 de abril de 2019, pela Amazon Prime Studios, o filme é dirigido por Luca Guadagnino. O diretor, aqui, está distante do subgênero do – indicado quatro vezes ao Oscar – Me Chame pelo Seu Nome (2018). Contudo, a sua habilidade de criar atmosferas instigantes permanece intacta. Comum, tanto ao seu romance dramático, quanto ao seu horror sombrio. 

Inicialmente pensado como uma releitura da obra original, Suspiria (1977), este filme em muito se assemelha e, ao mesmo tempo, em muito diverge, de seu antecessor. Um clássico setentista, o primeiro trata-se de um giallo italiano. Repleto de estilo, personalidade e identidade, assim como seu diretor, Dario Argento. É uma obra única, cheia de luzes e cores, uso dos sonhos e atuações novelescas, que envelhece como vinho. 

A premissa inicial de ambos os filmes permanece a mesma: Susie Bannion (Dakota Johnson, na obra mais recente) é uma garota estadunidense que viaja até Berlim para ingressar em uma grandiosa companhia de dança. Convivendo diariamente no local, a protagonista se vê presa e perturbada por um ambiente cheio de mistérios, acontecimentos, pessoas estranhas e maus pressentimentos.

As danças, elemento fundamental para a história, também são parte da linguagem do filme. Elas trazem um misto de beleza, drama, violência e incômodo. Inseridas no contexto, qualquer coreografia passa a sensação de que algo assustador está por vir.

A sugestividade e a curiosidade são constantes na obra e alimentam o ritmo da trama principal. Já as secundárias, por vezes sofrem um pouco com a lentidão e falta de uma dinâmica instigante e reveladora em seu processo, importantes em um plot de investigação.

Contudo, o longa é capaz de ressignificar a história e somar interpretações subjetivas à temática proposta por seu antecessor. Liberdade, identidade e aceitação são interpretações do todo, que se utilizam do subgênero das bruxas para transmitir uma mensagem. Trata-se, afinal, de um aspecto muito comum no folk da atualidade, presente em A Bruxa (2016) e em Midsommar (2019).

Nesse sentido, a bruxa, a mulher, é apresentada como um ser marginalizado, injustiçado na realidade a qual pertence. Essas obras solucionam essa questão com identificação e pertencimento, seja por meio da força, uso de poderes ou acolhimento por semelhantes. Em Suspiria, a trajetória de Susie não é diferente.

Além de apresentar elementos feministas, o filme também tem um forte caráter queer. A direção de Guadagnino transborda de olhares sensíveis para essas temáticas, ainda que encabeçada por um homem. Seus filmes têm características que destoam de perspectivas e representações heteronormativas. Seja na exploração de personagens, ou ideias, como no caso da liberdade e aceitação estimuladas na trama.

Quanto ao horror físico do longa, o uso de cenas chocantes é crescente, com sangue, fraturas e situações tão visualmente bizarras, que impactam e fazem com que algumas cenas instalem-se na memória por muito tempo. A montagem de Walter Fasano é rápida, com toques teatrais e criativos. Como em um solo de dança de Susie que desencadeia, simultaneamente, um ritual brutal. 

A fotografia de Sayombhu Mukdeeprom ganha tons frios e sombrios. A Berlim representada é apática e cinzenta. O longa carece de cores, com exceção do vermelho. Essa cor está cada vez mais presente, de forma progressiva, até brilhar durante o terceiro ato, representando sangue, violência e a libertação do coven. 

O grotesco também ganha vida na caracterização e maquiagens, seja de vítimas, ou de antagonistas. Quanto às últimas, Tilda Swinton é um fenômeno. Sempre atuando excepcionalmente em papéis exóticos e – mais de uma vez – como feiticeira ou maga, em Suspiria ela brilha e rouba toda a cena para si. Sua Madame Blanc é imponente e assustadora. 

Mesmo quando ela esboça simpatia para com Susie, a diretora da companhia aparenta guardar os mais terríveis segredos e planos. O destaque para a atriz ainda é intensificado pelo fato de ela ter, não um, mas três papéis dentro do longa. Os três exigem de si personalidades e características completamente diferentes: Blanc, o Dr. Jozef Klemperer e Helena Markos, a líder da companhia – e do coven.

O Dr. Jozef Klemperer é um psiquiatra judeu que atendia uma das alunas de Blanc (Chlöe Grace Moretz) e que, de forma paralela a trama principal, passa a investigar relatos de sua paciente, envolvendo a companhia de dança. A maquiagem é convincente, ainda que não passe despercebido o fato de que há algo de estranho em Jozef. 

Já Helena Markos é, em tese, a Mater Suspiriorum, bruxa suprema, ou como a chamam: The Mother of Sorrow (A Mãe das Dores). A construção misteriosa em torno de sua existência corrobora para seu papel, ainda que breve, porém muito significativo. Markos também aparece no longa de 77, em outro contexto e com outra personalidade.

Sobre Markos, o longa dialoga em diversos níveis a respeito da dor, a partir da mitologia das Três Mães. Dario Argento desenvolveu sua famosa trilogia inspirado em um ensaio de 1845, de Thomas de Quincey. Esse ensaio tratava da história de Três Mães que acompanhariam a deusa romana Levana. Uma delas, Mater Suspiriorum, é a senhora dos suspiros, aflições e dores humanas. 

Considerando a trama da Mãe das Dores, o desfecho do longa é dominado pelo simbolismo, grandiosidade e pelo extremo horror visual, brutal e explícito. Susie enfim abraça seu destino, com aceitação e imponência. A atuação de Johnson é precisa e capaz de transmitir a calma e poder que emanam de sua personagem.

Todas essas questões tornam o filme excepcional no que busca transmitir e representar. A força, dores, papel e liberdade femininas são testadas, questionadas e abordadas em diversos aspectos do longa. Bem desenvolvidas, ou nem tanto, como no caso da história da mãe de Susie.

Somados, esses aspectos tornam Suspiria uma experiência inesquecível. O filme é capaz de penetrar na mente do telespectador, seja pelo choque, medo, irreverência ou reflexão. Ainda que siga os passos iniciais da obra original, esta caminha sozinha, tornando-se única e clássica. Assim, representando com beleza e brutalidade, dança e morte, o que é a figura feminina e a imagem da bruxa.

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Mariana Chagas

Se hoje já não é fácil ser negro, latino e parte da comunidade LGBTQIA+, era muito pior nas ruas dos Estados Unidos nos anos 80. Desrespeitados e segregados, a solidão atormentava o dia a dia desses grupos. Então, de forma política, mas ao mesmo tempo divertida, foi no peito dolorido de um povo tentando transformar sua exclusão em união que surgiu a cultura do ballroom.

Foram nos subúrbios nova-iorquinos que, pela primeira vez, pessoas trans, pretas, latinas e homossexuais tiveram sua existência celebrada em forma de dança. Aos poucos foi se estabelecendo um cenário constituído por regras, estilos e características tão ricas e próprias que até hoje fazem parte desses bailes.

Conhecer a cultura do ballroom é ser apresentado às Casas, formadas por grupos tão unidos quanto uma família de sangue pode ser. É conhecer o voguing, popularizado por Madonna em 1990 quando lançou Vogue, o catwalk, as categorias, as gírias e tudo que constrói esse universo gigante. 

Gerações se passaram e o ballroom resistiu. Celebrando a livre expressão e ainda servindo como grande acolhimento, por todo o mundo, Casas ainda disputam entre si por dinheiro, reconhecimento e, é claro, muita diversão. Então, para os que querem se exibir aos olhos de milhares de pessoas e jurados especialistas, Legendary nasceu.

Recém-chegada no Brasil, a plataforma do HBO Max trouxe em seu catálogo as duas primeiras temporadas do reality apresentado pelo cativante Dashaun Wesley. Gravado no mundo pré-pandemia, os primeiros episódios contam com um público tão carismático que formava um personagem por si só. Mas, por conta das medidas de segurança e saúde tomadas, a segunda temporada de Legendary veio mais sozinha. 

Quem não abandonou o show foram os – quase sempre –  queridinhos jurados. Jameela Jamil, atriz da famosa sitcom The Good Place, e Megan Thee Stallion, cantora colecionadora de Grammys, se juntam ao grupo mais caloroso. Ambas não desperdiçam suas plaquinhas de nota 10 para enaltecer as casas.

Por outro lado, Leiomy Maldonado, grande nome no Vogue, e Law Roach, estilista de artistas como Zendaya e Ariana Grande, são mais difíceis de agradar. Os dois não escondem o descontentamento quando uma apresentação não os agrada. E, sinceramente, receber uma nota máxima do Law é tão difícil quanto as provas de Física do ITA.

Além dos rostos de sempre, cada programa conta também com a participação de diferentes celebridades que são convidadas para assistir e julgar as apresentações. Normani, Demi Lovato e outros famosos se juntaram ao cast e trouxeram ainda mais avaliações técnicas, além de muita risada, para a temporada dois.

Diferente da temporada inicial, a segunda volta mais organizada. O método de avaliação agora é baseado na soma das notas que as Casas recebem. Com uma apresentação em grupo e outras que são feitas individualmente, em dupla ou trio, as notas mais altas definem que Casas serão salvas, e quais vão precisar batalhar uma última vez para permanecer na corrida pelo prêmio de 100 mil dólares.

Outro ponto a ser analisado sobre os jurados são as maquiagens e vestimentas usadas. Seguindo a proposta da semana, os looks usados são de tirar o fôlego. As ideias devem partir das Casas, e serem construídas com a equipe liderada pelo figurinista Johnny Wujek,  talentosíssimo artista que já trabalhou com grandes figuras como Katy Perry e Mariah Carey.

Todo esforço por trás do vestuário dos participantes rendeu duas indicações ao Emmy 2021. A HBO (com auxílio do catálogo do HBO Max) se tornou a plataforma com o maior número de indicações do ano, ultrapassando a recordista Netflix. Na sua longa lista de categorias estão Melhor Penteado Contemporâneo em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção e Melhor Maquiagem Contemporânea em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção (Não-Prostética), onde Legendary concorre pelo episódio Pop Tart.

Nos dois episódios iniciais, foram apresentadas as 10 Casas que entraram na competição: Miyake-Mugler, Balenciaga, Comme des Garçon, Oricci, Icon, Milan, Luxe, Prodigy e Chanel. Cada uma com suas singularidades, o palco era onde precisavam conquistar os jurados – e nos fazer se apaixonar por cada integrante.

Os primeiros a deixar a competição foram Chanel e Prodigy que, tadinhos, mal tiveram tempo de mostrar para o que vieram. Se tinham ou não potencial para chegar em uma possível final, é algo que nunca saberemos. Logo foram seguidos pela House of Milan que, na semana onde precisaram se apresentar como um dos Sete Pecados Capitais, foram expulsos do Céu como Adão e Eva.

O destaque da primeira metade da temporada não poderia ser outro além dela: Tisci. A Casa que foi uma das mais talentosas a passar pelo programa constantemente era favorita, graças ao esforço inesgotável da Mother Gia Tisci e seus filhos. Ao serem os primeiros a receberem 10 de todos os jurados, era impossível negar seu dom. É uma pena que a eliminação do grupo tenha sido tão dramática, graças a um bate-boca de um membro da casa e, sem surpresas, Law. Ai, ai, esse Law. 

Com a saída dos icônicos, sobrou para o resto dividir os momentos de brilhar. Comme des Garçon realmente serviram muito bem, deixando os telespectadores bem alimentados. Mas como ninguém escapa das batalhas, se despediram na reta final. No episódio onde tiveram que apresentar três dos elementos do Vogue (hair whips, spins and dips, e floor performance), perderam para a Balenciaga, ficando em terceiro lugar. A derrota foi triste, mas quando Honey está do outro lado, tem como não esperar que ela vença? 

A grande final foi composta, além da Casa que se salvou no penúltimo programa, pela House of Miyake-Mugler. A equipe que iniciou o programa tão mal, teve a maior das evoluções. Passando pela quase-eliminação, os membros tiveram a força que precisavam para dar a volta por cima e se tornarem lendários. Ganhando os últimos Bailes, foi com um prêmio de 100 mil dólares que a Casa finalizou a competição, além da felicidade contagiante.   

A produção ficou na mão de David Collins, Rob Eric e Michael Williams. O trio também responsável por Queer Eye já ganhou o Emmy pelo programa da plataforma vizinha, a Netflix. Juntos construíram Legendary de forma tão convidativa que dá para se perder nos capítulos e fingir, por um tempo, que estamos dentro dos calorosos balls.

Entre todas as reviravoltas, discussões e muita dança, o que continua mais marcando cada episódio são as mensagens transmitidas nas performances. Na disputa de corpos, quando todos os tamanhos são valorizados e apreciados, o que ganha é a confiança. Nas batalhas, após o duelo os oponentes se abraçam, o que se destaca é o respeito. Antes de adversários, cada membro de cada grupo é parte de algo maior.

No meio dos treinos e apresentações, muitas histórias de vida são compartilhadas. Prostituição, racismo, transfobia, abandono, e tantos tipos de violência são traumas coletivos pela comunidade em um todo. Fazer parte do ballroom, então, é escapar da triste realidade de onde muitos vem. 

Em sua última performance, a Casa Balenciaga encantou ao subir no palco cobertos de rosa e dourado para falarem sobre amor. Love is the message, comenta Mother Shannon no seu discurso final. E ao acabar de assistir o décimo episódio, Ballroom 5000, ficamos com o resto do amor derramado pelas Casas em nossos corações. 

Já renovada para uma terceira temporada, o seriado ainda promete continuar trazendo a cena do ballroom para dentro de nossas casas. Te fazendo rir com os shades trocados pelas Casas, te fazendo chorar com os emocionantes relatos dos participantes, te fazendo ter raiva ocasionalmente dos jurados e te deixando com muita, mas muita vontade de sair dançando por aí, a segunda temporada de Legendary fez o que precisava ser feito.

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Ana Nóbrega

Um sonho em comum e anos de diferença. A relação de amizade entre Deok Chool (Park In Hwan) e Chae Rok (Song Kang) começou com um sonho de infância no novo drama coreano da Netflix. Navillera trilha a história do patriarca Shim Deok Chool, um ex-servidor público de 70 anos que decidiu se tornar bailarino. Para que pudesse sustentar sua família, o coreano decidiu deixar de lado sua fantasia de um dia apresentar Lago dos Cisnes. Isso tudo muda depois que ele decide ir atrás do que o faz feliz, encontrando pelo caminho o bailarino Lee Chae Rok, de 23 anos.

Baseada na história do webtoon Like a Butterfly, a série traz à tona a relação da sociedade coreana com pessoas idosas e a pressão social para o sucesso. Esses dois eixos são expostos na trama de forma sútil. Diálogos simples entre os personagens mostram de maneira natural como a Coreia do Sul lida com a ideia de sucesso profissional. Em pequenos detalhes, é possível perceber o dilema do apreço por pessoas idosas e seu abandono pela geração mais nova, que não os enxerga mais como capacitados.

A produção conta com o mais novo queridinho da indústria cinematográfica local, Song Kang. Com um grande currículo de atuação, o ator – que só esse ano promete estrear três doramas – traz vida ao dedicado e recluso Lee Chae Rok. Um dançarino esforçado que sempre se envolveu com esportes, mas optou pelo balé depois de desistir do futebol. Com a mãe falecida e o pai preso, o jovem tem dificuldades de se sustentar financeiramente e precisa trabalhar meio período em um restaurante. 

Esse fator incomoda muito seu professor de dança Ki Seung Joo (Kim Tae Hoon), que insiste constantemente que ele largue o trabalho e se dedique mais a dança. Essa é uma das ocasiões em que a corrida pelo sucesso se mostra presente na trama. Seung Joo insinua que o tempo de Chae Rok está acabando, afinal ele já tem 23 anos, e a carreira de um bailarino é bem curta. 

A presteza por pensar no futuro e ter altas ambições é parte da cultura coreana, e notável em qualquer uma de suas produções. A famosa frase “faça enquanto eles dormem” é levada muito a sério pela tradição do país. Não é incomum assistir e ler histórias de indivíduos que trabalhavam noite e dia para alcançar uma vaga em alguma empresa, ou um espaço no mundo do pop. É uma corrida contra o tempo para crescer e se aperfeiçoar constantemente, sem mostrar fraquezas ou defeitos.

Tudo isso começa a ser questionado quando Shim Deok Chool surge, aposentado e decidido a se tornar um dançarino. O patriarca quebra todas as barreiras impostas na sua frente para poder realizar seu sonho de infância. Assim como outros personagens, o ex-funcionário público precisou se dedicar muito desde cedo para ter sucesso e alimentar a sua família. 

Navillera explora essa questão em vários momentos, fazendo comparações do esforço do senhor na época em que era carteiro com a ocasião que se encontra quando idoso. Entre cenas de treinos e diálogos, acontecem flashbacks que explicam a audácia e dedicação de Deok em conseguir aquilo que quer. Adotando tons mais amarelados para a imagem e cenários mais antigos, a produção tenta se aproximar o máximo de uma Coreia pobre se reconstruindo no pós-guerra para, então, contextualizar as escolhas de vida do ex-carteiro. 

A decisão do homem em se tornar um bailarino em idade avançada está interligada com a pressa da sociedade em conseguir crescer na sua profissão e se tornar bem sucedido. Já que, durante a sua juventude, desistiu de seu sonho para poder ter estabilidade financeira. O drama faz perceber que não existe idade correta para correr atrás daquilo que lhe faz feliz, expressando situações onde pessoas vivem amarguradas ao chegar à velhice sem ter conseguido estar realizado consigo mesmo.

Forçado por seu treinador, Lee se torna professor de Shim. A relação dos dois se transforma em um símbolo de união entre duas pessoas que não são tão diferentes, mas que precisam uma da outra. O jovem bailarino órfão de mãe e abandonado pelo pai, não tem uma figura familiar que cuide dele. E o aposentado vive uma vida parada e com remorso pela carreira que nunca teve. Ao decorrer do tempo, se vê entre os dois uma amizade baseada no cuidado e crença sincera da parte de Deok Chool no garoto.

A série traz um questionamento a respeito das relações familiares e a falta que elas fazem na vida de cada um. Chae Rok começa a crescer como um participante ativo na família de Deok Chool, que, pela idade, passa a receber menos atenção dos filhos. O jovem bailarino mexe com a estrutura da família Shim, os fazendo se indagar sobre as pressões profissionais e a ausência na vida dos pais idosos. 

Dirigido por Han Dong Hwa, Navillera quebra o padrão de dramas focados em romance e traz uma nova visão sobre os costumes do país. Desconstruindo a ideia de que a velhice seria o fim, sem possibilidades de gerar novas experiências e anseios. A série apenas se prende ao clichê quando monta a imagem dos dois protagonistas como heróis pobres, com vida pessoal conturbada e que sofrem muito durante o desenrolar da trama. Temática já abordada em outras produções coreanas da Netflix, como Itaewon Class e Extracurricular.

Uma conexão entre indivíduos de idades bem diferentes, que tiveram trajetórias opostas, porém que necessitam um do outro para quebrar obstruções impostas pela sociedade. Navillera veio para emocionar o público e trazer um pouco de fofura e risadas em tempos difíceis. Deixando de lado o afeto romântico e colocando em destaque o afeto paterno e familiar, que há muito tempo não vinha sendo explorado pelas produções coreanas. E ensinando que voar como uma borboleta é possível para qualquer um que sonhe, independente da idade. 

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Vinícius Nascimento

O novo espetáculo “Morte e Vida Severina”, estrelado pela Companhia de Dança Estável de Bauru no teatro Celina Lourdes Alves Neves, é uma adaptação do poema de mesmo nome de João Cabral de Melo Neto publicado em 1955. O mesmo poema já ganhou versão cinematográfica em 1977 e 2010, além de adaptação para TV pela Globo em 1981, o que demonstra a riqueza que o material original tem e como diversas linguagens se apropriam do texto sempre propondo uma releitura atual da obra.

As luzes se apagam restando um pequeno facho entre o palco e as primeiras cadeiras, por ele é iluminada uma atriz convidada. As cortinas permanecem fechadas enquanto a atriz começa a declamar um poema feito em homenagem à companhia. As cortinas são abertas. A primeira cena: os bailarinos estão reunidos no centro, entrelaçando-se, enquanto um deles suspenso pelos outros despeja água de uma moringa – jarro de barro ou cerâmica – sobre os companheiros desesperados, com vontade de sobreviver.

Conforme somos conduzidos pela narrativa percebe-se que o destino daqueles retirantes está envolto na capacidade de resistirem a estiagem, como fé e delírio estão conectados, fazendo com que perseverem. O tempo todo a seca os persegue, muito bem representada pela figura de um crânio de boi tomado pelos dançarinos um a um. Seus movimentos serpenteiam o espaço, tornando-se presentes, a espera ou em busca de onde quer que vão os severinos.

A expressividade do corpo projetado pela coreografia inédita desta apresentação reposicionou a obra dentro de um contexto contemporâneo. A tensão dos corpos que carregam outros, como se fosse uma cruz ou liteira feita de tronco e lençol, cria um peso gravitacional, nos atraindo para aquela realidade. Quando os bailarinos se sucedem correndo e pulando no ar jogando canela, criando uma nuvem de poeira, seus passos são expansivos e ornamentais.

Pega, mata e come

Os corpos aqui insinuam-se carcarás, sobrevoam o sertão em busca de alimento. A coreografia é maximizada pela iluminação, compondo  projeções das sombras dos dançarinos na parede no fundo do palco. A mimetização é o ponto mais alto da composição visual. Noutro momento, cenas são apresentadas em flashes – as luzes se apagam e quando voltam vemos os dançarinos dispostos numa montagem que remete a composições da arte pictórica, vide “Retirantes” de Candido Portinari. Assim como a sobreposição que fez coexistir na mesma cena a seca em busca de um severino em primeiro plano, a liteira sendo carregada no segundo e, no último plano, a procissão.

O simples elevou ainda mais o papel da coreografia, com o uso de tons pastéis colocou no mesmo plano diferentes singularidades, enriquecendo a dimensão coletiva que os personagens tem, os milhares de severinas e severinos existentes. Assim como a música além de criar uma atmosfera adicionava profundidade na temática, ressaltando aspectos culturais, políticos e religiosos.

Comparando as duas apresentações, a melhor execução foi em sua estreia. As pequenas alterações, no que diz respeito a ritmo e iluminação, fizeram com que a segunda apresentação não explorasse totalmente seu potencial, principalmente no efeito visual entre luz e sombra. Como um todo a obra é magnífica: o trabalho dos dançarinos ora demonstrando força e rigidez, ora suavidade nos passos; a trilha sonora como recurso narrativo importante para expandir o enredo; o figurino com poucos elementos fazendo saltar uma identidade compartilhada entre os personagens, além do trabalho de produção que proporcionou a realização deste espetáculo. Sobre a mostra FACE, toda a programação pode ser acompanhada pela página do evento no Facebook do festival.

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“Os japoneses são, no mais alto grau, agressivos e amáveis, militaristas e estetas, insolentes e corteses, rígidos e maleáveis, submissos e rancorosos, leais e traiçoeiros, valentes e tímidos, conservadores e abertos aos novos costumes. Preocupam-se muito com o que os outros possam pensar de sua conduta, sendo também acometidos de sentimento de culpa quando os demais nada sabem do seu deslize.” Ruth Benedict em O Crisântemo e a Espada

A noite em que o Butô foi apresentado no Sesc Bauru não foi a primeira em que a cultura japonesa foi estranhada aos olhos ocidentais. A vala cultural que existe entre eles e nós está, a todo tempo, tentando ser decodificada na intenção de ser entrelaçada suficientemente bem para poder, enfim, serem conectadas. Porém, nossa cultura ocidental usa de ferramentas que muitas vezes parecem não traduzir os paradoxos que os orientais nos reservam.

A linguagem parece falhar e as perguntas brotam aos montes: afinal, o que é Butô?

“Se nem o próprio Kazuo ousou dizer o que é Butô, eu não sei dizer”, respondeu Key Sawao, dançarina e diretora, presente na noite do Sesc Bauru, no início de agosto de 2016, para o lançamento do livro Kazuo e Yoshito Ohno (Edições Sesc São Paulo, 2015, 284p.), do fotógrafo Emídio Luisi. Kazuo, a qual Key se refere, é Kazuo Ohno, uma das pessoas responsáveis a levar o Butô ao mundo.

Se quisermos tentar encaixá-lo dentro de um panorâmico artístico, Butô é uma expressão corporal difundida por artistas experimentais no pós-guerra japonês (Key ressalta que ele surgiu muitos anos antes dessa época). Em frouxas palavras, podemos tentar dizer que é uma dança, uma vanguarda que incorporou o zeitgeist na pele dos miseráveis artistas de sua época.

Kazuo Ohno, o homenageado da noite, era um desses artistas. Formado em dança contemporânea, seus caminhos foram tomando rumos artisticamente experimentais após conhecer o controverso coreografo Tatsumi Hijikata, ao final dos anos 50. Hijikata e Ohno começaram a formular as necessárias experiências com o Butô. Necessárias, pois o Japão passava por um momento frágil. A brecha que a bomba abriu permitiu que a cultura ocidental se infiltrasse no país colocando em cheque o papel do japonês em seu próprio território.

A professora Christiane Greiner, do Departamento de Linguagens do Corpo  (PUC-SP), explica no posfácio do livro de Emídio esse momento peculiar do Japão: “a luta pela sobrevivência era ainda tão intensa que, de maneira geral, inibia os pensamentos críticos e as reflexões”. Assim, era necessário fazer algo pelo Japão, algo que transcendesse a apatia generalizada. Coube a Ohno e Hijikata fazerem suas contribuições artísticas através do Butô como forma de resistência a este estado de exceção em que o país deles vivia.

Em 1959 a performance Kinjiki (Cores proibidas) inaugurou o Butô. Contando com a presença de Ohno e Hijikata, foi recebido pela plateia como ‘perigoso e nada artístico’.

Já na noite do Sesc, Key Sawao mostrou em sua dança intitulada “Muda” claras referências ao Butô. Porém, ela não pintou a cara de branco e muito menos estava despida – como geralmente os artistas do Butô fazem – mas há claros temas em sua performance que lembram os temas clássicos do Butô, por exemplo, a falsa dualidade da vida e a morte.

Sob ruídos, Key abriu o círculo de conversa sobre o lançamento do livro de Emídio com uma performance intimista ligada ao movimento do seu próprio corpo. Sozinha e com extrema delicadeza, Key foi lentamente descrevendo uma circunferência próxima aos pouquíssimos participantes da roda. Algumas vezes ela era suave e rodava em seu próprio eixo, erguendo as mãos, abaixando as pernas, olhando para um lado e para outro; cada parte do seu corpo parecia ter uma função misteriosa numa cena hora sinistra, hora sublime.

Dois jovens que saíam das quadras esportivas pararam por um tempo de longe, olharam e foram embora. Nada mudou. Parece que Key não precisava que nós estivéssemos ali em grande quantidade para que seu espetáculo solitário pudesse acontecer. Conta Emídio que, certa vez, Kazuo Ohno iniciou uma performance sozinho e sem plateia enfrente a um Haikai escrito em homenagem a uma companheira do grupo de dança de Takao Kusumo, o ser responsável por introduzir o Butô no Brasil.

Talvez seja coreografado antes, ou talvez não, mas tudo é espontâneo. Key deu aos poucos presentes da noite uma pequena amostra do que é isso, o Butô. Mesmo adaptado ao ocidente, mesmo aqui no Brasil, e aqui em Bauru, “Butô é isso, mutante”, disse Key.

Fragmento de “Muda”, por Key Sawao

Tão mutante é que não há um repertório a ser apresentado ao mundo, como explica professora Christiane Greiner em mais um comentário do livro. Portanto, uma afirmação em comum entre Key e a professora da PUC-SP é que Butô é metamorfose. Dessa forma, não é de se estranhar que Kazuo esteja sempre em processo de montagem nas fotos do livro. Assim, Emídio divide seu livro-homenagem em partes que sintetizam a obervação dessa transformação de Ohno ao entrar em palco.

No livro, os capítulos “Percurso Solitário” e “Presença na Ausência” são dedicados ao filho de Kazuo Ohno, Yoshito Ohno. Ohno filho é hoje o responsável em levar as lições de Butô ao mundo após a morte do seu pai, em 2010. Porém, nas fotos do livro percebe-se que Yoshito Ohno adaptou o Butô ao seu próprio método (a tal da metamorfose), saindo da sombra do seu pai e transformando-o em suas apresentações em um boneco manipulável – literalmente.

Mas há algo notável em Kazuo Ohno que parece se fazer pouco presente em Yoshito Ohno: arepresentação do feminino. Mas por que essa ligação tão forte entre Kazuo e o feminino? “Esse fato tem origem no início da carreira de Kazuo que, mais ou menos com 60 anos, sua maior referência fora a bailarina espanhola Antonia Mercé”, diz Emídio. Complementarmente, Key conta sobre outras performances que ainda estão tão jovens quando Kazuo era quando também começou a sua carreira no Butô. 60 anos. Todos jovens, de acordo com Key.

Fragmento de “Dead Sea”, uma das mais famosas apresentações de Kazuo Ohno

Nos momentos finais, Emídio traz detalhes de sua relação com Kazuo Ohno. Emídio, que é formado em Matemática, conta que seu irmão, um artista plástico, ajudou-o na sua inserção ao mundo das Artes. Então, um dia lá estava ele, meio que sem querer – ou por algum motivo que ele prefere não chamar de coincidência – tendo o primeiro contato com Kazuo Ohno. Eles tiveram contato nas 3 vezes em que Kazuo esteve em turnê no Brasil, mas sem trocar uma palavra sequer. Mas “contato” não é bem a palavra que pode descrever precisamente o que eles tiveram, pois, para Emídio, havia uma cumplicidade entre os dois ao ponto de se encontrarem em um determinado lugar sem combinar anteriormente. O autor se emociona ao contar essa história que, para ele, não há nada místico, é somente a vida, “é explicar algo que não dá para explicar”.

Ao final da noite que, cronometradamente, durou menos de 60 minutos, talvez não tenha ficado claro o que é Butô entre outros pormenores dessa arte. Mas mais uma vez, um pedaço da ponte cultural foi construída ao modo oriental – sem necessidade de muitas palavras.

O post Experiências com o Butô no Sesc Bauru revelam um mundo rítmico de interpretações múltiplas apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.