Gabriel Diaz

Found Heaven, de 2024, representou uma incursão audaciosa de Conan Gray pelos sintetizadores brilhantes e pela nostalgia new wave. Em contraponto direto do seu último trabalho, Wishbone assume o regresso deliberado e consciente às suas raízes confessionais. Mais do que um mero exercício de estilo, o novo disco é uma escavação emocional profunda na qual Conan troca as luzes de discoteca pela exposição crua. Se o predecessor soava como uma fuga para os anos 80, o quarto álbum de estúdio emerge como um diário íntimo, escrito na solidão dos quartos de hotel durante digressões – a ‘trilha sonora absurdamente nichada’ da sua própria vida, nas palavras do artista.

O cantor oferece ao ouvinte um mergulho profundo e sem disfarces em tudo o que gira em torno do amor. Com uma paciência quase cirúrgica, ele detalha cada etapa de um relacionamento, desde a paixão inicial até os momentos de incerteza sobre um coração em pedaços. Mas, o artista não se prende apenas a declarações melancólicas; ele vai além, buscando respostas para perguntas ainda não respondidas. Seja sobre aquela paixão que nunca o colocou como prioridade ou sobre aquela pessoa egoísta que abandonou suas angústias, mesmo tendo prometido que elas seriam suas também.

Actor inaugura o álbum com uma vulnerabilidade crua, onde os arranjos mínimos de violão gradualmente dão lugar a cordas dramáticas, espelhando a intensidade emocional da narrativa – a qual ressalta a autenticidade própria diante de situações indesejadas, relembrando algumas particularidades de seu debut, Kid Crow. Vodka Cranberry é o ápice máximo do disco e explode em clímax catártico, com a, agora, famosa nota alta que funciona como grito de libertação em trechos como “Se você não quiser terminar as coisas / Eu mesmo irei”. Em contraponto disso, This Song captura a doçura ingênua do amor nascente através de melodias que flutuam levemente e revela um lado mais otimista de Conan num futuro próspero.

Acompanhando a faixa, destaca-se o seu videoclipe que constitui uma peça cinematográfica autônoma sobre a formação identitária juvenil. Através de uma linguagem visual que remete ao cinema coming-of-age, com planos sequência elaborados e uma paleta de cores saturadas que evocam nostalgia estetizada, a narrativa visual constrói uma representação sensível do amor queer. A câmera intimista acompanha a jornada estival de Wilson e Brando, capturando com delicadeza os pequenos gestos e olhares que compõem a cartografia afetiva de dois jovens se descobrindo e se apaixonando.

Romeo se destaca pela sua atitude mordaz e guitarras incisivas, oferecendo um contraponto necessário de empoderamento pós-término. Em My World, Conan entrega talvez sua letra mais afiada, criticando ironicamente performances de masculinidade tóxica sobre uma base musical aparentemente descontraída, apesar de uma sonoridade enjoativa. Class Clown revela camadas de vulnerabilidade escondidas sob uma melodia aparentemente simples, expondo como o trauma infantil molda relações adultas.

A tríade Caramel, Connell e Sunset Tower forma o núcleo emocional. Caramel se destaca pela produção impecável que constrói gradualmente até um clímax de guitarra distorcida, capturando a paradoxal doçura amarga da nostalgia tóxica. Connell mergulha na autodepreciação mais sombria com uma harmonia enganadoramente suave, enquanto Sunset Tower joga com a negação afetiva através de um refrão hipnótico e repetitivo. As faixas finais não decepcionam: Eleven Eleven tece superstições e numerologia numa tapeçaria de esperança desesperada, e Care encerra o álbum com majestade contida, sua construção lenta culminando em vocais quase gospel que fornecem o fecho comovente e perfeito para esta jornada.

Sob uma abordagem técnica, a produção do álbum é um estudo de minimalismo estratégico. O retorno do produtor executivo Dan Nigro é significativo: as músicas são tecidas com violões acústicos, cordas doloridas e batidas que imitam batimentos cardíacos ansiosos. O projeto explora as diversas formas de encarar um relacionamento, seja com raiva, angústia ou nostalgia, unindo todas essas camadas emocionais à delicadeza poética de um vocal calmo e sutil. A mistura de pop-rock que embala o trabalho se assemelha às perturbações mentais da vida do próprio Conan, que, mais uma vez, se vê tendo que elaborar uma separação.

A jornada narrativa de Wishbone é a sua espinha dorsal. Talvez este seja seu disco mais pessoal, e mesmo carregando o rótulo de artista que sempre relatou sentimentos, desta vez as músicas soam menos como faixas para serem ouvidas e mais como páginas de um diário que guarda segredos sensíveis. Nesse contexto, o trio de videoclipes levanta uma questão crucial: seria toda a produção um ciclo virtuoso sobre o amor ou apenas um compilado de dores não correspondidas e insuperáveis? Conan parece explicar meticulosamente todas as consequências de amar alguém a partir do descontrole – da euforia inicial aos pensamentos mutáveis que assombram a mente com o rosto de quem já foi familiar.

Talvez, a evolução lírica de Conan Gray seja o aspecto mais marcante. Ele evita clichês fáceis, optando por imagens visceralmente específicas. Nauseous explica isso perfeitamente na constituição do momento mais lírico do álbum, com sua descrição física e intrínseca da ansiedade amorosa que evita estereótipos com maestria – os sons de piano abafados pelo vocal do cantor remetem ao seu trauma de abandono à medida que a música se segue.  

Na composição, ele canta “O teu amor é uma ameaça e estou nauseado / Assusta-me até à morte como o quero“, capturando a dualidade do desejo e do medo. Essa pessoa pode ter seguido em frente, vivido outras coisas longe de sua presença, mas ele ainda permanece preso naqueles dias em que os sonhos ainda não haviam se tornado pesadelos. No entanto, há um risco inerente nesta abordagem: a especificidade excessiva pode, por vezes, limitar a universalidade das emoções.

O contexto histórico da carreira de Conan Gray é crucial para entender Wishbone. Após o sucesso estrondoso de Heather, que se tornou um hino da nova geração, o cantor se solidificou como um cronista dos amores não correspondidos. Pelo jeito, ser amigo próximo de Olivia Rodrigo não lhe proporciona apenas boas risadas, mas também um conhecimento devastador sobre amores passados – formando uma dupla artisticamente afinada para descrever, com crueza, o que é se sentir insuficiente. Quanto aos boatos de que o álbum seria secretamente dedicado ao ator Kit Connor, as coincidências podem até existir, mas a maturidade do cantor parece desmentir essa ligação.

É possível dizer que o disco é uma experiência catártica. A obra transcende a mera especulação biográfica para tocar em uma universalidade mais sombria: a do amor como um ato de fé num mundo secularizado, um risco soberano do coração que, ao se entregar, assina um pacto não escrito com a própria possibilidade da dor. A maturidade de Conan compreende que a verdadeira tragédia do amor não está em para quem se canta, e sim no abismo intransponível entre duas subjetividades. Manter um relacionamento sob tais condições é sempre, em alguma medida, irreal. O que resta, então, é a Arte: monumento solene erguido não sobre os escombros de um affair, mas sobre a profunda e humana solidão de quem ousou amar.

Em síntese, Wishbone não é um álbum sobre um coração partido; é sobre a anatomia desse coração – cada veia, cada cicatriz, cada pulsão de memória. Conan Gray se elevou além do pop convencional para criar uma obra que é tanto pessoal quanto universal, um testemunho do poder do storytelling na música contemporânea. Se Found Heaven foi um experimento sonoro, o lançamento é a consolidação de uma voz artística que recusa ser categorizada. Nesta sincronia entre o singular e o plural, entre a vulnerabilidade confessional e a resiliência musical, o artista originário do YouTube não apenas entrega seu trabalho mais coerente e profundo, mas estabelece um novo paradigma para a narrativa contemporânea: a que reconhece que a maior revolução possível é, ainda, a coragem de sentir.

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Guilherme Veiga

“Eu sou a artista favorita do seu artista favorito. Eu sou a garota dos sonhos da sua garota dos sonhos”. Foram com essas palavras que Chappell Roan se apresentou ao mundo, ‘de supetão’ mesmo. E nada mais justo. Hoje, o pop se mostra um gênero extremamente cruel, onde se consolidar nele é como lutar por sobrevivência na savana africana. E não foi só com sua personalidade, mas também com seu disco de estreia, The Rise and Fall of a Midwest Princess, que a intérprete chegou para impor seu lugar e permanecer no estilo.

Ser uma estrela pop assumiu por muito tempo uma literalidade cósmica. Assim como um meteoro, alguém simplesmente surgia, podendo seu brilho permanecer pela eternidade, como Madonna, ou simplesmente se apagar, caso de Rebecca Black. Com Roan é diferente. Ela vem da mesma seara que Olivia Rodrigo e Benson Boone, que tiveram as redes sociais – principalmente o Tik Tok – não só para se impulsionarem, como também para documentarem a ascensão, a mesma que a cantora vive atualmente.

The Rise and Fall of a Midwest Princess serve para registrar não só o crescimento da Chappell Roan como também o amadurecimento de Kayleigh Rose Amstutz, a pessoa por trás de toda essa maquiagem carregada. Natural de Willard, Missouri, o álbum é a definição musical de um coming of age, onde a intérprete transita entre a vontade de conquistar novos horizontes, contrabalanceando com o pertencimento em sua terra natal, pequena demais para ela, mas gigante em significado.

Aliado à saída das amarras do interior, Roan consegue incorporar na temática seu descobrimento queer. Deixar o Missouri para trás também significou trazer quem realmente é para o controle de si própria. Se, antes, ela cresceu achando que ser gay era pecado, hoje, ela não tem medo de ir pro inferno e faz das boates LGBTQIAPN+ o templo de adoração para seu culto.

Tudo é muito superlativo no disco, desde a temática lésbica escancarada, passando pelas referências típicas da geração Z até a comédia extremamente ácida, que, aliada aos tópicos anteriores, formam uma farofa gourmet com um gosto delicioso, dessa vez, para os ouvidos. O conjunto de exageros se catalisa perfeitamente em Femininomenon, abertura do registro que funciona como um teste para o que vem a seguir. A faixa é um amálgama de referências sonoras, iniciando com uma melodia de cordas e nos levando até uma moto a lá Rosalía no pré-refrão, que evidenciam a forma como a produção vai trabalhar e brincar com suas referências ao longo dos 49 minutos. Se você sobreviver à efervescência da música, o resto é um deleite.

Chappell Roan tem Dan Nigro como parceiro de produção, o mesmo responsável por catapultar Olivia Rodrigo. Por isso, as duas, além de amigas, se assemelham em obra ao trazer a irreverência e teatralidade para suas músicas, além de fórmulas musicais que se conversam. Porém, enquanto Rodrigo foca na raiva para lidar com suas desilusões e questionamentos, Roan prefere simplesmente vivê-las de todas as formas possíveis, pois é a primeira vez que ela se permite a isso.

Dessa forma, The Rise and Fall of a Midwest Princess sabe construir um caminho de sensações ao longo do play, nos guiando seja por estilo ou por sentimento. Mergulhando fundo no pop, o disco vai da house music da cena drag aos hinos de líderes de torcida para entregar as excelentes Red Wine Supernova, HOT TO GO! e Super Graphic Ultra Modern Girl, que não tem medo nenhum da futilidade e são planejadas, justamente, para fomentar a euforia de se descobrir uma nova voz e personalidade como a de Roan.

Mas a artista, debutando nos seus tardios 25 anos, já conhece as montanhas-russas da vida e as transportam para o álbum, intercalando o pop dançante com as baladas ultra melodramáticas. Coffee e Casual são um primor técnico que constroem uma base melódica para que o poderio vocal da intérprete seja reverberado e sua dor seja sentida, fazendo com que, por mais ousados que sejam seus versos, eles se transformem em uma lamentação.

O cerne do disco se encontra na dualidade vivida pela cantora e como ela transporta isso para sua vivência. O registro é sobre conquistar seu espaço, mas realmente não achar que o mereça, já que houve uma vida na qual a artista foi desacreditada sobre quem era e os locais em que pertencia. Tanto que seu hit inaugural, Pink Pony Club, lançado no longínquo 2020, aborda a mesma temática de Californa, a mudança de estado e de vida. Porém, Roan atribui perspectivas completamente diferentes e quase que antagônicas para cada faixa.

Por isso, The Rise and Fall of a Midwest Princess cresce é na incerteza, no meio termo entre céu e inferno. É contagiante ao mesmo tempo que depressivo; é cunt e também é cult; cidade grande e interior; são sonhos que se erguem enquanto outros se desmoronam e é o vinho tinto e o café. A única certeza que se tem é que estamos diante de uma nova era para o pop, capitaneada por literalmente um ‘femininômeno’ gigante demais para caber em rótulos e que, após ser forçada a se encaixar neles, se rebela para criar seus próprios.

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Guilherme Machado Leal

Um artista, ao lançar o seu primeiro álbum de estúdio, possui a difícil tarefa de se superar no trabalho seguinte. Isso porque a mídia, quando encontra alguém novo na indústria, tende a se perguntar ‘será ele(a) one hit wonder?’ ou afirmar ‘o sucesso dele(a) é passageiro’. Nesse sentido, exceções mais recentes – como o Future Nostalgia, de Dua Lipa, e o Vício Inerente, de Marina Sena –, são bons exemplos de que um cantor pode ampliar a bagagem de mundo do fã que o acompanha. O ano de 2021, por esse lado, foi um divisor de águas para Olivia Rodrigo; ao mesmo tempo em que a colocou no estrelato, também testemunhou o seu íntimo, a levando para outro patamar. 

Quando lançou o SOUR, o seu primeiro ‘filho’, a ex-Disney deu voz às inseguranças que assolam os adolescentes. Coração partido, sentimento de inveja e a desconexão com o mundo que os cerca foram temas abordados no seu lado azedo. Agora, dois anos depois, ela retorna ainda mais autêntica e ‘segura com o seu taco’ com GUTS. Entendendo que a sua unicidade é um porto-seguro para que os jovens se sintam à vontade de expressar as emoções mais excêntricas, o período de transição entre o Ensino Médio e a vida adulta consegue ser compreendido de uma forma menos dolorosa através da Arte. 

Interessada em polissemias tanto na composição de suas letras – a exemplo do duplo sentido na faixa get him back! –, quanto no título do álbum, Rodrigo traz em seu segundo trabalho uma maior maturidade lírica. É verdade que, em um primeiro momento, a semelhança entre os dois discos tenha deixado alguns fãs receosos, já que ambos possuem uma capa de cor roxa com a cantora apresentando o nome do projeto. No entanto, mais que uma extensão de seus devaneios anteriores, GUTS é o amadurecimento e o atestado de que a artista veio para ficar.

A faixa de abertura sintetiza o lugar em que a jovem está: tipicamente perfeita, ela admite ao seu público que também possui raiva e se descontenta com a pressão que o seu pequeno, mas já estrondoso legado, carrega. Em all-american bitch, as influências de rock são construídas com o decorrer da canção, dando o tom de como será a viagem pelos 19 anos da artista. Utilizando um trecho da música Pretty When You Cry de Lana Del Rey, sua sinceridade nunca foi tão relacionável. Por se encaixar nos padrões de beleza, ela não deve se queixar de suas inseguranças, mas quem disse que Olivia Rodrigo liga para o que você pensa?

Como conhecido pelo público, a trajetória da artista foi marcada pelo seu passado na Disney. Outras cantoras, como Demi Lovato, Miley Cyrus e Selena Gomez também cresceram sob os holofotes da mídia e tiveram dificuldades ao desvencilhar a imagem de modelo para assumirem suas personalidades reais. Entretanto, o que diferencia a voz de deja vu de suas veteranas é que o caminho está livre. Por esse lado, ao cantar em bad idea right? que tropeçou e caiu na cama de seu ex, Olivia Rodrigo se conecta com o seu público justamente por ser uma garota falando – sem qualquer tipo de eufemismo – sobre recaídas amorosas. 

Uma das maiores comprovações de sua honestidade é a forma como a vida pessoal da compositora se entrelaça à Arte que produz. Para um escritor, experiências de vida possuem um significado a mais: são elas que transformam uma simples curiosidade em belas palavras. Amante do conhecimento, Olivia Rodrigo fez aulas de poesia na faculdade, que deram origem a um poema chamado lacy. Sendo a música mais criativa do segundo álbum, ela se encanta com uma figura feminina na mesma proporção em que à inveja. Assim, é perceptível o desenvolvimento artístico da cantora ao se mostrar capaz de vestir uma capa que não a pertence, apenas para brincar com palavras, como a boa compositora que é.

Em GUTS, a artista decidiu tirar tudo menos o rock. Com o uso de guitarras e sonoridades que remetem ao gênero musical, ela conversa sobre ser desajustada socialmente, algo que passa pela cabeça de qualquer pessoa nos anos universitários. Aliás, é válido reconhecer a capacidade de identificação que a cantora traz em seus versos. Por exemplo, na faixa ballad of a homeschooled girl, Rodrigo subverte a imagem agradável que passa ao afirmar que é uma vergonha social. Quando canta, “A festa acabou e eu não sou divertida” e “Toda vez que eu boto o pé pra fora de casa é suicídio social”, o primeiro pensamento que vem à mente é: ‘ela é tão eu!’. 

Fã de carteirinha das produções do local em que trabalhou a adolescência inteira, não é coincidência ouvir as canções desse projeto e se lembrar imediatamente de filmes teens dos anos 2000. No melhor estilo Anna Coleman, de Sexta-Feira Muito Louca, os instrumentos escolhidos para o segundo capítulo da cantora, – como as baterias na deliciosa love is embarrassing –, evidenciam a imagem que ela quer passar: nem muito pop ou ‘rockeira’ demais, sem se colocar em gavetas sonoras, experimentando o que a sua paixão pela Música tem a acrescentar em sua Arte.

No seu álbum de estreia, as baladas românticas chamaram atenção pela intensidade lírica de uma jovem de apenas 17 anos. A partir das composições francas que deram a identidade do SOUR, ficou claro que a característica principal da artista era falar sobre o término de uma relação ‘sem papas na língua’. No entanto, quando se trata do lado mais emocionante do GUTS, o efeito não é o mesmo: aqui, as canções se tornam repetições de assuntos já abordados. Como em logical, que se assemelha a uma continuação de enough for you. Além disso, não há um refrão marcante, ou uma ponte que tenha, ao menos, o impacto de drivers license. 

Aliás, a canção, que colocou os olhos do mundo para o que Rodrigo tinha a dizer, segue como um dos pontos altos de sua carreira. Não à toa o maior sucesso do projeto, em números de streamings, é vampire, o carro-chefe da nova era. Remetendo à sensação que tivemos com a carteira de motorista da cantora, o lead-single de forma alguma representa a história que ela quer contar, mas é um lugar seguro para aqueles que admiravam os fortes versos proferidos pelo lado mais intimista do seu primogênito.

Ao repetir a parceria com Dan Nigro, produtor e co-compositor dos trabalhos de Olivia Rodrigo, a aclamação é garantida. Na faixa de encerramento do álbum, somos transportados para o maior medo de todos que estão nos anos iniciais da faculdade: a pressão de se tornar um adulto excepcional. O sonho adolescente, aquele dito pela primeira vez em brutal, possui agora uma conclusão. Ela está se encaminhando para crescer, e nós sabemos o quanto isso dói. Não deveria, mas a intérprete se desculpa por não ser o modelo perfeito a ser seguido.

Esse é o ponto que confere particularidade ao seu trabalho: a chance de errar. Fazer tempestade em copo d’água? Sim. Se entregar a um amor que não aproveitará as suas potencialidades? Também. Não pensar antes de se apaixonar por alguém e escrever um álbum inteiro sobre isso? Opa! Tudo isso a coloca ainda mais em um lugar de conforto para quem vive cada uma dessas coisas, porque esse é um dos papéis da Arte, colocar em versos o que sentimos sem medo do julgamento alheio. E a artista parece fazer isso com maestria.

À essa altura, questionar o talento de Olivia Rodrigo no quesito composição se tornou incompreensível. Você pode não gostar, pode até espernear, mas é inegável que a conversa em torno do que ela tem a dizer é, no mínimo, curiosa. Isso se dá pela autenticidade de seus sentimentos que, ao serem gritados a plenos pulmões por uma multidão, ganham força para lidar com os anos futuros. Ela não reinventou a roda, pelo contrário, reconhece as suas influências e, a partir delas, cria a sua própria visão de mundo. 

“Eu vou assoprar as velas, feliz aniversário para mim/Tem toda sua vida pela frente, você só tem dezenove anos/Mas temo que eles já tenham todas as melhores partes de mim/E sinto muito por não conseguir ser seu sonho adolescente para sempre”

Típico dessa época da vida, a forma como a ‘MC Detran’ – para os mais próximos –, se expressa é impossível de prever. Se ela olhará para tudo que construiu até aqui e terá vergonha, não sabemos. No momento, o agradecimento pelo que já foi feito é o que fica, por não ter medo de expor ao mundo os seus pensamentos mais intrusivos acerca das convenções sociais em que nós jovens somos colocados e fazer com que colocar uma lupa no imaginário da juventude seja tão libertador. É por isso que escutamos a sua música. 

Após 39 minutos e exatos 18 segundos, a viagem pelos 19 anos de Olivia Rodrigo foi prazerosa. A história que contou teve início, meio e fim. Ao vomitar toda a sua raiva – tradução mais literal possível do que significa a expressão Spill Your Guts –, a cantora pode, finalmente, se desapegar do medo de não ser boa o suficiente. As pessoas ainda querem saber o que ela tem a dizer, e mais: querem cantar ao lado dela sobre as frustrações que a vida adulta e amorosa carregam. A juventude contemporânea está a salvo, porque tem nela um ser humano, com qualidades e defeitos, e não um modelo a ser seguido.

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Vitor Evangelista

Não há nada mais lucrativo que um coração partido, e Olivia Rodrigo sabe muito bem disso. Ninguém poderia prever o sucesso de drivers license, um desafogo sincero e genuíno sobre seu término. Nos tempos em que sair de casa não é uma opção, a canção virou trilha sonora de qualquer desavença sentimental, propiciando à jovem americana uma porrada de recordes quebrados. Poucos meses depois de contar ao mundo todo o status de sua carteira de motorista, Rodrigo retorna com 11 canções que potencializam o momento mais frágil, difícil e azedo de sua vida.

A prosa de SOUR é simples: por quase trinta e cinco minutos, tomam forma os relatos de uma pessoa viciada em controle mas que perdeu qualquer senso de direção cultivado até então. Sua adolescência foi marcada pela dúvida, ela canta em uma das 3 músicas que formam a trinca de ouro do trabalho: “Eu usava maquiagem quando namorávamos/Porque pensava que você iria gostar mais de mim/Se eu parecesse com as outras rainhas de formatura/Que eu sei que você amou antes”, se referindo aos traços de sua descendência filipina.

Por mais que as emoções da garota tenham se misturado no liquidificador que comanda seu coração, SOUR prevalece uma narrativa de imparidade. O discurso de comparar Rodrigo ao lirismo de Taylor Swift ou Lorde é cansativo, mas é possível idealizar uma linha de semelhança muito covalente: essas são três compositoras que encontram verdade em descobrir ecos de si mesmas nas canções a que dão vida. A abertura com brutal tem pouco fôlego comparada a entradas mais potentes do disco, mas a batida pop rock conquista não só pela finesse da nostalgia, mas também por repetir os jargões que solidificam a tal geração Z: ninguém se sente estável.

Instabilidade presente no corpo e na alma do LP, que não traça mapas simplórios do luto pela morte de um amor. Olivia Rodrigo usa a produção de Dan Nigro, responsável pelos trabalhos de Conan Gray, para eletrocutar o cenário da Música e também o de si mesma. SOUR revela o vício de Olivia em não procurar terreno firme, seja para superar a rapidez com que foi esquecida ou para endereçar as cartas aos buracos nas asas de borboletas. As metáforas carregadas perdem o rumo ora ou outra, mas a recriação de invólucros temporais precisos é o que cutuca a simpatia pelo trabalho. É impossível se sentir apático frente aos testemunhos da cantora, estamos torcendo por ela, mesmo que involuntariamente.

As letras do CD intercalam o macro (soando difusas) e o micro (favorite crime, destaque máximo e quando Rodrigo se alça às nuvens). Uma carteira de motorista movimentou o mundo por algumas semanas, logo substituída pela ideia de assistir as reprises de Glee. jealousy, jealousy é óbvia ao descrever um dos Sete Pecados Capitais, ao passo que happier usa do comum para revelar uma faceta muito mais malévola do sentimento, retificando a verdade que sai da garganta da artista, que rasga o véu entre sua geração e qualquer pessoa mais velha que ouça e se relacione com a obra. É a ponte entre dois mundos, conectada pelo pé-na-bunda, pelo fora e pela dor de cotovelo.

A gourmetização do coração estraçalhado não é uma caça ao tesouro ou um mapa detalhado do coração da garota. SOUR está mais perto de ser uma lista de equações que procuram o momento exato em que ela deixou a armadura cair. E essa autocobrança persiste: “Eu sabia desde o começo que era assim que você iria embora” é o desabafo e a linha mais forte do trabalho, mostrando que muitos dos sentimentos cantados nasceram antes do namoro, mas foram potencializados pelo término. 

Nessa toada, Olivia Rodrigo escreve a si mesma como a protagonista da própria história, falando sobre ela, o que sente, fez e o que deixou de fazer. As canções que se focam na figura do ‘ele’, ou, nesse caso, nas diversas variações de you, são constatações projetadas. Ele a traiu, ele a deixou de lado, mas é o que ela quem pensa e isso já é o bastante. Olivia entende quem a colocou nessa situação (e a resposta está refletida no espelho). Com essa leitura, fica claro que SOUR é um disco sobre os reflexos de alguém na jovem, as marcas e cicatrizes de uma ação recebida, abrindo margem para que, no futuro, conheçamos Olivia Rodrigo para além do coração partido e do fantasma de Joshua Bassett.

Ao longo dos curtos quase quarenta minutos, existe até uma aversão da artista em repetir os direcionamentos raivosos. É só reparar na estilização das faixas, que não usam o padrão correto da palavra ‘you’: good 4 u abraça o frenesi da fonética numérica, enquanto Rodrigo homenageia Garota Infernal, bota fogo nas tralhas e ainda chama Joshua de sociopata, sem esconder o prazer de expurgar esse sentimento. A MVP enough for you, marcando a única vez em que Olivia obedece o dicionário, é a composição mais dolorosa de SOUR (“Porque tudo que eu queria era ser suficiente, mas eu acho que nada poderá ser suficiente para você”). 

A terceira referência ao ‘você’ vem na conclusão, com a amistosa e fantasiosa hope ur ok, que concilia a última das fases do luto. Sem repetir os diversos vocês que compõem SOUR, Olivia Rodrigo quer que foquemos nela. Ela, também, não deixa o processo de encarar o fim de um namoro com base no estudo de passagem do luto acontecer apenas uma vez, com pinceladas em quase todas as canções, e também pela escolha nada linear ou conclusiva da ordem delas. 

1 step forward, 3 steps back grita barganha, e, de quebra, usando a interpolação de New Year’s Day, fechamento do arisco reputation de Taylor Swift (madrinha de Olivia), a jovem admite a neurose de viver enclausurada em uma bomba de instabilidade. “E talvez de alguma forma masoquista/Eu meio que acho tudo isso emocionante/Tipo, que amante eu terei hoje?/Você vai me acompanhar até a porta ou vai me mandar para casa chorando?”, ela confidencia, acompanhada do piano gélido que mascara a índole do momento. SOUR não recria os instantes felizes que o casal viveu, deixando a cargo das memórias, por vezes metafóricas (drivers license), por vezes literais (a adocicada deja vu), o trabalho de montar o quebra-cabeças do pré, do antes, das promessas e do ‘e se?’.

O ‘e se?’ morreu. O relacionamento de Olivia Rodrigo morreu. Mas, no doloroso processo de coletar os cacos e se proteger do hostil mundo real, nasceu um disco bem resolvido, maluco, instável e viciado em nos fazer sofrer, independente de não sabermos dirigir, não assistirmos Glee ou não vermos nosso namorado de rolo com uma loira um tiquinho mais velha que a gente. A pisciana de 18 anos teve esse alcance: criando lembranças falsas na cabeça de qualquer ouvinte de SOUR, sua dor passou de individual para a experiência mais coletiva possível. O futuro não pode ser pior do que acabou de acontecer, e, agora no banco do motorista, uma curada Olivia Rodrigo pode nos mostrar o que vem depois de provar do azedo. 

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