Ana Júlia Trevisan

Agosto de 2012, Citibank Hall, São Paulo. Luzes apagadas, músicos subindo ao palco, plateia extasiada. Em seguida vem ela, Maria Rita, grávida de 7 meses, usando roupa branca e carregando a missão de eternizar a memória de sua mãe. A caminhada da coxia até o palco é silenciosa. Não há holofotes ou um grande tapete vermelho para a cantora. Peça essencial do espetáculo, a artista interage de maneira íntima com o mecanismo da banda, deixando explícito que a verdadeira estrela da noite é a única e onipotente Elis Regina. A chegada ao microfone é marcada por uma respiração funda, um frio na espinha e os acordes de um potente piano. Nesse momento a sensação é uniforme, podemos sentir um caloroso abraço: mãe e filha se reencontram.

Intitulado de Redescobrir, o projeto, que colocou Maria Rita como intérprete do repertório de Elis Regina, após dez anos de carreira, começou a ser preparado no final de 2011. Inicialmente, a homenagem contaria apenas com cinco shows gratuitos, patrocinados pela Nívea, e receberia o nome de Viva Elis. O intuito era honrar a memória de uma das maiores cantoras do país no começo de 2012, marcado pelos 30 anos de sua morte. Entrega e sucesso imensos, um mar de gente se concentrava nas capitais brasileiras para fazer parte do emocionante reencontro entre mãe e filha, levando ao rebatizamento do projeto e a turnê registrada em CD e DVD, que prosseguiu até meados de 2013.

Piano, baixo, guitarra, bateria e voz se mesclaram em perfeita harmonia para intensificar o espetáculo e exercer a tarefa que sempre foi fácil para Maria Rita: emocionar. “Ai que bom é ver vocês” entoa a cantora nos primeiros segundos de palco. A abertura com Imagem, música que Elis interpretava nos tempos do Fino da Bossa, na Record, aproxima a filha ao público, expressando sua gratidão. Então, em um momento extasiante, a voz da mãe sai do microfone em um breve discurso, enquanto Maria se afasta para trás do pedestal, que permanece iluminado ao passo em que a Pimentinha assume sua presença em Redescobrir. Em sequência, a artista embala Arrastão, o primeiro grande sucesso da mãe.

A intensidade de cada segundo revela que o maior objetivo da cantora é homenagear Elis e seus fãs. Onipresente no palco, Maria não toma o show para si em momento algum. Sua roupa branca feita pelo fiel figurinista Fause Haten, o palco planejado por Helio Eichbauer e a iluminação milimetricamente pensada por Maneco Quinderé ilustram a intenção primária de destacar a progenitora. Filha da primeira pessoa a inscrever sua voz como instrumento na Ordem dos Músicos, a intérprete segue os passos maternos, entrelaçando voz aos demais equipamentos da banda. Integrada à sua orquestra, a potência da filha brilha, mas a estrela maior é a mãe. Maria Rita afirma ser herdeira de um talento inigualável, trazendo Elis no timbre, nos arranjos e nas interpretações. 

É Como Nossos Pais, terceira faixa do álbum e mais importante no repertório de Elis, que causa o maior choque emocional. Solene, tributário e irreverente, a composição de Belchior, pela voz de Maria, desata o nó do estômago, ainda fazendo com que irremediáveis lágrimas surjam se manifestem. Nesse instante, toda a militância de Elis, que a consagra como grande cantora, é posta à mesa e prova que a luta por uma pátria livre de seus carrascos ditadores está em sua genética. A partir daqui, Redescobrir deixa de ser apenas uma filha cantando para sua mãe e se torna algo maior: Maria passa também a cantar sobre seus ídolos e sobre as fibras que ligam a si própria ao cordão umbilical. 

A canção tão importante para a Música Popular Brasileira, representante de um grito de resistência durante o tenebroso período da história nacional, expõe o desafio que vai além de entoar as canções da mãe, o de embarcar em uma das maiores discografias do Brasil. Enfrentar o calibre do repertório já cantado por Elis é um desafio para qualquer pessoa que vive de música. E, ao longo de 28 faixas, Maria Rita prova ser a pessoa mais capacitada para dominá-las.

O fato da cantora estar muito bem acompanhada em cima do palco eleva a potência da produção musical, refrescando a sonoridade matriz ao mesmo tempo que em ousa inovar em percussões. Existe uma vivacidade nas regravações e nos arranjos criados coletivamente durante os ensaios, que não deixam de remeter ao cânone. São interpretações novas, originais e que referenciam as gravações clássicas, deixando a marca de cada músico nesses arranjos e o respeito ao repertório, assim classificando o projeto como uma vigorosa homenagem e não como um musical com as canções de Elis.

Os dez anos que separam o primeiro disco de Maria Rita e o Redescobrir colocou a cantora em um patamar que a consagra como uma das vozes mais prestigiadas de sua geração. Mas, ao mesmo tempo em que a artista conquistava seu espaço, seja na MPB ou no samba, por mérito próprio, os urubus da mídia insistiam em rivalizar mãe e filha por meio de comparações descabidas.

É mantendo a discografia de Elis intocada por uma década que Maria torna todo o projeto mais intenso e sensível. Não era apenas uma homenagem. Não era apenas duas gigantes no palco. Eram todas essas variantes, acarretadas à volta de Elis para a vida de Maria. Não há adjetivo capaz de descrever a grandeza alcançada pela cantora toda noite em que ela entrava em cena, em frente a enorme expectativa de um grande público, e dava a cara ao desafio de cantar sem sucumbir ao peso e emoção que a cercava.

Homenageando a mãe, Maria Rita ainda encontra espaço para honrar outros grandes nomes da MPB lançados por Elis. Dividindo seu primeiro trabalho ao vivo em dois discos com 14 faixas, extremamente preocupado com a qualidade, memória da homenageada e encadeamento de notas, o show passeia por compositores marcantes e cantores que inspiraram a carreira da progenitora. Para unir grandes nomes como Milton Nascimento, Chico Buarque, Gilberto Gil, Rita Lee, Belchior, Adoniran Barbosa, Tom Jobim e Ivan Lins, a saída foi criar blocos temáticos, em que as faixas sentimentalmente se mesclavam a cantar a história daquela mulher.

Após lidar com a tão aguardada Como Nossos Pais, o roteiro do espetáculo é sequenciado por Vida de Bailarina, Bolero de Satã e Águas de Março para falar de ídolos da adolescência da mãe que, depois, tornaram-se parceiros dela. Mas a emoção vem mesmo à tona no bloco político. Nele, o choro regurgita o destemido trabalho que Elis fez em cantar um Brasil que sonhava em se ver livre das boçais garras de seus tiranos. Querelas do Brasil, O Bêbado e a Equilibrista, Menino e Onze fitas são as canções escolhidas para estampar o repertório setentista da maior cantora do país, ainda reverenciando os corajosos compositores que, com suas letras, ajudaram a dinamitar a ditadura.

A ode a Milton Nascimento vem através de Menino, Morro Velho e se encerra na dobradinha O Que Foi Feito Devera (De Vera) e Maria Maria. São nesses momentos que, além de falar sobre a cantora e a mãe, Maria Rita se emociona ao apresentar a amiga, se enchendo de orgulho em contar sobre o recíproco amor entre Elis e Milton. O intimismo quase místico pelo qual a interpretação de Morro Velho é carregada, mais uma vez comprova o absurdo talento daquela cantora em cima do palco, lutando com as emoções e homenageando sua inspiração maior. Tudo se complementa perfeitamente quando o caloroso público explode na última canção, reiterando que “é preciso ter força, é preciso ter raça, é preciso ter gana, sempre”. 

Para além da emoção que essa viagem proporciona, o que não falta em Redescobrir é uma técnica muito precisa para traduzir cada canção. Em Ladeira da Preguiça, Agora Tá e Aprendendo a Jogar, Maria Rita se mostra solta, interagindo com a banda enquanto brinca com a própria voz. Na sedutora Tatuagem, a artista se imerge na interpretação esbanjando sensualidade, transparecendo seus desejos femininos e, principalmente, provando que se identifica com o repertório que está sendo apresentado, fazendo com que a paixão do público pela mãe encontre a magistralidade da filha.

O clímax de Redescobrir é atingido pela sequência Essa Mulher e Se Eu Quiser Falar com Deus. É aqui que os mundos de mãe-mulher-cantora se colidem a ponto da voz embargar e vermos as lágrimas rolarem pelo rosto da artista num choro de ‘prazer e de agonia de algum dia qualquer dia entender de ser feliz’, se entregando a própria biografia “tenho que dizer adeus/dar as costas, caminhar/decidido, pela estrada/que, ao findar, vai dar em nada/do que eu pensava encontrar”.

Delicadeza, sensibilidade e amor se unem à destreza, precisão e emoção. A interpretação definitiva de Me Deixas Louca é o maior deleite. Ali, Maria Rita se desnuda de qualquer inibição, entregando sensualidade e voz em uma intensidade louvável. Após atingir o nível máximo do prazer, a cantora fica mais leve em suas performances, se divertindo em cima do palco nas faixas seguintes.

Impossível de ser deixada de lado, a amizade entre Elis Regina e Rita Lee – inspiração do nome Maria Rita – aparece em Alô Alô Marciano e Doce de Pimenta, sendo a última nunca gravada oficialmente por Elis. A intenção de Maria de também se reconhecer nas músicas cantadas pela mãe é costurada na composição de Rita, feita especialmente – e sobre – Elis. Doce de Pimenta é uma alusão ao apelido Pimentinha e também uma referência à visita que a artista fez à Padroeira da Liberdade, quando estava presa na época da ditadura. O momento rock´n´roll do espetáculo exala toda a admiração envolvida no projeto, revivendo a generosidade da mãe e deixando transparecer as qualidades herdadas por Maria.

Sua volta para o bis é marcada pela versão acapella de Fascinação. Um arrepio percorre a alma do espectador que viveu a época de Elis ao mesmo tempo em que encanta a nova geração que está sendo apresentada ao espetáculo. O encontro é duplo entre a autoafirmação vocal de Maria Rita e a memória da maior cantora do país. Estamos entrando no fim do show e não é possível conter a forte emoção em Romaria ou na brincadeira de roda feita na faixa-título. Aquela cantora iluminada em cima do tablado não falava ao público que poderia cantar o mesmo que sua mãe, ela a trouxe de volta ao seu cotidiano, às novas gerações e a levou ao Grammy Latino.

Redescobrir é verbo, é canção, é homenagem. Redescobrir é a prova que Elis se mantém viva graças ao carinho do público. Apreciar a experiência de ouvir Maria Rita cantando Elis Regina é a confirmação de que a artista sabe reinventar uma obra amplamente conhecida sem perder sua originalidade. O que fica claro é que não existe imitação, apenas o resgate da memória de outra cantora por alguém que tem o mesmo sangue. Um dos shows mais bonitos do Brasil é uma homenagem à maior intérprete do país, feita pela grande voz da atualidade.

Falar sobre esse álbum é um grande desafio. Desafio não somente por escrever sobre Elis retornando à rotina da Maria Rita, mas pela paixão que sinto por aquela artista vestida de branco e por esse disco ser intrínseco na minha vida. É impossível não me deixar invadir pelo mar de sentimentos que tomam meu corpo e unem a ‘eu’ que escutou esse álbum pela primeira vez e a ‘eu’ de agora. Me sinto arrebatada desde a primeira vez que me deparei com o vídeo da cantora interpretando Como Nossos Pais. 

Foi no ineditismo de escutar esse trabalho que finalmente aprendi a chorar. Chorar aquele pranto que lava a alma e estanca as feridas. Sendo o disco mais reproduzido da minha vida, pude sentir a artista que eu estava acabando de conhecer me abraçando, e o sentimento vem sendo presente desde então. Minha admiração pela força que Maria tem ao subir ao palco, o tempo ao tempo até encarar essas canções me ensinou que “somos a semente, ato, mente e voz”. Gratidão. Sempre.

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Ana Júlia Trevisan

“Quero tanta coisa legal, sabe. Que ela ria muito, que ela não fique pesada nunca” desejava Elis Regina à sua filha, Maria Rita. De um lado, a dona dos discos mais importantes do país. Do outro, a brasileira com maior número de Grammys Latino. A progenitora atacada por proteger sua família, a caçula golpeada por uma trupe ignorante que faz o insano questionamento de “como uma filha pode ser tão parecida com a mãe?”. Aqui o intuito não é comparar, e sim celebrar as duas carreiras meteóricas, construídas por duas mulheres libertárias, inspiradoras, donas da própria produção e que estão eternamente ligadas pelo laço materno.

Elis Regina Carvalho Costa, filha mais velha de dona Ercy e seu Romeu, nasceu no dia 17 de março de 1945, num domingo ensolarado em Porto Alegre. Em casa, passava o dia ao lado do aparelho de rádio que tocava Ângela Maria, Emilinha Borba e Cauby Peixoto. Aos três anos, cantarolava pelos quartos, aos cinco, encantava mãe, avó e vizinhos que ouviam a confiante e indomável voz daquela menininha. Foi no Clube do Guri, programa da rádio Farroupilha, aos 12 anos, que Elis se rendeu de vez à música, munida com o dom que carregava desde o nascimento, arrebatou os ouvidos dos caça-talentos e de todos os gaúchos que acompanhavam a programação. Um ano mais tarde, registrou seu primeiro emprego em carteira de trabalho na rádio Sociedade Gaúcha. Aos 20 anos, ela já era a cantora mais bem paga da época.

O Brasil nunca mais fora o mesmo após a manhã de 31 de março de 1964. Do sul, Elis Regina desembarca no Rio de Janeiro com o pai Romeu, 36 mil cruzeiros velhos, alguns endereços e uma carta de recomendação profissional. De Minas Gerais, Mourão Filho marchava de Juiz de Fora à capital carioca para borrar de sangue a história do país no golpe de Estado que instaurou a ditadura militar. A revolução musical brasileira e a barbárie que matou os filhos da pátria davam os primeiros passos ali, no mesmo dia e no mesmo lugar. O país ficaria marcado para sempre pela glória da voz e pela dor dos cadáveres. 

Mas antes de definitivamente se envolver com o momento mais sombrio da história recente do Brasil, Elis deu seus primeiros passos para o estrelato na rua Duvivier, em Copacabana, no quintal da bossa nova e do samba-jazz, com o maior número de músicos por metros quadrados: o Beco das Garrafas. O nome vem pela maneira com a qual a vizinhança recebia os artistas, que reconhecendo-os como arruaceiros, disparavam garrafas das janelas em direção àquela juventude insana que estava no beco. Com música e público à beça, foi no lá que começou a lapidação daquela garota de personalidade explosiva que encontrava barreiras para se expressar livremente no repertório que lhe era dado. Entre os encontros proporcionados, um dos mais marcantes na biografia da cantora fica a cargo do coreógrafo norte-americano Lennie Dale. 

Dale foi um dos grandes responsáveis por instaurar a expressão corporal à música brasileira. Com seu auxílio, a autenticidade de Elis começou a quebrar a casca que a guardava. Sua musicalidade era tamanha que parecia não caber em seu 1,52m, então, a saída era fazer com que seu corpo se permitisse liberar a energia apoteótica ao cantar. Braços para cima e duas hélices formadas, a performance estava feita. Apelidada de Hélice Regina pelos movimentos que fazia durante a apresentação, ela defendeu Arrastão, em 1965, no 1º Festival da Música Popular Brasileira da TV Excelsior, vencendo o concurso com a canção e levando o prêmio de Melhor Intérprete do evento. A maneira frenética de Elis se apresentar quebrou de vez os velhos padrões da tranquila e polida bossa nova, marcando o surgimento do que hoje é conhecido como Música Popular Brasileira.

Ocupando mais espaço em cena, o mundo se tornava cada vez menor para a grandeza de Elis Regina. Sua personalidade intensa – que lhe rendeu o apelido de Pimentinha – começou a encontrar espaço em canções que se encaixavam perfeitamente em sua voz, reconhecendo a cantora como a dona do instrumento mais potente do Brasil e com interpretação majestosa. Em 1965, Elis Regina passou a apresentar, ao lado do cantor Jair Rodrigues, no programa O Fino da Bossa, dirigido por Walter Silva e transmitido na TV Record. Mantendo-se no ar até 1967, foram lançados uma série de três discos em parceria, sendo o Dois na Bossa o primeiro LP brasileiro a vender mais de um milhão de cópias

A década de 1970, se ainda restavam dúvidas, consagrou de uma vez por todas Elis Regina como a maior intérprete do país. Sua voz inigualável, seu carisma exacerbado e seu coração imenso abriram caminho para que outros gigantes da Música Popular Brasileira pudessem exercer a Arte. Amiga sincera, foi Elis que mostrou ao mundo o poder de compositores como Milton Nascimento, Renato Teixeira e Belchior. Sua parceria com Gilberto Gil arrebatou o cantor, não havia como não se envolver a cada estrofe cantada com tanto fervor pela Pimentinha. Ainda na primeira metade dessa década, foi gravado o histórico LP Elis & Tom, que como presente de 10 anos de carreira, colocou Elis para cantar ao lado de um de seus maiores ídolos em um dos álbuns mais importantes da história da Música.

O talento e magnitude de Elis a levaram aos quatro cantos do planeta. Foi durante sua temporada na Europa que a cantora escancarou sua opinião oposta à ditadura para uma revista holandesa, ficando assim marcada no Departamento de Ordem Política e Social (DOPS) como inimiga do regime. A artista, que “não abaixava a cabeça para milico” sofreu o golpe mais baixo de todos: com a segurança de seus filhos, seus bem maiores, ameaçada, a artista foi obrigada pelos militares a cantar o Hino Nacional nas Olimpíadas do Exército. Cravada como traidora da pátria e enterrada no cemitério de Henfil, Elis Regina transformou a dor em combustível e seu repertório passou a ser totalmente engajado como oposição à ditadura, transformando a cantora em uma das principais vozes da resistência social comandada pela classe artística.

Dos álbuns homônimos aos que se transformaram em grandes espetáculos, do grito de força em Como Nossos Pais ao choro afinado de Atrás da Porta, em cada trabalho Elis Regina entregava uma cantora completa, despida e que não vivia pra cantar, mas cantava para viver. Fundadora da MPB, Elis Regina moldou o formato de se apresentar música, afinal, ela não compunha, mas usava de sua voz para dar vida aos sentimentos escritos no papel por outras pessoas. É com a força e vitalidade de sua expressão que nasce seus dois maiores e mais importantes shows: Falso Brilhante e Transversal do Tempo. 

Com 257 apresentações e público de 280 mil pessoas, Falso Brilhante – que teve a direção cênica de Myriam Muniz e a direção musical de Cesar Camargo Mariano, companheiro de palco e de vida de Elis – contava destemidamente a trajetória da artista com elementos teatrais circenses e um repertório de 42 músicas. Trazendo uma metáfora em seu título, o álbum destaca canções contestatórias e a interpretação agressiva denuncia a falta de liberdade com o Ato Institucional nº 5. Sua inquietude chega ao ápice em 1978, e rompendo com a atmosfera colorida do antecessor, a cantora equilibra técnica e emoção em Transversal do Tempo, um espetáculo político, pesado e grandioso, que reverberava a angústia coletiva causada pelos Anos de Chumbo.

Dos encontros que ilustram a imensidão da artista, o mais famoso se dá com Rita Lee. Em 1976, a Santa Rita de Sampa foi presa, grávida de seu filho mais velho e desamparada. De gêneros distintos da música, Rita – rainha do rock – e Elis – musa mor da MPB – mal se cumprimentavam nos bastidores até que o carcereiro falou: “Oh, Ovelha Negra, tem uma cantora famosa aí que está rodando a baiana, dizendo que vai chamar a imprensa. Ela quer te ver. Aí o delegado mandou te chamar”. Logo em seguida, Elis Regina, a poderosa, entra em cena, de mãos dadas com João Marcelo, seu filho mais velho, e exigindo auxílio médico e comida à Rita.  

A partir disso as duas viraram amigas, vizinhas na Cantareira, companheiras de luta política contra a repressão da época e parceiras musicais com Elis gravando canções de Rita. A amizade das duas rendeu a brincadeira de serem colegas de internato e os apelidos carinhosos Maria Elis e Maria Rita. Disso, vem o nome da caçula de Elis Regina. Maria Rita Camargo Mariano nasceu no dia 9 de setembro de 1977, no Hospital São Luiz, em São Paulo. Com a filha no colo, Elis sorria e cantava, as gargalhadas da artista com sua menininha nos braços domavam a ala hospitalar. Maria trouxe a graça e a leveza que havia sido roubada de Elis por pertencer a um mundo dominado por homens que lhe cobrava imposição dobrada. Toda feminilidade da cantora, aguçada pelo nascimento de sua filha, desabrocha no disco Essa Mulher.

Em 1979, Elis Regina gravou o disco mais arrebatador de sua carreira e, por infortúnio do destino, o último. Essa Mulher é repleto de técnica vocal, postura, brilho e sofisticação. Em contraponto ao martírio e rancor de Transversal do Tempo, o disco de 79 traz a imagem de mulher feminina que a sociedade esperava, mas com a desenvoltura de escolha de um repertório que denunciava as carências e a sensibilidade da artista. Essa Mulher envolve pela trama ousada, entretanto não perde a característica política de Elis. Foi nesse disco que a cantora eternizou O Bêbado e a Equilibrista, hino da anistia.

Três anos depois, na manhã do dia 19 de janeiro de 1982, a morte de Elis Regina provocou uma ferida que demoraria para se estancar. Mãe, mulher, artista e militante, a primeira pessoa a inscrever sua voz como instrumento na Ordem dos Músicos; dona do maior legado da Música brasileira e eterna inspiração de Milton Nascimento, autoconsciente de seu tamanho, amante das canções e crente na bondade do ser humano. Elis desistiu de desenvolver sua carreira internacional na Europa por saudades do país e, principalmente, dos filhos. Enquanto o Brasil perdia um ídolo, Maria Rita perdia a mãe.

Uma alma tão grandiosa como a de Elis jamais deixaria sua pátria órfã. Seu talento foi herdado – e aqui cabe um destaque à palavra herdado, ou seja, vital e não escolhido –  por Maria Rita, que muito nova teve que lidar com a ausência materna e com a ingrata tarefa de ter o mesmo dom da mãe. Mas é em meio a pressão de seguir o ofício de sua protetora que Maria reafirma a herança genética. A caçula de Elis ouviu desde cedo que tinha o dever de cantar, e o caminho mais fácil nunca foi opção. A beleza da arte de Maria Rita desabrocha da necessidade de cantar, assim como era com a sua mãe. 

Apesar de ter a figura materna presente e carinhosa em seus quatro anos juntas, ser filha de Elis Regina foi o oposto do que deveria. E não por causa da presença do  amor que transcende a vida, mas por conta de urubus que rivalizaram ao jogarem as duas no coliseu para brigarem com leões. A mídia tornou o cantar de Maria mais difícil e criou o pior dos cenários, interferindo na relação mãe e filha da qual ela não tem recordações pelo peso do trauma. Vinte anos depois, o resultado é a resistência do amor que soterra a rivalidade.

Maria Rita se formou em Comunicação Social na Universidade de Nova Iorque, e aluna exemplar que foi, também ganhou bolsa para concluir a cadeira de Estudos Latino Americanos. De volta ao Brasil, ela foi trabalhar com produção musical, e mais tarde – após noites de insônia -, sentiu que era o momento certo de usar a voz como instrumento para compor trilhas sonoras de vidas. Então, começou a cantar profissionalmente aos 24 anos, autodidata, abria a boca e pronto. Sua evolução musical foi instintiva, mas a virginiana não dispensou o estudo para formalizar sua bagagem com o auxílio da preparadora vocal Maria Alvim.

Quando Maria Rita se preparou para subir ao palco do Chico Pinheiro, ali ela tomava a dolorosa decisão em favor de sua sobrevivência, e naquele lugar ela se despedia da mãe novamente. A cantora precisou – e conseguiu! – mostrar ao mundo que não é boa por ser filha de Elis Regina, mas que  é boa por si mesma, apesar de sofrer a dor solitária da ausência materna. Explorada por programas sensacionalistas que lutam em compará-la com Elis mesmo sobre a alegação de não ter lembranças da mãe, Maria se provou dona de uma voz soberana e com um domínio técnico, lidando com elegância a cada falácia, mesmo sem o colo material da figura mais importante de sua vida.

Seu primeiro disco, autointitulado, foi lançado em setembro de 2003 e vendeu mais de 1 milhão de cópias em todo o mundo. O DVD, que chegou às prateleiras meses depois, atingiu a marca de 2º DVD mais vendido de 2003 no Brasil, atrás apenas de Beatles Anthology. Sucesso de público e de crítica, o álbum foi Disco de Platina Triplo e DVD de Diamante em solos brasileiros, e em Portugal, CD de Platina. Primeira vez pisando no Grammy Latino Maria Rita venceu as categorias Melhor Álbum de Música Popular Brasileira, Melhor Canção em Língua Portuguesa (A Festa) e Revelação do Ano – sendo até hoje a única brasileira a ter vencido a categoria.

Atuante em um cenário musical que contou com a evolução da internet, o Segundo de Maria Rita teve sua pré-venda feita em lojas online, juntamente com o single Caminho das Águas (Rodrigo Maranhão) sendo vendido em formato digital. O efeito do lançamento foi o congestionamento no site devido ao alto número de downloads. Todos queriam ter a brilhante voz de Maria em seu computador, e o Brasil já estava inteiramente imerso nas graças da paulistana.

Em 2007, Maria Rita encontrou seu lugar de maior pertencimento na Música. Seu terceiro trabalho, Samba Meu, pediu respeito para que pudesse entrar pelas portas do gênero mais popular do Brasil. A cantora foi apadrinhada por Arlindo Cruz, e com sua inerente entrega levou o samba às principais capitais do país e fora dele, em cidades como Londres, Espanha, Portugal e Japão. Seu cuidadoso trabalho também lhe rendeu o primeiro Grammy Latino na categoria Melhor Álbum de Samba/Pagode, e um espaço especial na lista de 10 discos mais vendidos daquele ano. A despedida da turnê foi uma das mais difíceis da carreira, pois marcava o encerramento de algo desafiador e grandioso na mesma medida. Foram oito músicos no palco, projeções, troca de figurino e cenários que eternizaram Samba Meu na discografia da cantora e na Música.

Nesses anos, Maria Rita dominou a MPB, se encontrou no samba, provou que é uma cantora autêntica apesar do título ‘filha de’, fez turnês nacionais e internacionais, emplacou hits, venceu grandes prêmios, conquistou discos de platina e marcou seu nome para sempre na Música brasileira por conta de seu incontestável talento. E, após lidar com cada pedra que insistia em aparecer em seu sinuoso caminho, chegou a aguardada hora de mergulhar no repertório de Elis. O ano era 2012, e na vida de Maria duas datas se chocavam: 10 anos de carreira e 30 anos de saudades materna. A celebração à Elis Regina se pronunciava monumentalmente, e ninguém melhor que sua caçula para dominar sua obra.

Nomeada de Viva Elis, a homenagem se deu através de cinco shows gratuitos no primeiro semestre de 2012. Sucesso absoluto, o projeto ganhou o título de Redescobrir e tornou-se CD, DVD e turnê. Redescobrir é o reencontro entre mãe e filha que foram forçadas a se separarem para garantir a sobrevivência, diante da indústria insistente em rotular as relações mais pessoais. Ao longo das 28 faixas, Maria Rita não falava ao público que poderia cantar o mesmo que sua mãe, ela trouxe Elis de volta ao seu cotidiano, às novas gerações e a levou ao Grammy Latino. Grávida e de branco em cima do palco, Maria fez o que faz de melhor, tomou cada canção para si e as interpretou de maneira singular. Em Se Eu Quiser Falar Com Deus, a cantora regurgita o maior dos sentimentos, se emocionando ao ver seu mundo e de Elis colidirem ao declarar “tenho que subir aos céus sem cordas para segurar”.

Missão cumprida! Maria pôde retornar ao samba. Antecedido por uma breve turnê com o show voz:piano nos Estados Unidos, considerado um dos 10 melhores de 2014 pelo jornal americano The New York Times, Coração a Batucar é um dos álbuns mais importantes da carreira da artista. Produzido pela própria cantora, com arranjos de Jota Moraes, o disco foi gravado num formato que transportava a sonoridade para uma roda de samba. No ano seguinte, a escola de samba Vai-Vai homenageou sua mãe com o enredo Simplesmente Elis: A Fábula de Uma Voz na Transversal do Tempo, Maria Rita, na comissão de frente, emocionou a avenida carregando o desfile da escola campeã do carnaval de 2015.

Com o pé fincado na Lapa, a cantora estreou Amor e Música em 3 de março de 2018. Agora absorta em sua espiritualidade, Maria apresentou um trabalho intenso com roteiro sincero e político em suas entrelinhas. Diferente do Samba Meu, onde a cantora pedia licença à velha guarda, o disco de 2018 é a plena catarse da intérprete como sambista. As músicas escolhidas para integrarem o show abocanham sua paixão pela Arte e a consciência de sua função social. A apoteose rítmica foi sequenciada em seu soberano Samba da Maria que mantém a promessa que todo show tem que continuar.

Se em 1980 Elis fez ecoar o pedido de anistia aos presos políticos através de O Bêbado e a Equilibrista, em março de 2018 Maria Rita cantou a mesma com a mão em punho em um show onde o Brasil se encontrava estraçalhado pela morte de Marielle Franco. Dois crimes impunes, duas vozes conscientes e o mesmo hino denunciando o choro de nossa pátria mãe gentil. O Brasil continua sendo governado por gorilas, sem querer ofender os gorilas, é claro.

O primoroso é que Maria Rita fez o seu trabalho, se consagrou por conta própria. De Elis ficou a saudade e a honra de ser filha. Dois legados distintos e inegavelmente importantes para suas respectivas gerações. Maria Rita não precisa chegar aos pés de Elis, a carreira de Maria Rita não começa onde Elis parou e sim, elas se parecem, mas estranho seria se Maria Rita fosse parecida com outra cantora. Dos 40 anos sem Elis Regina, 20 deles são menos amargos graças à unânime potência vocal de Maria Rita. 

Em entrevista para a Cultura no especial de 75 anos de sua mãe, Maria Rita disse que se pudesse presentear sua mãe daria à ela o palco. E aqui, me permito usar a primeira pessoa singular para te dar uma notícia: você conseguiu! Cada noite que você subiu ao palco para revisitar a obra de Elis, cada vez que você abaixa a cabeça e se concentra para cantar Simplesmente Elis à capela, você a presenteia com o palco sem perder sua própria enormidade, riso e leveza que aquela mãe amorosa tanto desejou.

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Raquel Dutra

O legado na música brasileira não é o suficiente para eu me conformar. Vez ou outra, ainda me pergunto como é que alguém conseguiu convencer o sofrido povo brasileiro de que “viver é melhor que sonhar”. O sentido ensaia desenhar-se segundos depois, quando eu me lembro que quem cantou isso foi a sonhadora que é a concretização da ideia mais pura e completa do que pode vir a ser a vida. Mas mesmo assim, ainda é instigante, já que ela, em toda sua grandiosidade e relevância, ainda acrescenta que “qualquer canto é menor do que a vida de qualquer pessoa”.  

Quer profundidade mais condizente com a maior artista do Brasil do que a que ela mesma cria na obra que conta a sua história de vida, realiza seus maiores sonhos e desmistifica sua própria arte? Muito significado, muita intensidade e muita pulsão de vida: assim foi Elis Regina, e assim foi Falso Brilhante, cuja riqueza era autoexplicativa em 1976 e assim permanece até os dias de hoje – e muito provavelmente, assim será por todo o resto da nossa história.

Há 45 anos, o disco é responsável por confirmar a preciosidade da artista e abrigar algumas das canções mais atemporais da música brasileira. Considerado um dos álbuns mais importantes dentre todas as coletâneas mais maravilhosas que um dia já surgiram dos nossos artistas, Falso Brilhante é também a obra mais relevante da vasta discografia e carreira de Elis.

O projeto Falso Brilhante nasceu no coração e mente de Elis misturando influências circenses com a sua história de vida e uma carga política sagaz em plena ditadura militar. Ainda bem, a pisciana nunca teve medo de apostar em seus sonhos e nas ideias mirabolantes que surgiam dos seus botões de artista. Ela investiu tudo o que tinha, armou o circo e colocou no mundo um espetáculo grandioso, que permaneceu em cartaz no Teatro Bandeirante na cidade de São Paulo entre dezembro de 1975 e fevereiro de 1977, em mais de 300 apresentações apreciadas por cerca de 280 mil pessoas, que ocupavam as mil cadeiras do teatro de quarta à domingo.

O ponto chave não era o conteúdo em si, já que a estrela havia crescido junto com o Brasil e sua história, origem humilde e percalços até engatar a carreira eram de conhecimento do público tanto quanto suas mais bem-sucedidas canções. Para contar sua trajetória em Falso Brilhante, Elis foi além. Não buscando uma narrativa de ascensão e realização plena de sonhos, mas subvertendo as expectativas e obviedades para ser, como sempre, verdadeira com o que sentia. E naquele momento, a dimensão sensível da artista era tomada pela decepção. 

Como todo fenômeno conduzido por uma alma vivaz, a relevância de Falso Brilhante, que ainda tinha a direção cênica de Myriam Muniz e musical de seu esposo, o pianista Cesar Camargo Mariano, superou todas as expectativas e transcendeu qualquer rotulação possível. O que de início tratava sobre os sentimentos pessoais de Elis quanto ao país e sua profissão se tornou um registro histórico e denunciante da situação do artista brasileiro e da sociedade como um todo da década de 70, que ainda sentia o reverberar dos anos de chumbo do regime militar. 

O show era impossível de se parar, e quando a ideia de registrar parte do repertório de Falso Brilhante em estúdio surgiu, o tempo que Elis e sua equipe encontraram para gravar e mixar o disco foi um dos intervalos de folga das exibições, com a produção de Marcos Mazzola. E a aura do disco é especial desde sua mais inicial concepção. Gravado sob a produção entre as apresentações do espetáculo, o álbum tem o gosto raro da energia de Elis nos palcos. 

Um dos maiores triunfos acaba por ser também um dos seu único defeitos. A rotina pesada do show obviamente desgastou a artista e a disposição da banda, e é por isso que, numa análise unicamente técnica, o álbum é considerado inferior às obras anteriores – o maravilhoso Elis & Tom, de 1974 – e posteriores – o memorável Elis, de 1977, que carrega a canção que inspirou seu próximo espetáculo, Transversal do Tempo.

O repertório também estava longe de ser leviano e exigia tudo e mais um pouco da artista. As 42 canções do show dividiam-se em dois atos, passeando entre diferentes gêneros, tons, arranjos, performances e línguas. Para o disco, a lista se condensou em 10 canções escolhidas a dedo para resumir perfeitamente o que era a ideia e execução de Falso Brilhante, contando ainda com algumas inéditas. Delas, surgem cantos de amor e versos apaixonados, protestos políticos, hinos de resistência evocando irmandade e expressões de sonhos e idealismo, ritmados no samba, bolero e rock e interpretados em português e espanhol.

O primeiro contato que Falso Brilhante estabelece com o ouvinte já é irresistível de tamanha honra. Com o grande prazer que é ser chamado de “meu grande amor” por Elis Regina, somos convidados ao disco com uma das últimas músicas da setlist do show que se encaixa perfeitamente em sua abertura. “Não quero lhe falar (…) /Das coisas que aprendi nos discos/Quero lhe falar como eu vivi/E tudo que aconteceu comigo”, ela explica suas intenções com o projeto sob um acordes de um violão calmo e certeiro. Estamos na inconfundível Como Nossos Pais.

Não existe nada mais especial do que ser apresentado à obra da vida de Elis Regina – em todos os sentidos possíveis da expressão – do que através da canção que é uma das mais marcantes de sua carreira e de toda a história da música brasileira. Escrita por Belchior, o gênio que ela descobriu e impulsionou, a canção fez história na interpretação da artista, que externalizava suas maiores desilusões numa universalidade e identificação que só pode ser atingida pelo artista que é tomado de sinceridade e coragem.

Aqui, já é possível concluir a adoração que a artista mantinha pela vida – a sua, a do próximo, da arte, da música e do Brasil. A Elis refletida em Falso Brilhante é assim, fincada no presente, sempre visionária e nunca nostálgica. Seu inferno era o passado e o retrocesso, como ela continua a confessar “Minha dor é perceber/Que apesar de termos feito tudo o que fizemos/Ainda somos os mesmos/E vivemos (…)Como os nossos pais” em um dos versos mais conhecidos e atemporais da música brasileira.

Da sua maior paixão nasce seu maior protesto, residente nos versos mais marcantes de Falso Brilhante. A artista que não chegou a viver seu futuro ousava vislumbrá-lo e pregar as possibilidades como forma de incentivar as pessoas a enfrentarem a situação do país e jamais se curvarem diante dela. “Mas é você que ama o passado e que não vê (…)/Que o novo sempre vem”, “Vejo vir vindo no vento o cheiro da nova estação” e demais profecias esperançosas era o que mais se ouvia da obra da vida de Elis. 

Tudo continua em Velha Roupa Colorida, mais uma composição de Belchior que decolou na voz da artista. Desafiada por um arranjo numa escala um pouco mais alta que o comum e com os vocais já arranhados da rotina intensa dos espetáculos, a Pimentinha canta com rouquidão “Você não sente, não vê/Mas eu não posso deixar de dizer, meu amigo/ Que uma mudança em breve/Vai acontecer” em um dos rocks de Falso Brilhante. 

Mudanças essas que se não acontecessem por si só, ela fazia acontecer, como foi com a sua existência vasta embora curta no planeta Terra e com Falso Brilhante. Elis ia atrás do novo. Inaugurar gêneros, descobrir artistas, impulsionar carreiras… Sua potência criativa já era conhecida e fascinante, então, quando ela propôs inverter a lógica do mercado musical – que primeiro pensava no disco e depois nos shows e não o contrário, como ela fez ao arquitetar primeiro o espetáculo sem ter um material sonoro em processo de divulgação – o público, ou melhor dizendo, o grande amor de Elis, comprou a ideia de imediato. Juntos, eles transformaram o projeto sobre a sua vida no sucesso que foi, um recorde de bilheteria e até hoje o maior espetáculo do Brasil. 

Ecoar sua verdade, denúncias, coragem, história e pulsão de vida pelo Brasil inteiro ainda não saciava a sede de justiça e de verdade de Elis. Enxergando a amplitude e complexidade da situação política da América Latina naquele momento, ela sentiu a dor dos outros países que também vivam um dos momentos mais sombrios de suas histórias protagonizadas por regimes militares através de Los Hermanos, a primeira das canções em espanhol de Falso Brilhante. Nela, a artista veste um flamenco cheio de identidade da resistência popular latino-americana e canta com sua força característica pelos muitos irmãos que se perdiam entre a repressão, exílio e a morte.

No português, Elis disse o que tinha que dizer em Um Por Todos. Além de incentivar a união que a sociedade brasileira e a classe artística tanto precisavam exercitar naquele momento, ela também reconhecia o fatídico dia em que sucumbiu ao medo e abaixou a cabeça para a ditadura militar. Ligando isso com a decepção da vida de artista que é o tema central de Falso Brilhante, ela canta quase em tom de confissão e arrependimento: “Eu te conheço, sei o preço da fama/E não esqueço/Que deitei em tua cama, em teu berço/Eu sei teu preço, eu te conheço” e revela a forma como lidou com seus próprios erros, reconhecendo sua responsabilidade e o apoio que encontrou: “Lavo as mãos e prossigo adiante/Eu por mim mesma/Todos por mim”.

A arte de Elis sentia tanto a vida e enxergava a realidade com tanta lucidez que, às vezes, sua criadora precisava escapar. E ciente de seu inferno, ela também sabia muito bem como era o seu paraíso, dividindo as paisagens dos seus sonhos em Quero. Guiada por flautas doces e coros suaves, a artista flutua na imaginação dos seus desejos, construídos em “um mundo sem portas ou vidraças” e com “floresta no lugar da cidade”, incluindo “beijar a face da lua” e acabar com tudo de ruim ao “cobrir com flores campos de aço”. 

Nem toda a vida e fisicalidade do mundo era o suficiente para Elis. Ela precisava atingir o que estava além, e dentro das canções oníricas, ela também criava algo a mais e desenhava algo muito belo sobre as almas sonhadoras. As imaginações de Falso Brilhante abraçam uma imensidão de pessoas que não são menos determinadas, corajosas ou firmes por ousar ir além da realidade, e O Cavaleiro E Os Moinhos comprova a tese. 

A composição dos consagradíssimos Aldir Blanc e João Bosco, dupla frequente na música de Elis Regina, é um retrato de quem está pronto para ir à luta pela revolução porque já imaginou como tudo vai ser. Exaltando a capacidade de olhar além e imaginar o futuro, a artista defende a relevância do ser sonhador, que consiste, como ela mesma bem representou, em contar as possibilidades para as outras pessoas, torná-lo um pouco mais palpável e assim, motivar a luta por ele.

Voltando à vida, Falso Brilhante também a adora. As músicas profundas em significado e vivacidade eram a forma que os artistas encontravam de se opor aos governos e políticas de morte, e em Gracias a La Vida, que abria o segundo ato do show, Elis explode a paixão que sentia por viver com uma riqueza enorme nas estrelinhas. A canção foi escrita e originalmente interpretada pela chilena Violeta Parra, fundadora da música popular chilena e compositora de muitas das canções de resistência que ecoaram pelo país na época.

Sem separar suas celebrações de seus protestos, Falso Brilhante geniosamente aniquila qualquer noção de oposição que pudesse surgir entre os dois elementos e grita da melhor maneira que nossa mera existência é política. Até brincando, Elis conseguia espalhar sua mensagem, inovando nas maneiras de driblar a censura. A canção mais divertida do repertório, Jardins De Infância, critica o governo de forma teatral e narrativizada, camuflada em um toque de jazz.

A militante só descansava no amor. Ali, não tinha jeito, Elis se derretia na presença daquele que acordava sua veia romântica, sempre marcada na paixão das interpretações e nos arranjos musicais. A primeira declaração de Falso Brilhante é Fascinação, popular valsa francesa traduzida para o português por Armando Louzada para que Elis e Cesar pudessem dançar entre as notas doces que cada um expressava à sua maneira, sob o cenário rico preparado pelos instrumentos clássicos. 

Em Tatuagem, o deleite é ainda mais especial. Nela, Elis só conversa com o piano do amado, numa profunda intimidade e marcante sensualidade. “Quero brincar no teu corpo feito bailarina/Que logo te alucina, salta e te ilumina quando a noite vem/E nos músculos exaustos do teu braço/Repousar frouxa, farta, murcha, morta de cansaço”, ela canta a letra de Chico Buarque olhando nos olhos de Cesar ao piano, de modo a deixar qualquer um que assistisse a cena constrangido por tamanha intensidade. Elis, no entanto, por nada conservava timidez. Muito menos da arte, muito menos do amor.

A intensidade que a viagem pela vida e sentimentos de Elis trazia era numa narrativa por si só disruptiva. A mensagem de Falso Brilhante era clara, e o glamour e a idealização – que não fosse de um sonho revolucionário – não cabiam na verdade de Elis. Os que esperavam assistir algo melodramático sobre as lamentações de uma artista arrependida eram surpreendidos, já que a decepção, matéria-prima principal do projeto, não era algo romantizado, exaltado ou pintado como paralisante. O que Elis queria era superá-la, com a urgência de quem sentiu na pele e viu de perto as ameaças contundentes ao que ela mais valorizava: a vida e a arte.  

O que ela criou como forma de se opor a isso tudo é o que se vê em Falso Brilhante. Com sua história de plano de fundo, ela desabafa, profetiza, imagina, desmente, celebra, denuncia, cuida, representa e sente. Vasta, ativa e complexa, ela mudou pra sempre a arte ao criar dentro de sua música algo que ilustra a própria vida, motivada pela coragem, que nos faz continuar mesmo com o arrepio na espinha de medo do que virá pela frente, e na ousadia de tomar o coração como razão, de assumir sua personalidade, sua identidade, acertar e errar, se desculpar e continuar.

“Eu queria morrer sendo eu” ela disse em sua última entrevista em janeiro de 1982, seis anos depois de Falso Brilhante e duas semanas antes de um dos eventos mais tristes que o calendário brasileiro já viu, o dia de sua morte. Nunca se contentando com nada menos do que ela tinha exatamente em mente, esse foi o maior feito que Elis Regina atingiu: ficar marcada na nossa história sendo ela. Sendo presente, sendo atemporal, sendo relevante, sendo transformadora, sendo corajosa, sendo expressiva, sendo sonhadora e sendo viva. E se ela disse que viver é melhor que sonhar, é melhor a gente acreditar.

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Ana Júlia Trevisan

Cantar Elis com certeza não é para qualquer um. Reconhecida até hoje como uma das maiores vozes da Música Popular Brasileira, as regravações de seu repertório não devem ser vistas a título de comparação, mas sempre são como forma de homenagear a cantora falecida em 1982. No entanto, a cantora baiana Illy, uma das novas vozes da MPB estava em bom voo com sua carreira até dar um tiro no próprio pé, falhando friamente na homenagem à Pimentinha em Te Adorando Pelo Avesso.

No álbum lançado em 2020, Illy Gouveia revisita as canções de Elis Regina. O  disco recebe esse nome por conta do trecho da composição de Chico Buarque, Atrás da Porta, regravada por Elis na década de 70. E, partindo do ponto de vista de que a homenagem ficou completamente oposta ao esperado, o nome faz jus ao nome álbum. A capa de Te Adorando Pelo Avesso faz alusão a capa do disco de estúdio Elis (1973) e tem um trabalho de fotografia bem elaborado, mas o álbum escolhido como inspiração não é o de encarte mais marcante, como dos discos 1972 e 1977. Isso faz com que a referência não fique tão clara logo de início.

A música de abertura do trabalho é Alô Alô Marciano, composta por Rita Lee e Roberto de Carvalho em plena ditadura militar. A letra traz a conversa de um humano e um extraterrestre, onde o humano desabafa sobre a situação brasileira, denunciando que está “cada vez mais down no high society”. Na regravação de Illy, a sonoridade, bem feita pelos instrumentistas, não sustenta a fraca interpretação da artista, que deixa apagada a crítica presente na canção, tornando-se apenas mais uma melodia em meio todo contexto que a música pretendia criar.

Depois de Alô Alô Marciano vem a maior decepção do disco: Como Nossos Pais. Hino de uma geração, a composição da lenda Belchior tem uma das letras mais fortes da música nacional. Conhecida por sua atemporalidade, todo grito de resistência e luta social que a música representa foi diminuído a um mero reggae. O que não necessariamente é o problema, mas sim a sonoridade ter mais destaque do que a letra, abafando a História e toda força que essa música representa.

O disco conta com a participação de outros dois cantores de sucesso no cenário atual da música, são eles Baco Exu do Blues e Silva. A participação de Baco salvou a regravação de Me Deixas Louca, música de forte sensualidade, que com sua voz rouca consegue transmitir a energia da canção, já a de Illy não passa nem perto do feito. Mas, se a canção do Exu do Blues conseguiu salvar a gravação, a de Silva contribuiu para afundar um pouco mais Te Adorando pelo Avesso.

O cantor é uma admirável voz da MPB, mas não agregou positivamente na canção Atrás da Porta. A música com o verso que batiza o álbum, conta a história de um divórcio inesperado e sofrido pelo eu lírico do começo ao fim. A regravação começa de maneira boa, redesenhada no estilo certo, no entanto, logo vem o desapontamento. A um certo ponto da música, os artistas transpassam o sentimento de estarem lendo a letra de Atrás da Porta, quebrando qualquer sentimento que o dueto pudesse transmitir.

Ao analisar o instrumental de forma separada das letras é fácil concluir que grande parte de Te Adorando Pelo Avesso foi bem produzida. Digo grande parte pois ele falha em duas canções: Dois Pra Lá Dois Pra Cá e Vida de Bailarina. Na primeira, Illy repete o erro de Me Deixas Louca e não imprime na música a sensualidade trazida na letra. Além disso, ao final foi incluído um conjunto de vozes masculinas que ficou anexada à música mas sem fazer o menor sentido naquilo que já havia sido apresentado ao longo da canção.

Em Vida de Bailarina os erros já começam na introdução, com uma sonoridade que não se encaixa na dramaticidade da letra e nem no conjunto de músicas selecionadas pro álbum. O fator dramático da intensa letra, que traz uma história forte e real, também não é expressa no vocal leve da cantora, que mais uma vez diminui uma música significativa a uma balada desconexa.

O arranjo bem pensado de Fascinação poderia ter funcionado de maneira interessante para outras músicas, mas não para a própria. O funk melody não casou com a composição francesa traduzida por Armando Louzada, muito menos com a interpretação feita por Illy. Passando a sensação que houve um desencontro entre a banda e a intérprete, como se a canção tocada fosse totalmente diferente da música na qual a cantora está dando voz. A nova versão se torna completamente esquecível.

O maior problema de Te Adorando Pelo Avesso foi a escolha de repertório, músicas calorosas foram selecionadas para serem interpretadas por uma voz suave que soou fraca. O Trem Azul, original de Milton Nascimento e Lô Borges, foi eternizada com uma interpretação marcante de Elis, com o sentimento passado na canção ainda vivo no imaginário brasileiro por ter servido como hino de resistência a muitos presos políticos durante a ditadura. A faixa tem começo marcante na voz de Illy, mas se desfaz antes mesmo do refrão ser cantado pela primeira vez.

A nona faixa de Te Adorando Pelo Avesso, Na Baixa do Sapateiro, apesar de ir na contramão do samba-canção gravado por Elis, é redesenhada de maneira correta, com um gosto diferente do que tinha sido apresentado até então. A regravação de Illy ao ritmo do rock se mostra forte, da forma que é esperada em todo álbum: uma homenagem à Elis que não seja cópia da cantora, mas que tenha a potência que a homenageada merece.

Em Ladeira da Preguiça, a preguiça foi na hora de mixar a faixa. O instrumental apresenta uma sonoridade que nos leva a pensar em Gilberto Gil, compositor da música, entretanto ele ficou desconexo de todo resto da canção. Erro que poderia ter sido evitado durante o processo de mixagem e pós-produção, e que comprova que o processo de construção do disco não ocorreu de forma natural, respeitando as limitações e corrigindo aquilo que fugia das expectativas. 

Se o álbum foi uma sucessão de erros, ao caminhar para o final ele parece tentar se redimir. Querelas do Brasil, composição do saudoso Aldir Blanc, foi a melhor escolha do repertório de Illy. Além do arranjo pensado para a canção casar com a voz da intérprete, é um lado B de Elis essencial que a nova geração tenha conhecimento da letra crítica e denunciante. “O Brazil não conhece o Brazil/O Brasil nunca foi ao Brazil” “O Brazil não merece o Brasil/O Brazil tá matando o Brasil” “Do Brasil S.O.S ao Brasil”.

A música que encerra o álbum é Vou Deitar e Rolar de Baden Powell e Paulo César Pinheiro, dupla responsável por respeitáveis clássicos da MPB. A quebra de expectativa é positiva nessa canção. Apesar da voz de Illy não sustentar todas as técnicas vocais escolhidas, sua assinatura fica impressa na faixa. O que foi planejado pra esse trabalho é alcançado apenas no final dele. Uma homenagem à Elis Regina que além de introduzir a nova geração ao repertório da cantora, tivesse a leitura e os arranjos feitos pela produção.

Admiro a coragem de Illy ao embarcar numa aventura que lhe traria um mar de críticas devido à importância da inalcançável discografia de Elis Regina. Não há problemas em recriar músicas tão vivas no imaginário coletivo brasileiro, mas o risco é alto. O que faltou para cantora foi uma ajuda técnica na seleção musical,  o lado fã deveria ser deixado de lado fazendo escolhas realistas que se encaixassem em sua voz suave. Cantar Elis é cantar uma parte frágil e sombria da História brasileira. O ritmo contemporâneo, quando não bem sustentado, como aconteceu nesse disco, soa desrespeitoso. 

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