“Quando eu morrer, posso imaginar as palavras de carinho de quem me detesta. Algumas rádios tocarão minhas músicas sem cobrar jabá, colegas dirão que farei falta no mundo da música, quem sabe até deem meu nome para uma rua sem saída. Os fãs, esses sinceros, empunharão capas dos meus discos e entoarão “Ovelha Negra”

Ana Júlia Trevisan

A história da música brasileira é marcada por ícones inigualáveis que, ora choravam todas as suas dores de corno em versos expositivos, ora eram exilados do país, pedindo em súplica que a censura fosse afastada. Entre os titãs, está a Ovelha Negra, Rita Lee. Pioneira do rock brasileiro, compositora sincera e inconfundível, Rita era uma personalidade muito além do que a mídia massiva queria construir como a figura brasileira de mulher do lar. Adjetivos nunca serão suficientes para descrever essa mulher que colocou, sem dó, o dedo na ferida. No entanto, sua autobiografia deixa claro qual a melhor palavra para defini-la: humana.

Rita Lee: uma autobiografia passeia por momentos que traçaram a rota da música brasileira. Ativa nos palcos desde a década de 1960 até 2012, Rita não apenas participou da imensa maioria dos períodos artísticos brasileiros, como fez história. Sua importância para a cultura permitiria tomar uma distância intelectual dos meros mortais que consomem seu livro, mas a leitura leve, divertida e, por vezes, irônica, faz com que o ato pareça um café da tarde ouvindo as histórias de vó Rita. A vida tão perfeitamente humana dessa mulher é contada com simplicidade e um tom muito único de se expressar.

O livro foi lançado em 2016 pela Globo Livros. A edição vem da mão de seu maior fã, Guilherme Samora, que também cumpre o papel de filho do coração, afilhado, amigo e especialista da carreira de Lee. Esse trabalho feito com muito carinho reforça a naturalidade da escrita. As histórias contadas com certa liberdade artística, já que nem mesmo ela se lembra de tudo que viveu, ganham um tom de deboche ao inserir entre as páginas um fantasminha que, vez ou outra, aparece para corrigir um fato ou um feito que Rita tenha esquecido de mencionar.

A experiência de quase ouvir a voz da autora lendo os trechos da autobiografia se torna ainda mais plausível quando lembramos de sua própria discografia. Apenas la mais caliente de las mujeres, a compositora de “me deixa de quatro no ato” poderia ser tão sincera em suas palavras. Não há burocracias, falso moralismo ou qualquer lenga-lenga. É a história nua e crua narrada por quem a vivenciou. Além disso, a cantora faz narra sua vida de forma cronológica, desmontando uma hierarquia de acontecimentos e colocando os fatos no mesmo patamar. 

Rita Lee é filha de um americano e uma italiana, a mais nova das irmãs, e vivia com a família num casarão dos anos 1920, na rua Joaquim Távora, 670, na Vila Mariana. A própria artista nomeia o grupo de harém, afinal, um único homem rodeado de mulheres. Os relatos sobre sua infância são escritos como se tivessem sido vivenciados ontem mesmo. Dividido em capítulos curtos, Rita Lee: uma autobiografia ganha caráter de conto, viajando por mais de 10 bandas que formou, participando como cantora, artista e compositora.

Em paralelo, ela vivenciou os mais variados momentos sociopolíticos no país, usando a arte para causar estranheza e indagações. Em suas 296 páginas, vida e arte caminham lado a lado para formar o legado e a força de uma mulher autêntica. Uma história de vida contada com erros, acertos, altos e baixos. Para quem já conhece a padroeira da liberdade, uma autobiografia revela também a mulher, o grande amor da vida de Roberto de Carvalho, mãe de Roberto Lee (ariano), João Lee (canceriano) e Antonio Lee (leonino).

O absoluto deleite da obra fica nos bastidores. Gilberto Gil, Caetano Veloso, Elis Regina, Hebe Camargo e outros personagens marcantes da Música brasileira são citados de maneira real, sem o glamour conquistado pela carreira vitoriosa. Com Hebe, Rita relembra com muito humor e paixão a diferença entre o estilo de vida das duas. O posto de diva ocupado pela apresentadora vem da ajuda que ela deu em tirar Rita Lee das drogas e abrigá-la em sua casa. Os selinhos de Hebe? Começaram com Rita, que dizia ir ao programa apenas para sentar ao seu lado e acompanhá-la.

A maior expectativa que pairava em Rita Lee: uma autobiografia ficou a cargo da trajetória da cantora em Os Mutantes. Expulsa da banda pelos irmãos Sérgio e Arnaldo Baptista, esse sempre foi o ponto da história digno de uma enxurrada de fofocas. O fato é que as viúvas da banda nunca aceitaram que Rita foi coroada a rainha do rock, tornando-se a mulher que mais vendeu discos na história do Brasil. Sem méritos ou deméritos, Rita olha com muita sobriedade para o passado, encarando o patriarcado que criou uma barreira em sua carreira musical, contudo, a autora equilibra seus relatos mostrando admiração por Arnaldo, ainda completando que a relação da banda tinha mais a ver com a facilidade de se viver aventuras na casa dos meninos do que com uma identificação pessoal.

Rita era a contraventora da moral e dos bons costumes, incitava a crítica, foi censurada e presa por isso. Ela exaltava a sexualidade da mulher em um momento em que isso era inaceitável. Em cima dos palcos, ela evidenciava a hipocrisia do país, desfilando uma Miss Brasil 2000 nos anos 1970. De Santa Rita de Cássia a São Francisco, ela esteve à frente de sua época e defendeu os animais com unhas e dentes. Uma autobiografia com arte, talento, feminino, mãe e avó. Suas páginas ainda são preenchidas com fotografias de seu acervo pessoal e lista todos os álbuns lançados e as músicas de cada um.

Por fim, Rita se mostra uma mulher madura, consciente e orgulhosa de toda a intensidade que viveu. A sinceridade da cantora não abre brechas para um discurso de Maria Madalena arrependida das drogas, não há vergonha por ter experimentado todas, apenas orgulho por ter saído de cada uma delas. “A sorte de ser sido eu, de ter sido quem sou, de estar onde estou, não é nada comparada ao meu maior gol. Sim, acho que fiz um monte de gente feliz”

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Vitória Silva

O céu não é o limite para Billie Eilish. Aos 20 anos, a jovem californiana já coleciona 7 gramofones dourados, incluindo o da almejada categoria de Álbum do Ano, por seu disco de estreia. Mais recentemente, ainda celebrou um prêmio da Academia para a sua prateleira, sendo a primeira artista nascida nos anos 2000 a conseguir esse feito. No show business desde 2016, tudo que Billie Eilish Pirate Baird O’Connell toca vira ouro – e não é nem brincadeira. Sua grande máquina de sucessos, movimentada em conjunto com seu irmão FINNEAS, foi a responsável por lhe render a aclamação de WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?. 

Após percorrer o lado mais sombrio de seus próprios pensamentos e sonhos perturbadores, Billie finalmente aterrissa em terra firme. Se emancipando dos delírios da juventude e a pose irreverente da adolescência, a cantora de fato assimilou a entrada da vida adulta em Happier Than Ever. E o ponto de partida do novo disco já apresenta essa comprovação: “Estou ficando mais velha, acho que estou bem/Gostaria que alguém tivesse me dito que estaria fazendo isso sozinha”. 

Em meio a essa realização, a jovem artista também se depara com uma realidade em que, agora, aquilo que ela costumava gostar de fazer se tornou apenas um simples ofício. Caindo a mesma grande ficha de toda uma juventude obrigada a crescer em meio a sociedade do cansaço do século 21, Billie entende em Getting Older que a constante cobrança por produtividade e alcance do sucesso nos leva ao esgotamento completo, tanto fisicamente quanto no âmbito de nossas motivações pessoais. 

Acompanhar a jornada da artista pela concretude que a maturidade apresenta é mergulhar em uma imersão de pensamentos, dominados pela geração Z que precisa lidar com uma avalanche de mudanças sem nem ser avisada previamente. Em meio aos tapas na cara do mundo moderno, uma decepção amorosa é a força motriz para a conquista de sua libertação. Outra loirinha já havia ditado a máxima: quebre o coração de uma jovem estrela do pop, e veja as músicas de sucesso que ela é capaz de fazer. E, aqui, Eilish segue o ensinamento à risca. 

No documentário Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, lançado em 2020, seu frustrante relacionamento com o rapper Brandon Adams havia sido apresentado como um fator desolador para suas vivências durante a turnê do disco anterior. Em Happier Than Ever, todo esse desapontamento acaba sendo transformado em força, mostrando uma Billie muito mais segura de si. Se em party favor a jovem cantora ainda precisava deixar mensagens na caixa postal implorando por um retorno de seu interesse amoroso, agora ela já assume o poder de simplesmente escolher quem deseja responder ou não.

Exalando uma confiança provocativa, a ex-loirinha escreve praticamente uma carta aberta ao antigo namorado em Lost Cause, apontando cada uma das quebras de expectativas que teve com ele, enquanto tira sarro de sua pose durona, fruto de uma masculinidade frágil cravada. “Eu costumava pensar que você era tímido/Mas talvez você não tivesse nada em mente/Talvez você estivesse pensando em si mesmo o tempo todo”. Isso ainda aproveitando o videoclipe da faixa para, talvez pela primeira vez, largar de seus surrealismos em troca de se divertir com as suas amigas numa típica festa do pijama. 

Poucas coisas no mundo conseguem declarar melhor a dor da assimilação e a felicidade do livramento do que a faixa que também dá nome ao álbum. Se as pontadas anteriores não foram suficientes, Billie Eilish usa Happier Than Ever para aplicar o seu devido golpe fatal. A postura passiva no início da música vai minuciosamente abrindo espaço para uma explosão de sentimentos entalados na garganta. Assim, ela vocifera da forma mais honesta possível todas as dores decorrentes de uma paixão mal acabada, com o suporte de guitarras estridentes que fazem jus a artistas anteriores a ela que não tinham medo de mostrar a fragilidade de um coração partido. 

Para se redimir com a cidade que ela clamou em alto e bom som que passou a odiar, Eilish lançou pelo Disney+ o documentário Happier Than Ever: Uma Carta de Amor para Los Angeles. Por meio de uma apresentação no teatro histórico do Hollywood Bowl, a artista passeia intimamente pelas faixas do disco, com apresentações que prestam uma homenagem ao local que a abriga desde sua infância. Relação essa que ex nenhum seria capaz de acabar por completo. 

Ela pode tentar afirmar isso por diversas vezes ao longo do disco, mas talvez a cantora não esteja tão mais feliz do que nunca. A emancipação fantabulosa de Billie Eilish não é repleta apenas de autoconfiança, levando em consideração que encarar essa realidade em meio a uma indústria extremamente destrutiva são outros quinhentos. A Billie mais angelical e menos sombria do que vimos anteriormente presente na capa disco é denunciada pelas lágrimas que molham suas bochechas, mostrando o caráter dual de que o princípio que permeia seu novo trabalho ainda parece distante. Aquela felicidade que antes estava diretamente relacionada ao sucesso, agora encontra-se mais próxima de uma vontade de ter as luzes apagadas por um breve instante. 

A perda de sua pureza interior é trazida à tona nos delicados versos de GOLDWING, apontando como o universo midiático usa das jovens celebridades em ascensão para depois descartá-las como meros objetos: “Eles vão reivindicar você como um souvenir/Apenas para te vender em um ano”. Provando que realmente saiu dos pesadelos de sua mente para confrontar os da vida real, a cantora ainda se aprofunda nos fantasmas que tanto tememos ter que confrontar, e que são dissecados em faixas como o single Your Power. Tem algo mais condizente com a realidade do que crises existenciais, abusos de poder, distorções sobre o prazer feminino e a ansiedade em relação a um futuro que parece nunca chegar?

O fato de se tornar uma mulher adulta quando todos os olhares do mundo estão voltados para você é um buraco bem mais embaixo do que qualquer uma pode estar acostumada, e o fatídico destino de outras artistas ainda não foi suficiente para servir como lição ao grande público. Not My Responsibility é inteira dedicada ao desabafo de Eilish diante das opiniões formadas especialmente em relação ao seu corpo. Em um monólogo questionador às diversas críticas que sofreu nesse aspecto ao longo de sua carreira, Billie ainda atinge o amadurecimento ao tirar de seus ombros a responsabilidade diante da opinião dos outros. 

Em um comercial da Calvin Klein de 2019, ela já tinha afirmado que costuma usar roupas largas para que ninguém pudesse opinar sobre seus aspectos corporais já que não poderiam ver o que estava por baixo delas, provocando inúmeras críticas ao seu estilo. Colocando em prática o que assume no interlúdio, a artista se entregou a vestidos bem apertados e pouca roupa para um ensaio da revista Vogue UK. Como uma bomba-relógio, conseguiu acionar a falsa simetria da internet de que o realce de suas curvas teriam um caráter apelativo, diferente de quando ela optava por se esconder pela vergonha do próprio corpo a que era condicionada. 

E sensualidade não poderia faltar para que Eilish cravasse de fato sua libertação interior. Assim, caminha desde uma poética bossa nova em direção aos sintetizadores explosivos enquanto clama a necessidade de ocitocina, ainda sem perder a irreverência que foi seu ponto de equilíbrio durante o período da adolescência. Uma nova Billie Eilish domina o espaço, mas sem deixar de lado as muitas realizações que fizeram parte de sua essência e crescimento perante o resto do globo terrestre.

O passeio nessa transição da juventude não seria o mesmo sem a produção de seu irmão FINNEAS. A união da dupla consegue fortalecer o lirismo das letras com a sonoridade que percorre diferentes gêneros e até mesmo compõe elementos da realidade, conforme ilustra o rosnado de seu pitbull Shark no início de I Didn’t Change My Number. Como se já não fosse suficiente, a cantora faz questão de retratar os sentimentos com clareza a partir das situações limite a que se coloca em seus videoclipes, honrando não só o seu talento musical como também a brilhante execução no audiovisual. Nada melhor para demonstrar a sensação de estar condenada às amarras provenientes da fama do que – literalmente – se colocar andando em meio a uma estrada com carros em alta velocidade. 

Já se consagrando como a nova favorita do pedaço, era mais do que óbvio que seu novo projeto fosse fazer a limpa nas indicações ao Grammy 2022. No caso, ela conquistou 7 nomeações, incluindo categorias principais como Álbum e Canção do Ano. O mérito das conquistas de Billie Eilish não há de ser contestado, enquanto os questionamentos deveriam passar a serem voltados aos responsáveis por insistir em sempre colocá-la à frente de qualquer outro artista, sem mais nem menos. Essa ignorância da branquitude por trás das principais premiações até mesmo provocou o constrangimento da própria, quando ela dedicou seu gramofone de Gravação do Ano, em 2021, à cantora Megan Thee Stallion, justificando que ela era quem realmente merecia o prêmio, pela faixa Savage. 

Em Happier Than Ever, Billie Eilish desce do pedestal a que tanto foi colocada, assim como é desarmada de todas as munições que havia usado para se blindar da perversa indústria musical – a mesma que atreveu-se a fazer parte e já não aguenta mais. O mundo que antes parecia um pouco embaçado, agora é enxergado com mais nitidez, lhe dando a ousadia de se abrir em um relato sincero que nos faz passear pelas profundezas de seu interior, e nos leva a nós mesmos. Se a ancoração na fria realidade do mundo moderno é sinônimo de satisfação, só poderíamos estar mais felizes do que nunca. 

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Ana Laura Ferreira

É normal e esperado que obras de arte tenham um tema, uma linha de raciocínio ou, pelo menos, um porquê que interligue toda uma construção. Esse fio que conecta as histórias é ainda mais visível quando falamos sobre Música, afinal, ela é uma das formas mais democráticas de se expressar os sentimentos humanos, usando temas como amor, felicidade e tristeza de maneira recorrente. Mas, fugindo dos caminhos mais simples, Ashlyn chega com a pretensão de falar nada mais, nada menos do que sobre o tempo, fazendo de suas canções a mais bela e impactante linha cronológica.

O que você faria se pudesse deixar uma última mensagem a um amor que se perdeu ou a alguém que já não pode mais voltar? É mandando um recado para o seu passado que a cantora estadunidense Ashe busca construir o seu futuro. Seu caminho, que já vinha sendo muito bem preparado com EPs dignos de mais reconhecimento, ganhou novas perspectivas após o sucesso de Moral of the Story, em 2020, como trilha do filme Para Todos os Garotos: P.S. Ainda Amo Você. Entretanto, mesmo já conhecendo seu tom e estilo, ainda não estávamos preparados para encontrar canções tão íntimas.

É exatamente por esse motivo que o disco se torna especial: ele traz personalidade sem pretensão. Preenchida com diversas influências de estilos como as batidas um tanto cinquentistas de When I’m Older, ela não se preocupa em trazer uma sonoridade bem marcada, muito menos em nos dizer quem são suas referências, o que só torna o seu trabalho ainda mais original. Em uma época na qual o que mais se escuta são canções recicladas que se escondem atrás do pretexto da nostalgia, Ashlyn é um suspiro de criatividade.

Contudo, nada nunca é perfeito, e este álbum também não seria. Sua maior qualidade, a grande variação de ritmos, tons e sentimentos, acaba também sendo seu maior defeito. Isso porque, ao construir o disco, as faixas acabam atrapalhando umas às outras, criando uma progressão não muito agradável aos ouvidos. Pulando da ritmicamente animada I’m Fine para a dolorosa Love Is Not Enough, podemos perceber que, numa tentativa de adicionar tudo de melhor que tinha guardado na manga, Ashe acabou por criar um playlist e se perde no desenvolvimento que se espera de um disco.

Ainda assim, podemos ignorar esse detalhe e dizer para nós mesmos que essa foi uma bela metáfora para falar sobre como nossos sentimentos são instáveis e voláteis. Sendo isso verdade ou não, é certo que a cola de unir suas faixas é a sinceridade do eu-lírico musical que, muito mais maduro do que costumamos escutar no pop mainstream, se permite sentir a fundo tudo o que acontece à sua volta. Quase como uma sessão de terapia, podemos acessar as partes mais pessoais da cantora, de forma que poucos teriam coragem de permitir.

Esse amadurecimento, que cresce no decorrer das faixas, é exaltado na quase profética Me Without You. Valorizando instrumentos clássicos como violinos e cellos – prática que ela adota em várias canções -, Ashe nos dá um alto e claro recado: o amor é uma dádiva, incrivelmente maravilhosa, mas não basta por si. Desse modo,  quando canta que está sim muito bem sozinha, afinal o mundo não gira em torno de uma única pessoa, ela liberta a si mesma e a nós, tudo isso em uma narrativa ao melhor estilo carpe diem.

A progressão de Ashlyn começa a se estabilizar a partir do meio do disco, ficando cada vez mais imersiva. A voz suave e marcante da cantora nos leva entre o aconchego de Taylor e a angústia de Always, nas quais podemos sentir na pele a sua dor. Mas nenhuma poderia ser mais marcante do que a carta de amor e despedida que Ashe escreve para seu irmão em Ryne’s Song. A música, que simplesmente por suas batidas já é capaz de emocionar, toma outras proporções depois do segundo episódio da série de vídeos que acompanharam o lançamento do disco.

Caminhando por diversas formas de amor, somos embalados entre o romantismo e a fraternidade, abrindo possibilidades infinitas de sentimentos. Essa mistura abrangente faz com que nos identifiquemos cada vez mais com a narrativa, uma vez que, pelo menos, uma das 14 faixas do álbum irão se encaixar com sua realidade, mesmo que não literalmente. Ao nos entregarmos às sensações dispostas pelo disco, Ashe dá a possibilidade de a sentirmos por meio de nossos ouvidos.

E, falando de toda a personalidade da coletânea, a cantora nos permitiu, primeiramente, tirar nossas próprias conclusões para, então, explicar o que desejava transmitir com cada canção. Potencializando sua narrativa, o álbum passa a ter duas versões, duas perspectivas e duas interpretações, ambas igualmente poderosas. E talvez seja por isso que, na única vez em que levanta sua voz, sentimos nosso coração sangrar junto ao dela, entoando: “Não quero que você vá, mas vou ficar bem/E eu vou te amar/Uma última vez, pela última vez”.

Mas é no momento em que estamos mais envolvidos que uma repetição indesejada quebra o ritmo de nossas emoções. Moral of the Story é a música que dá base ao álbum por sua importância e também pela narrativa, que nos permite encaixar os quebra-cabeças que constroem Ashlyn. Porém, ao ser repetida em sua faixa bônus, na parceria com Niall Horan, ela acaba diminuindo seu impacto. Uma única vez bastaria para demarcar seu lugar de direito no disco. Além do mais, caso apenas o dueto estivesse presente, ainda ajudaria a construir uma progressão, já que a primeira canção do álbum também é uma parceria. 

Ao iniciar e encerrar com uma pitada de vocais masculinos no delicado caminho da voz de Ashe, poderíamos ter uma camada a mais de ingredientes e tons. Não que isso faça falta pois, muito pelo contrário, é a suavidade da cantora que tanto nos prende na coletânea. Porém, ao dar certa relevância para suas parcerias, o álbum seria capaz de ter uma construção mais sólida, e talvez até resolvesse a questão de se assemelhar a uma playlist.

Contudo, mais do que a preocupação de entregar uma obra com grande valor sonoro, a cantora também toma cuidado para que seus complementos visuais sejam tão magníficos quanto. Dando destaque para o clipe de Till Forever Falls Apart, ao lado de FINNEAS, a música sinestésica ganha ainda mais vida e cores, se transformando na melhor definição possível de arte. Mantendo o controle e a personalidade em todos os aspectos de sua produção, Ashe constrói um trabalho coeso e completo.

O single, que abre o disco, é uma representação sonora de toda a coletânea, uma vez que o amor incontrolável, inconsequente, e até mesmo um pouco sufocante, ali descrito é uma bela entrada que equilibra a relação tempo e amor de forma sutil, mas ainda poderosa. O dueto resgata o romantismo renascentista sem deixá-lo datado, construindo suas camadas, aos moldes de Romeu e Julieta, e materializa o que, muitas vezes, não conseguimos colocar em palavras. A música é sim exagerada e excessiva, mas não seria o amor exatamente isso?

Retornando sempre para a questão cronológica e a forma com que lidamos com isso, Ashlyn se preocupa em olhar para o passado a fim de se permitir sentir o futuro. Como uma bela forma de se despedir e colocar pontos finais em suas histórias, o álbum é também um convite para olharmos para nós mesmos e buscarmos fazer o mesmo. Ele não se preocupa em cutucar feridas antigas, mas em refletir sobre elas para que tais dores possam se curar para sempre.

E, por mais que pudéssemos citar inúmeros adjetivos para caracterizá-lo, nada poderia definir melhor o disco do que honestidade. A coragem necessária para abrir sua pessoalidade de forma tão sincera é o que mais encanta na obra de Ashe. Sem medo ou pretensão de conquistar os primeiros lugares da Billboard – o que seria bem-vindo -, a cantora apenas espera que tenhamos gentileza ao escutar sua história.

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Ana Júlia Trevisan e Laís David

Por vezes amada, e em outros momentos odiada, a Nova MPB é um inegável acontecimento no cenário musical nacional. Diariamente surgem artistas novos, trazendo sonoridade contemporânea nas infinitas possibilidades que existem dentro do gênero. O que ninguém poderia imaginar era que uma mera estudante de Ciências Políticas iria se tornar uma das referências do pop independente brasileiro. Em 2018, ela assumiu o nome artístico de DUDA BEAT e lançou seu aclamado álbum de estreia, Sinto Muito. Após três anos de espera, ela se aventura novamente entre fusões rítmicas e composições românticas com seu segundo disco, Te Amo Lá Fora.

Foi limpando pisos e pintando paredes que a artista custeou, com muito sufoco, seu álbum de estreia. Com o sucesso do debut, ela não precisou dos antigos bicos para garantir a elaboração de Te Amo Lá Fora, mas continuou com o selo independente. Lux Ferreira, grande amigo de DUDA, e , seu namorado, são as geniais mentes por trás da produção do disco. Conhecidos como Lux & Tróia, a dupla de produtores conseguiu evoluir drasticamente desde Sinto Muito.

Os preparativos para o que seria o segundo trabalho de DUDA BEAT começaram com a mais pura delicadeza da pernambucana em nos dar um tapa da cara, pegar no ombro, sacudir e ainda gritar: ACORDA! – e isso foi com o carro-chefe de Te Amo Lá Fora, Meu Pisêro. Respeitando seu regionalismo, DUDA referencia a pisadinha nordestina, gênero musical que vem ganhando cada vez mais destaque nos últimos anos. Além de ser bem radiofônica, ela tem uma ótima construção de versos e uma quebra de expectativa no último refrão, que nos coloca a par do sentimentalismo da cantora.

O álbum inicia esbanjando brasilidade. Tu e Eu abre o disco com os vocais da figura pernambucana e cantora Cila de Coco. Sob os samples dos inesquecíveis sambas Lá Vem Ela Chorando e Coração de Papel, Tu e Eu é a homenagem certeira à terra natal da artista, Pernambuco. O samba de coco guia a canção, que, logo em seu começo, mostra a intenção de DUDA BEAT com o trabalho. É impossível continuar parado, afinal, quem não se arrepia ao ouvir as palmas ritmadas em forma de roda? 

A exploração rítmica da cantora é feita por completo. Te Amo Lá Fora não se apega só a instrumentos elétricos ou sintetizadores, mas também inova ao utilizar sons diversos e pouco trabalhados em produções de estúdio. Mais Ninguém tem a participação marcante da flautista Aline Gonçalves em um solo cativante, e a faixa Melô de Ilusão carrega um certo sabor psicodélico. O compasso minimalista contrasta com um lirismo melancólico, sensual e quase assustador: ‘‘Queria controlar os seus pensamentos/Para não ter dúvidas se você gosta de mim’’.

As músicas conversam entre si e DUDA conversa com seus convidados. O cantor baiano Trevo é participação mais que especial em Nem um Pouquinho, uma mistura irresistível de trap e o pagode baiano. Em uma das melhores composições do LP, ela lastima: ‘‘Quando eu vi/Eu fui piada/Você ria/E eu chorava”. Enquanto isso, 50 Meninas é um caldo do deboche brasileiro combinado com um reggae intrigante. Seguindo a vibe do sofrimento adolescente, DUDA BEAT cria de forma lúcida a velha história da ilusão amorosa com o garoto popular. Com um olhar maduro, o difícil é não reconhecer, ou até mesmo se identificar, com a narrativa.

O disco explora quase todas as vertentes do pop possíveis: GAME é um sucesso electropop imediato. A pernambucana traduz muito bem o jogo de desinteresse que ocorre dentro de relacionamentos amorosos: ‘‘Eu perguntei por que o amor não conquista o amor/Eu perguntei por que o desprezo conquista o amor’’. Parece que DUDA BEAT está decidida a desestabilizar o psicológico do ouvinte, e ela faz isso com destreza. Já Tocar Você é a fantástica imersão da cantora dentro do house, em um som que parece mais uma viagem rápida até Chromatica. 

Nem tudo é sofrência: Decisão de Te Amar consegue conquistar, com maestria, logo em suas primeiras notas. Entre respingos de reggae, a coprodução do baterista Patrick Laplan quebra os vícios composicionais da tracklist e mostra uma DUDA mais vulnerável e apaixonada. Romântica, ela se declara: ‘‘Te digo mil vezes/Que o nosso amor/ultrapassou as estrelas’’. Quem comove também é a balada Meu Coração, que leva um eu-lírico masculino e é o maior destaque de evolução da dupla Lux & Tróia, que já havia experimentado o desapego ao lado da cantora.

A produção de um segundo disco é sempre desafiadora, principalmente quando músicas do primeiro se tornam hits. A pernambucana mergulha de cabeça e sem medo de se afogar em uma mistura de culturas e sons: Te Amo Lá Fora é uma carta de amor à música brasileira. Coeso, ele atinge todas as expectativas, não decepcionando nem em suas faixas mais inconsistentes. Assim como Jaloo, MC Tha e Johnny Hooker, ela consegue mesclar pop e MPB de uma forma majestosa, fazendo com que até os mais céticos ao gênero comprem o trabalho.

Em relação a seu primeiro álbum, Te Amo Lá Fora só se compara à originalidade. DUDA BEAT consegue se renovar, mantendo sua destra essência e integridade. A cantora é uma caixinha de boas surpresas dentro de seu mundo musical – após seu recente trabalho com Nando Reis. O LP tem ela por completo, com um disco linear, palpável e memorável. Ouvir as faixas nos faz sentir amigas próximas de DUDA, que responde a qualquer dúvida que ainda poderia ter ficado sobre sua posição dentro da Nova MPB. 

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