Marcela Jardim

Blank Space, Shake It Off e Bad Blood são apenas alguns hits de uma das eras mais icônicas da ‘loirinha’. Os clipes, a estética e as músicas do 1989 marcaram a transição de Taylor Swift do country para o pop, que mergulhou de cabeça nesse novo gênero – o que deu muito certo. Red (2012), o antecessor do álbum, já havia mostrado sinais de uma mudança estilística, mas 1989 foi a confirmação dessa transformação, apresentando um som claramente mais synth-pop e inspirado pela década de 1980.

Lançado em 2014, o álbum foi um fenômeno cultural e comercial. Taylor Swift quebrou recordes, vendendo mais de um milhão de cópias na primeira semana nos EUA e ultrapassando dez milhões de exemplares mundialmente. Nove anos depois, a relevância de 1989 foi reafirmada com o lançamento de 1989 (Taylor’s Version), que também atingiu números impressionantes, retificando a artista como uma potência na indústria musical. Swift se tornou a primeira a ter seis álbuns estreando com mais de um milhão de cópias vendidas, um feito que reflete não só sua habilidade como compositora e performer, mas também sua conexão inabalável com os fãs.

O 1989 marcou a revolução do pop na década de 2010, ajudando a consolidá-lo como o gênero dominante da época, com influência de artistas como Madonna, Cyndi Lauper e outros ícones dos meados de 1980. A cidade, o verão, as gaivotas e o ar nostálgico representados na arte do álbum ajudaram a moldar a cultura pop da época. A narrativa de 1989, que o torna um disco autêntico e pessoal, ressoou na forma como os artistas passaram a posicionar seus trabalhos. A busca pelo storytelling que equilibra intimidade e universalidade se tornou uma estratégia comum no pop, exemplificada por álbuns como 25, de Adele, e Melodrama, de Lorde. Musicalmente, o uso de sintetizadores, batidas eletrônicas e uma produção minimalista não só inovaram, mas também influenciaram outros artistas, como Sabrina Carpenter e Olivia Rodrigo, e criaram tendências duradouras no gênero.

O disco é repleto de nostalgia e reflexões pessoais, com letras que lidam com amor, desamor, crescimento pessoal e a busca por identidade. Muitas das músicas do álbum são vistas como autobiográficas, com uma mistura de romance e introspecção. A crítica especializada foi bastante positiva, destacando a maturidade na escrita da artista, que passou a explorar questões de vulnerabilidade e empoderamento de maneira mais complexa. Assim, 1989 venceu em três categorias na edição de 2016 do Grammy Awards, incluindo Álbum do Ano, a principal da premiação.

O impacto de 1989 é visível no sucesso subsequente de Taylor Swift, ao passo que a evolução de sua carreira pode ser analisada à luz do que o disco representou para sua reinvenção artística. A recepção da era, em comparação com outras fases da carreira da ‘loirinha’, foi singular. Além do sucesso do álbum, durante o mesmo período ocorreu os conflitos entre Taylor Swift e Katy Perry, o que resultou na música Bad Blood, faixa em colaboração de Kendrick Lamar. O videoclipe contou com a participação de celebridades e amigas da cantora, como Selena Gomez, Gigi Hadid, Cara Delevingne, Zendaya e Hayley Williams.

O disco foi marcado por videoclipes singulares e hiper produzidos. A produção da faixa de Shake It Off mostra a ‘loirinha’ tentando se encaixar em diversos grupos sociais diferentes, como bailarinas, dançarinos de hip-hop e líderes de torcida. “Ao invés de escrever uma música que estivesse me vitimizando, eu quis escrever uma música alegre, que desse às pessoas uma maneira de aguentar qualquer quantidade de coisas ridículas que a vida está colocando no caminho deles. Mas que também os faça querer dançar”, declarou a artista em entrevista para iHeartRadio, explicando o significado da canção e sua representação visual, que conta com mais de 3.5 bilhões de visualizações no Youtube.

Em Blank Space, a cantora contracena com o modelo norte-americano Sean O’Pry, onde há uma sátira em que a namorada é possessiva, carente e dramática e, ao descobrir que está sendo traída, faz a vida do ex um inferno, afirmando que ele logo será substituído. Taylor Swift inspirou sua personagem a partir das críticas e suposições da mídia em relação a sua pessoa, como disse na entrevista para iHeartRadio. “Comecei a pensar em como este personagem é interessante, se ela fosse uma pessoa real com todas estas qualidades e atributos, qual música ela escreveria? E tenho quase certeza que seria assim”, conclui. Já o clipe de Wildest Dreams captura o tom emocional da música, unindo beleza visual e uma narrativa sobre a efemeridade do amor. Com uma estética deslumbrante e cinematográfica, ele evoca romantismo e saudade, apesar de enfrentar críticas por possíveis conotações colonialistas. Ainda assim, destaca-se como um marco visual na carreira de Swift.

Ao comparar as faixas You Are In Love e This Love, revela-se uma narrativa de amadurecimento e introspecção emocional, características do universo lírico de Taylor Swift. Em ambas as músicas, encontramos retratos poéticos do amor; a primeira destaca a serenidade e a cumplicidade de uma relação estável, enquanto a segunda aborda a ideia do amor que vai e volta, sendo moldado pelo tempo e pela aceitação de sua natureza cíclica. Esses temas se conectam à visão mais madura da artista sobre relacionamentos, presente no álbum 1989, onde ela reflete o impacto do tempo nas conexões emocionais. 

Porém, já em composições como How You Get the Girl e Wonderland, se oferece visões contrastantes sobre o amor e os desafios que o cercam, refletindo a habilidade de Taylor Swift em explorar nuances emocionais complexas. Em How You Get the Girl, ela adota um tom direto e quase didático, descrevendo como reconquistar um amor perdido, capturando a simplicidade e a vulnerabilidade dos relacionamentos juvenis. Wonderland utiliza a metáfora do clássico de Lewis Carroll, Alice no País das Maravilhas, para representar a sedução e o caos de um romance avassalador, onde a paixão desenfreada leva à perda de controle. Juntas, essas faixas mostram como Swift navega por diferentes dimensões do amor, equilibrando leveza e intensidade, e demonstram sua habilidade para transformar experiências pessoais em histórias que ressoam universalmente.

Abordando outro lado do amor, a música All You Had To Do Was Stay explora diferentes estágios de frustração e nostalgia que emergem em relacionamentos complicados, destacando a habilidade de Taylor Swift em capturar nuances emocionais universais. Há um lamento direto sobre a simplicidade de manter uma conexão que foi quebrada, expressando vulnerabilidade através de um refrão marcante inspirado por um sonho peculiar. Já Welcome To New York é uma das faixas que destacam temas de autodescoberta, liberdade e o impacto da mídia na vida pessoal, compondo uma narrativa coesa sobre como Taylor Swift lida com sua imagem pública e suas experiências pessoais. Há uma celebração da reinvenção, com a cidade simbolizando um espaço de liberdade e possibilidades, a música reflete otimismo e uma visão utópica, mas também pode ser vista como um comentário sobre a busca por autenticidade em meio à pressão da mídia.

Por fim, Clean, última faixa da primeira versão de 1989, foi escolhida pela artista para encerrar o álbum devido ao seu significado pessoal e emocional. Para ela, a canção representa a conclusão de um processo de superação que ela vivenciou nos últimos anos, especialmente em relação à exposição e críticas intensas sobre sua vida pessoal. Durante esse período, Swift sentiu que a atenção sobre sua vida fora da música havia ofuscado suas realizações artísticas, mesmo enquanto fazia shows lotados ao redor do mundo e conquistava sucesso com suas canções. No entanto, ao finalizar o disco, a compositora sentiu que havia recuperado o controle de sua narrativa, com a música novamente no centro das discussões. A música aborda a experiência de enfrentar a dor e, com o tempo, alcançar a superação, refletindo o momento em que Taylor se sentiu renovada e em paz com sua trajetória.

A The 1989 World Tour, que aconteceu em 2015 para promover o álbum, foi cuidadosamente elaborada para criar uma experiência imersiva. O palco principal possuía uma passarela extensa que aproximava a cantora do público, complementado por plataformas móveis, telões gigantes e um sistema de iluminação sincronizado com cada música. Os figurinos glamourosos e futuristas refletiam a estética arrojada e sofisticada do disco. Além das coreografias elaboradas e energizantes, um dos elementos mais inovadores foi a distribuição de pulseiras LED aos fãs, que piscavam em sincronia com a música, transformando a plateia em parte do espetáculo. 

A mensagem central da turnê foi o empoderamento feminino e a celebração da auto-descoberta. Em discursos entre as músicas, a cantora frequentemente compartilhava reflexões sobre sua jornada pessoal, destacando temas de força, superação e independência. Um dos aspectos mais comentados da turnê foi a presença de convidados especiais em quase todas as apresentações, como Mick Jagger, Justin Timberlake, Lorde e Serena Williams. Essas participações tornaram cada show único, adicionando um elemento de imprevisibilidade e encanto ao espetáculo. Considerada como a turnê mais lucrativa de 2015, a grandiosidade do espetáculo fez com que a The 1989 World Tour se tornasse um marco cultural e artístico, elevando os padrões para turnês pop.

Da mesma forma, o ato de 1989 na The Eras Tour é uma celebração vibrante e nostálgica de uma das eras mais transformadoras da carreira de Taylor Swift. Durante os shows, a cantora revive os hits como Blank Space, Shake It Off e Style, mas agora com uma energia renovada, que reflete não apenas seu crescimento como artista, mas também a ressignificação emocional dessas músicas uma década depois. Enquanto a era original de 1989 foi moldada pela estética clean e moderna, inspirada na década de 1980, com referências sutis à moda vintage e aos sintetizadores pulsantes que definiram o som do álbum, na The Eras Tour o ato se destaca por uma produção visual grandiosa. As roupas usadas por Taylor no palco são brilhantes e glamourosas, evocando um senso de espetáculo que ultrapassa a sofisticação discreta do passado. Os telões e cenografias utilizam tons vibrantes e luzes dinâmicas, complementando a energia contagiante das músicas e recriando o ambiente pop otimista que o disco trouxe ao cenário musical na época.

A regravação do álbum foi tão bem recebida pelos fãs da artista quanto a primeira versão. A produção do Taylor’s Version é fiel ao som cristalino e moderno da discografia original, com toques atualizados que refletem o amadurecimento vocal e técnico da cantora. Suas interpretações agora soam mais maduras, mas sem perder a energia e o frescor que tornaram 1989 tão impactante. As ‘faixas do cofre’, como Is It Over Now? e Now That We Don’t Talk complementam perfeitamente o restante do álbum, explorando temáticas de amor, saudade e superação com a profundidade lírica característica da compositora. Essas adições não apenas enriquecem a discografia, assim como também dão aos fãs novos vislumbres das histórias e emoções da era 1989. Assim como as regravações anteriores, 1989 (Taylor’s Version) reafirma a posição de Taylor como uma artista que luta pela autonomia e pelos direitos criativos, enquanto celebra sua própria evolução e relação com os fãs.

Uma década após seu lançamento, 1989 consolidou-se como um marco na história da música pop, redefinindo a trajetória de Taylor Swift e ampliando seu alcance artístico. O álbum apresenta letras que capturam com precisão as emoções e os dilemas de uma jovem adulta. Com hits atemporais, o disco não apenas dominou as paradas, mas também trouxe uma nova estética visual, minimalista e moderna, que influenciou profundamente a cultura popular. O sucesso de 1989 se refletiu em sua recepção crítica e comercial, incluindo múltiplos Grammys, além de recordes impressionantes de vendas e streaming. 1989 transcende o tempo e, mais do que apenas uma coletânea de músicas, o disco é um testemunho atemporal de reinvenção, relevância cultural e da capacidade da Arte em refletir e moldar uma geração.

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Ana Laura Ferreira

“O mundo gira, outro dia, outro drama” é apenas uma das frases do single de abertura da era reputation que, há 5 anos, revolucionou tudo que sabíamos – ou pensamos saber – sobre Taylor Swift. E ela não poderia ser mais franca. Drama é uma palavra recorrente na vida da cantora, mas que ganhou novos fins ao ser transformado em um dos maiores álbuns pop de todos os tempos. A fama de reputation foi um tanto tardia, com a crítica especializada da época defendendo que ela poderia ter feito mais. Mas como qualquer grande obra de arte, foi apenas depois de anos que nos encontramos maduros o suficiente para apreciar sua grandeza.

O álbum surgiu em um contexto um tanto conturbado na vida de Swift. Depois de anos sendo obrigada a reviver sua história com Kanye West nos palcos do VMA de 2009, Taylor viu sua carreira ser chafurdada por críticas e especulações com o lançamento do single Famous, de Ye. Na canção, West ofende a cantora deliberadamente, atribuindo a ele a fama de Taylor. Reviravoltas a parte, o episódio foi responsável por afastar a artista dos holofotes por quase um ano após o fim da The 1989 World Tour. Sem saber quais seriam seus próximos passos, os fãs foram surpreendidos quando, em meados de 2017, Look What You Made Me Do deu as caras com todo o shade que o momento merecia.

Trazendo suas antigas versões, a loirinha aproveitou o clipe para passar um recado alto e claro: a partir daquele momento, ela estaria tomando de volta o controle de sua própria história. E é sobre isso que reputation se trata. Indo narrativamente além do que a cantora já havia mostrado em outros pontos de seus, até então, onze anos de carreira, o disco envolve muito mais do que apenas um acerto de contas. Ele se dedica a explorar uma nova versão, sem impedimentos, dos gostos e experimentações de Taylor, com a liberdade de não se importar mais em como anda sua reputação.

Definir o disco em palavras é um tanto difícil. Isso porque o sexto álbum em estúdio da cantora se constrói em torno de metáforas e simbologias, muito mais complexas e significativas do que poderíamos dizer. Seu teor sonora e narrativamente carregado, explícito em músicas como I Did Something Bad, fazem deste um álbum noturno, assim como Lover – seu disco seguinte – poderia ser definido como matutino. Ele traz uma atmosfera underground mesmo em meio ao mais puro conceito de pop, sendo uma ambiguidade por si só. Todas as camadas de construção que ajudam a criar essa estética para reputation não poderiam ser entendidas como menos que catárticas.

Iniciando suas 15 faixas com …Ready For It?, logo de cara temos um aperitivo de todos os contextos que serão trabalhados na coletânea. Basta uma leitura rápida nas músicas que compõem o álbum para descobrirmos duas coisas: 1) o disco não se trata apenas de uma parte específica da vida de Taylor, mas de como, após seu ano sabático, ela analisa toda sua carreira; e 2) experimentação é a palavra que comanda o trabalho. Faixas como Don’t Blame Me trazem uma sonoridade quase profética e fantasiosa, enquanto Delicate resgata o vocoder, o “pai” do atual auto-tune, para que mesmo em meio a sintetizadores possamos ter acesso a uma experiência incomum para a música da época.

Assim como qualquer outra era de Taylor, reputation não ficaria de fora de uma carregada estética própria. Jogando com as inúmeras metáforas que sua reputação permitia, foi estampando capas de jornais que Swift decidiu erguer a nova fase. Além de representativa, a “brincadeira” feita com as diversas manchetes as quais era citada, em combinação com tons mais sóbrios como cinza e preto, contrastam com a leveza de músicas como Gorgeous. O que temos é mais um simbolismo de como a cantora não se limita pelas histórias a qual foi – sem permissão – inserida, mas constrói a sua própria, com altos e baixos, tristezas e alegrias, términos e recomeços, fúrias mas também calmaria.

Apesar de hoje isso não ser mais realidade, quando lançado, reputation foi taxado como o álbum menos comercial de Swift. E por mais que em um primeiro momento isso até tenha sido verdade, com LWYMMD e Delicate sendo os únicos carros-chefe do disco nas rádios, em retrospectiva podemos ver que era apenas uma questão de tempo. Afinal, não seria por nada que com apenas dois meses de lançamento o disco tenha se tornado o 2º álbum mais vendido nos Estados Unidos em 2017.

Muito dessa resistência, e até mesmo recusa, que o CD enfrentou da crítica e da indústria como um todo, pode ser explicada por dois fatores. O primeiro deles é a falta de previsibilidade, fato recorrente na discografia de Taylor, mas que agora chegava a níveis nunca antes vistos. Saindo de uma carreira consolidada no country, passando por uma transição necessária com Red (2012) e entregando o suprassumo do pop mainstream com 1989 (2014), a mudança para uma versão mais profunda e até mesmo lúdica de sonoridades não era o caminho com maiores apostas. Misturando muitas influências de rock – para o deleite dos fãs da versão ao vivo de We Are Never Ever Getting Back Together -, mas também da música eletrônica e até mesmo uma pitada da sonoridade gospel, o álbum se construiu sem precedentes.

O segundo ponto que levou o disco a ter um apagamento nas grandes premiações, com ressalvas, foi a própria pressão que a mídia especializada sofreu para continuar avaliando Taylor como inferior a sua real genialidade. Em exemplo prático, Geoff Nelson, crítico responsável pela nota D+ do pelo site Consequence Of Sound, veio a público em setembro de 2022 dizer que foi encorajado pela revista a falar mal do álbum e dar a ele uma nota vermelha. “Consequence adorou o engajamento [da resenha] para ter um momento de sucesso”, afirmou Nelson. Poucos dias antes do depoimento, o veículo havia descrito reputation como um dos melhores álbuns dos últimos 15 anos e considerava sua própria nota como um de “seus piores erros”.

Entretanto, não poderíamos falar em reputation sem mencionar Karma, o suposto álbum descartado que deveria ter sido o TS6. Com uma carreira mais do que bem consolidada e periódica, desde seu debut com o disco Taylor Swift (2006), a cantora mantinha um padrão de lançamento a cada dois anos, contabilizando uma década nesse ritmo. A progressão entre uma era e outra também sempre foi natural, com Taylor aparecendo com cores específicas ao fim de uma fase, já prevendo a próxima. Foi em cima de tal recorrência que os fãs da cantora criaram o que é, até hoje, uma das maiores teorizações de seu fandom.

Em meados de maio de 2016 os primeiros boatos começaram. Ao aparecer no MET Gala da Vogue daquele ano com um visual completamente diferente, com ênfase para o cabelo curto e platinado, os ‘swifties’ começaram a imaginar o começo da era que precederia 1989. Depois de muitas especulações, teorias e interpretações, sua fanbase chegou a um certo consenso de que aqueles seriam os primeiros indícios do álbum Karma. Porém, com todos os acontecimentos desde então, reputation ganhou o título de sexto disco da cantora.

Os boatos, contudo, não diminuíram, em especial depois do lançamento do clipe de The Man, do disco Lover, no qual Taylor posa em frente a um grafite com os títulos de todos os seus trabalhos. Entre eles, Karma aparece bem ao centro. Teorias à parte, e sendo verdade ou não, o mais próximo que temos do suposto álbum descartado até o momento é a faixa de mesmo nome, presente em Midnights (2022).

O peso que reputation teve na carreira de Taylor é incalculável, mas podemos ter ao menos uma amostra de seu impacto no documentário Miss Americana, lançado em 2020 pela Netflix. Para além de seu desenvolvimento, como a cômica criação de Getaway Car, o filme nos deu uma visão realista sobre como a cantora lidou com as diversas manchetes e fofocas que resultaram em seu ano sabático. Humanizando a figura de uma diva, o documentário foi capaz de nos aproximar da pessoa além da fama e mostrar a evolução de Swift em superar e ressignificar suas próprias vivências. Foi também na obra que tivemos um gostinho dos bastidores da reputation Stadium Tour, a turnê feminina mais rentável de 2018.

Outro marco que reputation carrega é ser o último lançamento a vincular Swift a sua antiga gravadora, a Big Machine Records. Sem ter direito a suas próprias canções, vendidas sem o seu consentimento, Taylor se retirou do selo a fim de retomar suas músicas lançadas até então. Depois de processos judiciais conturbados, a saída foi a regravação de seus seis primeiros discos. Com Fearless (Taylor’s Version) e Red (Taylor’s Version), que além de contarem com todas as canções originais ainda trazem inúmeras inéditas, Taylor não apenas teve de volta o controle de sua carreira, como mostrou a todos o porquê de ser nomeada como a “própria indústria da música“.

O sexto CD de Swift é muito mais que apenas um álbum: é um marco, se não um divisor de águas no pop. Já sendo reverenciado em toda sua genialidade, é fácil mencionar o disco como uma das maiores produções de Taylor. Eclético, coeso e muito mais complexo do que podemos imaginar, a coletânea é uma narrativa sonora com todos os elementos necessários para se tornar atemporal. Assim como A Night At The Opera um dia foi renegado pela crítica, mas construiu sua própria grandeza, o que impede reputation de fazer o mesmo?

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