Henrique Marinhos

Dirigido e roteirizado pelo cineasta português Artur Serra Araújo, Dulcineia conta a história de Hugo, um contrabaixista de jazz que decide tirar um ano sabático e voltar a Porto, sua cidade natal, em busca de equilíbrio e inspiração. No entanto, como o fio condutor da trama, a sinfonia se desenvolve lentamente em torno de um mistério como um pianista famoso, que toca uma música que o protagonista vem escrevendo na sua cabeça há anos, mas nunca conseguiu colocá-la no papel.

A obra está presente na 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, na seção Perspectiva Internacional, e mistura elementos de romance, suspense e uma quase fantasia. Suas referências também são diretas e bem-vindas, construindo uma base sólida para o desenvolvimento da narrativa: Dom Quixote, que influi o nome da personagem Dulcineia (Alba Baptista) e sua relação com Hugo (António Parra); a própria cultura de Porto, retratada em belas imagens e diálogos; e o jazz, a paixão e a expressão de Hugo e dos demais músicos que ele encontra em sua nova jornada de autoconhecimento. 

Apesar do destaque positivo das atuações do elenco principal, a exploração de temas como a identidade e o destino já são complexas por si só. Além disso, a escolha de utilizar questões fantásticas em um personagem enigmático e contraditório, que vive uma crise existencial e artística, contrapõem ainda mais a clareza da narrativa. Infelizmente, essa dinâmica traz um desenrolar não tão fluido e confortável à plateia – mesmo que talvez fosse para ser assim. 

Em um esforço notável para relacionar o audiovisual com o roteiro, a construção do longa é muito calma e contemplativa. A fotografia de Tiago Carvalho reúne tons frios e escuros em uma ambiência de desesperança, ressaltando os detalhes dos cenários e dos personagens. E assim como o visual, que muitas vezes impulsiona instrumentos musicais como foco, a composição sonora, com o desenho de som por Pedro Marinho e música por Pedro Marques, também reflete estados emocionais e atmosféricos do protagonista de maneira majestosa, alternando entre melodias suaves, harmoniosas, tensas e dissonantes muito bem aproveitadas pelos atores.

No entanto, a montagem, também por Tiago Carvalho, com planos longos e curtos, não entra em uníssono com toda composição descrita até aqui. Aparentemente comprometida com o mistério por sua alternância, a escolha de diálogos, transições e duração dos planos não potencializa tudo que é ofertado pelas boas atuações, fotografia e som. Talvez sequer fizesse diferença em produções mais curtas, mas em seus longos 90 minutos, a concentração e construção de uma linearidade por parte do público poderiam ter sido facilitados, ainda considerando a obra como uma adaptação pelo diretor.

Dulcineia como um todo, na verdade, é uma ode à Música como Arte e parte da vida dos personagens. Apresentada através do contrabaixo, do piano, da guitarra, da bateria e da voz, a orquestra audiovisual transita entre pontos de muita beleza e contemplação e uma tensa confusão expressa pela busca de si mesmo, mas também pela organização, intencional ou não, de cenas contrapostas como entraves para a fluidez.

O filme é, sem dúvida, uma produção com profundidade e ricas referências, dialogando com a literatura, a Música e o Cinema, mesmo que com uma estética representativa de autoconhecimento não tão única assim. O questionamento dos limites das escolhas e desejos do Hugo causam o frio na barriga que só o conhecimento de si mesmo pode provocar – e que bom ser assim. 

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Enzo Caramori

Se a vida real, capturada em seu fluxo, for passível de ser ficcionalizada para ser compreendida, o documentário português Distopia (2021) é um filme de terror que desde seu início já desmascara os seus monstros. Representando Portugal no repertório da Perspectiva Internacional da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o filme introduz o fantasma da gentrificação como o motor dos desterramentos e demolições que atravessam a cidade do Porto, em um retrato de treze anos da vida dos bairros de Bacelo, Aleixo e Fontainhas. Dirigido por Tiago Afonso, a forma documental encontra sua força ao direcionar a câmera tanto aos sujeitos atravessados por essa desterritorialização quanto aos espaços e ruínas, o que constitui uma espécie de anti-documento nessa condição de filmar o que está na iminência de não mais existir.

Distopia é uma narrativa audiovisual de emergência, na qual o imediatismo da filmagem é evidenciado por um gesto que, em um primeiro momento, quase não é cinematográfico. É mais uma construção de um álibi aos processos de injustiça vivenciados pelas pessoas, tanto as hostis quanto as receptivas às lentes de Afonso. O primeiro capítulo é pontuado em 2007, enquanto o espectador acompanha uma comunidade cigana, habitante das barracas da Rua do Bacelo, em suas tentativas de resistência ao despejo e de articulação com o poder público, personalizado pela figura de Rui Rio, o Presidente da Câmara Municipal do Porto na época. O diretor intercede nas discussões — em defesa da ocupação —, além de traçar uma tentativa de reinstalação da experiência pública de comunidade, sob a ótica da comunidade.

Inicialmente, os furtivos registros não eram feitos com o intuito de uma unidade narrativa, sendo ligados posteriormente pela brutal espinha dorsal que é a constância dessas violências. Talvez fosse possível compor um longa-metragem interminável, no qual ainda residiria o ativismo do fazer Cinema na luta para evitar que lares e histórias fossem despossuídas. Tanto que as gravações nos conjuntos habitacionais do Aleixo e na Feira da Vandoma, em Fontainhas, inicialmente pareciam ser paralelas. No entanto, logo se revelaram tangentes pelo mesmo futuro: a aniquilação de qualquer alternativa de vivência coletiva em prol do modelo capitalista de cidade funcionalista.

Os treze anos encapsulados em 62 minutos instigam, para além de um atestado da permanência dos movimentos de desalojamento, uma reflexão sobre a permanência desses lugares e dessas personagens na memória coletiva. Esse esforço se expressa no exercício de Afonso de colocar as crianças moradoras do Aleixo detrás das câmeras, tornando-as diretoras, em um exercício de descrição de suas colegas frente às câmeras. Essa é uma das tentativas de dar voz à materialidade dos afetos e da infância, perdida pela destruição de inúmeras moradas sob o pretexto de sanitização social frente ao tráfico de drogas, além de, claro, deixar o terreno pronto a projetos arquitetônicos de luxo. 

De 2007 a 2021, Distopia é uma teoria de gentrificação que renega prédios modernizados e apáticos, escolhendo desenvolver a experiência através da voz daqueles que foram mutilados por seus efeitos. Além do passeio temporal, subjetivo e geográfico, o título português é também um perambular estético sobre a transformação das fontes visuais e sonoras que estruturam os retratos de despossessão das comunidades de suas habitações e de suas práticas de sociabilidade. O objeto do olhar é variado: ratos mortos, destroços, multidões e barracos improvisados tomam a tela. Embaixo de viadutos, com caixas de som e olhares distantes, se rememoram as (re)existências de outros modos de viver em outros ritmos. Memórias essas de quando se era possível existir em um espaço com liberdade; onde reinava a brincadeira de crianças contra a crueza de uma cidade que não mais é um direito, mas sim um decreto de expulsão.

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Nathália Mendes

Submerso nas águas de uma piscina qualquer, Pedro Miguel (Nuno Nolasco) abre os olhos e enxerga um azul sem fim. A vastidão do desconhecido é iluminada por feixes de luzes brilhantes vindas de um mundo acima do seu, enquanto as bolhas de seu oxigênio flutuam ao redor e ele só está ali, existindo. Não há como imaginar que esse momento é mais uma tentativa do protagonista em enfrentar sua aquafobia, mas sim que o mesmo estaria tão intrinsecamente conectado com a premissa de Mar Infinito. O longa estreou na Competição Novos Diretores na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo como um filme de ficção intergalático em que um jovem luta por um lugar com a humanidade fora do planeta, mas é, na verdade, a solidão de uma geração sem rumo, afogada por uma incerteza esmagadora.

Esse é o primeiro longa-metragem escrito e dirigido por Carlos Amaral, conhecido pelo curta Longe do Éden. A sua produção portuguesa transformou o baixo orçamento, que nunca alcançaria um audiovisual mediano de viagem pelo universo, em uma reflexão sobre a parcela da sociedade que é deixada de fora quando os ricos aventureiros decidem saltar para fora do planeta Terra. Em Infinite Sea, Pedro Miguel tenta hackear o sistema que o reprovou por fobia de água, para, assim, poder embarcar na Proxima Centauri e se juntar à colonização de um astro desconhecido. Sua rotina monótona mostra um mundo completamente habitável e saudável, mas abandonado, e os humanos que ficaram vivem em um ciclo de desesperança e melancolia. Depois de tantos meses frustrado, o protagonista conhece Eva (Maria Leite) e, compartilhando um desgaste existencial, a jovem se torna a única motivação para continuar.

Acompanhado de uma trilha sonora prazerosa e esporádica, o filme desenha uma obra de solidão completa. O casal não desiste de alcançar o futuro na Proxima Centauri, e, no ritmo deles, assistimos o mundo numa paleta de tons azuis e violetas, com personagens mais velhos enfurnados em buracos abandonados e afirmando que suas existências foram descartadas. Persistindo, o casal descobre-se a si próprio e ao outro, como, por exemplo, quando Eva ensina Miguel a nadar e ele a ensina a andar de bicicleta, conhecimentos simples que pertencem à infância. Isso mostra a proporção do sentimento de abandono que ambos apresentam, uma contrapartida com os filmes futuristas famosos no Cinema.

A personagem de Eva é consistida na pura adição de frases narrativas sobre o peso existencial, todas clichês, e, ainda assim, dolorosas ao peito. “Às vezes sinto que já fomos embora e estamos a caminho, flutuando no espaço enquanto sonhamos com a vida no destino” é uma das falas na voz deleitável de Maria Leite que são um soco no estômago, pois exemplifica como a geração millennial parece se encontrar: andando num infinito espaço-tempo, sem a certeza de, se ao cruzar a ponte, encontrará alguma vida.  Em conjunto com isso, Miguel entende que eles são descartáveis; os escolhidos possuem seu lugar, mas há futuro para eles?

Após os jovens conseguirem embarcar no programa, o longa mostra o seu tom mais reflexivo e confuso. O casal entra em um sono induzido debaixo d’água até chegar ao destino prometido, mas quando acordam Miguel está sozinho. Ele segue seu caminho em uma terra lamacenta, se mantendo com a promessa de procurar Eva “depois do mar infinito”, e sua realidade mistura-se ao devaneio. Não sabemos se toda a trajetória realmente aconteceu, ou se Eva é a voz na mente de Miguel que o compele a não desistir em um futuro que mais se assemelha a um pesadelo. Assim, com uma estética visual perfeita e um tom calmo demais que anda e não chega em lugar algum, Mar Infinito pauta na Mostra de São Paulo o temor paralisante em ver o mundo avançando, mas tudo o que se enxerga do lado de cá é um horizonte aguado, sem esperança de alcançar terra firme. É como se estivéssemos submersos, assistindo o resto do mundo num azul infinito.

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