Marcela Jardim

Ao completar dez anos de lançamento, Hotel Transilvânia 2 (2015) se consolida como um marco interessante dentro da cultura pop da última década. A sequência da animação de Genndy Tartakovsky, longe de ser apenas uma repetição de piadas sobre monstros deslocados, revela um subtexto importante sobre herança, identidade e aceitação da diferença. O enredo gira em torno da ansiedade de Drácula com o futuro de seu neto, Dennis, fruto do casamento entre Mavis, sua filha vampira, e Johnny, um humano. A dúvida – será ele um vampiro ou humano? – funciona como metáfora para o medo de perda de tradição, de apagamento de uma linhagem cultural e, em última instância, da falência de uma identidade.

O nervosismo de Drácula (Adam Sandler) em relação ao destino de Dennis (Asher Blinkoff) dialoga com pressões familiares comuns a diversas culturas, em que se espera que filhos e netos carreguem adiante o ‘legado’ dos mais velhos. A frustração diante da possibilidade de o menino não ser vampiro traduz, de maneira lúdica, o medo da descontinuidade: a ameaça de que o passado não encontre eco no presente. Ao projetar essa angústia no corpo de uma criança, o filme revela como a sociedade frequentemente deposita em crianças e jovens expectativas que não pertencem a eles, mas às gerações anteriores.

Essa situação evidencia também um choque geracional inevitável. De um lado, Mavis (Selena Gomez) e Johnny encaram a vida de forma mais aberta, convivendo com naturalidade entre humanos e monstros. Do outro, Drácula insiste em preservar fronteiras rígidas, acreditando que só a manutenção da “pureza” vampírica garantiria segurança e continuidade. Esse conflito traduz tensões contemporâneas sobre hibridismo, multiculturalismo e convivência com a diferença. O longa, ainda que travestido de comédia infantil, articula um discurso sobre a dificuldade que sociedades tradicionais têm em lidar com a pluralidade.

Mavis, por sua vez, surge como a personagem que mais claramente rompe o ciclo de ódio aos humanos, já que seu relacionamento com Johnny representa a superação das barreiras erguidas pelo próprio pai. No entanto, sua trajetória não é de plena adaptação: ao visitar a família de Johnny (Andy Samberg), ela é vista de forma estereotipada, como alguém exótica e fora de lugar, lembrando o preconceito se reinscreve de formas sutis. Essa tensão reforça como a convivência entre mundos diferentes exige mais do que tolerância inicial, também demanda transformação estrutural, algo que nem sempre o contato individual consegue garantir. Assim, Mavis encarna o dilema de quem tenta viver entre fronteiras, mas continua sendo enquadrada por olhares externos que a reduzem a uma identidade fixa e caricatural.

É interessante notar que, ao contrário do que poderia sugerir uma narrativa linear, Drácula não avança em direção ao progresso, ele regride. Depois de, no primeiro filme, ter aceitado os humanos e aprendido a respeitar o amor de sua filha, aqui ele volta a agir de forma intolerante e controladora. Essa regressão é significativa: lembra que aceitar a diferença não é uma conquista definitiva, mas um exercício contínuo. O personagem, ao tentar manipular o neto para que este se torne vampiro, simboliza a tentativa de impor tradições a qualquer custo, mesmo quando o presente aponta em outra direção.

Outro fator que explica a relevância da obra é a consolidação da franquia como fenômeno cultural e comercial. Hotel Transilvânia 2 não apenas manteve o interesse do público após o sucesso do primeiro, como garantiu fôlego para novas sequências, séries derivadas e um universo expandido de produtos. A mistura entre personagens monstruosos clássicos, como Drácula, lobisomens, múmias, Frankenstein, e dilemas cotidianos deu certo porque equilibrava a fantasia com conflitos universais. As crianças riam das trapalhadas, os adultos reconheciam, em chave caricatural, discussões sobre família, mudança e tradição.

Dez anos depois, rever Hotel Transilvânia 2 é perceber como uma comédia de monstros animados conseguiu traduzir debates profundos em chave lúdica, com humor, cor e ritmo. Seu legado está tanto no impacto comercial, que garantiu longevidade à franquia, quanto na sutileza com que ofereceu uma reflexão sobre família, tradição e diferença. Um lembrete de que até os vampiros mais poderosos tremem diante do futuro e de que as novas gerações, humanas ou não, sempre desafiam os padrões do passado.

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Gabriel Gomes Santana

Há duas décadas, o mundo foi contemplado com o lançamento de uma das animações que mais revolucionaram o Cinema: Shrek. Essa prestigiada obra-prima reuniu o que há de melhor sobre piadas de duplo sentido, referências icônicas, paródias e lições de vida sobre autoaceitação e felicidade. Dentre todas essas qualidades, que tal relembrarmos com detalhes a grandeza desse gigante cinematográfico?

Não poderia começar de outro jeito esse texto, sem falar do forte vínculo entre Shrek e sua trilha sonora chiclete. Desconheço uma viva alma que escute All Star, da banda Smash Mouth, e não consiga relacionar instintivamente a canção do grupo americano ao longa Shrek. Eu mesmo quando era criança (não faz tanto tempo assim), me recordo que só fui associar o nome desta música e sua respectiva banda, em um momento de curiosidade epifânica, após ter assistido o filme.

Segundo fontes envolvendo os bastidores, a escolha da DreamWorks pela Smash Mouth aconteceu por conta dos dois primeiros versos do hit I’m A Believer: “Eu pensava que o amor só acontecia em contos de fada, significativo para alguns mas não para mim”. Pois bem, diversas bandas fizeram os testes de audiência de trilha, mas somente esses dois versos conquistaram o coração dos produtores. O curioso é que All Star fez ainda mais sucesso e se tornou trilha de abertura da animação, assim como a canção mais famosa da banda californiana.

Apesar da fama proporcionada pela produtora de Steven Spielberg, se engana quem crê que Shrek seja uma narrativa original da DreamWorks. Apesar da  genialidade, seu roteiro é inspirado na obra homônima de William Steig. No livro, Shrek também foi desenvolvido para o público infantil, no entanto foi graças à perspicácia dos roteiristas, Terry Rossio e Joe Stillman, que a animação foi vencedora do BAFTA em 2002, na categoria de Melhor Roteiro Adaptado.

Além da premiação do BAFTA, a brilhante direção de Andrew Adamson e Vicky Jenson desafiaram dois gigantes concorrentes, Monstros S.A. (Pixar) e Jimmy Neutron (Paramount), candidatos à primeira categoria de Animação do Oscar. Shrek levou o título e ainda concorreu na categoria de Roteiro Adaptado. Mas seu sucesso não se reduz a tais feitos, estas são apenas as consequências do merecido reconhecimento desta animação 3D (método de gravação também utilizado em CGI). As falas e a ousadia de criação dos produtores são a essência cativante desta relíquia animada.

Em um primeiro momento, os diretores Adamson e Jenson teriam entrado em contato com o icônico Chris Farley para a interpretação vocal do protagonista. O comediante dublou quase todas as falas, cerca de 90% das cenas, porém veio a falecer antes que completasse o roteiro da personagem. 

Com isso, as vozes de Shrek, Fiona, Burro e Lord Farquad se imortalizaram nas dublagens originais de Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy e John Lithgow. Aqui no Brasil, Shrek ganhou ainda mais notoriedade devido sua dublagem em português, na qual a presença do querido Bussunda como intérprete do ogro verde é inesquecível!

Shrek é perfeito devido suas imperfeições. Apesar de ser uma frase contraditória, ela resume bem a tônica deste quase-conto de fadas. Digo “quase”, pois esta é uma trama não convencional, ainda que seu encerramento o seja. O enredo nos apresenta contradições nunca antes percebidas ou criticadas pela indústria de animações. Ele explora a temática contrastante entre aparência e essência, nos obrigando a refletir: “como um ogro poderia ter chance com uma princesa?”

Em uma época onde as redes sociais sequer sonhavam em existir, a DreamWorks já estava bolando um plano para conscientizar seu público acerca de temas tão contemporâneos e urgentes. Até os espectadores menos atentos conseguiram perceber que o filme é recheado de mensagens subliminares, conceitos e lições morais (característica típica de qualquer conto de fadas). Se analisarmos os quatro personagens do núcleo principal, cada um deles simboliza os defeitos que comumente presenciamos nas relações humanas. 

Começando por Shrek, nosso ogro favorito. De imediato somos apresentados por um ser carismático, que vive bem consigo mesmo, ainda que sua aparência seja considerada grotesca e ameaçadora pelos outros integrantes do reino. Apesar de ser constantemente hostilizado, sendo alvo de pré-julgamentos, nosso anti-herói demonstra resistência, fingindo não se deixar levar pelas críticas negativas daqueles que não o conhecem, quando internamente é visível o quanto estas questões o incomodam. O Burro por sua vez é uma figura que sofre pelo medo da rejeição. Sua carência e busca por aceitação são insaciáveis. 

Ao passo que Fiona lida com questões de insegurança e abandono. Talvez o fato de ter sido trancafiada em uma torre, à espera de seu salvador, fez dela uma pessoa ansiosa e incapaz de ser honesta consigo mesma. Por fim, e menos importante, Lord Farquaad representa todos os vícios e defeitos de um ditador. Autocrata, vaidoso, demagogo, mentiroso e egoísta, Farquaad sonha em se tornar rei somente pelo título máximo de nobreza, que o legitimaria ainda mais suas práticas absolutas de poder. Qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência.

Afinal, podemos tirar proveito da maneira suave como Shrek lida com pressões emocionais, sobretudo com questões relacionadas à aceitação e pertencimento. Apesar de estar distante de uma análise acadêmica ou um manual de conduta escrito por coachs de auto-ajuda, a jornada deste anti-herói nos revela a beleza do convívio em suas mais diversas formas. A convivência é o grande dilema na vida de todos os personagens. Shrek aparentemente vive bem consigo mesmo, mas demonstra obstáculos de relacionamento. Burro e Fiona são incapazes de enfrentar a solidão e Farquaad se torna refém da validação mútua (ainda que forçada) de seus súditos.

Como todo conto de fadas, os protagonistas conseguem viver felizes para sempre, no entanto eles não deixam de apresentar problemas, muito menos se tornam “perfeitos para sempre”. O casal Shrek e Fiona é a prova disso. Ambos se complementam e constroem um vínculo recíproco de confiança, algo que os torna verdadeiros e livres para continuar apresentando falhas, mas sem deixar de lado a perseverança que o amor exige sem precisar cobrar. O trocadilho presente na última frase “e viveram feios para sempre” diz muito sobre o que podemos extrair como aprendizado.

Ele nos questiona qual é o modelo de amor que a indústria cultural tenta nos vender. Vai mais além e nos obriga a refletir se o amor perfeito realmente existe. Não à toa, seu enredo satiriza diversas obras hollywoodianas de sucesso que exploram a temática de uma maneira assustadoramente clichê. Shrek não é nenhum príncipe encantado, branco, sensível e respeitado. Assim como Fiona igualmente não é uma donzela à espera de um robô sem defeitos. Apesar de tudo, eles conseguem construir a própria história de amor verdadeiro passando por cima de todos os julgamentos de seres que igualmente são imperfeitos.

Por essas e outras razões, a paixão de Shrek e Fiona traz à tona ainda mais luz à insegurança de quem teme ser real. Há muito tempo, nós (humanidade) tememos ser transparentes e com isso, produzimos, vendemos e consumimos padrões de beleza, paixões e amor que são mentirosos. Nos moldamos pelo desejo, abrindo mão daquilo que nos torna realmente felizes.

Por isso, Shrek é antes de tudo uma obra revolucionária. 20 anos atrás, ele se tornou o ogro que ousou ter um final feliz e as pessoas não apenas entenderam o seu propósito como também o abraçaram: fazer piadas da vida como também fazer piadas do ideal que as pessoas criam sobre a vida.

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Flora Vieira

A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas (2021) é o mais novo resultado de um acordo realizado entre as empresas Netflix e Sony: nele, foi decidido que os filmes da Sony e suas subsidiárias (isso inclui a Sony Pictures, produtora do filme), seriam lançados não só no cinema, mas também no serviço de streaming. Esse em específico estava planejado para ser distribuído apenas no cinema, mas uma pandemia entrou no caminho, e a Netflix ganhou no catálogo uma animação cheia de identidade, um drama bem construído e uma comédia de primeira. O mote ‘para todos os públicos’ se faz valer aqui: da criança pequena ao adulto calejado, qualquer um se diverte assistindo a essa obra prima.

Começando pelo aspecto mais óbvio, a animação se destaca com elementos tanto do 3D quanto do 2D, num estilo que lembra muito Homem-Aranha no Aranhaverso (2018), outro filme da produtora. Aqui, diferente de Homem-Aranha, o 3D aparece com um pouco mais de definição, e o 2D (a melhor parte) aparece em formato de desenhos como se feitos em papel, com canetas, lápis, grifa-textos e outros improvisos de papelaria. Esse formato tem também um propósito narrativo, porque esses desenhos são criados pela protagonista da história, Katie.

Falando em Katie, outro aspecto brilhante de A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas são seus personagens e seus conflitos. Katie (Abbi Jacobson) é uma garota extrovertida, criativa e apaixonada por Cinema, que busca aprovação do pai, Rick (Danny McBride), um entusiasta da natureza que pouco se interessa por tecnologia e não se conecta com a filha. Os personagens de apoio, Linda (a mãe, interpretada por Maya Rudolph), e Aaron (o irmão mais novo da família, interpretado por Michael Rianda, o próprio diretor) servem de mediadores do conflito, mas não deixam de ter, cada um, suas diferenças: Linda é determinada e sensível, e Aaron, excêntrico, divertido e com hiperfixação em dinossauros (pois é).

Outro aspecto diferente do drama para uma animação é o esforço do filme em fazer um paralelo entre Katie e Rick, expondo ambos os lados de um conflito não só de interesses, mas também geracional. Os dois têm dificuldades de enxergar o mundo um do outro, e a história aos poucos faz essa conexão, partindo vezes de um interesse de lá, vezes de uma reivindicação de cá, para no terceiro ato fazer com que cada um tenha que usar o que aprendeu com o outro para vencer a grande ameaça do filme: A Revolta das Máquinas.

Essa tal ameaça já é batida no Cinema e na Literatura, e o filme sabe bem disso. Desde os tempos de Asimov, com o livro Eu, Robô (1950), até o “mais recente” Exterminador do Futuro (1985), a história é sempre a mesma: uma inteligência artificial toma conta das máquinas com o objetivo de dominar o mundo. Essa inteligência artificial, outrora Vicky ou Skynet, aqui se torna uma representação de grandes empresas como Apple, Facebook, Amazon e Google, até com um design similar e sugestivo se comparada às duas últimas. Pal (Olivia Colman) é uma assistente virtual que, após a constatação de que se tornará obsoleta, toma o controle dos robôs que a substituiriam e inicia a cruzada para a dominação mundial (uau, eu sei – que medo).

Como dito anteriormente, o filme sabe bem com o que lida porque, apesar do uso de (muitos) clichês, eles se justificam na medida em que não só servem de plano de fundo para a comédia, mas também são referências diretas a outras obras do Cinema, e tudo isso ainda se conecta com a paixão da protagonista pelo universo cinematográfico. Além de Eu, Robô e Exterminador do Futuro, estão presentes outras mais sutis (Jogos Vorazes, Star Wars, Vingadores: Guerra Infinita, entre outras). Elas soam como um tempero nas sequências de ação, também recheadas de comédia, além de uma baita identidade visual.

A comédia é outra coisa que faz do filme especial, e é feita de forma bastante respeitosa. Digo isso porque ela não foi feita por pessoas que são como o Rick e não entendem de tecnologia ou cultura das redes sociais, mas que são como a Katie, inseridas e bem versadas neste mundo. Nunca tinha visto uma comédia voltada para a minha geração antes, e foi uma surpresa muito boa. Quer dizer, tem Furbies nesse filme. Furbies! Eu via os bichinhos em lojas de brinquedo e eles têm um papel maravilhoso nesse filme.

No fim, A Família Mitchell e A Revolta das Máquinas é um bom filme para ver em família. Deixa mensagens positivas que engrandecem a compreensão sobre o universo do outro sem deixar de lado a autenticidade e peculiaridades que nos definem. E faz isso com personagens carismáticos, conflitos facilmente relacionáveis, referências para todos os lados e uma animação de encher os olhos.

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