Caio Machado

A primeira divisão binária que um ser humano encontra ao chegar no mundo é a de gênero. Menino e menina. O primeiro brinca de carrinho, a segunda brinca de casinha. Um veste azul, outra usa rosa, como disse uma figura execrável em Brasília certa vez. Mas por que essa divisão existe? Quem foi que a criou? Deus ou o ser humano? São todos questionamentos que permeiam Hedwig: Rock, Amor e Traição (Hedwig and the Angry Inch), filme que quebra esse muro tão precário com ousadia, Música e revolta.  

Na trama, acompanhamos Hedwig (John Cameron Mitchell), uma mulher transgênero que lidera uma banda de punk rock, a The Angry Inch. Enquanto percorrem os Estados Unidos, seguindo a turnê do astro Tommy Gnosis (Michael Pitt), temos um vislumbre do passado da protagonista, passando pela infância vivida na Berlim Oriental, sua cirurgia de redesignação de gênero forçada (e mal-sucedida) e a vinda aos EUA.  

Assim como Todd Haynes fez em Velvet Goldmine, em Hedwig, o ator e diretor John Cameron Mitchell compreende a Música, especificamente o rock, como um meio de acolhimento para vidas queer. Em flashbacks carregados de delicadeza e humor, o filme mostra a importância que figuras importantes do gênero, como Lou Reed e Iggy Pop, tiveram na formação da protagonista e seu autodescobrimento. O sentimento de identificação com essas personalidades foi fundamental para que se aceitasse como alguém fora do padrão heteronormativo. 

Através de uma cena curta, onde Hedwig ainda criança dança na cama enquanto “we are freaks” ecoa do rádio, o filme consegue demonstrar a melhor sensação que a Música é capaz de proporcionar: a de pertencimento. Sentir que você não está só no mundo e que aqueles versos, naquela melodia, estão conversando diretamente contigo. É um sentimento tão poderoso que devolve cor e força para vidas cinzentas e monótonas. 

A própria vida de Hedwig não foi nada fácil. Desde a infância, o sofrimento e a decepção sempre se mantiveram presentes. Mesmo assim, ela colocava a peruca, passava a maquiagem e seguia em frente, com a cabeça em pé e liderando sua banda. Nenhum personagem precisa falar para ela o quanto é forte pois qualquer momento onde Hedwig canta já diz isso. Performa sempre com uma intensidade capaz de mover multidões, mas seu público é pequeno. O filme faz questão de ressaltar o quanto ela e a banda destoam do ambiente e de quem frequenta o lugar onde se apresentam, mas não entende isso como motivo para chacota. Pelo contrário, vê como símbolo de força, de resistência. Não só Hedwig, mas todos do grupo têm uma confiança que é muito inspiradora. 

Esse espírito tão vibrante, tão corajoso permeia os 93 minutos da produção. Nela, as diferenças, sejam elas de aparência, comportamento ou o que for, são vistas como algo mágico. A magia, repleta de glitter, está presente tanto na vivacidade da fotografia quanto nas cenas onde a obra abraça seu lado fantasioso, como na inserção das letras de uma das músicas para que o espectador cante junto, igual a um karaokê, e nas animações, cheias de personalidade e que servem para ilustrar  as canções e histórias de vida da protagonista. 

Entre essas histórias, está o relacionamento conturbado com Tommy Gnosis. Há uma inocência muito bonita que acompanha as cenas no início da relação dos dois, onde o amor dela faz com que descubra mais sobre ele. À medida que Gnosis desbrava a própria sexualidade e não a aceita, o clima das interações entre os dois se torna profundamente melancólico e o filme se aproveita do drama gerado para ressaltar a ironia: é o que Tommy carrega no nome artístico, o conhecimento (gnosis), que causou a ruína de seu relacionamento com Hedwig. Mais uma vez, dor e decepção passaram pela vida da protagonista.  

À medida que a narrativa avança, a cantora e a banda têm seu instante de fama. A própria montagem do filme fica mais frenética para acompanhar a maior atenção que o grupo passa a receber. O ambiente onde apresentam muda, o antigo amor de Hedwig retorna, desta vez para pedir desculpas pelo erro do passado. A linearidade da trama é abandonada e a obra toma para si o caos, cheio de guitarras raivosas e ruído de amplificadores, para representar outra metamorfose da protagonista. 

Sem a peruca loira e sem roupas, a aceitação desta nova fase é chocante, mas também traz a liberdade. Agora, é um homem? Mulher? Nenhum dos dois e ambos. Definir sua existência nesses termos é muito simplista. De qualquer forma, continua caminhando. No Mês do Orgulho, sua história é uma incrível fonte de inspiração para todos que fazem parte da comunidade LGBTQIA+. É um incentivo maravilhoso para ser quem você é, sem medo, porque viver de acordo com as divisões que a sociedade impõe desde a infância só traz angústia. Somente abandonando esses “padrões” do século passado é que seremos livres de verdade. 

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Marcela Zogheib

Nas prateleiras das locadoras, centenas de filmes competiam pela atenção dos clientes que estavam procurando algo para assistir, e ninguém se saía melhor nessa briga que Elle Woods (Reese Witherspoon) com seu vestido rosa, chiwawa de coleira, caneta de plumas e, claro, os livros de Direito. A capa que dizia “Legalmente Loira: pelos direitos das patricinhas” estava sempre no topo da seção de comédia romântica buscando chamar o olhar do público feminino colocando o máximo de itens rosa possíveis em 20 centímetros de capa de DVD. E funcionou.

Por anos, Legalmente Loira foi colocado ao lado de Um Lugar Chamado Notting Hill, O Amor Não Tira Férias e De Repente 30 e nos fizeram acreditar que esse filme é uma comédia romântica. Mas ele não é. Talvez, à primeira vista, o enredo pareça ser a história de uma jovem loira superficial que, depois de tomar um pé na bunda, justamente por essas razões, resolve mudar, se tornar mais séria e reconquistar o ex-namorado. Quando isso não dá certo, ela encontra um novo amor e uma paixão pela faculdade de Direito. Isso, por si só, já é uma boa história, eu assistiria esse filme, aliás, eu assisti esse filme muitas vezes.

Mas a história de Elle Woods vai muito além disso. Em seu vídeo de inscrição para Harvard, ela insere vivências do Direito naquilo que ela conhece e se interessa. De certa forma parece cômico ela dizer que consegue lembrar fatos relevantes através de resumos de novelas, estar confortável em usar jargões da área quando alguém dá em cima dela ou que convoca um júri para debater qual marca de papel higiênico devem usar em sua sororidade, porém o que tudo isso mostra é algo que, de primeira, Legally Blonde parece só nos contar no final: ela é muito inteligente. A habilidade de adaptação e interpretação de ambientes, usando ferramentas que ela tem a sua disposição é marca registrada de uma personagem que mostra o tempo todo o quanto é preciso se esforçar para viver em um mundo de homens.

A obra, dirigida por Robert Luketic e que completa 20 anos em 2021, faz um trabalho impecável em ambientar e contextualizar Elle e as mudanças pelas quais ela passa. A introdução em se arruma para o encontro perfeito no qual acha que vai ser pedida em casamento, as roupas que escolhe para passar seus dias na faculdade, seus vestidos e ternos para usar no tribunal. Sem falar no seu currículo em folhas cor-de-rosa, iBook G3 laranja, caderno de anotações em formato de coração e, claro, as roupas de seu cachorro. Todos os acessórios que destacam Reese Witherspoon na multidão de cores neutras de Harvard dão à ela personalidade, carisma e de cara vemos que Elle Woods não é comum.

E isso, apesar de parecer mostrar como a estudante não se encaixa no ambiente sério e frio de Boston, dá a ela uma missão. A missão de abrir a mente daqueles que a cercam para novas possibilidades que vão além de suas suposições sobre a universitária loira que usa roupa de coelhinha em uma festa. Em uma das cenas finais, em que a personagem usa todos os seus conhecimentos sobre cabelo para solucionar um caso e inocentar a sua cliente, ela continua trazendo sua essência – e seu bom gosto impecável. De vestido rosa e cabelo de escova, Elle capta todos os detalhes do depoimento dado pela verdadeira culpada pelo assassinato do ex-marido de Brook (Ali Larter), inicialmente acusada pelo crime.

Além da protagonista, vemos a evolução de outros personagens, especialmente mulheres, que ela leva consigo. Assistimos Paulette (Jennifer Coolidge), a manicure de Elle, criar uma nova confiança para resgatar seu cachorro do ex-marido e tomar iniciativa em um novo relacionamento. Vemos as amigas de faculdade de Elle abrirem suas cabeças para o novo universo da advogada. Vemos uma das professoras mudar a perspectiva que tem a aluna e notar o potencial dela. 

Mais notavelmente, temos Vivian (Selma Blair), introduzida como a nova namorada de Warner (Matthew Davis), que cria uma rivalidade com Elle desde que a conhece, fazendo de tudo para rebaixá-la a um papel de coadjuvante na vida do homem, nada mais que uma mulher infantil e superficial que não tem futuro na carreira de advogada.  Ela desafia a protagonista na aula, faz questão de mostrar seu anel de noivado, e até engana Elle sobre sua festa à fantasia. Mas quando as duas convivem fora das lentes de Warner, descobrem ter muito mais em comum do que imaginavam e, no fim, viram grandes amigas.

No final clássico de anos 2000, onde os personagens aparecem na tela com explicações do que aconteceu com cada um deles, o impacto de Elle é evidente. Todos estão em lugares mais condizentes com suas quem realmente são, mostrando a grande lição de Legalmente Loira sobre aceitar quem você é e confiar no seu potencial de fazer as coisas acontecerem do seu jeito. Quem não evolui é Warner, já que o antigo namorado de Elle se forma sem muitas perspectivas para o fundo, vendo apenas que sua forma de ver a vida e as pessoas não combina com a realidade incrível experimentada por todos que o cercam.

Elle Woods está o tempo todo mostrando qualidades que a colocam muito além do estereótipo criado por todos ao seu redor, ela acredita na sua cliente acusada de matar o marido, ajuda as mulheres a sua volta a confiarem em si mesmas, é firme em seus princípios, é dedicada, verdadeira e não permite que nada nem ninguém quebre seu espírito. Ela passa por muita coisa durante o filme, supera o namorado que nunca viu seu potencial, enfrenta o assédio de um professor que se aproveitou dos preconceitos que criou sobre ela, muda a percepção de colegas que a viam como uma pessoa sem potencial para estar em Harvard e faz tudo isso sem nunca deixa de ser quem é. Nada que a personagem faz é impulsivo e sem base, até em cenas iniciais, comprando um vestido para seu encontro com Warner, suas decisões são calculadas e inteligentes.

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Gabriel Gatti 

Foi durante uma noite tempestuosa que Harry Potter ouviu de Rúbeo Hagrid a frase: “Você é um bruxo, Harry”. A cena marcante do filme Harry Potter e a Pedra Filosofal, lançado há 20 anos, abriu espaço para uma saga de oito longas registrando a história do bruxo órfão que luta contra o vil Lorde Voldemort. Como protagonista da trama, o jovem foi muito bem caracterizado de acordo com as descrições apresentadas por J. K. Rowling no  livro homônimo de 1997 que baseou o filme, como um garoto de 11 anos, magro, de cabelos pretos, olhos claros, óculos redondos e uma misteriosa cicatriz em formato de raio na testa.

Harry Potter e a Pedra Filosofal foi a primeira narrativa da autora e, logo, se tornou um grande fenômeno da Literatura. Por se tornar um best-seller muito rapidamente, não tardou para que a obra ganhasse uma adaptação para as telonas. O filme, produzido pela Warner Bros., estreou no ano de 2001 e consagrou Rowling como a criadora de uma das narrativas mais marcantes da atualidade.

A trama inicial se localiza na Rua dos Alfeneiros, Número 4, uma residência de trouxas, onde Harry Potter (Daniel Radcliffe) vive no armário debaixo da escada da casa de seus tios Dursley, que têm muito orgulho de serem perfeitamente normais. Essa realidade pavorosa vira de cabeça para baixo assim que o jovem recebe o convite do Guardião das Chaves, Rúbeo Hagrid (Robbie Coltrane), para ir estudar na Escola de Magia e Bruxaria de Hogwarts.

Mesmo confuso com a nova realidade, Harry encara o desafio de aprimorar suas habilidades mágicas. Ao chegar na escola, o bruxo conhece Hermione Granger (Emma Watson) e Rony Weasley (Rupert Grint), que logo se tornam seus amigos. Em pouco tempo, o jovem descobre sobre o assassinato de seus pais (James e Lilian Potter, vividos por Adrian Rawlins e Geraldine Somerville), cometido por Lorde Voldemort, e sobre a Pedra Filosofal, objeto desejado pelo vilão da trama para recuperar suas forças e, assim, poder matar Harry Potter. O desenrolar desta narrativa segue de forma eletrizante, seguido de um plot twist totalmente inusitado que torna o longa tão memorável.

A adaptação para o Cinema do já aclamado livro de J. K. Rowling, comandada por Chris Columbus, não decepcionou. O diretor foi fiel à obra literária para agradar os fãs e, com isso, conseguiu cativar o mundo inteiro para acompanhar a jornada fantástica de Harry Potter. Outro destaque positivo é a escolha e a caracterização dos atores, que parecem terem sido extraídos diretamente da mente de Rowling. Além disso, a trama segue um ritmo bom para acompanhar a história do jovem bruxo, com uma duração pertinente para os desdobramentos da narrativa.

O encanto do longa se estende a direção de arte, sob comando de Stuart Craig. Com um orçamento farto de 125 milhões de dólares, o céu era o limite para a construção do mundo mágico de Harry Potter. Tudo isso era acentuado pela trilha sonora impecável do famoso compositor John Williams. Os arranjos instrumentais traziam a dramaticidade e o tom epidítico necessários para as aventuras do jovem órfão em seu primeiro ano em Hogwarts. Nesse processo de criação, o único ponto negativo vai para os efeitos visuais artificiais, destacados principalmente durante o jogo de Quadribol, o que é compreensível ao levar em conta os efeitos especiais de outros filmes lançados no mesmo período, como Matrix Reloaded, 007 – Um Novo Dia Para Morrer e Star Wars I – A Ameaça Fantasma.

Apesar de alguns pontos fracos, Harry Potter and the Philosopher’s Stone ou Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, nos Estados Unidos, foi um sucesso avassalador, contagiando uma legião de fãs e dando visibilidade a J. K. Rowling, que se tornou uma das autoras mais lidas do mundo. O longa se tornou um dos maiores sucessos de bilheteria da época e, ainda, foi bem avaliado pela crítica especializada. Além disso, a película chegou a ser indicada ao Oscar 2002 nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e Melhor Trilha Sonora, mas acabou não levando nenhuma estatueta para casa.

O ponto mais assertivo de Harry Potter é a questão humana presente na história. A saga aborda diversas vezes o preconceito contra aqueles bruxos que não vinham de uma família de “sangue puro”. Segundo um estudo realizado no Reino Unido e na Itália e publicado no Journal of Applied Social Psychology, essa discriminação, mesmo que fantasiosa, influenciou para que os jovens leitores fossem mais empáticos com as minorias sociais. Apesar dessa influência positiva, Harry Potter é repleto de discursos vazios de respeito às diferenças, visto que a própria autora não põe em prática esses ensinamentos.

Há algum tempo, J. K. Rowling passou a postar comentários polêmicos no Twitter sobre as pessoas trans. Os pensamentos absurdos sobre essa minoria movimentou diversos fãs e atores dos filmes da saga Harry Potter contra as afirmações levianas da autora. Essas falas errôneas mudaram a forma de analisar as obras da autora, como Harry Potter e a Pedra Filosofal, por exemplo. Desse modo, apesar de toda a herança nostalgia trazida por meio do universo bruxo criado por Rowling, é importante não separar o autor da obra. Desse modo, após 20 anos, o que poderia ter envelhecido como uma peça fantástica, tornou-se uma narrativa oca. 

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Leticia Stradiotto

O Começo do Fim do Mundo, em 1982, foi o principal marco do punk rock brasileiro. O festival em São Paulo contou com a participação das primeiras bandas nacionais com foco na contracultura e foi dividido em dois dias, onde grupos como Ratos De Porão e Cólera eram atrações. Porém, logo no segundo dia, a Polícia Militar invadiu o local para queimar documentos relacionados à ditadura. Dessa forma, no fim dos anos 90, com a continuação da tendência punk em 2001 – quase 20 anos depois do evento – o grupo Charlie Brown Jr. lança o seu quarto disco e demonstra que agora, no som nacional, a única coisa a ser queimada é a censura.

O álbum 100% Charlie Brown Jr – Abalando A Sua Fábrica teve importância não só na evolução do conjunto musical, mas também na releitura do punk rock ao modo brasileiro de ser. Com a saída do guitarrista Thiago Castanho, é o primeiro projeto sem a formação original da banda e gravado com todos os instrumentos ao mesmo tempo, no estilo garage rock. Se você acha que o termo “100% Charlie Brown Jr” é uma ironia à separação e possivelmente uma saída do convencional em grupo, você está certo. Afinal, é fato que o vocalista Chorão (Alexandre Magno) era dono de um caráter forte – um tanto quanto rebelde – e queria marcar presença de uma forma específica: Abalando A Sua Fábrica, independente de qual fosse.

Completando 20 anos do lançamento, a personalidade de Charlie Brown Jr. começa a ganhar forma. Com muito hardcore, guitarras e baterias pesadas, o álbum é responsável por construir uma das mais destacadas sonoridades da banda. Com o baixo magnífico de Champignon, Eu Protesto é a contextualização política, e ainda atual, retratando a corrupção e a despreocupação do governo com o povo. CBJr é muito mais que um trabalho musical, também é entretenimento. A obra Hoje Eu Acordei Feliz demonstra isso. 

Com o clipe referenciando o filme Snatch: Porcos e Diamantes, a galera pirava nas reproduções pelo canal da MTV na época. São talentos que marcam pela originalidade e, consequentemente, registram a nostalgia para diversas gerações, inclusive aquelas que acordam com a sutil vontade de matar o presidente. Em sequência, Sino Dourado foi inspirada no sucesso Ring My Bell de Anita Ward, assim fica fácil entender do que a letra da música se trata. Longe de uma pegada melancólica, a faixa traz elementos do rock em sua forma mais popular: sexo, drogas e rock’n’roll.

Liberdade, oposição ao consumismo, antiautoritarismo, muita rebeldia e, claro, uma guitarra espetacular. Isso é punk, ou melhor, isso é Quebra-Mar. A batida dessa faixa lembra a melodia-tema de Tubarão em uma pegada mais pesada sob o comando do guitarrista Marcão e é seguida pela harmônica Lugar ao Sol, dedicada ao pai de Chorão, falecido há pouco tempo. Diferentemente das demais músicas apresentadas, esse som retrata a espiritualidade e transforma-se em um acalento ao coração acerca dos encontros e desencontros da vida. 

As músicas Descubra O Que Há De Errado Com Você e Só Lazer retornam com o barulho do hardcore rápido e agressivo no álbum. Você Vai De Limusine, Eu Vou De Trem tem o jeito Chorão de ser, com a vibe do moleque pé-rapado que vive um amor com a patricinha do bairro. E logo em seguida, O Lado Certo da Vida Errada, que, como um bom som do Charlie Brown Jr., mistura a melodia do rock com letras sobre a paixão pura e incessante. No caso do vocalista Alê, retratava sempre em suas músicas a paixão inesgotável pela sua namorada e futura esposa, Grazon.

Com um vocal e instrumental extremamente sujos, T.F.D.P. lembra a essência punk presente, muitas vezes, no grunge e não deixa de fora a utilização de palavrões como forma de revolta e protesto à questão social. A obra chega ao fim com duas faixas fenomenais que, com certeza, são marcos da banda e ultrapassam gerações. Tudo Pro Alto motiva e alcança a possibilidade de segundas chances, com todos os problemas envolvendo drogas, paixões e brigas internas no grupo. Chorão reconforta e nos proporciona o entendimento de que as coisas são Como Tudo Deve Ser. 

Duas décadas depois, o disco 100% Charlie Brown Jr – Abalando A Sua Fábrica faz jus ao nome e traz a individualidade presente na banda para o público externo. Ao mesmo tempo, retoma movimentos musicais impedidos no passado brasileiro e constrói um legado cheio de influências à liberdade para as próximas gerações. Não é à toa que a espiritualidade da banda – mesmo após seu término – continua sendo destaque nos sons nacionais. Pois afinal, o vocalista falava sobre a necessidade de viver nossos sonhos, temos tão pouco tempo, enquanto na verdade, o seu trabalho feito com tanta garra e paixão, fez com que o tempo fosse quase irrelevante ao sucesso – e sonhos – da querida origem do grupo Charlie Brown Jr..

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Gabriel Gatti

Toda família se constrói em cima de tradições e costumes passados de geração em geração. Muitos desses hábitos sofrem modificações conforme os tempos avançam, mas em alguns casos há resistência daqueles cegados pelas crenças pavimentadas em sua mente. Essa relação familiar complicada é o que motiva André (Selton Mello) a abandonar o lar e partir rumo ao desconhecido em busca daquilo que realmente acredita. A premissa de Lavoura Arcaica se desenvolve em uma trama complexa e profunda durante 2 horas e 43 minutos de filme.

O trabalho de estreia da carreira do diretor Luiz Fernando Carvalho acendeu um holofote em direção ao livro Lavoura Arcaica de Raduan Nassar. O romance homônimo, que inspirou o longa-metragem, também compartilha de muitas semelhanças no roteiro. Como seu trabalho inicial, o cineasta partiu de uma obra delicada sobre tradições familiares e seguiu os mesmos passos sem grandes alterações para o desenvolvimento da película. Desse modo, o filme se destaca por ser quase uma poesia cinematográfica, com uma narrativa construída de modo não-linear. 

Com essas peculiaridades, Lavoura Arcaica se inicia com a busca do primogênito Pedro (Leonardo Medeiros), por André, que deve voltar para casa para se portar como manda as tradições agrárias e patriarcais. A missão, aparentemente simples, se desdobra em um turbilhão de emoções e histórias que trazem à luz o sentimento que motivou a saída do filho pródigo de casa. André, que é epilético, expõe durante o diálogo com o irmão a sensação de não pertencimento ao ambiente onde sempre foi tratado como o sujo e teve seus desejos carnais ceifados pelas crenças familiares rígidas.

O diálogo, apesar de inflamado pelos traumas de uma vida engessada, finaliza com o consentimento de André em voltar para o seio familiar. No entanto, o retorno acaba sendo muito mais tumultuado do que se imagina. Durante o tempo fora, o jovem regressa a fazenda de seus pais muito mais convicto de seus ideais e seu pai (Raul Cortez) não abre mão do que acredita como certo. Porém, o abandono do lar por parte de um filho motivou os demais a demonstrarem sua insatisfação com o modus operandi a que eram previamente submetidos.

O caos de uma família que desaba por não conseguir estruturar suas tradições narrado de forma poética elevam Lavoura Arcaica como obra cinematográfica. O longa se destaca por sua trilha sonora com arranjos de Erbarme Dich, Mein Gott, da Paixão Segundo S. Mateus, de Bach, que transportam o telespectador ao contexto temporal a que o longa se desenvolve. Além disso, a direção de fotografia, comandada por Walter Carvalho, acentua o sentimento expresso pelo roteiro, com o uso intensivo do contraste entre luz e sombra, que atenua o dualismo ideológico abordado na película.

O longa, que de início se assemelha a parábola bíblica do filho pródigo, se desenrola em um emaranhado emocional de tradições familiares arcaicas que estão prestes a serem rompidas. O mesmo jogo ocorre no longa Abril Despedaçado de Walter Salles, em que Tonho (Rodrigo Santoro) vive uma vida cegamente guiada por crenças, até que se vê liberto para romper as tradições sanguinárias pregadas durante gerações por sua família. Em Lavoura Arcaica, o ato corajoso de abandonar tudo e seguir sozinho rumo a cidade serviu como um estopim para a implosão dos costumes rudimentares impostos pelo pai.

A produção de uma obra dessa magnitude se mostra muito árdua, principalmente para Luiz Fernando Carvalho, que se lançou na carreira de diretor por meio de Lavoura Arcaica. Mas, apesar da direção exitosa, o longa foi submetido a diversos cortes até ser disponibilizado para sua versão comercial. Com a duração inicial de 3h40, Lavoura Arcaica passou por um processo para enxugar sua narrativa e apresentar todos os pontos relevantes para a película. Apesar de sintetizada, as questões familiares levantadas para promover uma reflexão moral continuam fortemente presentes do começo ao fim do filme.

Mesmo 20 anos após seu lançamento, a mensagem passada por meio de metáforas e simbolismos de Lavoura Arcaica continua forte. Com uma conclusão vaga, apesar de deixar bem explícito ações que se sucederam, o filme se encerra com o questionamento sobre o modo como as pessoas guiam suas vidas. A película destaca os malefícios do código moral cegamente implementado, que se apresenta como uma tradição familiar segura para guiar as gerações futuras. É justamente sobre o desmoronamento dessas crenças que tornam o longa de Luiz Fernando Carvalho em uma obra-prima do Cinema nacional.

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Bianca Penteado

Se você encontrasse uma coisa de sua infância que guardava como um tesouro, como se sentiria? Feliz? Triste? Nostálgico?

Estamos no dia 31 de agosto de 1997, em Paris. Em um antigo apartamento do bairro Montmartre, Amélie Poulain (Audrey Tautou) não sabe que sua vida está prestes a mudar. Retirada de um esconderijo na parede, em suas mãos há uma antiga caixa de perfume, que armazena todos os restos de uma vivência. Admirada com aqueles tesouros – inestimáveis apenas a quem pertence – Amélie faz uma promessa: devolverá a recordação ao dono e, caso ele se emocione, começará a resolver a vida dos outros.

Singular em sua estreia na cinematografia romântica, Jean-Pierre Jeunet constrói O Fabuloso Destino de Amélie Poulain (2001) em uma premissa sensível que enxerga valor na banalidade. Indicado a cinco categorias no Oscar 2002, entre eles o de Melhor Filme Estrangeiro, o longa brilha ao expor o telespectador ao olhar do outro sobre a vida, a partir do momento em que compreendemos sua razão para amar o que ama.

Superando as expectativas, a simplicidade do roteiro não incomoda. A facilidade com que as coisas acontecem é atraente, e encanta os exaustos da complexidade – que persiste na ficção e no real. Não há drama, nem traições, muito menos reviravoltas saturadas. O diretor aposta em um enredo que evidencia o carisma de seus componentes.

Não à toa, o filme é considerado um marco que impulsionou a presença francesa no Cinema mundial. Ao som de La valse d’Amélie, Jeunet reinventa o romance clássico das telonas, e surpreende ao introduzir um narrador que completa as lacunas de silêncio deixadas pela protagonista que evita as palavras, mas fala muito em suas expressões.

E, de fato, a heroína só tomou o protagonismo merecido com a interpretação enérgica e vivaz de Audrey Tautou. Sem sucesso nas relações concretas, Amélie procura refúgio no conforto dos cenários surreais que imagina. Diálogos curtos e sussurrados são tudo o que desconhecidos conseguirão da garota. Mesmo assim, a personagem não expressa a timidez como o único ou o mais predominante traço de sua personalidade. Ela também é delicadamente ousada, e não tem medo de encarar a vida de frente quando preciso.

Destino ou acaso, as ruas de Paris nunca pareceram tão pequenas. São nas eventuais idas e vindas ao metrô que Amélie Poulain encontra seu par – no sentido romântico e literal da palavra. Nino Quincampoix (Mathieu Kassovitz) é um observador da individualidade humana e um colecionador nato. Ela sente que são parecidos e isso é o que prende sua atenção. 

Ainda assim, há um critério conflituoso. O roteiro de Guillaume Laurant restringe o espaço de Nino na trama e limita, tanto em tempo quanto em ação, seus encontros com a protagonista. Ao mesmo tempo, querer conhecê-lo melhor não transparece como uma prioridade para o espectador. Passado o desencanto dos melosos de plantão, O Fabuloso Destino de Amélie Poulain segue progressivamente evoluindo, trabalhando o romance na inquietação da espera pelo fatídico dia em que ambos se descobrirão.

Mérito novamente de Jean-Pierre, a experiência fotográfica que acompanha a obra é sensorial. As ambientações e os figurinos predominantemente verdes e vermelhos criam uma atmosfera imersiva visualmente semelhante a de uma pintura.  Curiosamente, a paleta de cores selecionada para o filme foi inspirada no trabalho do artista brasileiro Juarez Machado, que vive em Paris há 30 anos e é um grande amigo do diretor.

Passou rápido, mas os 20 anos de Le fabuleux destin d’Amélie Poulain chegaram. Um marco no Cinema francês, a obra cinematográfica representa a memória afetiva de uma geração que encontrou seu reflexo na excentricidade do outro. Com um quê de comédia, o filme merece e precisa ser visto, revisto e relembrado em seu propósito: cada oportunidade deve ser agarrada e vivida, antes que tudo o que reste sejam recordações em uma caixa de perfume.

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Enrico Souto

Entre as jornadas monumentais, épicas e maiores que a vida de Princesa Mononoke e O Castelo Animado, e as histórias mais comedidas, intimistas e descaradamente infantis de Meu Vizinho Totoro e O Serviço de Entregas da Kiki, A Viagem de Chihiro é a amálgama perfeita dessas duas facetas de Hayao Miyazaki. Não que Mononoke não tenha retratos de serenidade e um forte prisma emocional, nem que Kiki não disponha de cenas grandiosas e homéricas – o diretor costuma trabalhar em uma zona cinzenta que uma categorização meramente dualista não seria capaz de cobrir –, porém, olhando para trás 20 anos depois, é indiscutível que, nesse título, essas potências, provenientes do gênero de realismo mágico, encontram seu equilíbrio definitivo, a partir de uma narrativa sensível e tocante sobre os infortúnios de crescer e se tornar adulto, rompendo barreiras culturais e de linguagem como nenhuma outra mídia fez antes.

Apesar de algumas obras isoladas explorarem as convenções estéticas dos animes em técnicas de animação digitais, como os filmes de Final Fantasy dos anos 2000 e o mais recente lançado longa de Lupin III: O Primeiro, é fato que o mercado de animações do Japão mantém-se bastante fiel às técnicas tradicionais do 2D, diferente do mercado cinematográfico do Ocidente, que se converteram inteiramente para a computação gráfica. Visto isso, A Viagem de Chihiro, que foi lançado pela Studio Ghibli em 2001, nasceu exatamente nesse período de transição para as animações ocidentais, em que os desenhos à mão eram gradualmente substituídos pelo CGI e o 3D. Nesse contexto, faz sentido que o longa mais aclamado de Hayao Miyazaki seja não apenas o único anime, mas também a única animação 2D da história do Oscar a ganhar o prêmio de Melhor Animação.

Essa condição transicional também se manifesta nas técnicas utilizadas para a produção do filme. Sim, A Viagem de Chihiro é predominantemente animado através de desenhos à mão, mas pontualmente também se mescla essa prática com o uso de CGI, semelhante ao que fazia a Disney com seus filmes do Renascimento nos anos 90, principalmente em planos de movimento. Essa técnica, que hoje caiu em desuso e até pode causar certo estranhamento para públicos mais novos, traz um ar nostálgico e refrescante que, para os votantes que já estavam acostumados a seu uso nas animações ocidentais, pode ter influenciado o seu bom rendimento nas premiações.

Além do método inventivo de animação, os aspectos técnicos do filme imediatamente saltam aos olhos. A direção de arte foi claramente conduzida com maestria; a paleta de cores utilizada é colorida e saturada, traduzindo precisamente a diversidade daquele universo e das criaturas que a compõem; a estética estapafúrdia e surrealista do design de personagens é cheia de identidade e coloca o design fotorrealista e sem personalidade dos filmes da década de 2010 da Walt Disney Animation Studios no chinelo; e a trilha sonora composta por Joe Hisaishi, parceiro de longa data de Miyazaki, é simples e funcional, comunicando através do minimalismo com arranjos facilmente reconhecíveis tanto para uma audiência nostálgica quanto para novos públicos.

A Viagem de Chihiro abre com a visão de um cartão, que acompanha um lindo buquê de flores rosadas. Nele, está escrito “Boa sorte, Chihiro! Nos encontraremos novamente!”. Essas são flores de despedida, que a garota que segura o buquê, Chihiro, ganhou de seus amigos ao descobrirem que ela mudaria de cidade. Nesse momento, a acompanhamos no caminho de sua nova casa: deitada no banco de trás do carro lotado de malas, deprimida, enquanto seus pais conversam no banco da frente, tentando animá-la. Então as flores rosadas do buquê que Chihiro abraçava melancolicamente morrem, levando ao desespero da menina. Ela até tenta recorrer aos pais, mas eles não lhe dão atenção. Nesses poucos segundos já recebemos informações o suficiente sobre o entorno da trama. Chihiro está chateada por ter que se mudar e deixar seus amigos, enquanto seus pais, mesmo que se esforcem, não a entendem e ignoram seus anseios.

No caminho para a casa nova, a família se perde e acaba em frente a um longo túnel. Desde a chegada deles, Chihiro fica apreensiva e se atenta a aspectos estranhos do local, desde as estátuas excêntricas espalhadas pela entrada até o vento que se comporta bizarramente, que seus pais não percebem. A garota tenta avisá-los mais uma vez, que novamente desdenham de seu comportamento. Passando pelo túnel, eles descobrem um parque abandonado e, a despeito do incômodo da filha, começam a adentrar no lugar, deparando-se com um restaurante vazio que servia um grande banquete. Os pais, sem pensar duas vezes, se servem da comida, que Chihiro nega veementemente.

Por consequência, não demora muito para que suas preocupações se concretizem e o local se revele uma casa de banho para espíritos gerida por uma bruxa autoritária chamada Yubaba, onde humanas como ela não são bem-vindas. Além disso, seus pais, que agiam de forma descuidada, são capturados e transformados em porcos. Sendo assim, Chihiro, agora presa nesse universo fantástico e hostil, é forçada a trabalhar para o estabelecimento por sua própria sobrevivência, enquanto busca salvar seus pais e retornar ao mundo dos humanos. Na jornada, ela cresce e amadurece, contando com a ajuda de novas amizades construídas pelo caminho.

A partir dessa sinopse, é fácil relacionar A Viagem de Chihiro com o clássico da literatura infantil Alice no País das Maravilhas, escrito pelo matemático inglês Charles Lutwidge Dodgson no século XIX, e que mais tarde seria adaptado pelos estúdios de Walt Disney. Ambos contam histórias sobre garotas na fase inicial da puberdade que acabam caindo em um mundo fantasioso e surreal, lidando com figuras singulares e curiosas, e ambos são atravessados por discussões sobre amadurecimento e a transição da infância para a vida adulta. Esse ponto não será muito abordado aqui – um texto anteriormente publicado no Persona faz esse paralelo com muito mais aprofundamento –, porém o que cabe ser dito é que, entre as duas obras, há uma diferença notória de tom. 

À medida que, assistindo a adaptação da Disney, é perceptível que Alice no País das Maravilhas parte de uma ótica bem mais moralista, retratando uma Alice curiosa e imprudente que, ao ignorar os avisos da mãe, se coloca em perigo, A Viagem de Chihiro compreende as complexas nuances presentes nas relações entre pais e filhos. No segundo caso, os responsáveis pelas atitudes irresponsáveis e levianas que os levam para esse novo mundo supostamente quimérico são os próprios pais, enquanto Chihiro tem pouquíssima agência sobre suas ações e é levada para lá contra sua vontade. Ademais, enquanto Dodgson decide explicitar que a experiência de Alice não passou de um sonho, Miyazaki deixa essa questão dúbia e abre à interpretação do público.

Essas e outras diferenças, na realidade, advém principalmente de um atrito histórico, territorial e cultural fortíssimo entre o Ocidente e o Oriente. Para todos os efeitos, A Viagem de Chihiro é totalmente imerso na cosmovisão japonesa, desde a construção de diálogos e a linguagem de câmera até a direção de arte e o storytelling. E é impressionante como uma obra localizada fora da nossa realidade como Ocidente e com sensibilidades totalmente distintas das nossas consegue nos tocar de formas tão intensas. Nesse enfoque, uma das convenções culturais e estéticas que Miyazaki mais explora em suas obras, e que nesse filme ganha um destaque particular, é o conceito filosófico e artístico de Ma.

Ma (間) é uma palavra japonesa cujo significado pode ser traduzido como ‘entre-espaço’, ‘espaço intermediário’ ou ‘intervalo’. É um conceito filosófico difundido na cultura japonesa, que influencia a sua forma coletiva de enxergar o mundo e está presente em todas as suas manifestações culturais desde a antiguidade, das artes plásticas e visuais até a arquitetura, Música e Cinema. Michiko Okano, professora da Universidade Federal de São Paulo, explica em seu artigo Ma – a estética do “entre” como é difícil para a sociedade Ocidental, alicerçada em concepções filosóficas como o Dualismo Platônico ou o princípio aristotélico de ‘ser ou não ser’, compreender a dinâmica abstrata, intangível e até contraditória do Ma, que nega a lógica racional e bipolar do Ocidente e abre caminho para uma terceira via de compreensão.

O Ma se apresenta nesse meio termo, em que ele não é nem um, nem outro, contudo pode ser os dois ao mesmo tempo; um ‘não-lugar’, à medida que representa um momento de pausa, de transição e de intervalo, porém que não se caracteriza pelo mero vazio ou falta de significado, e sim pelo potencial de significado que se manifesta dele. Um exemplo de manifestação do Ma na cultura japonesa é o longo caminho de entrada de um santuário xintoísta, que pode ser visto como dispensável em uma leitura superficial, mas que tem a função de preparar espiritualmente o visitante para adentrar no espaço sagrado, deixando as questões mundanas no caminho e imergindo na experiência que logo virá.

“O Ma, enquanto possibilidade, associa-se ao “vazio”, que, distinto de uma concepção ocidental cujo significado é o nada, é visto como algo do nível da potencialidade, que tudo pode conter, e, portanto, da possibilidade de geração do novo. É, por conseguinte, o vazio da disponibilidade de nascimento de algo novo e não da ausência e da morte.”

– Michiko Okano

Visto isso, a presença do Ma em A Viagem de Chihiro é marcante e influencia diversos aspectos da obra. Diferente das animações ocidentais, que costumam apresentar um ritmo mais acelerado e de constante frenesi e urgência, visando fisgar a insólita atenção dos pequenos, Miyazaki aqui valoriza planos longos, cenas contemplativas e instantes que não necessariamente avançam a narrativa, mas que ajudam a dar senso de espaço e tempo para cada cenário, fortalecendo as conexões entre os personagens e entre o público. Além disso, esses momentos singelos, assim como o caminho para um santuário xintoísta, também são preenchidos por nossos próprios pensamentos como espectadores, dando espaço para que possamos absorver e assimilar o universo e os eventos da trama.

O próprio Miyazaki, em entrevista com o cineasta Roger Ebert em 2002, comenta como essa estratégia de entulhar filmes infantis, muito presentes em produções hollywoodianas, pode também ser auto sabotadora: “As pessoas que fazem filmes têm medo do silêncio, […] ficam preocupadas que o público fique com tédio, que saiam da sala de cinema para buscar mais pipoca. Mas só porque o filme é 80 por cento intenso, não significa que as crianças vão te abençoar com sua concentração. O que realmente importa são as emoções subjacentes – nunca as deixe para trás.”

E A Viagem de Chihiro está recheado desses retratos. Cenas em que Chihiro está comendo com Lin enquanto observa o luar, em que ela faz uma viagem de trem com Sem Rosto, observando silenciosamente os passageiros fantasmas gradativamente irem embora até que eles fiquem completamente sós, ou em que ela simplesmente precisa superar o desafio de descer uma longa escada, que no fim demonstra não ser tão difícil assim. O que não significa que não são retratadas situações de ação intensa e movimentação frenética, e sim que esses são equilibrados por momentos de calmaria e respiro. 

Contudo, o Ma não se expressa apenas em ambientação ou linguagem, mas também na construção de mundo e na mitologia do filme. Por exemplo, como quando Chihiro passa muito tempo dentro da cidade mágica sem consumir nada de lá, ela começa a gradualmente desaparecer, posicionando-se na limiar entre a existência e a não-existência: um intervalo entre as duas condições, um não-lugar, em que mesmo que ainda possa ser vista, ela perde sua tangibilidade; ou como, não importa o quanto ela se esforce e queira, Chihiro nunca de fato consegue se encaixar na rígida linha de produção que é exigida por Yubaba na casa de banho, ainda que tenha capacidade para tal.

A propósito, a jornada emocional de Chihiro é um dos elementos mais impactantes de sua viagem. O arco da personagem tem como ponto central a busca por identidade, que se personifica no conflito com o nome. Assim que é contratada por Yubaba, Chihiro tem seu nome roubado e substituído por Sen. Haku explica que a bruxa governa seus funcionários roubando seus nomes e, consequentemente, suas autonomias e livre-arbítrio, e que a chave para que a garota consiga encontrar seu caminho para casa é que ela nunca esqueça de seu nome, ou seja, de quem ela é.

Essa questão traduz muito bem a temática de amadurecimento onde o filme circula e os comentários que ele faz a respeito. Todos os elementos da casa de banho representam signos da vida adulta: a ganância e materialismo do Sem Rosto, a obsessão com trabalho de Kamaji, o autoritarismo da própria Yubaba; todas condições que consomem esses personagens e que os privam pouco a pouco de sua humanidade. Personagens como Sem Rosto só desabrocham e se encontram quando se afastam desse ambiente opressivo, e é curioso perceber como Chihiro só consegue sobreviver naquele cenário terrivelmente adulto exatamente porque, conforme ganha confiança e amadurece, ela se mantém fiel às suas convicções e conserva sua essência infantil.

Em alguns aspectos, a filmografia de Hayao Miyazaki remete às abordagens com obras infantis de Dr. Seuss, no sentido de incluir fortes posicionamentos políticos nas suas histórias, trazendo morais que perpassam por pautas como ambientalismo, consumismo e capitalismo, e não é diferente com A Viagem de Chihiro. Da sequência com o espírito do rio poluído, que vai à casa de banho e todos recusam-se em repulsa a atendê-lo, exceto por Chihiro, a única que não o subestima ou o julga pela imagem, até todo o arco dramático do Sem Rosto, mergulhado na ganância, avareza e consumismo, que é desarmado pela ingenuidade da protagonista e posteriormente encontra seu lugar como ajudante de Zeniba, irmã gêmea de Yubaba. A mensagem pode vir mais sutilmente ou de forma mais literal e expositiva – a justificativa para Haku ter sobrevivido no incidente do 2º ato é literalmente ‘o poder do amor’ –, mas sempre acessível e claramente entendível para qualquer criança e espectador atento.

Mas onde o filme realmente brilha é em seus retratos de amizades e relações interpessoais, que Chihiro cultiva por toda a trajetória. Cada personagem carrega uma personalidade única, e Chihiro se conecta com cada um deles de formas distintas e particulares, criando desde novos vínculos com figuras inusitadas que em outras histórias se configurariam como vilões, como com o bebê Bah, filho de Yubaba, e com Sem Rosto, antes hostil porém pouco a pouco demonstrando-se capaz de receber e dar amor, até reencontrando e fortalecendo vínculos antigos, como ocorre com Haku. Suas interações são norteadas com sensibilidade e verossimilhança, como com Kamaji, que a princípio é ranzinza mas por fim passa a ser uma figura paterna para a menina, e com Lin, sua tutora na casa de banho, que cria com ela uma relação forte de companheirismo.

Nos momentos finais de A Viagem de Chihiro, quando a garota finalmente encontra o caminho para casa e se liberta de Yubaba, Haku, enquanto a guia para fora, lhe diz: “não olhe para trás, não até passar pelo túnel”. E é isso que a menina faz. Vai correndo de encontro aos pais, revisita o percurso que a trouxe à casa de banho, percorre o túnel, e a última cena mostra Chihiro, já de frente ao carro, olhando para trás, em silêncio. O intervalo é longo e, enquanto ela reflete sobre sua viagem, nós refletimos junto com ela. Em uma sociedade calcada em opressão, exploração e capital, ser criança é subversão e resistência. Então que, assim como Chihiro, nós possamos trilhar nossas viagens intrépidos e seguros de nós, sem que nunca esqueçamos quem somos, de onde viemos, e o que nos trouxe até aqui em primeiro lugar. Nessa loucura de crescer, que continuemos crianças.

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Ana Júlia Trevisan

Como continuar a carreira após um hit? Como produzir o segundo álbum quando o   primeiro conta com a música que estourou nas rádios e marcou toda a trajetória da discografia? Era nesse embate que os Los Hermanos se encontravam após seu disco de estreia ter emplacado Anna Júlia, a famigerada fim de festa que tirou o Grammy de Chico Buarque e, até hoje, é responsável por registros em cartório (vide a pessoa que vos escreve).

É em meio às brigas da banda, confusão com a gravadora e uma aliança fiel com fãs que, em 2001, nasce Bloco do Eu Sozinho, reforçando ainda mais a parceria musical entre Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante, e marcando toda a escola de MPB unida ao rock alternativo construída pelos cariocas. Quebrando os próprios padrões, um dos discos mais importantes da música nacional alternativa foi criado e dita até hoje o rumo do gênero, servindo como fonte, direta ou indiretamente, dos trabalhos nacionais que o sucedem. 

Se no começo de Los Hermanos o rock se faz presente e memorável, em Bloco do Eu Sozinho a banda aposta na poesia com um leve toque de samba. Mesmo sem abandonar as guitarras e bateria, o álbum se desprende daquilo que havia sido proposto no anterior, não forçando a repetição da fórmula mágica dos singles que os levaram para as paradas nacionais e para os principais programas de TV. 

Solidão, términos conturbados, paixões, indiretas, são esses os cordões que o Bloco segue. Os sentimentos, tratados de maneira menos mercadológica, passam a sensação de liberdade em amplos aspectos. Se, em 1999, a primavera se foi levando o amor, em 2001 somos tomados pelas cicatrizes e traumas desse fim. As canções crescem conforme o álbum avança, e a melancolia envolvida aos sons do baixo se mantém do início ao fim.

Os instrumentos de Bruno Medina e Rodrigo Barba tem sua incontestável importância dentro da produção. Não é qualquer um que faz o trabalho de Barba, que tocou o samba miudinho na bateria. Mas, são Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante que constroem toda a imensidão do disco. Juntos, a dupla divide as composições, guitarras e os vocais, que são a peça-chave do diferencial irresistível de Bloco do Eu Sozinho. É o desalento misturado ao amargo sabor da saudade e traduzida nos exatos arranjos que nos aproxima das lembranças de Los Hermanos.

Sentimental é a canção que melhor explica a tese. Marcada como um dos momentos mais tensos do álbum, a letra quase biográfica nos invade a cada belo verso melodramático e cresce exponencialmente até chegar em seu refrão, que é o grito dos sofridos e apaixonados. É na pergunta “Quem é mais sentimental que eu?” que fãs e artistas se misturam em um ser só. É a exatidão da música explicando aquilo que não temos palavras para definir.

A gritante ruptura de Bloco do Eu Sozinho começa logo em sua primeira faixa. Quem esperava por uma música seguindo todos os padrões do mainstream e  intitulada com nome feminino foi surpreendido por Todo Carnaval Tem Seu Fim. Nela, o rock, o indie e o ritmo carnavalesco se mesclam para formar uma das melhores canções da banda. Ela chega com os dois pés na porta mostrando para que o álbum veio ao mundo, encerrando toda a produção do disco de 1999 e declarando que, a partir dela, os instrumentais serão mais completos, complementares e melódicos.

Todo Carnaval Tem Seu Fim é seguida por A Flor, que, carregada de beleza, traz uma sonoridade diferente, reiterando a dedicação e a destreza que a banda teve em construir o Bloco. Os metais que abrem a música ajudam a composição da letra a explodir. O choque entre o coração de Marcelo Camelo e a razão de Rodrigo Amarante reverbera em seus versos nada sutis, que contam a história de uma desilusão amorosa. 

Após as duas canções deixarem suas digitais, quem ganha espaço é a absurda Retrato Pra Iaiá. Com sua simplicidade, ela é o primeiro respiro do álbum, trazendo uma melodia mais despojada, sem perder toda a beleza que é marca registrada de Bloco do Eu Sozinho. É essa tríade que abre o disco e prende o ouvinte de maneira intimista, dançando entre personalidades e fazendo brotar todos os questionamentos da dualidade entre presente e futuro.

O desamor também é decorrente do Bloco do Eu Sozinho. Assim Será e Adeus Você doem em lugares diferentes. A falsa superação de alguém que não consegue enganar a si próprio é um tapa na cara de quem se envolve na suave sonoridade das duas canções. Tão Sozinho traz o mesmo tema de forma mais drástica. A mão pesa no instrumental e o rock vem veloz e furioso. Aos que já estavam se sentindo viúvos de um bom barulho dos Los Hermanos, a música, que destoa do resto do álbum, é encarada como um presente. 

Mas é na leveza que o Bloco se encontra. A letra de Casa Pré-Fabricada revela toda a sensibilidade de Marcelo Camelo. De forma simples e direta, a guitarra serve apenas de adereço para a poesia da canção. Já no sambinha Veja Bem Meu Bem, o eu-lírico conversa diretamente com o ouvinte. Somos descaradamente trocados pela saudade, que ganha seu desprazeroso espaço causando uma quebra inesperada na letra da canção, reafirmando que o disco é composto por versos ímpares.

Com um álbum tão pessoal e de desagrado do mercado, o Los Hermanos não perde a oportunidade de criticar a indústria fonográfica. Cadê Teu Suin? é uma das mais sagazes da banda. Com uma letra rápida e recheada de jogo de palavras, a música pode soar estranha na primeira vez, mas ganha seu sentido quando conhecemos a história de Bloco do Eu Sozinho. Com a primeira versão do disco rejeitada pela Abril Music, os Los acertam em criticar o andamento insano da gravadora, que prejudica a originalidade dos compositores.

Os caras ainda fazem bonito e cantam alguns versos em francês (aposto um rim que essa foi ideia do Rodrigo Barba). Ok que o francês de Amarante beira a precariedade, mas a engraçada Cher Antoine é um alívio na porradaria emocional que o conjunto dessa obra representa. Mais uma Canção tenta lidar com todo o sentimentalismo de uma maneira mais sóbria. Os sopros quase esquecidos durante o álbum servem para acalmar a melodia dessa faixa, que conta a história de maneira literária e simbólica.

Para entender todo o dinamismo do álbum e o porquê dele ter mudado o rumo da Música brasileira em 2001, Fingi na Hora de Rir basta. A música sintetiza o jogo instrumental em letras românticas – com intenso toque sombrio – que é proposto nesse trabalho de Los Hermanos. Com uma composição que facilmente se encaixaria num samba, os arranjos não lineares e com forte apoio no baixo resumem a transformação provocada por Bloco do Eu Sozinho no dito indie brasileiro.

O que hoje entendemos como rock alternativo brasileiro – ou, até mesmo, como a nova MPB – deriva desse álbum carnavalesco melancólico, que completa seus vigésimo aniversário em um ano que não enchemos nosso corpo de glitter nem fomos para a rua, beijar e comprar quatro latas de cerveja por dez reais. É, mais uma vez, o destino gostando de ser poético com um povo sofrido. 

Los Hermanos criaram quatro álbuns distintos, fugindo da sonoridade das Primaveras e Anna Júlias. Cada trabalho da banda tem seus destaques com efeito de suas particularidades, e Bloco do Eu Sozinho conquista seu espaço por ser um disco definitivo da carreira. Quem decidiu acompanhar os Los mesmo depois desse álbum, fugiu das mesmices do rádio e presenciou a supremacia das rimas amorosas que influenciaram toda uma geração. Bloco do Eu Sozinho ainda é responsável por abrir as portas para aquele que é o melhor disco da banda: Ventura.

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Gabriel Gomes Santana

Há duas décadas, o mundo foi contemplado com o lançamento de uma das animações que mais revolucionaram o Cinema: Shrek. Essa prestigiada obra-prima reuniu o que há de melhor sobre piadas de duplo sentido, referências icônicas, paródias e lições de vida sobre autoaceitação e felicidade. Dentre todas essas qualidades, que tal relembrarmos com detalhes a grandeza desse gigante cinematográfico?

Não poderia começar de outro jeito esse texto, sem falar do forte vínculo entre Shrek e sua trilha sonora chiclete. Desconheço uma viva alma que escute All Star, da banda Smash Mouth, e não consiga relacionar instintivamente a canção do grupo americano ao longa Shrek. Eu mesmo quando era criança (não faz tanto tempo assim), me recordo que só fui associar o nome desta música e sua respectiva banda, em um momento de curiosidade epifânica, após ter assistido o filme.

Segundo fontes envolvendo os bastidores, a escolha da DreamWorks pela Smash Mouth aconteceu por conta dos dois primeiros versos do hit I’m A Believer: “Eu pensava que o amor só acontecia em contos de fada, significativo para alguns mas não para mim”. Pois bem, diversas bandas fizeram os testes de audiência de trilha, mas somente esses dois versos conquistaram o coração dos produtores. O curioso é que All Star fez ainda mais sucesso e se tornou trilha de abertura da animação, assim como a canção mais famosa da banda californiana.

Apesar da fama proporcionada pela produtora de Steven Spielberg, se engana quem crê que Shrek seja uma narrativa original da DreamWorks. Apesar da  genialidade, seu roteiro é inspirado na obra homônima de William Steig. No livro, Shrek também foi desenvolvido para o público infantil, no entanto foi graças à perspicácia dos roteiristas, Terry Rossio e Joe Stillman, que a animação foi vencedora do BAFTA em 2002, na categoria de Melhor Roteiro Adaptado.

Além da premiação do BAFTA, a brilhante direção de Andrew Adamson e Vicky Jenson desafiaram dois gigantes concorrentes, Monstros S.A. (Pixar) e Jimmy Neutron (Paramount), candidatos à primeira categoria de Animação do Oscar. Shrek levou o título e ainda concorreu na categoria de Roteiro Adaptado. Mas seu sucesso não se reduz a tais feitos, estas são apenas as consequências do merecido reconhecimento desta animação 3D (método de gravação também utilizado em CGI). As falas e a ousadia de criação dos produtores são a essência cativante desta relíquia animada.

Em um primeiro momento, os diretores Adamson e Jenson teriam entrado em contato com o icônico Chris Farley para a interpretação vocal do protagonista. O comediante dublou quase todas as falas, cerca de 90% das cenas, porém veio a falecer antes que completasse o roteiro da personagem. 

Com isso, as vozes de Shrek, Fiona, Burro e Lord Farquad se imortalizaram nas dublagens originais de Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy e John Lithgow. Aqui no Brasil, Shrek ganhou ainda mais notoriedade devido sua dublagem em português, na qual a presença do querido Bussunda como intérprete do ogro verde é inesquecível!

Shrek é perfeito devido suas imperfeições. Apesar de ser uma frase contraditória, ela resume bem a tônica deste quase-conto de fadas. Digo “quase”, pois esta é uma trama não convencional, ainda que seu encerramento o seja. O enredo nos apresenta contradições nunca antes percebidas ou criticadas pela indústria de animações. Ele explora a temática contrastante entre aparência e essência, nos obrigando a refletir: “como um ogro poderia ter chance com uma princesa?”

Em uma época onde as redes sociais sequer sonhavam em existir, a DreamWorks já estava bolando um plano para conscientizar seu público acerca de temas tão contemporâneos e urgentes. Até os espectadores menos atentos conseguiram perceber que o filme é recheado de mensagens subliminares, conceitos e lições morais (característica típica de qualquer conto de fadas). Se analisarmos os quatro personagens do núcleo principal, cada um deles simboliza os defeitos que comumente presenciamos nas relações humanas. 

Começando por Shrek, nosso ogro favorito. De imediato somos apresentados por um ser carismático, que vive bem consigo mesmo, ainda que sua aparência seja considerada grotesca e ameaçadora pelos outros integrantes do reino. Apesar de ser constantemente hostilizado, sendo alvo de pré-julgamentos, nosso anti-herói demonstra resistência, fingindo não se deixar levar pelas críticas negativas daqueles que não o conhecem, quando internamente é visível o quanto estas questões o incomodam. O Burro por sua vez é uma figura que sofre pelo medo da rejeição. Sua carência e busca por aceitação são insaciáveis. 

Ao passo que Fiona lida com questões de insegurança e abandono. Talvez o fato de ter sido trancafiada em uma torre, à espera de seu salvador, fez dela uma pessoa ansiosa e incapaz de ser honesta consigo mesma. Por fim, e menos importante, Lord Farquaad representa todos os vícios e defeitos de um ditador. Autocrata, vaidoso, demagogo, mentiroso e egoísta, Farquaad sonha em se tornar rei somente pelo título máximo de nobreza, que o legitimaria ainda mais suas práticas absolutas de poder. Qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência.

Afinal, podemos tirar proveito da maneira suave como Shrek lida com pressões emocionais, sobretudo com questões relacionadas à aceitação e pertencimento. Apesar de estar distante de uma análise acadêmica ou um manual de conduta escrito por coachs de auto-ajuda, a jornada deste anti-herói nos revela a beleza do convívio em suas mais diversas formas. A convivência é o grande dilema na vida de todos os personagens. Shrek aparentemente vive bem consigo mesmo, mas demonstra obstáculos de relacionamento. Burro e Fiona são incapazes de enfrentar a solidão e Farquaad se torna refém da validação mútua (ainda que forçada) de seus súditos.

Como todo conto de fadas, os protagonistas conseguem viver felizes para sempre, no entanto eles não deixam de apresentar problemas, muito menos se tornam “perfeitos para sempre”. O casal Shrek e Fiona é a prova disso. Ambos se complementam e constroem um vínculo recíproco de confiança, algo que os torna verdadeiros e livres para continuar apresentando falhas, mas sem deixar de lado a perseverança que o amor exige sem precisar cobrar. O trocadilho presente na última frase “e viveram feios para sempre” diz muito sobre o que podemos extrair como aprendizado.

Ele nos questiona qual é o modelo de amor que a indústria cultural tenta nos vender. Vai mais além e nos obriga a refletir se o amor perfeito realmente existe. Não à toa, seu enredo satiriza diversas obras hollywoodianas de sucesso que exploram a temática de uma maneira assustadoramente clichê. Shrek não é nenhum príncipe encantado, branco, sensível e respeitado. Assim como Fiona igualmente não é uma donzela à espera de um robô sem defeitos. Apesar de tudo, eles conseguem construir a própria história de amor verdadeiro passando por cima de todos os julgamentos de seres que igualmente são imperfeitos.

Por essas e outras razões, a paixão de Shrek e Fiona traz à tona ainda mais luz à insegurança de quem teme ser real. Há muito tempo, nós (humanidade) tememos ser transparentes e com isso, produzimos, vendemos e consumimos padrões de beleza, paixões e amor que são mentirosos. Nos moldamos pelo desejo, abrindo mão daquilo que nos torna realmente felizes.

Por isso, Shrek é antes de tudo uma obra revolucionária. 20 anos atrás, ele se tornou o ogro que ousou ter um final feliz e as pessoas não apenas entenderam o seu propósito como também o abraçaram: fazer piadas da vida como também fazer piadas do ideal que as pessoas criam sobre a vida.

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Ana Beatriz Rodrigues

Diferentemente de modelo, ser uma miss vai além de desfiles em passarelas e ensaios fotográficos. A miss é responsável por representar sua cidade, estado ou país em uma competição. Ela precisa ser carismática e possuir um talento que impressione os jurados, e, além disso, é necessário seguir os terríveis padrões de beleza impostos pela sociedade. Em 2001, Sandra Bullock confirmou essas características em Miss Simpatia, filme roteirizado por Marc Lawrence. Nesse ano, a obra completa 20 anos e não poderia deixar de ser esquecida. Misturando ação e comédia, o filme que embalou muitas Sessões da Tarde explora esses concursos enquanto se desenrola um mistério envolvendo o Miss Estados Unidos. 

O FBI investiga um possível atentado na maior competição de Miss nos EUA. Preocupados e com intenção de prender o culpado por isso, eles precisam se infiltrar para estudar o caso de perto. Para isso, eles escolhem a agente Gracie Hart, interpretada por Sandra Bullock, para se passar pela candidata do estado de Nova Jersey na competição. Só que Gracie não se comporta do jeito que o concurso pede. O resto da equipe não acreditava no seu potencial de se transformar de maneira tão rápida e ela surpreendeu deixando todos de boca aberta. 

Histórias em que as mulheres precisam se transformar para chegar em algum objetivo ainda são comuns. Muitas crianças cresceram acompanhando séries e filmes em que a protagonista mudava completamente seu visual para conquistar o mocinho ou algum sonho. Um dos nomes mais comuns que retratam essa narrativa é O Diário da Princesa, o filme que mostra a garota Mia de 15 anos que passava por uma transformação radical para se tornar princesa do seu país. Ela abandona seus óculos e alisa seu cabelo para essa nova fase.  

Esse discurso é extremamente perigoso para a formação de garotas na nossa sociedade. E a não correspondência com os padrões pode trazer consequências em diversos setores na vida do público. É, mais uma vez, o papel da Arte transmitir uma mensagem que seja saudável. Miss Simpatia possui alguns deslizes, mas não podemos assistir filmes mais antigos com um olhar anacrônico. Além do mais, a obra também coloca uma mulher em uma posição conhecida por ser ocupada majoritariamente por homens e isso também é importante. 

Apesar desses defeitos, o filme é bom de assistir e traz conforto por fazer parte da vida de muitas pessoas. O efeito nostálgico ao acompanhar as quase duas horas do longa é significativo. O romance típico dos anos 2000 também é ponto importante de Miss Congeniality. O diretor Donald Petrie também é responsável por Como Perder um Homem em 10 Dias. Amigos do trabalho que se implicam, mas na verdade se amam, é uma história comum porém agradável para uma obra como esse. E o toque que incorpora ainda mais o longa é a trilha sonora. Com Dancing Queen e One In a Million, o filme se torna uma obra perfeita do início do milênio. 

A protagonista vai além de sua beleza no concurso e mostra ser uma mulher engraçada e inteligente. Ela ainda descobre o verdadeiro suspeito pelo atentado e encerra o caso com um plot twist que até hoje pode surpreender o público. Infelizmente, seu talento tocando copos com água não foi capaz de conquistar os jurados e ela não se tornou a Miss dos Estados Unidos. Porém, Gracie Hart conquistou o coração de todos do concurso e se tornou a Miss Simpatia. Ela conseguiu cativar todos no filme e aqueles que assistiram a obra. 

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