Guilherme Veiga

Quando o mais novo álbum do alt-J, The Dream, estava prestes a ser lançado, muito se esperava que a banda britânica voltasse às suas raízes, mais especificamente as de uma década atrás. A razão disso é que seu registro de 2012, An Awesome Wave, vencedor do Mercury Prize, prêmio de Melhor Álbum Britânico daquele ano, é irretocável e até hoje é o cartão de visitas do grupo, que naquela época se tornou um expoente do indie britânico.

Sendo intitulada como o “novo Radiohead” no início, a banda, desde sua formação em 2008, pouco ligava para tais rótulos da indústria. O resultado foi um álbum de estreia que a princípio é dissonante entre si, mas que conversa de forma uníssona com a proposta de alt-J: fazer Música. Essa falta de uniformidade fez com que o disco levasse o ouvinte para navegar pelos diferentes tipos de mar e pela profundidade de seus intérpretes, que ora é mais calma, ora mais revolta.

E por mais simples que pareça, é a partir disso que o grupo mostra sua versatilidade ao passear por vertentes do indie como o electro indie, o pop folk e a psicodelia baseados nessa configuração nada ortodoxa, e ainda sim, imprimir seu DNA na obra. Momentos mais carregados e enérgicos, como Fitzpleasure e sua linha de baixo estridente de Gwil Sainsbury — que deixou a banda dois anos depois —, conseguem viver em consonância com passagens mais doces, como em Ms, ou melodias mais alegres, caso de Dissolve Me. E todas elas cabem muito bem no conjunto da obra, podendo até mesclar suas características vez ou outra.

As letras também são outro ponto alto do disco. Por mais que as composições  superficialmente apresentem temáticas até simples, que não fogem muitos dos términos de relacionamentos e que vez ou outra abrem brechas para assuntos mais sérios, como suicídio, a escrita desenvolve camadas. E a forma como essas esferas são tratadas demonstram um certo surrealismo, que fonética e melodicamente funciona muito bem. Outro ponto das letras desembocam para o lado mais nerd da banda. Além de todo o simbolismo, o álbum é recheado de referências, começando com próprio nome do disco, que remete a uma passagem de Psicopata Americano. Já Breezeblocks faz homenagem a literatura de Onde Vivem os Monstros, enquanto Matilda é baseada na personagem do filme de Luc Besson, O Profissional (1994).

Aliás, essas duas músicas são a prova de como o som do grupo em seu debut envelheceu como vinho. A súplica enérgica de Breezeblocks faz dobradinha com Fitzpleasure e as duas volta e meia retornam como trilha sonora de alguma trend no TikTok. Já a poesia travestida de referência de uma obra noventista deu o ar da graça recentemente — também fazendo dobradinha com a envolvente e um pouco menos conhecida Bloodflood — na trilha internacional de Amor de Mãe. Mas até as que não figuraram no radar do mainstream, caso da triangular Tessellate e da singela e tocante faixa sobre a fotógrafa de guerra Gerda Taro, obtiveram sucesso no cruel teste do tempo e não se dataram.

Isso se dá por já naquela época a banda ser desprendida de qualquer tipo de rótulo imposto, o que fez o álbum se destacar na imensidão quase que homogênea do indie britânico dos anos 2010. Som mais limpo, sonoridade mais intimista, uma identidade que mora em um limbo entre o rock de garagem e o indie pop, músicas carregadas de significado. Tudo isso está presente no alt-J e ditou certo movimento nessa vertente, que foi seguido por nomes que vão de Bombay Bicycle Club à The xx, por exemplo.

Sendo o ponto alto de suas carreiras, é lógico e natural definir os trabalhos posteriores como o começo de uma queda, e isso é real. A forte pressão da indústria e o sucesso de An Awesome Wave trouxe para o grupo fez com que as obras seguintes fossem reféns da expectativa alcançada, e consequentemente não desempenhassem tão bem em público e crítica. Por isso, o aguardo para o último álbum voltar às origens, na esperança de um alt-J que não ficasse mais preso dentro de suas próprias formas geométricas; cujo seu único objetivo, assim como no primeiro registro, seja apenas fazer Música e não ser parte dela.

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Bruno Andrade

É comum ouvir dizer que Alex Turner interpreta um personagem diferente em cada álbum, e que isso pode ser visto de forma mais visceral em Tranquility Base Hotel & Casino (2018) – o mais recente trabalho do Arctic Monkeys –, no qual ele realmente transforma-se em uma persona. Mas em Suck It and See, quarto álbum de estúdio do grupo, que completou 10 anos em junho deste ano, não é somente Turner que assume uma nova identidade. No disco, o quarteto inglês assumiu a influência do rock estadunidense – principalmente dos anos 1960 –, e deixou transcorrer por todas as faixas suas referências, dando ao projeto um ar de álbum conceitual. 

O que consolidou o grupo e os alçou às paradas de sucesso é visível desde os primeiros discos, porém ganha um enfoque gradual em Suck It and See: as letras ágeis de Alex Turner, a cozinha muito bem trabalhada de Matt Helders (bateria) e Nick O’Malley (baixo), e a guitarra espalhafatosa de Jamie Cook. Gravado no icônico estúdio Sound City, famoso pelo lançamento de Nevermind (1991) do Nirvana, e produzido por James Ford – parceiro de Turner e Miles Kane em The Last Shadow Puppets –, o álbum dá voz ao estilo provocativo, colocando no centro das interpretações a própria irreverência, cuja capa do projeto também reivindica esse tipo de insolência. 

Apesar do título ser uma provocação mal interpretada, algo que soaria como “dê uma chance” ou “tente algo novo” na gíria inglesa (e não o que a tradução literal pode sugerir), não deixa de ser uma polêmica premedita. O simples escrito Suck It and See em um fundo creme levou o disco a ser censurado em algumas lojas de departamentos nos Estados Unidos – “lojas das grandes”, segundo Alex Turner –, sendo coberto com uma faixa preta.

O fato é que o Arctic Monkeys cresceu rápido demais. Seu álbum de estreia, o prolixo Whatever People Say I Am, That’s What I Am Not (2006), chegou ao topo das paradas como uma avalanche, sendo, até hoje, o disco estreante mais vendido da história do Reino Unido – título que o Oasis carregava anteriormente, com Definitely Maybe (1994). Posteriormente, com Favourite Worst Nightmare (2007), clássicos como Fluorescent Adolescent e Do Me a Favour surgiram, já apontando para o lado mais sentimental que encontramos nas letras mais à frente.

Porém, desde 2009, com o lançamento de Humbug, a banda deixou as versões rápidas e passou a apostar em canções mais lentas e expansivas, e nem por isso menos ruidosas. Além de parecer a trilha sonora de um conto de Edgar Allan Poe, Humbug também marcou o início da colaboração de Josh Homme, do Queens of the Stone Age – uma das principais influências dos Monkeys – nos trabalhos do grupo. Todavia, Suck It and See aposta em algumas canções mais psicodélicas, com ecos de guitarra se encontrando ao fundo, com uma boa dose de humor sombrio. 

É o caso, por exemplo, de The Hellcat Spangled Shalalala, canção que, mesmo com um refrão inventado – “shalalala” –, consegue nos manter imersos em sua sonoridade desde o começo. Também é interessante contrapor as músicas I Bet You Look Good on the Dancefloor, do álbum de estreia, com a canção That’s Where You’re Wrong. Além do fato de serem, possivelmente, duas das melhores canções dos respectivos álbuns, elas são, essencialmente, faixas que mantém uma espécie de ruído de guitarra; entretanto, enquanto a primeira está mais próxima de versões pesadas de Black Sabbath, a segunda aproxima-se do ruído melódico, e não do caos total. Há uma expansão, ocasionada pelas notas soltas da guitarra base de Cook, elevando a música a um tom mais espiritual do que pesado.

Outra alusão que dá sustentação a ideia de um álbum conceitual são as referências do disco aos filmes de faroeste norte-americanos, declaradas pelo próprio Alex Turner, cujas insinuações perpassam, inclusive, os videoclipes de algumas músicas (todos protagonizados pelo baterista Matt Helders). Os clipes de Black Treacle, Suck It and See e de sua canção b-side, Evil Twin, formam uma trilogia, na qual Helders dá vida a um motoqueiro estadunidense, procurado pela polícia após fugir da prisão. 

Curiosamente, o primeiro single lançado para o projeto foi Brick By Brick, faixa cantada inteiramente pelo próprio Helders. Como primeiro contato do público com a obra, esse fato incomum deixou em evidência que este não seria um álbum para provar nada a ninguém – a não ser para os próprios integrantes, que deixaram o CD repleto de piadas internas ao longo de suas 12 canções.

Outra influência silenciosa no disco é Nick Cave & The Bad Seeds, uma espécie de aura que caminha pela sonoridade específica de Suck It and See. O próprio Nick Cave, mesmo sendo australiano, carrega a forte influência do rock estadunidense, principalmente Lou Reed e Iggy Pop. É verdade que os membros do Arctic Monkeys vieram de um subúrbio de Sheffield, na Inglaterra. Porém, neste álbum, essas características transformam o disco dos ingleses em uma bela peça de rock referencial aos anos 1960, visível em canções como All My Own Stunts, que ecoa um misto de The Velvet Underground e Johnny Cash desde o início. 

Também é curioso saber que, 10 anos depois, Suck It and See segue como um dos álbuns menos vendidos do grupo, pelo menos em números absolutos. Quando se emplaca um recorde logo na estreia, desbancando os gigantes do Oasis, naturalmente cria-se um nível muito alto a ser batido. Mas esse disco em específico parece dialogar com muitas questões pertinentes na indústria musical, como, por exemplo, a soberania de canções provenientes dos Estados Unidos no topo das paradas e premiações.

Essa parece ser a gênese de toda a sátira interessante que o grupo expôs no álbum. No próprio clipe de Evil Twin, em seus segundos iniciais, Matt Helders desfila com uma camiseta do Arctic Monkeys que carrega a bandeira dos EUA. O título e a censura que o disco recebeu no país também apontam para esse dialogismo, pois, mesmo sendo a mesma língua, pequenas nuances e gírias não compreendidas colocam em evidência que não há somente um predomínio da cultura de língua inglesa, mas da cultura estadunidense, especificamente.

De qualquer forma, sendo o melhor álbum do grupo ou não, Suck It and See marca o amadurecimento de seus quatro integrantes, trazendo um projeto mais coeso e entrosado entre voz e instrumentos, sem a típica sobreposição ruidosa de alguns singles que marcaram seus anos de formação. No fim, é por isso que soa como um álbum conceitual: trata-se de uma enorme piada do que aconteceria se o Arctic Monkeys fosse uma banda de rock estadunidense.

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