Livia Queiroz

Em 2009, um grande burburinho se espalhou por Hollywood: Will Smith está planejando um remake do sucesso cinematográfico dos anos 80, Karate Kid. Logo depois, Ralph Macchio recebe um roteiro e a proposta de dar vida ao senhor Han, réplica do senhor Miyagi. A família Smith recebeu como resposta uma negação assídua e depois do lançamento do trailer, uma declaração irritada do ator. O motivo? Ele viu o filme como uma falta de criatividade absurda da indústria do cinema e do produtor. Mesmo assim, o desenvolvimento da obra seguiu e foi lançado pela direção de Harald Zwart em junho de 2010. 

De certa forma, Ralph estava correto. Claro, desde sempre o cinema teve seus segredos específicos para vingar no mercado e eles eram versáteis, já que cada década tinha seus interesses, porém, a partir dos anos 2000, a dramaturgia começou um processo de repetição estrutural das narrativas, trazendo uma construção de começo, meio e fim e até cenas específicas iguais na maioria dos filmes. Assim, a única coisa que seria necessário mudar eram os personagens – às vezes tem a mesma aparência e personalidade, só mudando o nome – e o plano de fundo, e pronto, a fórmula do sucesso estava feita. Essas inspirações eram sabidas mas nunca admitidas, mesmo que óbvia, até a criação do remake, ou seja, copiar a história original mas com novas tecnologias e novos atores/dubladores.

Porém, o que não poderia imaginar-se é que o fenômeno não só funcionaria para a indústria como para os espectadores, que podem presenciar seus filmes favoritos todos de novo mas com alguns pequenos ajustes. Karate Kid é um ótimo exemplo disso, pois foi bem aceito pelo público e tornou-se o ‘karate kid‘ que marcou a nova geração. Um dos principais pontos do seu sucesso foi a escalação do elenco, para uma cinematografia de ação ambientada em um ambiente asiático, a escolha óbvia de participação é o ator Jackie Chan, a estrela das lutas de ação e dublê. Além disso, foi uma ótima escolha contratar atores chineses e descendentes para representar seus respectivos papéis, coisa que Hollywood pecava e ainda peca para fazer com qualquer origem, preferindo atores locais que não conhecem a cultura e a língua. 

Entretanto, apesar da inclusão nacional, a prática de estereótipos chineses em toda a extensão do longa prejudica sua imagem. Uma das primeiras conclusões de Dre Parker (Jaden Smith) chega após ser questionado sobre a procedência do treinamento do senhor Han, um marido de aluguel, foi que “É a China, todos sabem kung-fu”; uma clara má concepção do povo chinês, pois é uma manifestação cultural muito popular do país, porém não obrigatória na formação dos indivíduos, assim como o estereótipo de “todo brasileiro sabe sambar”. Tal generalização,  apesar de parecer inofensiva, fere a concepção do mundo sobre a China. 

Apesar da falta de tato no roteiro para tratar a cultura local, existem aspectos bons a serem extraídos do filme. A cinematografia apresentada nas lutas são ótimas, atraem a atenção pela agressividade do combate corpo a corpo – feito da coreografia da equipe de dublês de Jackie Chan e de Wu Gang, mestre de wushu que treinou o filho de Will para o papel. O uso de slow-motion para essas cenas também trouxe uma maior exploração dos movimentos marciais ao público, além de envolver mais dramaticidade aos acontecimentos.

Dentro do ambiente pesado de lutas e agressões, a oportunidade de abordar pautas importantes cresce. Um dos principais alertas instalados ao longo da trama é sobre o bullying, quando Dre é perseguido e agredido física e verbalmente por um grupo de crianças da escola após despertar interesse em Meiying, garota da qual um dos ‘valentões’ é amigo. Em conjunto com essa narrativa, é interpretada a dificuldade de adaptação entre culturas muito distintas. O início da obra é basicamente mostrando essa experiência, desde a barreira linguística até às diferenças de instalações domésticas. Por último, mas não menos importante, o senhor Han desenvolve – de forma interativa e subentendida – uma lição sobre a maestria, que para todos os aspectos da vida, só se atinge com constância e tempo.  

Na construção da identidade do filme e seu roteiro, a produção decidiu mudar a arte marcial que dá nome a franquia original, indo do karatê ao kung fu, mas mantendo o nome exato. Um erro compreensível, se levarmos em consideração a necessidade de chamar a atenção dos fãs dos clássicos dos anos 80 e reforçar que é um remake. A principal razão para essa troca vem da escalação de Jackie Chan e a localidade das filmagens, adequando-se às origens do ator e à principal luta praticada na China – não à toa, a obra foi traduzida como As Maravilhas do Kung Fu no país.

Portanto, assim como proposto na modalidade cinematográfica, o plano de estrutura de Karate Kid (2010) seguiu a mesma narrativa do tradicional com Ralph Macchio, entretanto surpreendeu com mudança significativa do plano de fundo, escolha de atores e easter-eggs. Nesse sentido, era esperado uma abordagem mais cautelosa e ao mesmo tempo reflexiva do ambiente cultural apresentado, e cumpriram com o objetivo. E, assim como Dre em sua inserção à competição de kung fu sem sequer saber como posicionar-se contra um soco, o filme segue controverso e reafirmando o futuro de uma Hollywood cada vez menos criativa.

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Gabriela Bita

De cachorros que falam a leões hiperrealistas, a Disney tem protagonizado erros e acertos em seus remakes das clássicas histórias animadas. Já tem mais de uma década que a empresa vem expandindo seu catálogo com live-actions de seus sucessos, para a alegria de uns e infelicidade de outros. Em 2019, o estúdio brilhou nas telas com a adaptação de Aladdin, uma das mais fiéis – se não a mais – à animação homônima de 1992.

O jovem ladrão das ruas de Agrabah voltou às telas 27 anos depois de sua primeira aparição, em uma versão atualizada sob direção de Guy Ritchie, mas que não modifica a essência do original de 1992. Se na animação, o garoto desafortunado e a princesa Jasmine conquistaram o público ao cantarem sobre um mundo desconhecido voando em um tapete mágico, o live-action cativa ainda mais o espectador ao trazer essa e outras cenas para a realidade.

A união de Mena Massoud, Naomi Scott e Will Smith no elenco foi um dos pontos que garantiram o sucesso do longa. Os intérpretes de Aladdin, Jasmine e Gênio, respectivamente, conseguiram trazer os personagens do desenho para o mundo real, desde a caracterização até a incorporação dos traços de cada um por meio da atuação, demonstrando o estudo prévio do filme de 1992. 

A colorização é muito bem trabalhada e é um acerto como estímulo para conquistar o público e mantê-lo com os olhos na tela durante duas horas. Além da atraente cenografia de Gemma Jackson, os figurinos de Michael Wilkinson carregam as mais diversas cores que caracterizam não só o filme, mas também os personagens. Os tons escuros e fechados de Jafar contrastam com as tonalidades vibrantes utilizadas por Jasmine; as diferentes paletas também são exploradas com o personagem Aladdin enquanto o ladrão, vestindo tons terrosos e opacos, e como Príncipe Ali, adornado em cores claras que remetem à nobreza.

Não é uma tarefa fácil representar um personagem que já existe e possui uma marca entre o público, mas, felizmente, todo o elenco do live-action faz jus às figuras da animação. John August e Guy Ritchie acertaram ao seguir os moldes originais da animação no roteiro do longa, não há pontas soltas em sua concepção e a fidelidade com o nostálgico Aladdin de 1992 agrada as diferentes faixas etárias que contemplam o filme desde sua estreia. Agora, cabe a nós, meros espectadores, esperarmos que a continuação do live-action siga os modelos e a qualidade do irmão mais velho.

Apesar da exatidão entre o longa de 2019 com seu antecessor, alguns pontos inéditos são explorados no mais recente. Naomi Scott faz o público se emocionar ao cantar Speechless como Jasmine. A canção escrita por Benj Pasek e Justin Paul – que ganharam o Oscar de Melhor Canção Original por City of Stars, de La La Land –, além de causar arrepios em quem a escuta, traz ao filme um contexto atual sobre a sociedade e dá à jovem princesa a primeira oportunidade para demonstrar sua força e se tornar uma referência de poder feminino.

Mantendo o título de produção fiel à animação de origem, o live-action traz de volta para a produção de sua trilha sonora o compositor original das canções de Aladdin (1992), Alan Menken. Seguindo a premissa de que ‘em time que está ganhando não se mexe’, Menken realizou poucas mudanças nos arranjos musicais. Arabian Nights, por exemplo, teve algumas alterações em sua letra e tempo de duração. A vencedora do Oscar de 1993, A Whole New World, por sua vez, sofreu apenas uma pequena diferenciação em seu tom ao ser interpretada por Massoud e Scott.

O remake ultrapassa os custos de produção de seus antecessores. Foram necessários US$183 milhões para que toda a riqueza do longa ganhasse vida, enquanto Malévola (2014) e A Bela e a Fera (2017), por exemplo, geraram gastos de US$180 e US$160 milhões cada, respectivamente. É facilmente visível o resultado de tamanho investimento, seja através da própria construção da cidade de Jasmine ou da cena de Aladdin e o gênio na caverna. Os elementos gráficos utilizados pela equipe de efeitos visuais, liderada por Alan Stewart, junto com o trabalho do setor de design de produção, coordenada por Gemma Jackson, fizeram com que o resultado final iluminasse os olhos dos espectadores, por meio da fotografia, arte e cenografia.

Sem poupar esforços para o desenvolvimento do live-action, a Disney conseguiu transportar a magia de seu slogan para a adaptação, o que resultou em um verdadeiro espetáculo visual. O ouro e a riqueza não ficaram apenas na cidade fictícia de Agrabah: apesar de ter sido um dos filmes mais caros da época, Aladdin alcançou a 8ª colocação entre as maiores bilheterias de 2019 e consolidou seu sucesso entre o público. 

Apesar do passar dos anos, a produção continua atual, seja em sua parte estética, que permanece agradando o público e sendo referência para outras produções, seja na abordagem de temas que ainda permeiam a sociedade cinco anos depois do lançamento. E é nesse último ponto que se estabelece a importância dos remakes feitos pela Disney, pois, ao trazer um clássico de 32 anos para o contexto do século XXI, é permitido que as histórias que muitas vezes são valorizadas apenas por sua beleza, ou até mesmo considerada para crianças, reflita para as telas o meio social da nova época.

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Vitor Evangelista

O Oscar 2022 foi marcado por controvérsias muito antes dos famosos pisarem no tapete vermelho. Com a decisão de realizar um pré-show para a entrega de oito prêmios, a fim de poupar tempo e dinamizar a transmissão, os produtores já revelaram que não sabiam o que fazer com o produto em mãos. Dito e feito, os protestos em favor do movimento #PresentAll23 não deram em nada e, uma hora antes do início oficial, os curtas e Duna foram prestigiados. Mas não adianta, não tem imagem mais marcante da 94ª edição do Oscar que não o tapa de Will Smith em Chris Rock. Então, comecemos com ele.

O momento aconteceu perto do terço final da cerimônia, quando Rock apareceu para anunciar o vencedor da categoria de Melhor Documentário. O comediante, que já foi host do Oscar no ano do #OscarsSoWhite, começou falando sobre os casais da noite. Depois de angariar algumas risadas com uma tirada nada original a respeito de Javier Bardem e Penélope Cruz, ele cometeu o pior erro da noite e se direcionou para Will e Jada Smith, sentados logo à frente do palco. 

“Jada, eu amo você. G.I. Jane 2, mal posso esperar para ver“, começou Rock, mas não houve tempo de retratação. Smith, favorito a vencer a categoria de Melhor Ator por King Richard, se levantou e estapeou Rock, que ficou sem reação, tentou responder com humor mas logo foi silenciado pelos gritos do ator: “Tire o nome da minha esposa da porra da sua boca”. O momento foi confuso até para o público presente, mas talvez o maior indicativo da veracidade do ato tenha sido os palavrões proferidos por Will, alguém confortável com os programas ao vivo e ciente da proibição desse tipo de linguajar na ocasião. 

A questão é que Jada Pinkett Smith sofre de alopecia, uma doença autoimune que causa queda de cabelos. Alguns anos atrás, ela decidiu raspar a cabeça e vir a público com o diagnóstico e a decisão, em um dos momentos mais corajosos e difíceis da sua vida na mídia. A piada, extremamente deslocada e desrespeitosa de Rock, dizia respeito ao filme G.I. Jane, lançado em 1997 e traduzido para o Brasil como Até o Limite da Honra, onde a personagem principal, vivida por Demi Moore, tem a cabeça raspada na intenção de parecer “mais masculina”. 

Mas é bom lembrar que essa não é a primeira vez que Chris Rock usa Jada Pinkett Smith como saco de pancadas no palco do Oscar. Em 2016, quando apresentou a cerimônia boicotada pelo casal Smith pela ausência de indicados negros, Rock disse: “Jada boicotar o Oscar é como eu boicotar a calcinha de Rihanna. Eu não fui convidado”.

A plateia assistiu sem entender se tudo não passava de um número ensaiado. Pouco tempo depois, Uma Thurman, Samuel L. Jackson e John Travolta chegaram para anunciar o vencedor de Melhor Ator, em uma das várias pequenas celebrações de aniversário que o Oscar promoveu em 2022. Sem surpresas, depois de vencer o SAG e o BAFTA, Will Smith adicionou um careca dourado ao seu longo currículo nas Artes. Já com os olhos marejados, ele foi sincero e fez uma retratação justa, pedindo desculpas à Academia e aos presentes. Ainda reconheceu os paralelos da sua ação (a de um marido protetor) com a do personagem que lhe rendeu o prêmio (um pai protetor) e mais uma vez se desculpou, revelando palavras de apoio que o companheiro de categoria Denzel Washington disse a ele, e defendendo a ação de proteção às pessoas vulneráveis em um ambiente que tende a ser abusivo.

É uma pena, sem dúvidas, que a premiação fique marcada para sempre como “a edição do tapa”, ainda mais com o número de discursos emocionantes, vitórias históricas e celebrações atemporais. Em uma cerimônia extremamente previsível, tudo começou com Ariana DeBose subindo ao palco para receber o prêmio pela mesma personagem que condecorou Rita Moreno 60 anos atrás. Notável apontar que, durante todo esse intervalo de tempo, apenas 3 atrizes latinas venceram essa categoria, e duas delas na pele de Anita em West Side Story. Emocionando com falas sobre sua identidade como mulher afrolatina e queer, DeBose abriu portas para o que seria um Oscar indeciso de seu tom e humor.

O trio de apresentadoras formado por Amy Schumer, Wanda Sykes e Regina Hall demorou para encontrar o ritmo em conjunto, mas as três provaram ser mais funcionais nas sequências individuais. Logo na entrada, o inconveniente DJ Khaled interrompeu tudo para apresentar propriamente as comediantes, provando que a ABC parece ter aceitado dinheiro à beça para autorizar a inserção de alguns dos convidados, que esse ano apareceram na vinheta de abertura, como numa série de TV. 

Ácida como de costume, Schumer zombou da possível aparição do Globo de Ouro no In Memoriam, se vestiu de Homem-Aranha para as gargalhadas de Andrew Garfield e Zendaya, entregou uma queimada fumegante em O Último Duelo e, quando tudo parecia estar indo bem demais, ela chegou e retirou Kirsten Dunst de seu lugar, chamando-a de figurante. O visível desconforto ficou estampado no semblante de Jesse Plemons, marido de Dunst, que mal reagiu ao “humor” da comediante.

Wanda Sykes foi mais inofensiva, e fez valer o cargo de apresentadora quando protagonizou um vídeo no Museu da Academia. O humor de confusão caiu como uma luva nas comparações totalmente tortas que ela fez dos objetos em exposição, com destaque para a cabeça de orc de O Senhor dos Anéis que foi, corretamente, definida como Harvey Weinstein. Regina Hall não fez muito para ser notada, além de uma sequência onde chamou 4 colírios para o palco e fez insinuações sexuais com fundos científicos, além de apalpar sem pudor Josh Brolin e Jason Momoa. 

Enquanto alguns nomes foram selecionados com afinco (a trinca de princesas da Disney entregando o título de Melhor Animação para Encanto), outros morreram na praia. Três atletas para apresentar a homenagem para James Bond? Sério? Judi Dench e Javier Bardem estavam na plateia, pessoal! Não era tão difícil elaborar algo melhor. Melhorando os rumos, o elenco de Juno aparece para entregar Roteiro Original (categoria que Diablo Cody venceu pelo filme 14 anos atrás), mas na hora de Roteiro Adaptado, quem subiu para apresentar foi o cantor Shawn Mendes.

À respeito das categorias apresentadas no pré-show, a equipe do Oscar realizou uma inserção dos vídeos editados sem qualquer leveza. O corte rápido para a plateia em palmas poderia passar despercebido, mas ainda ficou a sensação de estranheza. Em comparação com a edição passada, a maior mudança e melhora, além de manter Melhor Filme como categoria final, foi a volta dos clipes no momento de apresentar os nomeados. Além disso, a cerimônia contou com vídeos dos 10 nomeados na disputa principal, e encontrou espaço para uma pequena sequência do grupo sul-coreano BTS falando sobre sua paixão pelos filmes da Disney.

E falando na Disney, a rede ABC (propriedade da empresa) fez questão de ter seus prêmios entregues ao vivo. Ariana DeBose começou a noite em triunfo, seguida pela vitória de Encanto (impossível de ignorar o grupo de produtores brancos agradecendo pelo reconhecimento de um filme que fala da Colômbia e de representatividade) e da celebração do trabalho de Jenny Beavan, figurinista de Cruella (que se vestiu com homenagens e referências à personagem e agradeceu a equipe de maquiagem e cabelo, vitais para a construção do filme), que agora soma 3 estatuetas na carreira. Ela recebeu o prêmio das mãos de Ruth E. Carter, primeira mulher negra a vencer o prêmio em 2019.

Bem da Warner, Duna levou 6 Oscars, 4 deles entregues no pré-show. Entre as vitórias, todas já apontadas por sindicatos precursores, estão Som, Efeitos Visuais, Design de Produção e Montagem. Em Melhor Trilha Sonora Original, Hans Zimmer ganhou, mas não estava presente para receber a honraria. O músico alemão soma uma dúzia de nomeações e agora, depois de quase trinta anos da vitória por O Rei Leão, coloca o prêmio de Duna embaixo do braço. Em Fotografia, a esperança de ver a primeira mulher vencedora na figura de Ari Wegner foi por água abaixo. Venceu Greig Fraser, nomeado no passado por Lion e super em alta devido à popularidade de Batman, filme que pode levá-lo à cerimônia de 2023. 

Quando chegou a hora de Yuh-Jung Youn anunciar o prêmio de Ator Coadjuvante, a noite valeu a pena. Depois de, como a própria disse, reclamar que erraram a pronúncia do seu nome ano passado, a vovó de Minari pediu desculpas em antecipação se confundisse o nome de alguém na hora de ler o envelope. Mas não teve jeito, com direito a pausa dramática e a dizer “eu te amo” em língua de sinais, Troy Kotsur subiu ao palco, ovacionado por um público batendo palmas em ASL e apaixonado por seu carisma, desenvoltura e paixão. 

Ciente de seu papel histórico, o ator de CODA não poupou elogios à diretora Siân Heder, agradeceu a todos que lhe deram oportunidades no passado e não deixou o bom humor de lado, referenciando o maior pescador marinheiro de todos e sua fome de espinafre. Yuh-Jung Youn segurou a estatueta do colega, e assistiu com os olhos brilhando enquanto ele agradecia à família e contava que seu pai, ótimo em língua de sinais e seu herói, sofreu um acidente que o impossibilitou de se mover, não podendo mais se comunicar com o filho.

Com lágrimas nos olhos, Kotsur dedicou o troféu dourado à família. A voz embargada e trêmula de seu tradutor transmitiu com voracidade a importância dessa vitória e da celebração de um filme como CODA. 35 anos depois de Marlee Matlin vencer um Oscar de Melhor Atriz por Filhos do Silêncio (Children of a Lesser God), se tornando a primeira mulher e pessoa surda a fazê-lo, Troy Kotsur entra para o time e se transforma no primeiro homem surdo a triunfar. Através da honraria entregue pela primeira atriz sul-coreana premiada pela Academia, a cerimônia de 2022 passa o bastão de coadjuvante entre dois atores provenientes de filmes exibidos, celebrados e aclamados no Festival de Sundance. 

Disputa decidida há muito, Drive My Car foi escolhido o Melhor Filme Internacional, dando uma quinta estatueta para o Japão, mas apenas a segunda competitiva, 14 anos depois da vitória de Departures em 2009. Visivelmente emocionado e nervoso, o diretor Ryûsuke Hamaguchi teve sua fala cortada 2 vezes, não conseguiu falar tudo o que queria e foi retirado às pressas do palco. Discursando em inglês, o cineasta levou uma tradutora ao palco, mas a rapidez e o curto tempo dado pela Academia não foi o suficiente para que a mulher fizesse seu trabalho. Para o longa internacional mais aclamado do ano, e presente inclusive na disputa principal, a decisão foi desrespeitosa e imprudente. 

Já numa disputa nada decidida, o prêmio de Roteiro Original ficou com Belfast, levando Kenneth Branagh ao palco do Oscar depois de 8 nomeações em 7 categorias diferentes. Indo na contramão do BAFTA (que escolheu Licorice Pizza) e do Sindicato dos Roteiristas (que na inelegibilidade de Belfast, premiou Não Olhe para Cima), a Academia escolheu liquidar uma dívida velha com o irlandês e finalmente o transformou em um vencedor do Oscar. Paul Thomas Anderson, por outro lado, já soma onze menções sem ver nem a cor do ouro. Em Documentário, venceu Summer of Soul, pela primeira vez na histórica marcando uma edição onde tanto o Melhor Filme quanto o Melhor Documentário saíram do Festival de Sundance.

O diretor Questlove, que já havia ganhado tudo o que era possível, dos prêmios do próprio Sundance, até o Spirit, o BAFTA e o Sindicato dos Produtores, subiu ao palco extremamente emocionado e reiterou que aquele momento não era sobre ele, e sim sobre as pessoas marginalizadas que precisam se curar da dor e usaram o Festival Cultural Harlem de 1969 para isso. O discurso, que aconteceu logo depois do desentendimento de Smith e Rock, foi um tanto ofuscado pelo ocorrido. Pelo menos os agradecimentos de Questlove não foram silenciados pela orquestra, que chamou atenção por todos os motivos errados (inclusive um sample de Africa, da banda Toto, na entrada de Daniel Kaluuya, que é inglês, e H.E.R., que é estadunidense). 

Na parte musical, pelo segundo ano seguido, o segmento do In Memoriam foi guiado por batidas agitadas. O coral gospel foi intercalado com algumas personalidades falando palavras de afeto sobre os falecidos. Para homenagear a eterna Betty White, Jamie Lee Curtis apareceu com um filhotinho no colo e declamou palavras de amor para a amiga, que morreu poucos dias antes de completar 100 anos de idade. As apresentações musicais voltaram à cerimônia principal depois de um ano renegadas ao pré-show, mas não empolgaram como o esperado. 

Beyoncé abriu o show diretamente das quadras de Compton, região onde as irmãs Williams treinavam tênis. Muito mais videoclipe do que apresentação, a performance Be Alive agradou os já acostumados com a grandeza e a presença divina da artista. De Encanto, Dos Oroguitas contou com os vocais de Sebastián Yatra, que tremia mas não deixou a peteca cair. A falta de um cenário elaborado, porém, chamou atenção, o que tentou ser remediado com dois dançarinos varrendo o palco com seus corpos em movimentos graciosos. 

Reba McEntire soltou a voz ao som de Somehow You Do, canção que indicou Diane Warren pela 13ª vez ao Oscar, mas assim como o filme de que foi retirada, não fez barulho. A estrela da noite, como era de se esperar, foi Billie Eilish e sua versão noturna de No Time To Die, a eventual campeã em Canção Original. Com FINNEAS no piano, a jovem rasgou os vocais no tema que findou a era Daniel Craig frente ao espião e, mais tarde, deu sequência ao legado de Adele e Sam Smith, levando o ouro e se tornando a primeira pessoa nascida no século 21 a ganhar um Oscar.

Sem Chloé Zhao, a categoria de Melhor Direção foi entregue por Kevin Costner, que fez um discurso de apresentação longo, monótono e nada atraente. Quando subiu ao palco e entrou para a História, a vencedora Jane Campion reconheceu a dramaticidade das palavras do colega. Dessa vez com um discurso escrito para ser lido, talvez para evitar falas problemáticas, como aconteceu duas semanas atrás na cerimônia do Critics Choice Awards, a neozelandesa foi enfática nos agradecimentos mas não saiu dos protocolos. 

Campion se junta a Kathryn Bigelow (Guerra ao Terror) e Zhao (Nomadland) como as únicas mulheres a vencerem Direção em 94 anos, além de ser a primeira indicada duas vezes na categoria. Ela havia disputado em 1994 com O Piano, ocasião em que venceu Roteiro Original e viu Steven Spielberg, a quem derrotou esse ano, ser coroado Melhor Diretor. No fim, esse foi o único prêmio de Ataque dos Cães (The Power of the Dog), o campeão de nomeações que perdeu onze de sua dúzia de menções, entre elas a principal, dada como vitória certa até três semanas atrás. 

A categoria de Melhor Cabelo e Maquiagem foi exibida no pré-show, mas recortada para ser apresentada pouco antes de Melhor Atriz. Quem venceu nas duas disputas foi Os Olhos de Tammy Faye, é claro. Para finalmente tornar Jessica Chastain uma vencedora do Oscar, foi a vez de Anthony Hopkins ser ovacionado, um ano depois de ganhar por Meu Pai e não estar presente para agradecer. Assim como Will Smith, Chastain venceu em sua terceira nomeação, e por coincidência, nas categorias de coadjuvante, os vencedores estavam ambos indicados pela primeira vez. 

Para fechar a noite, o público recebeu Lady Gaga ao lado da aparição surpresa de Liza Minnelli, marcando 2022 como o ano em que, entre Judi Dench, Hopkins e Liza, os idosos decidiram sair de casa e festejar. Comemorando os 50 anos de Cabaret, a filha de Judy Garland demonstrou entusiasmo e paixão pelo público. E já virou tradição: lendas do Cinema leem o nome do filme que ficará marcado pela eternidade. Jane Fonda se surpreendeu com Parasita, Rita Moreno selou a paz com Nomadland e Liza Minelli exalou euforia ao anunciar CODA (No Ritmo do Coração) como o vencedor do Oscar de Melhor Filme de 2022.

Só ficou surpreso quem estava por fora das conversas recentes. CODA venceu o Sindicato dos Atores, o Sindicato dos Produtores e o Sindicato dos Roteiristas, além do BAFTA de Roteiro Adaptado. Davi venceu Golias, na forma de um Ataque dos Cães destruindo a competição, vencendo todos os precursores em Direção e Filme, até chegar onde realmente importa, na cédula preferencial dos Produtores. Lá, a pegada agradável de CODA engrandeceu suas chances. 

Desde que mudou seu método de votação, a Academia preza pelo consenso. Obras divisivas, como La La Land, Três Anúncios para um Crime, Roma e Ataque dos Cães, são desfavorecidas pelas cédulas preferenciais. Além de que, nos anos recentes, quando a Academia percebe uma mudança de ares, eles não voltam atrás: Green Book era a alternativa para que a Netflix não ganhasse com um filme nada acessível; Parasita era o sinônimo do voto por paixão contra um filme extremamente técnico mas sem apelo popular. CODA é o filme que te emociona, em embate com um outro muito mais especulativo do que descomplicado. 

A vitória de CODA aniquila todas as estatísticas e dados que existiam. Vencendo Melhor Filme, a produção  se tornou pioneira em muitos aspectos:  é o primeiro filme a ganhar com três ou menos indicações e a vencer sem estar indicada em Direção ou Montagem desde Grand Hotel (1932); o primeiro filme a pular todos os festivais de outono e o primeiro remake de filme em língua não-inglesa desde Os Infiltrados (2006); o primeiro filme a vencer sem estar indicado na categoria principal do BAFTA desde Menina de Ouro (2004); o primeiro filme a vencer sem uma indicação ao Sindicato dos Diretores desde Conduzindo Miss Daisy (1989) e, por fim, o primeiro filme a vencer tendo estreado em Sundance.

As estatísticas existem para serem quebradas e refeitas. Tudo citado no parágrafo acima diz respeito a uma época em que o Oscar não admitia o mesmo número de membros internacionais como hoje, e também usava um método diferente para premiar a categoria principal. O triunfo de CODA abre espaço para que o futuro seja guiado pela paixão e não por números. Além disso, também existiu a forte e extremamente eficaz campanha da Apple nas últimas semanas de votação, tornando-a o primeiro streaming a abocanhar o Oscar mais importante da noite, anos depois de tentativas fracassadas da Netflix.

O reconhecimento para a obra de Siân Heder, baseado no francês A Família Bélier, gera revolta pelo caráter “menor” e “menos merecedor” que alguns podem qualificar a CODA. Longe da grandeza de Amor, Sublime Amor e Duna, da sutileza e da classe de Drive My Car e da relevância técnica de Ataque dos Cães, No Ritmo do Coração encerra a temporada de premiações de 2022 como o longa-metragem do carinho. O Oscar existe para premiar realizadores e profissionais e incentivar sua produção artística, e escolher um filme sobre uma família surda, com um elenco majoritariamente surdo, é fazer exatamente isso. CODA não venceu por cotas ou por migalhas, mas sim pela emoção transmitida com primazia pela diretora e pelo elenco, digna de aplauso e, isso mesmo, dos prêmios da Academia. 

Não dá para negar que chega a ser cansativo repetir esses inúmeros dados a respeito de filmes dirigidos por mulheres. Sabe quando foi a primeira vez que um diretor homem foi nomeado duas vezes em Direção? Logo na terceira cerimônia, em 1930, com Lewis Milestone, King Vidor e Ernst Lubitsch, um empate triplo nessa estatística. Sabe quando dois filmes dirigidos por homens ganharam a categoria principal consecutivamente pela primeira vez? Um ano antes, com a dobradinha Wings e The Broadway Melody. 

Na premiação de 2022, onde o foco poderia e deveria ser a celebração do Cinema, a retomada ao normal depois de anos em isolamento, a Academia resolveu focar em tudo, menos nos filmes. Piadas fora de tom, categorias entregues no pré-show sem audiência em larga escala, discursos cortados sem dó nem piedade e a completa desconsideração dos excluídos da premiação durante os discursos da mesma. Sabia que Riz Ahmed venceu um Oscar? Pois é, pena que quase ninguém pôde aplaudir, uma hora antes do “espetáculo” começar. Os curtas The Windshield Wiper e The Queen of Basketball também saíram vitoriosos, mas sem o mesmo prestígio que lhes eram de direito. 

A justificativa de que o corte das categorias no ao vivo resultaria numa cerimônia mais enxuta também foi balela, já que a minutagem de 2022 passou das 3 horas e quarenta e cinco minutos, enquanto ano passado chegou a menos de três horas e vinte. Quanto à audiência, os números preliminares apontam para um aumento do número de espectadores, o que já se mostrava uma tendência entre o SAG e o Critics Choice Awards. Se isso for usado para manter a decisão de cortes no ano que vem, saberemos que a ABC só se preocupa com os números e os gráficos. 

Se nem a Academia se importa com o Oscar, por que deveríamos nós? A resposta não é apenas simples, mas está escrita na nossa cara. A razão está no sorriso satisfeito de Ariana DeBose e nos olhos orgulhosos de Rita Moreno. Está na expressão desacreditada de Troy Kotsur e nos aplausos vibrantes de Marlee Matlin. Está no reconhecimento de Questlove, de Ryûsuke Hamaguchi, de Jenny Beavan, Greig Fraser e Hans Zimmer. Está no coração pulsante de Siân Heder, na vibração contagiante de Billie Eilish e na sinceridade brutal de Will Smith.

O motivo do Oscar ainda gerar repercussão, mesmo aos 94 anos de idade, está no legado de Anthony Hopkins, de O Poderoso Chefão, Pulp Fiction, Homens Brancos Não Sabem Enterrar, Juno e Cabaret. Está na emoção transbordando de Jessica Chastain e no sorriso de orelha a orelha de Jane Campion. O porquê da relevância e do amor ao Oscar está na energia de Lady Gaga e no entusiasmo de Liza Minnelli. Na espontaneidade de Yuh-Jung Youn e na memória de Sidney Poitier. Tudo volta ao cerne da questão, aquele ponto que a Academia e a ABC parecem não levar em conta: o Cinema. 

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Nathalia Tetzner e Thuani Barbosa

“Se você fracassar em planejar, planeje-se para o fracasso”. Richard Williams começou o planejamento do sucesso para suas filhas dois anos antes delas nascerem, e se fosse necessário resumi-lo em uma palavra, seria “determinação”. King Richard: Criando Campeãs foi produzido pela Warner Bros. Pictures, e chegou às salas de cinema e ao HBO Max no final de 2021. O filme biográfico sobre o pai de Venus e Serena Williams, grandes sucessos do tênis, proporciona ao público a chance de entender como uma família do subúrbio de Compton conseguiu produzir duas das maiores jogadoras de um esporte ainda tão elitista. De olho no Oscar 2022, a obra garantiu indicações nas principais categorias, incluindo Melhor Filme e Melhor Ator.

Treinos debaixo de chuva, incansáveis entrevistas para a imprensa e controle total sob as carreiras de suas duas filhas. O drama joga luz sobre o verdadeiro Richard Williams, o pai humano e complexo de Venus e Serena, não apenas um herói ou vilão, e expõe ao telespectador o belo e o feio da trajetória do personagem principal para criar campeãs. É quase impossível não pensar em outras figuras paternas que fizeram de tudo para os filhos alcançarem o estrelato, e exemplos como os de Michael Jackson, Britney Spears e Beyoncé mostram quanto a relação pai/empresário pode ser conturbada.

Para quem nunca acompanhou uma partida de tênis, o filme faz um ótimo trabalho em não tentar explicar as regras e, talvez por isso, acaba despertando o interesse pelo esporte. O vai e vem das bolas verdes batendo nas raquetes prende a atenção e traz um pouco de ritmo para a tela. Quem assiste não tem a menor dificuldade em torcer pelas meninas quando elas estão competindo, mesmo sem ter a mínima ideia do que está acontecendo. Ao contrário do extremamente técnico Rick Macci, que ganha vida com a atuação de Jon Bernthal, aqui a forma caricata faz justiça à persona excêntrica do treinador que levou a família Williams para a Flórida.

Como o ator consagrado que se tornou, Will Smith transita com fluidez pela esfericidade do seu personagem. Seja em um momento de bravura, ao impor o seu plano de 78 páginas, seja em sua fraqueza, ao tentar defender as filhas da violência urbana, o ator representa com fidelidade a figura que Richard Williams foi para o esporte. É certo afirmar que Smith se jogou de cabeça no projeto, afinal, além de ganhar peso, ele também se comprometeu em usar um shorts relativamente pequeno para a sua estatura.

É incrível ver, nas cenas reais que compõem os créditos, como Smith conseguiu, em essência, se transformar em Richard, através da maneira de andar, dos trejeitos e das expressões faciais, mas essa não é a única cópia perfeita. A atenção aos detalhes, presente na ambientação, como a Kombi da família e os vídeos que Richard gravou, deve-se ao diretor Reinaldo Marcus Green e Isha Prince, produtora e irmã de Serena e Venus Williams. Em entrevista para a Warner Channel Brasil, Green disse: “conseguimos essa riqueza porque Isha estava ao meu lado”. Independentemente de ser uma grande produção, a família Williams esteve presente em todos os momentos, dando acesso livre para o elenco conhecê-los melhor, o que fez total diferença.

Na pele de Venus, Saniyya Sidney, indicada ao Critics Choice Awards como Melhor Revelação, atrai os olhares para ascensão de uma jovem tenista, com destaque para o nervosismo do primeiro torneio de sua carreira, em uma disputa contra a segunda melhor tenista do mundo na época. Já Demi Singleton, quando entra em cena, capta o fogo no olhar de Serena, que desde a infância almejava o topo do mundo no tênis. A trama tem a irmã mais velha como foco, porém, em uma das cenas finais, Richard Williams fala abertamente para a filha mais nova que Venus será a número um, enquanto ela será a melhor de todos os tempos.

Os Estados Unidos são um dos países mais violentos contra a população negra no mundo, em decorrência do racismo enraizado no país, e isso também afeta os esportes. No longa, é possível ver a maneira com que agentes e outros pais desacreditam do talento das jovens tenistas, tendo em vista que esse é  um esporte majoritariamente branco, o que deixa Richard e as meninas desconfortáveis. Na vida real, durante os protestos antirracistas em 2020, Venus se solidarizou e compartilhou, em suas redes sociais, um texto sobre como o ideal racista afetou negativamente a vida no mundo esportivo.

Richard e Oracene (Aunjanue Ellis) chegaram a enfrentar problemas com o conselho tutelar por sua rigidez e exigência com as filhas, mas o desejo de criar pessoas bem sucedidas e respeitadas, como eles nunca puderam ser, é admirável, uma vez que é um sentimento muito comum em pais que sofreram com as dificuldades da vida quando jovens, criando uma sensação de pertencimento do espectador com a história da família Williams. Assim, o longa trilha um caminho de dificuldades e inseguranças junto com Richard e sua família, e isso deixa os momentos de vitórias ainda mais significativos, criando a atmosfera de amor fraternal e presenteando o público com o sabor do sucesso.

Na rota das premiações, o longa provou o seu sucesso com a Academia ao garantir 6 indicações ao Oscar. King Richard: Criando Campeãs arrebatou vagas desde as categorias mais técnicas como Melhor Roteiro Original, para Zach Baylin e Melhor Montagem, para Pamela Martin, até a mais reverenciada de Melhor Filme (com créditos de produção para Tim White, Trevor White e Will Smith). Aunjanue Ellis, indicada ao Emmy 2021 pela sua atuação essencial em Lovecraft Country, é forte concorrente ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante. Amiga de Serena Williams, a cantora Beyoncé participa da trilha sonora do filme com a faixa Be Alive e pode levar a estatueta dourada de Melhor Canção Original para casa ao lado do compositor Dixson. 

Dono de um Globo de Ouro e de um SAG Awards pela sua interpretação de Richard Williams, resta-nos esperar pelo tão ansiado Oscar de Melhor Ator para Will Smith. Afinal, ao levar os principais prêmios da temporada, ele vem forte para a competição pela terceira vez em sua carreira. Ele já havia sido indicado na categoria por incorporar o boxeador Muhammad Ali no filme Ali (2002) e pela sua entrega na pele do empresário Christopher Gardner em À Procura da Felicidade (2007). Interessante notar que os três filmes tratam de personalidades da vida real e Smith disputa o prêmio ao lado de Denzel Washington pela segunda vez. 

O personagem principal do filme biográfico está vivo e não é segredo que o projeto contou com a curadoria de sua família, ou parte dela: Sabrina Williams, filha abandonada por ele, afirmou que o retrato nas telas do cinema é uma idealização de Richard Williams. Se esquivando de polêmicas ou não, a narrativa de um pai sonhador, uma mãe guerreira e quatro pequenas leoas que vivem a vida com êxito espalha um rastro de esperança para os que já a perderam. King Richard: Criando Campeãs deixa o recado de que planejamento nunca é demais quando se quer vencer.

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