Livia Queiroz 

Ao tratar de uma cerimônia como o Oscar, é impossível não dissertar sobre o mundo fashion que à envolve. Sem figurino, o cenário não se concretiza. Sem glamour, o tapete vermelho desbota. Este é o lema que encaixa perfeitamente ao momento vivido, com pouco political fashion e maior referência a suas obras indicadas. A cerimônia apresentou emoção e manifestação, mas será que podemos afirmar o mesmo sobre o red carpet? A resposta é sim, porque até onde não há intenção há expressão, formando personalidade, identidade e, consequentemente, a moda. 

Em conjunto, parte do casting de Sinners (2025), vencedor de quatro prêmios, chegou para o evento com trajes diversos da Louis Vuitton, coordenada pelo diretor criativo Pharrell Williams. Jack O’ Connell, para destacar seu papel dentro da obra, aparece na passarela com próteses de presas cobertas de sangue, semelhantes aos vampiros do filme. Indo além da roupa que se veste, o diretor do filme, Ryan Coogler, se manifesta por meio de suas tranças, feitas por Tyzanna B., formando duas guitarras, mais especificamente, do gênero musical blues. O elenco, sem dúvidas, soube ousar na quietude e prestou seu carinho e gratidão pela cultura e arte negra durante a temporada. 

A moda brasileira também se fez presente e brilhou. Alice Carvalho, atriz de O Agente Secreto (2025), surge na passarela em um vestido bege – infelizmente um pouco fora do caimento ideal –, da Normando, uma marca amazônica desenhada por Marco Normando e Emídio Contente. Para acrescentar ainda mais a composição, usa uma bolsa com estatueta dourada, do designer catarinense Jay Boggo e um broche representando a América na língua do povo Kuna, originários do Panamá.

“O tecido escolhido foi uma mistura de duas fibras cultivadas na Amazônia, a juta e a malva amazônica. Fibras cultivadas por diversas famílias nos estados do Amazonas e do Pará, sem uso de agrotóxicos e pesticidas e com irrigação natural dos rios e igarapés da região, e tecidas pela @somoscastanhal no estado do Pará, na cidade de Castanhal, o processo é sustentável e 100% orgânico e da Amazônia brasileira” – Normando

O vintage sempre volta

As tradicionais nunca saem de moda. Chanel, Louis Vuitton, Dior, Armani e Valentino; essas são as marcas não só mais vistas este ano como desde que Hollywood é o palco do luxo e da alta costura. Porém, o que mais encanta são as homenagens ao vintage e looks de seus arquivos sendo usados novamente em diferentes modos, silhuetas e ocasiões. Desta vez, as referências foram usadas pelas atrizes e por personalidades fora da passarela cinematográfica, como Amelia Dimoldenberg, que teve uma escolha sólida e minimalista, mas elegante, com um Ralph Lauren fall 2007. A figurinista Miyako Bellizzi, representante de sua categoria por Marty Supreme (2025), ousou com o vermelho vibrante e assimétrico de John Galliano para a Dior em 1999. 

A vencedora do prêmio de Melhor Atriz, Jessie Buckley optou por um vestido Chanel que glorificava e rememorava o mesmo utilizado por Grace Kelly em 1956, vencedora do Oscar de sua mesma categoria, naquele ano. A atriz homenageia o amor, visto que esse vestido marca o encerramento da carreira de Grace que viria a casar-se com o príncipe de Mônaco, Rainier III. Na festa da Vanity Fair, mais tarde, Anna Taylor-Joy aparece em um macacão curto preto que, novamente, é assinado por John Galliano para a Dior em 1994. O movimento vintage aplaude, então, homenagens ao passado que ressignificam o presente.

Quem veste a política? 

É inegável que, na ignorância, se encontra a paz. Nesse sentido, apesar da maior parte dos trajes da noite seguir um padrão de referência às obras indicadas e retratar o mundo fantasioso do audiovisual, é prazeroso analisar esta moda que ousa para dentro daquilo que o evento homenageia: o cinema. Porém, visto o cenário global, em especial envolvendo os Estados Unidos, deveria ser esperado que os figurinos apresentassem e falassem – nem que fosse de forma velada – mais sobre as opiniões que acercam pessoas influentes como são os presentes, afinal, a moda sempre foi um espaço de impacto para manifestações políticas sem a necessidade de fala. 

Este, com certeza, não é o caso de Javier Bardem, que, desde o início de sua carreira, se mostra disposto a verbalizar e estilizar-se conforme o que pensa. Em situações semelhantes, o ator espanhol revive seu look do Oscar 2003, usando o mesmo broche para pedir o fim da guerra com o Oriente Médio e um novo para a liberdade da Palestina. Além dele, Saja Kilani, atriz palestina de The Voice of Hind Rajab (2025), veste Ziyad Buainain, designer saudito que revigora a moda feminina com um luxo consciente, além de destacar cor em seu único broche, pedindo o cessar-fogo em Gaza. Rei Ami, cantora vencedora em Melhor Canção Original, assim como nos Grammys 2026, reforça a cultura asiática com um conjunto de vestido e boleira longa com pavões bordados em dourado de Rahul Mishra, designer indiano que busca a sustentabilidade étnica.  

“Não à guerra e Palestina livre” – Javier Bardem

O Oscar 2026 fica marcado por um red carpet diverso porém pouco colorido, ressaltando a ideia de cores como movimento, solidez artística e adequação social. No fim, o evento prova que a moda nunca é silenciosa, é um espaço que carrega a intensidade estética e narrativa juntos. Não se trata apenas de vestir-se, mas também a posição que revela. Mesmo faltando ousadia, segue impressionando com looks glamourosos, vintages ou minimalistas, porque, afinal, a versatilidade e atemporalidade de como se veste e porquê se veste permanece.

O post Oscar 2026: onde vestir é posicionar-se apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Matheus Santos

São poucas as produções visuais que ousam explorar o lado mais sombrio e intrigante de Hollywood. No entanto, quando se trata de transcender os limites do convencional, poucos cineastas podem rivalizar com a maestria de David Lynch. O estilo único e inovador do diretor e roteirista não apenas desafia as expectativas, mas também a psique humana, revelando camadas de complexidade que muitos hesitam em explorar.

Lana Del Rey é um exemplo marcante nesse contexto. A cantora ganhou destaque ao explorar a ilusória e, muitas vezes, avassaladora realidade da fama em seu videoclipe da faixa Candy Necklace, que rendeu a ela duas indicações no Video Music Awards e a vitória do prêmio de Melhor Clipe Alternativo.

Como no videoclipe da artista e a relação com o Cinema, o longa-metragem Inland Empire (2006), de Lynch, nos transporta para um mundo intrigante e surreal, ao mergulhar em um universo de multiplicidade, mistério e perturbação. A narrativa se assemelha a um quebra-cabeça em que as peças se movem de maneira inesperada, explorando temas essenciais da nossa existência, como identidade, ilusão e a artificialidade da fama.

O enredo acompanha a trajetória de uma atriz aspirante, interpretada por Laura Dern (Jurassic Park, Adoráveis Mulheres), cuja imaginação gradualmente se entrelaça de maneira inquietante com sua própria realidade. À medida que ela se transforma na personagem de seu novo papel, somos levados por uma montanha-russa de experiências que mostram os sorrisos forçados e o vazio evidente em seu olhar, revelando a solidão e a alienação que muitas vezes perseguem a fama.

Desde sua estreia na indústria fonográfica em 2012, Lana Del Rey evoca com fascínio e magnetismo os símbolos e personagens da juventude rebelde e idealista da era de ouro do Cinema norte-americano em suas composições. A menção ao passado não se limita apenas às letras das músicas; a artista também o faz ao conceber sua identidade vintage e excêntrica no clipe de Candy Necklace.

Com o lançamento de Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd, a cantora reuniu e consagrou elementos nostálgicos no videoclipe da faixa em parceria com Jon Batiste, Candy Necklace. O vídeo foi indicado em duas categorias no VMA e venceu a de Melhor Clipe Alternativo, sendo a única produção visual que captura a atmosfera saudosista de seu nono álbum de estúdio.

Com direção de Rich Lee, conhecido por criar videoclipes com uma estética cinematográfica e por trabalhos com outros cantores como Black Eyed Peas e Shakira (Girl Like Me), Billie Eilish (all the good girls go to hell), e Eminem (Rap God, Not Afraid), o vídeo em preto e branco constitui-se como uma história épica com mais de 10 minutos. A habilidade de contar essa história mesclando cenas dos bastidores do próprio clipe combina perfeitamente com a suavidade inesquecível do piano de Jon Batiste.

Desde o início do clipe, Lana Del Rey apresenta a nostalgia e a elegância da era dourada hollywoodiana, aqui celebrada com detalhes. Isso é especialmente evidente nas técnicas de efeitos visuais antigos que, apesar de sua simplicidade, conseguem realçar grandemente a obra, destacando cada particularidade cuidadosamente elaborada.

Assim como em Inland Empire, Lana Del Rey não é apenas uma intérprete, mas uma criadora de personas emblemáticas do Cinema, como Marilyn Monroe e Elizabeth Short, dentro de seu próprio universo cinematográfico. Essa transformação vai além de uma mera representação; é uma incorporação profunda, na qual ela se funde com esses ícones da tela, dando vida às suas nuances e tragédias.

A cantora também faz referência aos primeiros anos da própria carreira, quando foi alvo de críticas intensas relacionadas à sua aparência e a seu estilo musical. Naquela época, a imprensa a rotulou como uma farsa, uma jovem rica cuja identidade inteira parecia ter sido construída por uma grande gravadora.

O diálogo interno de Lana Del Rey, compartilhado com a equipe de produção nos bastidores do clipe, revela uma reflexão sobre as escolhas que artistas fazem para alcançar e manter a fama. Ela reconhece a necessidade de alterar nomes e aparências, questionando como essas mudanças afetam a identidade de alguém: “O motivo pelo qual tudo deveria estar nos bastidores era porque todas essas mulheres que, tipo, mudaram seus nomes, mudaram seus cabelos, como eu e tudo mais… É como se todas elas tivessem caído em diferentes buracos de cobra. Então o ponto é, como você aprende com isso e não cai no seu próprio buraco?”

O ápice do clipe insinua as consequências sombrias da busca implacável pela fama com colares de doce, diamantes e rubis caindo em um líquido vermelho. A referência ao assassinato de Elizabeth Short, conhecida como Dália Negra, e que foi tema de um filme dirigido por Brian De Palma em 2006, adiciona uma nota trágica à narrativa. Isso sugere que a obsessão desenfreada pela fama pode resultar em consequências devastadoras.

Candy Necklace é mais uma produção audiovisual que se une ao panteão de clipes nostálgicos e autênticos de Lana Del Rey, constituindo-se como obras-primas do gênero alternativo. É uma reflexão sobre a natureza efêmera e muitas vezes ilusória da fama, apresentada com complexidade e glamour. Depois do simbolismo religioso provocativo e da atmosfera sonhadora do curta-metragem Tropico (2013), Del Rey mais uma vez demonstra sua capacidade de criar não apenas Música, mas também uma narrativa visual envolvente que desafia o espectador a questionar as noções convencionais de sucesso e identidade na cultura das celebridades contemporâneas.

O post A simbologia de Candy Necklace: Lana Del Rey revela a efemeridade da fama em seu tributo ao passado apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.