Vitor Evangelista

A era das grandes comédias da Televisão aberta está chegando ao fim. Enquanto os anos 2000 geraram longas produções, que facilmente alcançaram a lendária marca dos cem capítulos, as décadas de dez e vinte cumpriram a solene tarefa de findar essas jornadas. Quando o assunto é sitcom estadunidense, pode ter certeza que Chuck Lorre está no meio, e com Mom a história não é diferente. Dando adeus após 8 temporadas, a série guiada pelo encanto de Allison Janney enfim acabou.

Parte fundamental de se manter por tanto tempo na grade americana repousa na capacidade metamórfica dessas comédias de 21 minutos semanais. Além da arquitetura de enredos compridos e que ligam seus anos, são necessárias tramas menores, episódios-garrafa e uma construção de empatia entre público e conteúdo. Afinal, não há maior combustível para a renovação do que o amor de quem investe tempo na história, se considerando parte das pessoas que assistem religiosamente.

Mom começou em 2013, no crepúsculo de Two and a Half Men e no eclipse de The Big Bang Theory, os dois maiores sucessos de Lorre. Dessa vez, com mulheres no centro da narrativa, Lorre criou, ao lado de Eddie Gorodetsky e Gemma Baker, um veículo para o talento de duas atrizes opostas. Anna Faris, à época acostumada com o pastelão cômico de Todo Mundo em Pânico e A Casa das Coelhinhas, e Allison Janney, uma artista camaleônica, que triunfa em qualquer jaula de jacarés em que é jogada. 

A narrativa mostra, é claro, uma mãe (Farris) em conflito com seus filhos. O clima geracional era ambientado com o retorno da mãe dessa mãe (Janney), uma mulher inconsequente e que muito traumatizou a filha, por conta do alcoolismo e do vício em drogas, herdados em uma poesia triste e que movimenta o ínicio da primeira temporada. Christy Plunkett é mãe de dois adolescentes, tem uma relação conturbada com o ex-marido inconsequente e agora precisa lidar com Bonnie, que reaparece anos depois de cortar laços.

Aos trancos e barrancos, mãe e filha frequentam reuniões do Alcoólicos Anônimos, criam uma poderosa rede de apoio e rumam em direção a uma vida ainda caótica, mas sem as bebidas e as drogas. Sóbrias, as garotas Plunkett foram despejadas, arrumaram novos empregos, novos amores e brigaram um bocado, mas o fizeram juntas e unidas, reconstruindo uma vida inteira de erros e descasos. As temporadas, que contam com uma média de 22 episódios, se encarregam de mostrar na prática o quão mutável e irreversível é a imprevisibilidade da vida.

Ao lado de um grupo de amigas que acaba virando uma família escolhida, Mom ficcionaliza o melhor cenário possível: aquele onde as pessoas aprendem com seus erros e crescem. Sem pesar a mão no otimismo que ronda as produções da era do streaming, Chuck Lorre manipula situações verdadeiramente arrasadoras, mas que são combatidas com a resiliência de um sexteto de mulheres que se apoiam e se amam incondicionalmente.

Por conta desse clima tão amigável, foi estranha a notícia de que Anna Faris, protagonista da série, sairia do elenco na oitava temporada. Pouco tempo depois, foi anunciado que este ano oito seria, obviamente, o conclusivo para o show. Sem os fracassos de Christy despejando cenas de choro e frustração no roteiro da CBS, a série precisou realinhar seu foco e colocar Bonnie, de uma vez por todas, no centro da pintura. Para isso, o grupo de amigas ganhou posto de co-protagonista, enriquecido pela lacuna narrativa.

Marjorie, papel da calma porém durona Mimi Kennedy, é a bússola moral das amigas. A idosa dona de uma dezena de gatos foi presa, perdeu o contato e o respeito do filho, mas mantém uma porção de afilhadas no A.A., e é a responsável por servir o chá de bom senso ao resto do grupo. No ano final, Marjorie lida com a morte do esposo Victor, e Mimi Kennedy é uma atriz que transborda a simpatia necessária para esse tipo de interpretação.

Jill é a pilha de nervos do grupo, e o olhar ligado no duzentos e vinte de Jamie Pressly transmite com facilidade a energia da personagem, uma ricaça com problemas no antigo casamento e que tenta, ao longo de toda a série, engravidar e construir uma família. O iô-iô que Jill joga para lá e para cá no namoro com o policial Andy (Will Sasso) rende alguns dos melhores capítulos do ano oito, e os atores dominam o timing cômico ideal para qualquer um dos enredos que Mom os serve.

Wendy (Beth Hall) ainda serve como o fim mais fácil e preguiçoso da porção de patadas da série, mas a personagem ganha o suspiro de um arco próprio nesta reta derradeira. A grande surpresa da nova era de Mom é Tammy (uma inspirada e deliciosa de se assistir Kristen Johnson). Irmã postiça de Bonnie na infância, a loura apareceu brevemente no fim da quinta temporada, como uma detenta raivosa e disposta a se vingar da mulher que a apresentou ao mundo das drogas.

Integrando o elenco regular a partir do ano seguinte, Tammy sofreu uma bem-vinda metamorfose, e todo seu senso de raiva adormecida se transformou na benevolência juvenil de uma mulher à beira de um ataque de nervos. A química entre Johnson e Janney possui o tchan extra e transforma as cenas de Tammy e Bonnie num show à parte, que não hesita em dar uma chance às segundas chances. Mais que uma série sobre vícios e a reconstrução depois das drogas, Mom desata a nos mostrar o crescimento natural de mulheres quebradas, mas não destruídas.

Além do agora quinteto, quem movimenta e muito o núcleo familiar adorável de Mom é Adam, o marido de Bonnie, interpretado com um afago devasso por William Fichtner. O personagem foge do arquétipo exaustivo da pessoa que usa cadeira de rodas depressiva e coitadinha, mas a escalação de Fichtner no lugar de um ator PcD levanta a questão da representatividade na TV. E Mom não desvia dessa bala, considerando que todo seu elenco principal é formado por pessoas brancas.

As duas personagens negras que aparecem com destaque na história (vividas por Octavia Spencer e Yvette Nicole Brown) servem de apoio aos dramas das mães protagonistas e nunca ganham sustância ou importância para além de serem auxiliares e facilitadoras narrativas. Questões relacionadas à sexualidade, como a atração que Bonnie e Christy sentem por mulheres, são vistas como motivo de piada e fetiche, provando que o machismo impregnado na mansão de Malibu de Charlie Harper e no apartamento geek de Leonard e Sheldon também se alastrou para os sets de Mom.

Ao longo de oito anos, Mom somou 13 nomeações ao Emmy, ganhando 2 vezes na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Comédia com Allison Janney, em 2014 e 2015. A veterana da Academia, vencedora de 7 dos 15 prêmios que concorreu, ainda conseguiu mais uma menção em Coadjuvante antes de se submeter como protagonista, indicada em 2017, 18 e agora em 21. É óbvio que suas chances de gritar tri são quase nulas. Competir com a ferocidade fresca de Jean Smart e Kaley Cuoco não é tarefa fácil, mesmo para alguém com o invejável prestígio de vencedora do Oscar por Eu, Tônia. Na 73ª edição do Emmy, Mom escolheu momentos decisivos para se enfiar na briga.

Como já virou costume com grandes comédias se despedindo (vide Modern Family e The Big Bang Theory), Melhor Direção guardou uma vaga para James Widdoes e seu Scooby-Doo Checks and Salisbury Steak, décimo sexto episódio do ano, e extremamente focado em conclusões para a porção de personagens da sitcom. Na categoria de Montagem em Série de Comédia com Múltiplas Câmeras, Joe Bella concorre pelo mesmo Scooby-Doo. Allison Janney, por sua vez, apelou e submeteu a series finale de Mom como sua fita na disputa de Melhor Atriz em Série de Comédia. 

No capítulo em questão, o emotivo My Kinda People and the Big To-Do, Bonnie percebe que já sofreu tudo que tinha para sofrer e pode, depois de uma vida de percalços e punições, aproveitar a mediocridade da felicidade definitiva. Por isso, o roteiro teima em atirar-lhe pepinos escorregadios e encurralá-la em cantos pontiagudos nas diversas discussões que partilha com o marido e as amigas. Na tentativa de exaurir qualquer núcleo de teimosia e intriga, Mom se despede da TV equiparando felicidade e conclusão.

Mom acabou, que pena. Parte da jornada é o fim, mas o tchau choroso a uma série tão rica, tão inteligente e tão subestimada é mais dolorido do que deveria. O final não é triste, Mom como um todo é. O final tampouco é aguado, apressado ou mesmo “conclusivo”. Na última reunião dos Alcoólicos Anônimos que temos o prazer de participar, uma nova dinâmica de mãe e filha nasce aos moldes daquela de 2013. 

Se formos viver em ciclos, que sejam, ao menos, bons ciclos. Deslizes não nos definem, erros não nos definem. Mom anota seu ponto final com a leveza de quem contou histórias humanas sem a necessidade de julgamento ou aversão, da maneira exata que uma série de comédia, que ia ao ar às quintas da CBS com o gostinho de TV aberta e aspereza clássica de uma titã chamada Allison Janney, deveria contar. Mom acabou, mas viveu o suficiente para se tornar celebrada. 

O post Mom acabou :’( apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O termo que significa um estado transcendental de alegria é usado para nomear uma obra que existe no nível mais profundo das dores de uma juventude autodestrutiva para nos avisar sobre algo: desde seu início, aclamado e conturbado lá em 2019, Euphoria não quer saber de nada além do radical ao construir seu caminho na companhia de jovens que lidam com muitas, muitas, mas muitas questões. A máxima se consolidou ao fim visceral daqueles 8 primeiros episódios que colocaram o drama adolescente da HBO numa evidência maior que qualquer nicho. Ali, nossas protagonistas, responsáveis por engatilhar o desenrolar dos arcos da narrativa e toda sinceridade e todos problemas que os acompanham, se encontravam num lugar perfeito de completa ausência de resolução.

A complexidade que o diretor e roteirista Sam Levinson criou ao fim do primeiro ano de Euphoria só seria compreendida mais tarde, quando os ganchos de 2019 ameaçavam se perder no meio da fenda temporal aberta pela pandemia de covid-19. Então, o criador correu para os transformar em dois episódios especiais, dedicados exclusivamente ao centro da história – Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer) -, e quando Part 1: Rue foi ao ar em dezembro de 2020, o poder da narrativa se mostraria ainda maior. Sob o título de Trouble Don’t Last Always, aconteceu o primeiro contato da produção com o mundo depois de sua estreia, e também o primeiro encontro do apreciador da série com a profundidade emocional daquela que foi o fio narrativo de tudo o que Euphoria nos apresentou.

Era, então, o momento de prestar atenção na individualidade de Rue, antes de seguir as tramas de uma história que se propõe a retratar a juventude de forma radical. E quando encontramos a personagem em Part 1: Rue, topamos com uma sobrevivente do final tempestuoso do primeiro ano de Euphoria. Abandonada por Jules, enfurecida com todos, vulnerável como nunca e machucada como sempre, a personagem é vencida pelo seu vício em drogas e tem uma recaída. A única ajuda que a teimosia envergonhada de Rue aceita é a de Ali (Colman Domingo), meio amigo e meio mentor, que estabelece uma conexão com ela no grupo de Narcóticos Anônimos. Dramático e radical o suficiente? Não para Sam Levinson, que finaliza a premissa do episódio com os dois solitários em plena véspera de Natal numa lanchonete qualquer da cidade.

O encontro desencadeia uma longa e profunda conversa que toma os 60 minutos do episódio. Adentrando a profundidade psicológica de Rue, muitas questões surgem, e a sabedoria de Ali, que já vive longe do vício há sete anos, sabe identificar todas elas, sem se preocupar em solucioná-las. O foco ali é o desabafo da personagem, e a realização da oportunidade que ela precisava para revelar seus sentimentos complexos e delicados, depois do sufocante último episódio da primeira temporada.

Esse efeito é curioso, já que a história não escapa um segundo de sua perspectiva. Rue é a narradora absoluta – mas não totalmente confiável – de todos os eventos da série, e justamente por isso, é difícil adentrar sua intimidade debaixo de toda aquela energia caótica, como batiza o próprio Ali. Mas entre as digressões de Part 1: Rue, a personagem finalmente tem a permissão de viver intensamente suas oscilações emocionais, sentir o medo que ela esconde ter de si mesma, e tentar compreender sua relação com Jules, ao mesmo tempo em que revela mais de sua própria personalidade longe de tudo o que acompanha o núcleo de Euphoria.

Os méritos da Melhor Atriz em Drama do Emmy 2020 na personagem que a fez fazer história são sempre louváveis, mas o que se destaca aqui também é, mais uma vez, o trabalho de Sam Levinson. Encarando uma base em suas experiências pessoais, o texto de Trouble Don’t Last Always se preocupa de forma quase científica com os diálogos. Tão naturalmente prolixo e propositalmente direcionado, o roteiro do episódio faz Rue e Ali pensarem sobre a vida, sobre a morte, sobre o espiritual e sobre o mundano. E em algum momento da conversa, a situação da jovem diante do mundo toca no tópico indissociável porém ainda ausente na história radical de Euphoria: revolução.

A palavra surge na conversa quando o emocional de Rue mostra suas faces mais sombrias. Ela revela sentir-se culpada pela sua própria condição, pelo que trouxe à sua família – a mãe (Nika King) e a irmã mais nova Gia (Storm Reid) -, e pelos conflitos com Jules, fazendo nascer na adolescente um sentimento de desistência e conformidade. Como alguém que já pensou sobre aqueles dilemas muitas vezes nos momentos difíceis do vício, Rue é sutilmente impaciente, mas também levemente desesperada por novas possibilidades, e ao mesmo tempo, amargamente desesperançosa. Diante da confusão sentimental de Part 1: Rue, Ali, muito provavelmente o maior revolucionário de Euphoria, responde às constatações de Rue.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

– Mas eu não estava drogada.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

É a partir daí então que o episódio mostra de vez quem realmente é Rue e qual é a sua real situação. Em meio aos sentimentos da jovem perante ao mundo, Trouble Don’t Last Always faz isso através de Ali, que percebe a complexidade da situação e identifica os efeitos da chamada “doença do vício” na sua perspectiva de vida. Mas na história de Sam Levinson, não existem moralismos nem conclusões rasas. Ainda nas palavras de Ali, existe uma crítica direta ao imediatismo das revoluções, em meio às referências a Malcolm X e Martin Luther King que o mentor prega para a adolescente. Part 1: Rue aponta para a raiz do problema, e ainda que não exista uma solução, podemos imaginar uma transformação.

Mas antes de adentrar o espaço da Revolução de Rue, o Episódio Especial de Euphoria imagina como as coisas teriam sido se o final daquela primeira temporada fosse diferente. E se Rue e Jules seguissem seu plano de fuga e construíssem uma nova vida juntas? A primeira cena responde, naquela identidade teatral magnífica, junto das cores quentes que se tomam o lugar dos tons frios à medida em que o amor de Rue por Jules preenche o ambiente. Mas não demora muito pro sonho se perder na realidade, e quando a paixão já se diluiu no ressentimento, na culpa, tristeza e dor, o visual, elemento tão fundamental de Euphoria, materializa o temperamento da personagem principal.

É exatamente quando Rue volta ao uso de drogas que aquela essência etérea do romance e do sonho que ela vive com Jules se transforma num cenário obscuro, soturno, inóspito e repelente, mas curiosamente e fidedignamente, nunca incômodo. E então, num movimento rápido da câmera de Marcell Rév que colocou Trouble Don’t Last Always no Emmy 2021, estamos naquele momento que vai mudar muita coisa que ela pensa sobre si mesma, sobre o mundo e sobre os outros. E assim também é a Revolução de Rue em nós.

Mesmo sozinha e despedaçada, Rue ainda pulsa o desejo latente de ver as coisas sendo diferentes. Ela tenta descobrir o que fazer com isso, enquanto sente a dor dos que sabem que o mundo é um lugar terrível e percebem que todos parecem aceitar isso bem demais. Rue não quer ser parte disso. Rue não quer sequer presenciar isso. Então, a obra, que já revolucionou com a sinceridade, intensidade e profundidade com que trata seus temas, usa Part 1: Rue para revolucionar sua protagonista do jeito que pode. No caos emocional de Rue, existe um conselho ousado: Problemas não duram para sempre, é a mensagem central da voz agridoce de Euphoria naqueles 60 minutos.

No meio deles, a protagonista da trama desabafa sobre sua vontade de apenas desistir e o desconforto que sente vivendo no mundo que vive. Ali vai desejar um feliz Natal para as filhas pelo telefone, enquanto Rue lê uma mensagem de Jules, que diz que sente saudades junto de uma música. A canção que marca o Episódio Especial de uma produção que leva cada aspecto tão a sério não poderia ficar de fora dos sentidos criados dentro dele. E ao som de Me In 20 Years, a radicalidade de Euphoria aponta que a maior transformação de Rue é encontrar uma forma viver.

O post O Radical de Euphoria e a Revolução de Rue apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Giovana Guarizo

O nome Selena, além de significar brilho e luz, remete à uma forte influência latina. Quintanilla ou Gomez, duas gerações não tão distantes, mas que representaram e representam toda uma origem. Ambas texanas, nunca deixaram de lado as raízes mexicanas da família. Apesar de uma carreira majoritariamente cantada em inglês, Selena Gomez sempre exaltou sua ascendência mexicana paterna e dessa vez concretizou ainda mais um dos maiores orgulhos de sua vida. Dez anos depois da promessa do disco em espanhol, Revelación finalmente nasceu e está incrível.

O nome de Gomez foi escolhido por seus pais em homenagem à Selena Quintanilla. A cantora dos anos 90 é aclamada em todo o mundo e principalmente nos Estados Unidos. Vencedora do Grammy de Melhor Álbum de Música Latina em 1994, foi tragicamente assassinada por uma fã em 1995, aos 23 anos de idade. Independente da breve carreira musical, Quintanilla é uma inspiração para muitos artistas dessa geração, como por exemplo Camila Cabello e Becky G, as quais também já deixaram claro seu amor pela lenda. Além disso, a artista deixou seu legado na moda, que é exaltado hoje, até mesmo pelas cobiçadas Kardashian.

Revelación não é o primeiro contato de Selena com a língua espanhola. A artista, que era fluente no idioma até os sete anos de idade, já gravou uma versão de Bidi Bidi Bom Bom, um dos maiores sucessos de Quintanilla e a autoral Más, ambas as músicas presentes no compilado For You, além das icônicas versões em espanhol Dices, da ode da autoestima Who Says, e Un Año Sin Lluvia de A Year Without Rain. A desculpa esfarrapada de que a cantora estaria se apropriando da cultura latina não cola, já que ela se inspirou em suas raízes anos atrás, muito antes do reggaeton ser comercializado como agora.

O EP foi pensado para ser o mais original e representativo possível, com a maior participação de profissionais latino-americanos. As faixas e audiovisuais ficaram a cargo de produtores e compositores como Tainy, Myke Towers, a amiga de sempre Julia Michaels e até mesmo o diretor de cinema brasileiro Fernando Nogari. Ele dirigiu o clipe da caliente e dançante Baila Conmigo, filmado na praia de Redonda, no Ceará. A música tem dança própria e conquistou todo mundo pela produção nacional e química de Selena e Rauw Alejandro, debutando no Top 20 do Spotify mundial. Mas como nem toda fase é perfeita, a decepção veio quando os cantores prometeram uma performance no Prêmio Lo Nuestro, só que na realidade era apenas um videoclipe alternativo. Nada novo sob o sol quando se trata do tombo dos selenators.

E dessa vez, Selena mirou no Brasil e foi a fundo. Além de Baila Conmigo, Selfish Love teve o clipe dirigido pelo brasileiro Rodrigo Saavedra, com partes filmadas em um estúdio de São Paulo, com coreógrafo e dançarinas locais. O diretor, formado em Londres, dirigiu a participação audiovisual de Sel e DJ Snake, já conhecidos por trabalharem no hit Taki Taki e em uma versão da cantora para Let Me Love You, nunca lançada. Apesar de julgada por não combinar no todo do Revelación, a junção de inglês e espanhol na música faz o diferencial do som e o mais importante: o sussurro clássico “DJ Snake” de Selena não faltou.

Nesse projeto, a balada que Selena particularmente ama não poderia passar despercebida. De Una Vez veio para se tornar uma das maiores composições da carreira. A artista já deixou muito claro que prefere letras do que melodias, e De Una Vez é exatamente isso. Calma, porém, com uma letra impactante e de muita força. O fato de Gomez ser admirada por muitos é por ser totalmente aberta às suas experiências, ao seu coração e suas histórias. Quando ela canta “soy más fuerte sola”, as emoções de quem a ouve afloram e arrepiam. Foi a primeira música a ser liberada e deixou todos muito esperançosos pelo que viria depois. 

O EP tem a sensualidade necessária, a autoestima perfeita e a independência emocional que Selena tanto busca em seus anos de carreira. Em Adiós, ela clama: “não quero mais drama, quero ir para a cama com quem me der vontade”. O único desejo para essa nova fase era que Selena fosse mais confiante ao falar de suas vulnerabilidades e, incrivelmente, ela não deixou isso faltar. A sensualidade de Vicio, sua letra apaixonada e desinibida, juntamente com o ritmo que flerta com quem a ouve, a fazem ser a melhor investida do EP. 

O que se espera é que ela aproveite os bons singles que Revelación rendeu. A única que não foi o que se esperava é Dámelo To’. Apesar de toda sexy, a música é repetitiva e se torna enjoativa em meio às outras seis. Uma surpresa, visto que é uma composição do talentoso Myke Towers e de Julia Michaels, a qual trabalha com Selena há anos. De todas as faixas do registro, essa é a que menos agrada, apesar de ter tudo para ser um reggaeton interessante.

Can't wait for y'all to hear the Spanish record it's sounding so cool

— Selena Gomez (@selenagomez) January 18, 2011

Felizmente também aconteceu um remember da memorável era Revival. O melhor álbum da texana brindou a autoestima feminina com Me & My Girls, falando como as garotas só querem se divertir com elas mesmas. Agora, o EP entrega Buscando Amor: “estão bem como estão, não venham com conversinha de amor porque elas não estão afim disso”. Quem minimamente a conhece sabe que, com certeza, ela não deixaria de gritar para o mundo como se sente bem com suas amigas, que foram extremamente importantes em sua jornada de saúde física e mental.

É admirável o fato de Selena não ser mais fluente na língua espanhola, mas a pronúncia dos sons ser extremamente correta. Segundo a mesma, sua voz fica muito melhor cantando em espanhol, talvez por “se sentir mais confortável com o público”, para o qual o EP é destinado: seus fãs latinos. Tanto é que, os horários de lançamento dos singles foram adequados para cada país.

Em meio à euforia de lançamento do esperado projeto, o que mais deu o que falar não foi o EP, mas sim a entrevista da artista para a Vogue US, a qual ela abertamente fala sobre se aposentar da música. A declaração de Sel foi um dos assuntos mais comentados durante o dia no Twitter e motivo de colapso para todos os fãs. Há anos é nítido que Selena não está realizada na música como antes. 

Ao que parece, ela absorve muito das críticas e se sente desmotivada, principalmente após sua apresentação no AMAs de 2020, em que ela desafinou e desapontou a si própria e consequentemente o público – mesmo que fosse um momento totalmente de coragem após tudo que enfrentou relacionado ao lúpus. A mesma disse: “‘Lose You To Love Me’ foi a melhor música que eu já lancei e para algumas pessoas ainda não foi o suficiente”. Na maior parte do tempo, ela não é valorizada como cantora e, a cada ano que passa, isso fica mais evidente para ela.

É por isso que nos últimos anos ela tem se dedicado a outros projetos. Exemplo da sua série documental da Netflix a respeito da dificuldade dos imigrantes nos Estados Unidos, ao seu programa de culinária Selena + Chef, na linha de maquiagem acessível e representativa de beleza, aos filmes e séries. Ela está procurando focar naquilo que a deixa bem psicologicamente e a música não representa isso, pelo menos não no momento. Segundo ela, a pretensão é lançar um último álbum, uma última tentativa antes de desistir da música. Mas Cardi B deu logo o conselho que todos queriam dar: “Eu não acho que Selena deveria se aposentar. Uma era bad bitch é necessária, do tipo ‘Sou uma garota legal e doce, mas sou uma vadia rica e fodona também”’. 

Para quem é tão criticada por sua voz baixa, gerando infinitas comparações com Billie Eilish e Britney Spears, Selena não está tão mal. Já que Revelación foi a maior estreia de um EP feminino no Spotify, o EP solo com o maior número de #1s no Itunes ao redor do mundo e por enquanto, o segundo disco com maior número de #1s no Itunes em 2021. Após pedidos de fãs, conselhos de amigos e famosos para não largar a carreira, a cantora deveria olhar com mais carinho ao seu trabalho musical e ao quanto inspira pessoas através de seu trajeto. Se tem uma coisa que Selena sempre ensinou muito bem é que você não precisa ser a melhor e a primeira, mas você pode conquistar muito sendo apenas você mesma. 

Revival, Rare e agora Revelación. A tríade do R de Gomez não falhou e mais uma vez ela alcançou o sucesso de um projeto. Revelación é uma virada de chave na atualidade musical da artista, por se tratar de um campo pouco explorado –  logo ela que ama sua zona de conforto. E bregamente falando, foi uma revelação para quem não acreditava em seu talento e esforço musical. O desejo de todos é o mesmo: Selena bem, segura e confiante, para poder proporcionar mais criações como essa.

O post Más fuerte sola: Selena Gomez ganha confiança em Revelación apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Caroline Campos

A luta contra a dependência está longe de ser uma caminhada tranquila. De acordo com o levantamento de 2013 feito pela Universidade Federal de São Paulo, Unifesp, mais de 8 milhões de brasileiros são dependentes de drogas como o álcool, a cocaína e derivados. Luz Acesa, documentário do cineasta Guilherme Coelho, seleciona 5 dessas pessoas para coletar relatos sensíveis e acolhedores sobre o vício e sua recuperação – o começo, o fundo do poço, a busca por ajuda e o apoio da família. 

O resultado final foi exibido na 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, na seleção de filmes gratuitos da Mostra Brasil. Guilherme, documentarista reconhecido em festivais como o de Berlim e do Rio, acompanhou reuniões de um grupo de mútua-ajuda para o uso abusivo de álcool e drogas no Rio de Janeiro. O que era para ser um filme de ficção, fez o cineasta mudar os rumos e voltar para o gênero que havia o consagrado, tamanha a experiência e a transformação pela qual passou nos encontros.

Assim, conhecemos Rogério, Ricardo, José Ricardo, Fernanda e Zé Henrique, cada um com visões diferentes da própria dependência e das perspectivas de recuperação. As entrevistas são bem conduzidas, dando a sensação de proximidade e conforto com os personagens, todos extremamente abertos em relação às trajetórias instáveis e impressionantes. Em apenas 70 minutos, a atmosfera de resistência que Luz Acesa oferece atrai o espectador – principalmente aqueles que já presenciaram o abismo da droga, seja com um familiar ou com o eu próprio. 

Rogério é um artista plástico que ressignifica embalagens de remédio com pinturas. Entre os entrevistados, é o único que acredita que o vício não é uma doença, mas, sim, um hábito muito inserido no meio social. Em certo momento, Guilherme pergunta o que na vida se resolve ao parar de beber. “Não resolve nada. Só melhora”, afirma Rogério, dono de brincadeiras e sugestões para com a câmera e repleto de animação contagiante para o carnaval de luzes na noite do Rio.

No entanto, Fernanda, única mulher entrevistada pela equipe, enfatiza o contrário. “É uma doença incurável, progressiva, de término fatal e o pior – mata desmoralizando”, declara corajosamente a atleta, que resolveu dar a cara a tapa e vencer o anonimato em que mulheres se colocam durante o uso de substâncias. Para elas, o machismo deixa mais difícil pedir ajuda, até mesmo dentro de reuniões. Fernanda tem um destaque necessário na narrativa, que trabalha a relação dela com Ricardo e José Ricardo, que se conheceram em visitas à clínica onde ela estava internada.

Tal relação ganha um encontro no final do longa. Ricardo, que está limpo há mais de 20 anos, relata como a pressão, a inadequação na família e a baixa autoestima levaram-no a se isolar do seu meio social e encontrar nas drogas um mundo acolhedor – infelizmente, é o padrão onde as substâncias se proliferam. Hoje, ele é padrinho de José Ricardo, que mora no Morro dos Prazeres, zona Sul do Rio – suas histórias ressaltam a criminalidade na cidade, desde a violência policial até a tentação ao passar pelo ponto de drogas todo dia no caminho do trabalho.

Zé Henrique, entretanto, recebe foco em apenas algumas cenas na obra. O aposentado conta a dificuldade de viver uma vida careta, sem entorpecentes. Com a falta delas, somos obrigados a nos voltar a nós mesmos para encarar os problemas e desafios que o dia-a-dia nos impõe. Mas, quando os resolvemos, o mérito é nosso, sob nosso controle. “Quem bebe social… mente”, brinca Zé Henrique.

Todas as cinco histórias são marcadas pela luta para sobreviver, e, depois, para conseguir voltar a viver. Luz Acesa mostra como o acolhimento é vital para a recuperação e que nenhum dos viciados deixa de ser forte por ter se perdido nesse meio. A direção de Coelho é fluida e intercala bem os momentos com a cronologia das histórias, utilizando a sensibilidade que o tema merece. A batalha não é fácil, e ter força, uma hora, cansa.

Luz Acesa é um retrato de esperança. É entender a rede de apoio que cerca cada ser humano e saber que, algumas vezes, é necessário recorrer a ela – não é à toa que o cineasta opta por entrevistar membros das famílias, também. O vício coloca em prova nós mesmos e o amor que temos pela vida, e a obra de Guilherme Coelho traz a humanidade necessária que os adictos já são tão privados. No fim, há uma luz; e enquanto ela estiver acesa, sabemos que o caminho pode ser encontrado.

O post Luz Acesa e a ilusão do vício apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.