Lar de navegantes, marinheiros e piratas, os oceanos sempre tiveram sua importância para a Humanidade. Os sete mares foram protagonistas na compra de especiarias e temperos, em descobrimentos e guerras. Além de água, sal e matéria orgânica, eles são compostos por mistérios, histórias e lendas; sereias, tubarões gigantes e os mais diversos monstros habitam-nos. Porém, mesmo com suas peculiaridades obscuras, pode-se encontrar no mar um dos fenômenos mais belos da Terra: as ondas. Cristalinas e salgadas, elas são responsáveis pela trilha sonora e por parte da paisagem das praias.

E se as ondas existissem para nos lembrar de que ainda estamos vivos?

É com essa reflexão sobre as ondas do mar que começa o drama franco-brasileiro La Parle. Dirigido, roteirizado e protagonizado pela brasileira Gabriela Boeri, e pelos franceses Fanny Boldini, Kevin Vanstaen e Simon Boulier, o longa é situado em Guéthary, cidade na Costa Basca Francesa, e gira em torno da lenda de La Parle, uma onda mística, responsável por revirar sentimentos e emoções. Vivendo um verão litorâneo e europeu, cada integrante do quarteto tenta aproveitar o sol, saborear o sal e respirar a maresia de sua maneira. Gabriela reflete sobre saudades de seu país natal; Fanny teme e evita um resultado; Kevin tenta terminar a montagem de seu filme, enquanto Simon usufrui das diversões praianas, e torce para que os amigos se juntem a ele e consigam descansar.

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Lançado em 2022 na França, durante o Festival International du Film de Saint-Jean-de-Luz, o filme ancorou no Brasil pela 46ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, e chegou às telonas no final de Junho de 2023, com distribuição feita pela Pandora Filmes. Em uma residência cinematográfica na casa de Claude Lelouch, era a primeira vez que Fanny, Gabriela, Kevin e Simon se encontravam. E, por causa de uma ideia do cineasta sênior – fazer um filme com o celular, sem tentar imitar uma câmera de cinema –, se uniram e deram início à produção do longa.

Por ser gravado, em sua maioria, com câmeras de iPhones, o longa traz uma experiência documental que beira os filmes caseiros. Os takes são diversos, indo dos rostos dos protagonistas em planos fechados para o cotidiano e as paisagens litorâneos de Guéthary. Ora tremidas, ora estáveis, as cenas dão um ar sentimental e íntimo ao filme, e retratam, de forma leve e espontânea, as emoções de um período de férias veranil, quente e solar. Além disso, a informalidade das câmeras de celular fez os atores – que, até então, nunca haviam atuado – mais confortáveis durante as filmagens, dando-lhes mais liberdade para viver as gravações, deixando-nas mais naturais e cândidas. A escolha também traz a impressão de que as imagens foram feitas em primeira pessoa: quem assiste à produção assume uma presença de personagem, como se estivesse ao lado de Fanny, Gabi, Kevin e Simon.

Como os personagens e atores possuem o mesmo nome, o filme acaba recebendo um ‘quê’ duvidoso: seriam os acontecimentos reais ou não? O roteiro possui como inspiração conflitos e problemas do quarteto, e assim surgiu a ficção. Tão naturais e corriqueiros, os momentos do longa são tangíveis, verossímeis e quase físicos, podendo acontecer com qualquer um. A saudade da família – mais especificamente, das avós –, o divórcio dos pais e o receio da volta de doenças são normais na vida humana, fazendo com que a película seja sentida pelo coração de muitos. Além disso, é visível que o processo de escrita foi solto e fluido, sem muitas formalidades, deixando claro que, durante as filmagens, o roteiro mudou e se adaptou às situações. 

Os artifícios cinematográficos utilizados pelos diretores possuem uma grande importância para La Parle. Além das câmeras de celulares, o longa conta com a ausência de cores, deixando-o ainda mais imaginativo e experimental. A escolha do preto e branco lembra os filmes clássicos, com um porém: a definição é maior do que antigamente, deixando as texturas das cenas mais marcadas e robustas. A contraposição entre o longa e sua filmagem também é interessante – o contraste entre o branco, o preto e o cinza é forte, fazendo com que o clima veranil, leve e úmido se torne dramático e um pouco doloroso.

Dor esta que, durante seus 75 minutos, acaba surgindo por meio de imagens de arquivo, que documentam a infância de Gabriela e de Kevin. Alguns momentos ainda possuem narrações que explicam e mostram um pouco mais quem são os protagonistas. La Parle ainda usa telefonemas e mensagens de caixa postal para enriquecer ainda mais essa narrativa tão singela e delicada: o primeiro recurso, usado por Gabi e Kevin, que conversam com seus familiares; enquanto o segundo aparece quando Fanny recebe ligações e não as atende. Em sua essência, o longa atua como um grande relato pessoal feito por quatro pares de mãos e destaca, com muita clareza, a história das duas mulheres que, com o passar do tempo, amadurecem sua amizade. 

Composta por Charles Tixier e Arthur Decloedt, a trilha sonora é leve e refrescante, como a água do mar. Acompanha – de forma orgânica e fluida – toda a narrativa, por meio de suas canções melódicas e calmas, que lembram uma tarde ensolarada na praia, reafirmando que La Parle é um filme sobre viagens de férias de verão. Na maresia úmida e salgada da Costa Basca, há uma serenidade quase inexplicável. Há algo pacífico, relaxante, que faz a reflexão da onda mística La Parle atingir não só os protagonistas, mas também quem assiste ao longa. “A vida é uma loucura. É como o mar. Ela vai para trás, para frente, para trás, para frente, e cada vez novas coisas se acrescentam na viagem”, diz Fanny. E Simon responde: “uma nova onda, nunca a mesma”. 

Algo que contribui ainda mais para a serenidade sincera de La Parle é a única cor que é mostrada além do preto e branco, mesmo que em pequenos detalhes. O azul, tom do mar e tom do céu, reafirma a tranquilidade, a harmonia e a espiritualidade. As ondas de sentimentos mostram que, mesmo em um longa tão calmo e despreocupado, muitos pensamentos podem aparecer. Em uma casa de veraneio, banhada pelo Oceano Atlântico, regada pelo sol europeu que só se põe tarde da noite, em meio a conversas profundas, conclusões de anseios dos mais variados podem surgir. Afinal, “na espera, também acontece muita coisa“.

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Jho Brunhara

Lorde é imprevisível. Após o Pure Heroine, era difícil imaginar que ela cantaria sobre festas e um coração partido, mas contrariou as expectativas e fez nascer o precioso Melodrama. Quatro anos depois, um casulo na maritimidade da Nova Zelândia e uma viagem para a Antártida, Solar Power está entre nós. Vamos ser sinceros: Ella Yelich-O’Connor se colocou numa posição difícil. Como superar o antecessor? Como manter o posto de voz da geração? A resposta vem através de um álbum que não quer ser nada disso. “Se você está procurando por uma salvadora, bom, não sou eu”.

A pressão constante de ser uma celebridade-deusa desde os 16 anos, aqui, persevera na mente da neozelandesa. Lorde revisita temas que já tinha refletido no Pure Heroine, mas, dessa vez, sendo parte central da realeza. E, no melhor jeito Hannah Montana de ser, implora pela chance de poder conciliar sua vida como artista mundialmente famosa e apenas uma garota comum, que quer aproveitar sua vida mundana e familiar em praias paradisíacas do Pacífico. 

O que chega primeiro aos ouvidos é a produção de Jack Antonoff. O vocalista de Bleachers é um gênio, vide Melodrama, mas, aqui, não parece alcançar o máximo de seu potencial. Ou será que estamos saturados dos dedinhos mágicos de Antonoff? Desde 2019, já ouvimos suas guitarras acústicas em Lover, e em Norman Fucking Rockwell!, e em folklore, e em evermore, e em Chemtrails Over The Country Club, e em Daddy’s Home, e em Sling, e em Take the Sadness Out of Saturday Night, e, agora, em Solar Power.

É inconcebível imaginar que, depois de ser jogado como peteca de um disco para outro nos últimos três anos, o produtor não ia misturar as bolas aqui e ali, repetir epifanias e não ser capaz de estabelecer fronteiras. Até a pessoa mais criativa do mundo tem seus limites. Apesar da insolação, a instrumentação ainda funciona, e homenageia o folk psicodélico e pop dos anos 2000 embalado por violões.

Se enjoamos de ler e ouvir sobre o ex-membro do fun., o caso de Lorde é o completo oposto. Ativamente longe de qualquer rede social desde a metade de 2018, todo o contato com o mundo exterior passou a ser através de raros e longos e-mails aos inscritos de sua newsletter, hoje, batizada de Boletim do Instituto Solar Power. Aproveitando do privilégio de se manter offline – sonho de todos aqueles que não aguentam mais o mundo digital mas não podem se dar ao luxo de se desconectar totalmente –, teve a oportunidade de ficar imersa em seu pequeno paraíso oceânico. 

Protegida por uma natureza exuberante, ruas seguras e um país que controlou rapidamente e de forma eficaz a pandemia do covid-19, Lorde pôde florescer debaixo do sol. Até a sua passadinha na Antártida deixou claro para ela que realmente odeia o inverno e não suporta o frio. O álbum se divide entre momentos triviais, como pegar uma praia com os amigos e amar seu cachorro, até a apreensão com o planeta pelas mudanças climáticas e dúvidas sobre seu próprio futuro.

Quando a inspiração se enche de questionamentos do que fazer e de quem ser, Ella não parece se importar muito em ter a resposta. Ainda que os comentários sociais sejam inevitáveis nas suas canetadas – Mood Ring é uma sátira à la The Fear sobre a cultura good vibes gratiluz –, a pretensiosidade de ter a última palavra, aqui, dá lugar para alguém que cresceu e aprendeu a apenas viver. O poder dos elementos naturais também deixou sua poesia mais sóbria e introspectiva, e humilde para admitir suas agonias internas mais vulneráveis. “Eu achei que era uma gênia, mas […] está começando a parecer que tudo que eu sei fazer é colocar uma roupa e subir num palco”.

Por mais que Lorde não queira o peso nos ombros de ser a salvadora de seu culto, ela parece não conseguir se desvencilhar totalmente da própria maldição. A faixa-título deixa escapar que, mesmo ainda tentando se encontrar, ela tem ideia de onde quer estar e nos convida para acompanhá-la. No fundo, Ella sempre vai precisar conviver com seu poder influenciador. Ela brinca sobre ser um “Jesus mais bonito”, mas, sinceramente, a iconoclastia nunca esteve tão fora de moda, e as celebridades são os santos do século 21. 

Enquanto Pure Heroine se apresentou como revelador e Melodrama visceral, Solar Power abre espaço para ser descontraído e menos mágico. Ainda assim, bom. Porém, em momentos soando brando demais, algo que faz sentido em seu universo de um dia preguiçoso de verão, mas que contrasta com a intensidade que já vimos Lorde alcançar, mesmo em canções sutis. 

Se agora sair de casa e aproveitar a vida ainda parece uma sugestão desconcertante, ao caminho que a pandemia perder força e finalmente a normalidade se aproximar – sendo otimista em relação às variantes –, o álbum tenderá a fazer mais sentido no pensamento coletivo. No momento, pode ser um pouco difícil aceitar a felicidade alheia das regalias de se ter tempo livre, um governo bom ou uma população vacinada, e não parece justo culpar aqueles que acharem a mensagem do disco gratuita demais ou no timing errado. Afinal, experiências individuais naturalmente afetam a percepção subjetiva da arte, ainda mais em um momento histórico como esse, de desigualdade acentuada. 

Solar Power é um longo dia de verão, e transita entre a brisa amena da manhã, raios a pino do meio-dia, a melancolia do pôr do sol e o mormaço do anoitecer. Lorde usa o Astro como musa para contar uma história tão antiga quanto o tempo, e, principalmente, se permitir crescer para longe de seus traumas e refletir sobre seus anseios, enquanto aceita a felicidade das coisas simples, mesmo que custe o orgulho de seu passado como gênia irrevogável. Esse é um álbum que é menos sobre o transcendental e mais sobre o ordinário, como uma flor qualquer que desabrocha no mato à beira da praia, singela quando comparada à espécies raras e deslumbrantes, mas, ainda assim, uma flor.

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