Henrique Marinhos

Após 24 anos longe de Bauru, o Circo Stankowich fez seu tão esperado retorno, trazendo ao público um espetáculo, no mínimo, deslumbrante. Fundado em 1856, o Stankowich é o circo mais antigo em atividade no Brasil com Arte, risco, beleza e emoção. Mais do que um simples entretenimento, a apresentação em Bauru celebrou a história da companhia, que atravessou mudanças sociais, políticas e culturais ao longo de quase dois séculos de existência.

A noite começou com uma série de espetáculos dançantes, remetendo aos glamourosos carnavais europeus e ao charme das festas em navios e iates. As dançarinas, trajadas com penas e lantejoulas, iluminaram o picadeiro com coreografias sincronizadas e contagiantes. Intercaladas com ‘palhaçadas’ bem canastronas, os espetáculos trouxeram fontes de água dançantes em uníssono com a Música, que tomaram conta do cenário.

O flerte do circo com o perigo é uma tradição antiga, mantida viva porque não falha em fascinar. Ao limite da tensão, depois de tanta leveza e deslumbre, os atos que nos presenteiam com frio na barriga começaram com a performance aérea de uma acrobata que, suspensa pelos cabelos, girava incessantemente enquanto manejava fitas coloridas com uma graça quase sobrenatural, como se tivessem a banhado no pó de ‘pirlimpimpim’.

A experiência presencial, aliás, é incomparável – nenhuma tela consegue capturar o momento genuinamente. Prova disso foi o número de tecido acrobático, uma exibição de coragem e destreza que fez o público prender a respiração. Sem rede de proteção, a acrobata se contorceu e girou no ar, até culminar em uma queda que parou a meros centímetros do chão.

Além das acrobacias nos panos, os trapezistas protagonizaram um dos momentos mais emocionantes da noite. Anunciada pelo próprio circo como uma das manobras mais difíceis de serem realizadas, os três giros no trapézio não nos fizeram questionar por um segundo se a afirmação era realmente um fato. Na segunda  tentativa, o público prendeu a respiração ao ver a dificuldade de execução. Com aplausos imediatos, dessa vez, não houve um centímetro na margem de erro.

No ato final, o espetáculo atingiu seu clímax: o temido Globo da Morte. Sob o som pulsante de aplausos e murmúrios nervosos, quatro motociclistas entraram na esfera metálica, desafiando a gravidade em manobras impecavelmente sincronizadas – a única forma de acontecerem. Nesse ponto, qualquer conversa que eles tivessem por baixo do capacete nos intervalos de giros eram especuladas com atenção pela plateia.

Mas a mágica do circo não se resume apenas aos números deslumbrantes vistos no picadeiro. Naquele momento de perfeição, pensávamos nos erros, nas quedas e nas frustrações superadas pela trupe ao longo da preparação. A mágica que vimos no picadeiro não nasce do acaso e ver o resultado final é testemunhar o triunfo desse processo.

Para muitos dos espectadores naquela noite, assistir a um espetáculo circense pela primeira vez foi uma experiência transformadora. Essa magia nasce da união entre o risco e a beleza, em que cada artista, do motociclista ao mágico ou do trapezista à bailarina, é parte essencial desse universo itinerante. Assim como o circo continua a desafiar a gravidade e o perigo, ele também desafia o tempo, porque o encanto que nos faz querer fugir com ele, esse nunca passa.

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Nathália Mendes

“Eu não canto pela voz, […] por quem canto é por minha terra, terra firme, casa amada”, dizem os versos cantados por Rogelio (Josep Abad), patriarca dos Solés que protagonizam Alcarràs, longa de Carla Simón exibido na 46ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, na Competição Novos Diretores. A obra, uma coprodução espanhola e italiana, conta como uma família de agricultores no interior da Catalunha se vê sendo expulsa de sua propriedade após anos cultivando pêssegos naquela terra. E não há nada que se possa fazer. Diante das perdas inevitáveis, Rogelio acompanha em silêncio, assistindo com olhos carregados de tristeza a tradição de gerações se desfazer, bem como sua própria família.

Sem documento formalmente escrito e assinado, o terreno foi “dado” aos Solés há muitos anos, um agradecimento dos Pinyols por terem sido protegidos durante a guerra espanhola. Este é o cânone que fundamenta a narrativa. Com o passar do tempo e as mudanças geracionais, o novo primogênito que comanda a família não se contenta mais com plantações de pêssegos, mas quer o dinheiro que a energia gerada por painéis solares pode prover. Agora, o vínculo que um dia tiveram não importa mais. Sem compreender como os simbolismos são tão importantes para si e tão desprezíveis ao outro, o que resta ao avô Solé é tentar guardar os laços que mantém a tradição até o fim da colheita.

Alcarràs é um longa da vida real. Não só por levar o nome da pequena cidade da Catalunha onde a própria família da diretora cultivava pêssegos, mas também pelo seu elenco de atores amadores, residentes daquele mesmo interior espanhol. O protagonismo é horizontal, todos ganham luz por completo, de forma igualitária; esta característica brilhante exemplifica como a vida simplesmente acontece. Além de Josep como o patriarca Solé, conhecemos seu sucessor e único filho homem Quimet (Jordi Pujol), a mulher dele, Dolors (Anna Otín), e seus filhos Roger (Albert Bosch), Mariona (Xènia Roset) e Iris (Ainet Jounou). 

Compondo os Solé, ainda, estão as irmãs de Quimet, Glòria (Berta Pipó) e Nati (Montse Oró), com seu marido Cisco (Carles Cabós) e filhos, os gêmeos Pau (Isaac Rovira) e Pere (Joel Rovira). Como uma família tradicional, os membros se relacionam uns com os outros de acordo com suas idades, o machismo geracional e o tradicionalismo aparecem, dando mais palco para os homens do que para as mulheres, mas sem caracterizar tais contrastes como tóxicos ou necessariamente opressores. Aos poucos, os conflitos explodem, exatamente como deve ser. É quase como se eu estivesse assistindo a minha própria família.

É curioso que a narrativa linear de Alcarràs seja, ao mesmo tempo, um ponto fraco e um ponto positivo. Sua semelhança com a realidade é tamanha que até a progressão de acontecimentos imita a vida: não abrimos os olhos todos os dias aguardando o clímax, a chegada de problemas ou da vitória. Na verdade, vivemos na simplicidade com que os segundos correm. Tal lentidão do cotidiano enfraquece o longa tanto quanto o constrói artisticamente, tecendo as teias de uma família silenciosamente frustrada. A inevitabilidade da desgraça que virá provoca fervor interno em suas personagens, esses que, tendo pouco direito de externalizá-lo, se mantêm quietos, transparecendo a raiva e a decepção em momentos específicos e de formas diferentes.

Se em Verão 1993 Simón estreou na direção narrando sua própria história, agora, em Alcarràs, ela transbordou realidade cultural. A iniciativa inteligentíssima de levar pessoas comuns para contar a obra fictícia que escreveu ao lado de Arnau Vilaró, este que também cresceu em uma família agricultora na Espanha, é o que dá brilhantismo à composição. A empreitada trabalhosa e brilhante trouxe a conquista do Urso de Ouro de Melhor Filme no Festival de Berlim de 2022. Mas, para além dos prêmios, a produção faz mais do que é possível medir através de estatuetas: transborda verdade. Assim, ao lado de um elenco com pertencimento, sua ficção é dotada de realismo, um retrato fielmente protagonizado por quem está inserido naquele contexto. 

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Caroline Campos

Há algo de especial na forma com que tradições orais são transmitidas. Através da força de contadores de histórias, impérios foram criados, sociedades foram destruídas e lendas foram moldadas. Na África Ocidental, esse papel fica a cargo dos griots, guardiões milenares do passado, sagrados para a preservação da tradição. Em Noite de Reis, o mensageiro é personificado na figura do Roman, escolhido durante a Lua de Sangue para cumprir o ritual em La Maca. E assim, chega ao fim o Festival do Rio 2021.

Escrito e dirigido por Philippe Lacôte, o último dos 15 filmes do Festival utiliza as experimentações do realismo fantástico para desconstruir as narrativas tradicionais e mesclar presente, passado e futuro no ambiente caótico da Maison d’Arrêt et de Correction d’Abidjan – La Maca, para os íntimos. O presídio superlotado fica na maior cidade da Costa do Marfim, Abidjan, e é controlado pelo Dangôro, um líder de guerra entre os presos que, quando doente, precisa abdicar do cargo e cometer suícidio.

O comandante da vez é Barba Negra, interpretado com solidez por Steve Tientcheu. Sabendo que seu reinado se aproxima do fim, é ele quem decide por restaurar o ritual do Roman, entregando o papel ao pobre do recém-chegado vivido por Bakary Koné. Como se colocasse toda a prisão em um transe letárgico, o narrador é incumbido de entreter e mobilizar por uma noite aquele mecanismo complexo de desordem e brutalidade, mas assim que finalizar sua história, o destino que o aguarda é manchado de sangue.

Quando o Roman fala, não há apenas silêncio obediente e concentrado – os habitantes de La Maca reagem ativamente, transmitindo passagens através de seus corpos e suas vozes, dialogando com aquele conto fragmentado em uma beleza poética e artística. Assim que todos esses ouvidos se voltam para a ascensão do jovem criminoso Zama King e sua infame queda pelas mãos cheias de vingança da população, o garoto precisa contar com a sagacidade de Sherazade para garantir que a noite seja sua aliada.

Bebendo das fontes marginais do Cinema Brasileiro, Noite de Reis corre atrás das galinhas de Cidade de Deus e elabora King com a mesma destreza com que Fernando Meirelles e Kátia Lund entalharam seu Zé Pequeno 20 anos atrás. Tão convincente quanto Buscapé, o narrador da obra de Philippe Lacôte se encontra no centro de uma arena instável e desconfiada, em um constante estado de agressividade ansiosa que caminha junto a ele rumo ao ponto final.

Lacôte, no entanto, não se contenta com um simples ‘contar’; toda a capacidade criativa do diretor marfinense também mira alto no ‘mostrar’. A narrativa metalinguística do passado de Zama King constrói uma aura épica fora das grades prisionais, como uma controversa jornada do herói que conversa com cada preso que a escuta. Visualmente, somos arrebatados. A rainha de Laetitia Ky é um fenômeno da natureza, firme e potente, serena e severa. Com ela em cena, não há espaço para outros protagonistas. E, mesmo que seja apenas um recurso das palavras do desesperado narrador, sua trajetória é reverenciada pela ancestralidade da Costa do Marfim, jovem em sua independência.

O misticismo de La Nuit Des Rois é difícil de ser esquecido. Brincando com a realidade, o longa de Philippe Lacôte, escolhido para representar seu país na corrida do Oscar 2021, é um apelo pela sobrevivência e uma ode aos antepassados, tão belo em sua execução alegórica que nos perdemos na dança de seus elementos. Um povo sem memória é um povo sem passado e, em La Maca, é a história que decide se você vive ou morre. 

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