Vitória Mendes

Já pensou em como seria a vida se você deixasse tudo para trás, entrasse em um trailer e desaparecesse no mundo? Jonah Kagen não só fez isso como também transformou essa experiência em Sunflowers and Leather, seu primeiro álbum de estúdio. Lançada em setembro pela Arista Records, uma divisão da Sony Music Entertainment, a produção narra uma jornada de independência geográfica e, principalmente, emocional. Entre medos, aventuras e descobertas, há o esforço constante de aprender a viver e amar, mesmo que signifique se machucar no caminho. Consolidando o público que já o acompanhava nos EPs anteriores, o artista surpreende e traz uma nova percepção que une o country folk e o soft country.

Considerando o contexto de concepção, é como acompanhar uma narrativa e vivenciar a experiência imersiva ao lado do artista, que também produziu o documentário complementar Sunflowers and Leather – The Field Guide. O projeto retrata sua trajetória pessoal e proporciona ao espectador uma apreciação do processo de criação, servindo como braço para a relação com a  obra. Desde suas primeiras composições, o sentimentalismo e a exploração de temas profundos e intrínsecos à natureza humana sempre estiveram presentes. Neste novo trabalho, esses elementos se tornam o foco principal e se mostram ainda mais acentuados.

A obra explora a antítese entre liberdade e limites, dor e beleza, vida e morte, refletida no nome do álbum: Sunflowers, os girassóis, simbolizam os traços suaves e leves da vida, enquanto Leather, o couro, representa a dor, as perdas e a morte. Além disso, Jonah reconhece os conflitos internos e aborda autodescoberta, dúvidas religiosas, busca por amor e o desejo de fazer seu eu do passado se orgulhar. Por meio de questionamentos sobre a existência, o ouvinte é levado para uma verdadeira montanha-russa emocional. É, sem dúvida, um disco para ser apreciado com calma e preparado para o impacto emocional que provoca.

O trabalho se ancora em elementos acústicos para construir uma atmosfera melancólica e contemplativa. Durante 16 faixas, o ouvinte é convidado a se sentar ao lado do cantor e observar uma longa estrada que, mais do que levar a algum lugar, revela tudo que ficou para trás. When My Ashes Turn White abre o disco de forma suave, mas impactante ao refletir sobre encontrar as pessoas que um dia perdeu. O compositor é movido pela pergunta de como será lembrado quando tudo terminar e se o que fez em vida será suficiente para manter seu legado vivo. Sunflowers and Leather e Candy Land abordam o crescimento e a necessidade de desbravar o mundo, ligada ao medo constante de perder sua base inicial: a família, os amigos e a ideia de um lar perfeito. 

Ao longo do álbum, há um cuidado narrativo ao se tratar de temas sensíveis, como violência doméstica e maternidade precoce em Krissy. Kagen também explora a complexidade dos relacionamentos, o luto de relações anteriores e a dificuldade de construir vínculos novos por estar assombrado pelas memórias em Anvil, Tennessee Girl e You Again. Também é apresentado o outro lado de querer ser amado e ter ânsia por viver tudo. The Reaper traz a sensação de um suspiro leve que acalma e acolhe, evocando um sentimento similar à Vienna de Billy Joel. O multi-instrumentista também aborda religião e identidade, que se conflitam em Burn Me ao refletir a indecisão entre seguir a tradição familiar ou o próprio caminho. 

Essas rupturas entre passado, presente e futuro são consistentes durante a exposição. Além disso, outro ponto de destaque está em Black Lung, que relaciona a pneumoconiose dos carvoeiros (PNC), conhecida como doença do pulmão negro, com a experiência de crises de ansiedade. O artista menciona a invalidação e banalização da saúde mental em comparação com doenças visíveis fisicamente. A temática e a produção técnica a tornam um destaque entre as outras, assim como Light in the End que, em contraponto, funciona como um espaço de luz e amor. Enough finaliza o álbum com uma reflexão da jornada. O cantor compartilha suas incertezas e pondera se fez o suficiente para manter viva a memória de quem partiu.

Um dos principais pontos positivos é a maneira como, apesar dos temas intensos, há faixas mais leves e até dançantes, que trazem discussões interessantes, mas que divertem, afinal, é possível falar das dores de forma mais serena. A colaboração com Sam Barber também se mostrou marcante, as vozes se encaixaram bem e trouxeram um ar notável para Burn Me. No panorama, as produções líricas são fortes e até mesmo o silêncio entre cada verso é parte da narrativa. O conjunto é uma epifania silenciosa e emotiva.

Através do uso versátil do violão como base, a falta de experimentação não é um ponto negativo. Se encaixa muito bem no gênero e constrói uma personalidade interessante, que contribui para a aura reflexiva e a sensação de estar na estrada. Embora permaneça em uma zona segura e tenha uma produção similar a nomes como Noah Kahan, Dean Lewis, Vincent Lima e Dermot Kennedy,  a obra revela a originalidade de Kagen, resultando em produções suaves. Apesar de não ser pensado ao mainstream e não ter hits, há vários destaques no álbum. Em suma, a produção é sólida, complexa e se encaixa muito bem na discografia do artista e no soft country. 

Sunflowers and Leather não é apenas uma estreia, é uma carta aberta. O artista mostra que está disposto a se aventurar pelas estradas da vida, errando, acertando ou precisando recomeçar: o importante é deixar sua marca no mundo. Não apenas nas coisas que toca, mas também nas pessoas e nos lugares onde passa. Quanto ao seu legado, ainda está em construção, porém em um bom caminho com potencial de crescer e florescer. Todos querem ser lembrados, afinal, o que é uma pessoa, se não as marcas que deixa para trás?

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Guilherme Barbosa

A música pop sempre esteve no auge do mundo, principalmente após o início dos anos 2000. A ascensão de nomes como Britney Spears, Beyoncé, Lady Gaga e Rihanna fez com que a régua de exigência em relação a cantoras que iriam surgir a partir dali fosse muito alta. Com o passar do tempo, a forma de se consumir música pela grande massa mudou. O TikTok, a rede social mais usada pela Geração Z, tem grande influência na indústria fonográfica, com o poder de ressuscitar grandes clássicos e fazer pequenos artistas se tornarem globais, como Olivia Rodrigo, por exemplo. Tate McRae também faz parte dessa nova leva de cantores, e isso fica evidente em seu novo álbum de estúdio, THINK LATER.

Desde pequena, a cantora canadense faz parte do ambiente artístico, seja na dança ou na música. Foi somente em 2023, após lançar Greedy – o lead single de seu novo álbum – que a cantora atingiu novos patamares. Até então, McRae havia estreado com o primogênito i used to think i could fly e tinha uma pequena base de seguidores. Ao viralizar com a música no TikTok, mesmo com uma carreira tão recente na indústria, a intérprete chegou no topo da playlist Spotify Global, onde permaneceu por várias semanas, e alcançou também o topo da parada musical Billboard Global 200.

Com a viralização de Greedy, a cantora intensificou a divulgação do single, desde performances em programas de TV e em premiações. Ela ainda investiu em um videoclipe clássico, com figurino esportivo de hóquei, bailarinos e muita dança. É perceptível a confiança que ela demonstra, muito confortável com as câmeras e servindo uma postura digna de diva pop que, de certa forma, se perdeu ao longo do tempo no cenário da música do gênero. A canadense foi alvo de diversas comparações, chegando a ser chamada de Britney Spears da nova geração. São tantas referências e paralelos que sua autenticidade acaba se perdendo, fazendo com que a confiança apresentada na canção não fique tão evidente no restante do álbum.

Durante as 14 faixas que compõem a obra de McRae, ela incorpora seu lado bad ass girl – a famosa garota má – para mostrar que está pronta para devorar todos os homens que aparecerem e para fazer com que o cara que a deixou se arrependa disso, mesmo estando presa a ele. Essa fórmula não é nada inovadora, por ser uma cartada coringa de quase toda cantora do cenário pop e já tendo sido utilizada diversas vezes na indústria, como nas canções How to Be a Heartbreaker, da Marina and The Diamonds; Blank Space, da Taylor Swift e Maneater, da Nelly Furtado.

A sonoridade do disco revela uma combinação de influências, indo de elementos clássicos do pop, como sintetizadores, até toques mais experimentais, como os componentes trazidos do R&B. Essa diversidade nas referências gera uma sensação convidativa e dançante ao trabalho, deixando-o confortável aos ouvidos dos consumidores do estilo musical. As letras não apresentam profundidade, mas expressam os sentimentos de McRae, demonstrando uma pequena fração da personalidade da artista.

Além de sua presença musical cativante, os visuais e a estética de Tate McRae desempenham um papel importante na construção de sua identidade artística única. Seja nos figurinos arrojados, na coreografia impecável ou na escolha de cenários, McRae transforma cada apresentação em uma experiência imagética envolvente. Os videoclipes de suas músicas são como extensões das narrativas e adicionam uma perspectiva intrigante ao trabalho, mostrando-a não apenas como uma cantora talentosa, mas como uma artista completa e influente em todos os aspectos de sua arte.

THINK LATER é um capítulo significativo na carreira de Tate McRae. Embora ceda temporariamente às tendências pop predominantes, ela também demonstra uma habilidade única de modificar padrões, criando momentos inovadores e resgatando referências de cantoras consagradas. O álbum em sua totalidade não é apenas mais um produto da era TikTok: ele tem sua singularidade e sugere que, mesmo em meio a um cenário musical em constante mudança, a intérprete está firmemente determinada a trilhar seu próprio caminho.

A ascensão meteórica de Tate McRae no mainstream atual é inegável, sendo considerada uma das vozes promissoras da nova geração. Contudo, no universo saturado de fórmulas comerciais que caracterizam o cenário da música atual, surge a inquietação sobre como ela irá equilibrar sua autenticidade diante das constantes pressões para se alinhar a padrões instantâneos e superficiais. 

Será que a ousadia criativa de McRae será uma resistência ao efêmero ou haverá conformidade ao caminho mais trilhado em busca do sucesso imediato? Essas são questões que pairam diante do dilema enfrentado por novos artistas, e THINK LATER se torna um espaço para ver como Tate McRae vai lidar com as novas demandas da indústria musical.

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Bruno Andrade

Muitos estariam mentindo se não assumissem que gritaram loucamente o refrão de Sex on Fire em alguma ocasião. Mas há tempos que o Kings of Leon se distanciou daquele som envolvente de 2008, e essa distância não ocorre somente pela medida do tempo, ficando evidente em cada novo álbum que se trata de uma escolha. Lançado em março deste ano, When You See Yourself, oitavo disco do grupo, acena para o rock alternativo de seus anos de ouro, mas, diferente dos antecessores, traz o amadurecimento como força motivadora.

Não é de hoje que os integrantes do Kings of Leon – esse projeto familiar formado pelos irmãos Followill e pelo primo, Matthew – acenam para o passado. Caleb Followill (vocalista e guitarrista base) sempre trouxe em suas letras conteúdo intimista e particular, em uma visão naturalmente nostálgica. Porém, em When You See Yourself, diferente dos álbuns anteriores que mesclavam essas referências pessoais com outros temas, encontramos o Kings of Leon construindo todo o cenário soturno e íntimo que músicas predecessoras habitaram – é quase como dar uma casa a essas canções melancólicas que vagavam isoladas. 

Segundo Caleb, When You See Yourself é o disco mais pessoal do grupo, e parece ter sido produzido para possibilitar experiências tanto nos fones de ouvido como nos alto-falantes de estádios lotados, embora essa experiência tenha sido suspensa pela covid-19. Com produção de Markus Dravs – famoso por vencer o Grammy e trabalhar com Arcade Fire, Björk e Coldplay –, o CD tem uma aura fosca, com letras enigmáticas e poéticas, encaixando-se perfeitamente na boca de seus fãs mais assíduos, mas também na dos turistas de primeira viagem.

Agora, entre nós, eu estaria mentindo se não revelasse que cheguei ao Kings of Leon através de Use Somebody. Embora já tivesse presenciado os diversos covers que algumas bandas de bar fazem de Mollys’s Chambers, e já conhecesse Sex on Fire, foi o clipe contemplativo e ao mesmo tempo transcendente de Use Somebody que me fez procurar a banda. Parecia, ao ver aquele clipe, que o grupo entregava os dois lados da moeda. Depois da bebedeira de Sex on Fire, surgia essa espécie de ressaca, na qual questionar os motivos que te levaram à noite anterior são recorrentes. As duas faixas alteravam-se na programação da MTV, e não demorei para perceber que o Only By The Night (2008) era, à sua maneira, um álbum precioso, e um marco para o quarteto.

Essa foi a obra que entregou dois Grammys ao Kings of Leon, e colocou faixas na trilha sonora de Gossip Girl. O esperado era que seguissem pelo caminho aberto nesse novo projeto, levando em conta que o grupo já estava no seu quarto trabalho, sucedendo Because Of The Times (2007), Aha Shake Heartbreak (2005) e Youth And Young Manhood (2003). Três álbuns diferentes, mas que ainda se interligavam através de uma visão mais mainstream – as faixas pareciam ser planejadas para emplacar, e emplacaram. 

Essa simples amostra da primeira metade da carreira de Kings of Leon evidencia como o quarteto largou aos poucos seu lado mais country, presente fortemente no primeiro disco – uma origem inevitável devido a cidade de Nashville, local onde os integrantes cresceram e onde esse gênero ainda é muito presente. Mas, depois do sucesso esmagador de Only By The Night, o grupo começou a explorar novas sonoridades. Canções expansivas e reflexivas dominaram Come Around Sundown (2010) – como nas faixas The End e Pyro –, o típico rock-de-arena definiu Mechanical Bull (2013), principalmente nas canções Supersoaker e Don’t Matter, e o pop melódico de WALLS (2016), com os hits Waste A Moment e Reverend, projetou a banda em um novo cenário.

Porém, em When You See Yourself – deixando o pop de lado –, o grupo evoca seu rock alternativo inicial, dando origem a um ciclo, e prioriza traços orgânicos nas canções. O CD traz as linhas de baixo de Jared Followill com poucos efeitos; oferece a bateria crua, competente e pouco barulhenta de Nathan Followill – quase como para marcar o tempo, com poucas viradas e utilizando o prato de condução como prioritário, diferente dos álbuns anteriores, onde os pratos de ataque e o hi-hat aberto marcavam a condução das músicas, a exemplo de Tonight e Four Kicks –, guitarras aconchegantes de Matthew Followill e a voz característica de Caleb.

Algumas de suas faixas foram escritas há alguns anos – Supermarket, por exemplo, foi escrita 10 anos atrás –, mas ganharam novos significados devido à pandemia e aos recentes protestos nos Estados Unidos. Como Caleb revelou, When You See Yourself é, de certa maneira, uma reflexão, e fica difícil não refletir sobre o que está acontecendo. The Bandit é a faixa que mais dialoga com trabalhos anteriores do grupo, e, se tratando de algo que pretende refletir sobre o passado, acenos a álbuns anteriores não poderiam faltar. Ela é uma das melhores do disco, ao lado de Time in Disguise e Stormy Weather, canção que novamente é protagonizada pelo baixo de Jared, com linhas interessantes que dão vazão à voz de Caleb.

O álbum se inicia com When You See Yourself, Are You Far Away, faixa que transmite o tom do CD, começando lentamente e mantendo certa brincadeira entre o baixo e a guitarra. O encerramento fica com Fairytale, mas essa canção não transmite qualquer teor de fim. Além de nos fazer verificar se essa realmente foi a última faixa, faz lembrar Walk on the Wild Side de Lou Reed, e dá a impressão de ter sido colocada no final para causar um efeito de continuidade, ou infinitude. Porém, ao deixar essa abertura no fim, também causa a impressão de ser descartável em When You See Yourself.

De algum modo, a reflexão proposta em When You See Yourself sempre acompanhou o grupo, mas nunca houve algo dedicado somente a esse olhar mais profundo e pessoal sobre a trajetória do Kings of Leon. Há tempos Caleb mencionava algo mais maduro, menos barulhento e mais concentrado em suas letras, mas não parecia haver sintonia, ou talvez não fosse a hora. 

Dessa forma, o disco é construído sob o cenário duvidoso da memória, mas ganha novos traços em tempos de isolamento social, transportando qualquer um a suas próprias lembranças. O interessante é observar que aquele grupo dos clipes da MTV amadureceu, como todos nós fazemos um dia. É nostálgico na hora certa e no lugar certo. Esse é, de fato, o grande diferencial desse álbum.

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