Eduardo Dragoneti

Sete anos separam Star Wars: A Ascensão Skywalker (2019) de O Mandaloriano e Grogu (2026). Nesse intervalo, a Lucasfilm abandonou os cinemas para investir nas produções do Disney+, onde O Mandaloriano (2019) nasceu como a aposta mais bem-sucedida da franquia desde a trilogia original de George Lucas. A série transformou Din Djarin (Pedro Pascal) e Grogu numa dupla amada globalmente, e o anúncio do longa foi recebido com uma expectativa alta, já que Star Wars não passava nas telonas desde as sequels, que deixaram um gosto amargo na boca dos fãs.

O problema central de O Mandaloriano e Grogu está na sua própria existência, e não na execução. A terceira temporada de O Mandaloriano encerrou o arco de Mando e Grogu com satisfação e as poucas pontas soltas sobre o tão misterioso planeta Mandalore foram ignoradas nesse filme. Bo-Katan e outros personagens interessantes que foram aclamados pelo público na série, também não retornam para o longa. O fanservice de inserir Zeb Orrelios, figura que até então só tinha aparecido nas animações desse universo, também não funciona por falta de aprofundamento na história do personagem. Poderia ser qualquer outro piloto da galáxia ajudando Mando, e o enredo continuaria o mesmo.

O roteiro assinado por Jon Favreau, Dave Filoni e Noah Kloor divide a história em blocos que se surtem como capítulos soltos de uma quarta temporada descartada. A missão de explodir uma base remanescente do Império, a busca por um Hutt desaparecido, ou estar fugindo de outro caçador de recompensas são aventuras que se assemelham com as da série. Uma Nova Esperança (1977), em tempo semelhante de projeção, construía um universo inteiro e apresentava personagens inesquecíveis. A comparação com os sucessos da franquia é inevitável quando se fala no retorno de Star Wars aos cinemas.

A impressão que fica ao fim do primeiro ato é de que o filme acabou, já que a missão que abre a história é resolvida com competência e ritmo. Quando a trama recomeça numa nova direção, já com quase uma hora, fica evidente que o roteiro (Jon Favreau e Dave Filoni) não tinha material suficiente para sustentar um longa-metragem. As cenas que preenchem esse segundo bloco existem para ocupar o espaço entre uma aventura e outra, sem agregar nada ao arco dos personagens nem ao universo de Star Wars, e o longa é autoconsciente disso. As cenas estão ali simplesmente para preencher tempo de tela.

Grogu continua sendo um acerto inegável, e Favreau usa o personagem como uma segurança. O ‘baby Yoda’, construído digitalmente pela equipe da ILM, ganha uma expressividade que o streaming não permitia fazer, e o diretor o usa com generosidade numa sequência central do segundo ato que remete aos clássicos de aventura como Gremlins (1984) e Willow: Na Terra da Magia (1988). A trilha sonora (Ludwig Göransson) sustenta os furos do roteiro e repete a fórmula: músicas icônicas da franquia e de O Mandaloriano, que preservam a identidade sonora de Star Wars.

Pedro Pascal entrega exatamente o que sempre entregou como Mando, nem mais nem menos. O personagem não desenvolve nada além do que já havia sido construído nas três temporadas anteriores, e o roteiro não lhe oferece nenhuma cena que exija algo diferente do que o ator já demonstrou saber fazer. A produção técnica, por outro lado, é impecável. Para as cenas com armaduras, perseguições e combates, Favreau contratou dublês e pilotos profissionais para evitar o excesso de CGI, e o resultado aparece na tela com fisicalidade, que as produções da Disney+ raramente são capazes de replicar.

Rotta, o Hutt, dublado por Jeremy Allen White (O Urso, 2022), é o caso mais sintomático do filme. O personagem tem uma trajetória com potencial, um jovem tentando escapar da sombra do pai, Jabba, para construir uma identidade própria, e Allen White entrega o que pode sob todo o CGI. O problema é que ele explica o posicionamento do personagem pelo menos três vezes em menos de 30 minutos, retirando qualquer espaço para o espectador descobrir por conta própria. A Coronel Ward, interpretada por Sigourney Weaver (Alien, 1979), também poderia se tornar uma nova grande peça para a Nova República, mas a trama rasa simplifica o trabalho da renomada atriz.

O Mandaloriano e Grogu funciona como convite para a série, mas peca em ser uma porta para o universo Star Wars. Uma Nova Esperança e O Império Contra-Ataca (1980), continuam sendo portais de entrada para qualquer espectador, independente de bagagem prévia. O novo longa exige três temporadas de investimento emocional para funcionar, e mesmo quem às assistiu sai sem nada novo e se quer se emociona. Alguém sem conhecimento da franquia provavelmente sairá com curiosidade sobre a série, porém dificilmente com vontade de mergulhar no universo que George Lucas constrói desde 1977.

A decisão de transformar O Mandaloriano em franquia cinematográfica diz menos sobre a história de Din Djarin e Grogu do que sobre o estado atual de Star Wars como propriedade intelectual. O sucesso da franquia é eterno, com boas produções saindo, como Andor (2022). Porém, após o fracasso de Han Solo: Uma história Star Wars (2018) e o fim da trilogia sequel em 2019, a Disney precisava de uma aposta segura para recolocar a saga nas telas. Mando e Grogu eram essa aposta, mas filmes feitos para não errar raramente acertam de verdade.

Star Wars ficou sete anos longe dos cinemas. Os fãs que suportam os episódios VII, VIII e IX, que acompanharam a série semana a semana e se encantaram com Grogu desde seu primeiro aparecimento no streaming, mereciam um retorno à altura dessa espera. O Mandaloriano e Grogu não é ruim, é confortável, competente e, em vários momentos, genuinamente divertido. No entanto, isso não é suficiente quando a franquia mais amada da ficção científica volta aos cinemas pela primeira vez em anos. Jon Favreau tinha os melhores ingredientes possíveis, mas optou por fazer um misto quente com achocolatado.

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Davi Marcelgo

Scott Derrickson possui uma filmografia interessante, seja dirigindo um blockbuster como Doutor Estranho (2016) ou um excelente Terror, O Telefone Preto (2021).  Apesar de ser um diretor regular, nada poderia preparar os assinantes do Apple TV+ para o desastroso Entre Montanhas (2025), a obra mais genérica do cineasta, que parece, inclusive, um embutido das sobras de um filme que nunca aconteceu. Estrelada por Anya Taylor-Joy (Drasa) e Miles Teller (Levi), a produção passeia por gêneros e não consegue acertar em nenhum. 

Drasa e Levi são dois atiradores designados à missão de impedir que algo misterioso saia de um desfiladeiro, cada um fica responsável por um dos lados das montanhas, proibidos de interagir. No entanto, a paixão é mais poderosa que as orientações do trabalho, ambos os profissionais mantêm contato por distância e se apaixonam. Os primeiros 30 minutos da história dão um tom sisudo e misterioso por meio de dúvidas sobre qual o objetivo da guarda e qual ameaça habita o local. Ali, o espectador testemunha um suspense, que logo será substituído por um romance que iguala a algo escrito pelo John Green. Drasa é o tropo narrativo da ‘garota especial’, possui senso de humor diferente, é sarcástica e tem habilidades associadas ao gênero masculino: boa mira e combate. Levi, que é considerado descartável para os militares, já que não possui família ou vínculos, é o homem solitário e traumatizado que terá suas qualidades afloradas ao se envolver com uma mulher. 

Quando os protagonistas estão se conhecendo, a montagem de Frédéric Thoraval, antes densa, contemplativa e com respiros entre um take e outro, ganha ares de romance barato, quando quer demonstrar passagem de tempo, aplica intensidade e cortes rápidos, conforme acompanha a câmera hiperativa, ao som de Blitzkrieg Bop, dos Ramones. Em outro momento, a canção Spitting Off the Edge of the World é a escolhida para ser tema da primeira noite de amor do casal — Derrickson tem inspiração para filmar a cena, que começa com uma dança, onde a lente faz parte da coreografia, parando de se mexer nos trechos mais calmos da trilha. 

A estrutura de videoclipe soa como uma escolha para dar dinamismo ao enredo de quase 120 minutos de duração e fruto do contexto de velocidade dos aparelhos tecnológicos. Mas o pior ainda estava por vir: se já não bastasse a inconsistência narrativa, a última hora se transforma em uma experiência gamificada, que visa o estímulo e a imersão do público na ação, ao invés da composição imagética, por meio dessa direção que age como personagem, se movendo a cada soco tomado, a cada giro da arma para mirar em outro objeto. Há uma sequência que faltou pouco para pedir a quem assiste para apertar intensamente no botão círculo para impedir que Drasa fosse atacada. Esse Cinema nos moldes de algoritmo precisa captar a atenção do espectador pela frenesia. 

O visual das criaturas que vivem na garganta parecem ter os visuais descartados das artes conceituais da sequência de Doutor Estranho, que seria encabeçada por Derrickson, até que os conflitos com a Marvel finalizaram a passagem dele pelo herói. Assim como remetem ao visual dos infectados de The Last Of Us (2013), o design dos Homens Ocos é mais um elemento genérico, além da aparência amadora da fotografia para um filme caro, seja no desfiladeiro com as luzes artificiais coloridas ou nas locações reais, em que a iluminação é chapada, tal como já foi (e ainda é) criticado em produções de Hollywood.

Sigourney Weaver interpreta uma empresária mesquinha que visa lucro e prefere ameaçar a existência de vida na Terra… você já ouviu essa história. Entre Montanhas é um emaranhado de tropos e clichês de fitas de ação, aventura, romance e todos os gêneros possíveis que ele tenta incorporar, sem conseguir desfrutar dos códigos de pelo menos um deles. A ambição em criar uma trama híbrida — assim como criaturas que são uma mistura de plantas, animais e humanos — e até a existência de elementos batidos na história não é um problema declarado, tudo depende, sempre, da forma como eles se relacionam em cada longa.

A sua presença no Emmy 2025 é mais um argumento de que o evento não é vitrine alguma para o que há de melhor na televisão. A produção perdeu para a ótima sequência de Bridget Jones — o vencedor da categoria de Melhor Filme para TV é anunciado uma semana antes da transmissão da cerimônia — e diferente dos elogios de Scott Derrickson à Apple TV+ e ao roteiro de Zach Dean, seu novo trabalho não é original e tampouco ousado, é, na verdade, uma costura de muitas coisas que não se conversam e repetem fórmulas. Nem parece uma obra feita por um profissional que abandonou outro projeto por diferenças criativas, mas por um peão que aceita as condições de um estúdio, porque é isto que Entre Montanhas é: um produto de uma empresa de tecnologia. 

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Iris Italo Marquezini

Quando Alien: O Oitavo Passageiro estreou nos cinemas em 1979, a audiência foi surpreendida com uma explosão vinda do peito de um homem. De dentro dele, uma nova criatura surgia repleta de sangue e ansiando, sedenta, por muito mais. Anos depois, sequências bem diferentes do filme original foram lançadas para expandir a história da protagonista Ellen Ripley, incluindo o também clássico dirigido por James Cameron, Aliens (1986). Durante muitos anos, os fãs mais assíduos do primeiro longa, dirigido por Ridley Scott, ficaram órfãos de obras que tivessem uma ambientação claustrofóbica e aterrorizante à altura. Alien: Isolation, jogo diretamente inspirado pelo pioneiro, foge desse cenário ao passo que é exatamente a experiência que os fãs tanto queriam de volta. 

A inspiração não é qualquer segredo para os desenvolvedores. O jogo deve tanto ao filme original que a história dele é ligada diretamente com a trama do clássico do Terror,  ainda fazendo o favor de resolver um furo de roteiro de Aliens. Na história, Amanda Ripley precisa encontrar a caixa preta da nave-cargueira Nostromo para chegar a alguma conclusão sobre o paradeiro da mãe, Ellen Ripley, a protagonista do primeiro capítulo da franquia. Após um acidente, a engenheira vai parar na estação espacial de Sevastopol – uma espécie de versão infernal e misteriosa da Deep Space Nine de Star Trek – após ser abandonada por investidores, repleta de vestígios sangrentos de revoltas e massacres. Foram os próprios moradores em uma guerra civil que fizeram isso? Foi o Xenomorfo? É função do jogador preencher as lacunas.

Desenvolvido pela Creative Assembly e distribuído pela SEGA, o jogo, lançado em 2014, decepcionou em vendas, mas não deixou de chamar a atenção. Era comum, na época, o compartilhamento de vídeos de pessoas aterrorizadas e gritando conforme o grande predador da história finalmente percebia a presença da vítima indefesa. Até hoje, inclusive, muitos podem conhecer a obra justamente por causa da viralização desses conteúdos. Outros games da franquia Alien foram lançados, deixando o terror de lado e focando mais na ação presente na sequência de Cameron. Em meio a Outlast (2013), Dead Space 3 (2013) e The Evil Within (2014), o jogo conseguiu se destacar dentro do gênero e vencer prêmios, recebendo até indicações ao Game of the Year.

Não é à toa que Alien: Isolation encanta fãs do filme original e continua a conquistar um público assíduo mesmo 10 anos depois. A ambientação do jogo é diretamente inspirada na obra de Ridley Scott e H. R. Giger, trazendo a estética retrofuturista única e o sentimento pesado de estar dentro de corredores de maquinários escuros sem ter para onde fugir. Chega a ser divertido pensar que a franquia Dead Space se inspirou diretamente no universo Alien para causar tensão nos jogadores e como a linguagem dessas histórias se converge nesta obra à sua própria maneira. 

A trama é repleta de quebra de expectativas. Um dos exemplos mais claros desse aspecto é a primeira aparição completa do Alien. Surgindo algumas horas depois do começo do jogo, o predador desce de uma ventilação em meio ao silêncio do que parecia somente uma sala monótona repleta de computadores. É neste momento em que a jogabilidade furtiva da narrativa começa a brilhar, já que qualquer mínimo barulho, até mesmo do microfone de quem está jogando, pode chamar a atenção e causar uma morte violenta. 

Uma das maiores provas de como a linguagem de Alien: Isolation sabe causar tensão é a partir da perspectiva de duas das ferramentas adquiridas relativamente cedo na história: o sensor de movimento e o revólver. O sensor ajuda na criação de estratégias para evitar inimigos mas, proporcionalmente, causa medo, já que nem sempre o que aparece no visor está realmente visível nos corredores. Ou seja, mesmo possuindo uma ferramenta para a proteção, esse próprio recurso pode causar paranoia.

O revólver em si não é inútil e aparece como uma solução arriscada demais para os problemas. A arma faz muito barulho, depende de munições escassas e não é efetiva contra o Xenomorfo ou os androides, os outros principais inimigos na história, que não são fáceis de eliminar. A sensação de vulnerabilidade é uma constante na experiência; o ato de correr já causa barulho demais para chegar perto de um save point. No menu principal, recomenda-se jogar na dificuldade difícil e essa afirmação faz todo o sentido. Afinal, a narrativa faz o jogador se sentir uma presa que depende da própria criatividade e sorte para escapar de um inimigo quase onisciente. 

Outro complemento para a sensação de ser somente um ser humano indefeso contra a criatura mais brutal da galáxia é o design de som, encabeçado por Mark Angus juntamente a mais de 16 desenvolvedores. A experiência de desfrutar da história com fones de ouvido chega a ser obrigatória, tamanho o empenho dos envolvidos na criação de Alien: Isolation. O jogo nunca oferece um silêncio verdadeiro – há ruídos de computadores e de máquinas operando para manter a estação de Sevastopol funcionando. Em meio a essa cacofonia futurística e artificial, há batidas nas ventilações, e não há nada mais desesperador do que perceber que os passos pesados do Alien no chão de metal começaram a te perseguir. Toda essa ambientação condiz perfeitamente com as descrições de Alan Dean Foster na ‘novelização’ do filme de 1979. 

Por outro lado, uma das reclamações mais comuns acerca do game é a quantidade exaustiva e repetitiva de horas necessárias para zerar a campanha principal. Essa impressão fica clara na segunda metade da narrativa, quando há diversas reviravoltas, muito parecidas com as que a própria Ellen Ripley precisa encarar. A história parece estar prestes a encerrar e a heroína finalmente ficará segura, mas traições acontecem e retornos inesperados do Alien surgem para trazer o inferno à vida da protagonista. Todavia, essa experiência pode ser muito relativa, já que o jogo oferece sim muita variedade pelo aspecto mais memorável de Alien: Isolation uma década depois: a Inteligência Artificial.

É a partir do desenvolvimento complexo dos sentidos apurados do Alien que um dos maiores desafios do gênero do Terror na mídia dos videogames nasce. O Xenomorfo pode circular por ventilações e corredores livremente em uma velocidade impressionante. Além disso, o inimigo é atraído pelo som e pela própria visão periférica. Mesmo que o jogador se mantenha distante, a I.A. do jogo é treinada para sempre guiar a criatura para próximo do player. Até mesmo buscar esconderijo dentro de armários da Sevastopol, durante a missão Quarentena, por exemplo, não é garantia de paz, já que existe ainda uma mecânica para segurar a respiração de forma correta. Se você falhar… bom, o Alien vai arrancar a porta fora, abrir a boca enorme e o resto você já sabe.  

Um dos exemplos de como todas essas mecânicas anteriores somadas podem criar experiências marcantes para cada jogador acontece pouco depois da metade da narrativa, em que uma facção de humanos hostis surge em Sevastopol. Neste trecho, já é possível entender mais detalhadamente como os instintos do Alien funcionam. Os residentes da estação estavam fortemente armados e ameaçando acertar qualquer um que se mexesse. Realizar essa ação causa um tiroteio frenético, com todos os inimigos apontando as armas na direção do jogador. Mas o centro de todo o barulho vinha das armas nas mãos deles. Resultado? O Alien foi atraído e aniquilou todos os inimigos. Amanda Ripley consegue fugir. 

São tantos fatores que criam um senso de surpresa que chega a ser triste pensar que o mesmo não pode ser dito dos androides, também chamados de Working Joe. Pode soar irônico, mas esses personagens são extremamente mecânicos, engessados e previsíveis. Embora sejam lentos e fáceis de fugir, o jogo, às vezes, dependeu muito de puzzles para alguns trechos com as presenças deles, já que as ferramentas disponíveis não davam conta da quantidade de inimigos. O jeito, muitas vezes, era deixar a personagem agachada e se mover conforme a rota programada dos robôs ou, até mesmo, correr e tentar evitar ser pega.

Outro ponto não tão positivo é o mapa. Embora o radar possua uma espécie de bússola que guia o jogador para o objetivo, há diversos momentos que fica fácil se perder nas idas e vindas entre elevadores e transportes para outras partes da estação. É absolutamente admirável o quão bem feita e plausível é a arquitetura do jogo, com os cenários não envelhecendo e sem problema algum na questão gráfica, mesmo anos depois. Ainda assim, a criação de um labirinto pode até ser um conceito bom para aumentar a tensão de se perder com um bicho bem pior que um minotauro te perseguindo. Todavia, em momentos mais monótonos da história pode gerar, sim, uma frustração quando o mapa não oferece indicações claras. 

Alien: Isolation, porém, possui boas performances nas cutscenes, isto é, as cenas que são inseridas para conectar as fases do jogo e avançar na trama principal. São esses os momentos em que outros personagens começam a aparecer, como o paranóico Axel (Matheus Carrieri), o injustiçado Samuels (Paulo Ávila) e o delegado extremamente suspeito Waits (Hélio Vaccari). Nenhum desses personagens particularmente encanta, mas conseguem alcançar o nível de dramaticidade necessário em momentos marcantes. Nesse sentido, a narrativa acaba em uma situação complicada: para poder causar a sensação de isolamento pela jogabilidade, diálogos para quebrar o silêncio não são exatamente recorrentes. 

A personagem de Amanda Ripley (Fernanda Bullara), inclusive, poderia se tornar menos interessante justamente por conta desse silêncio constante. Felizmente, isso não acontece. Em diversos momentos, é possível perceber como ela se demonstra uma personagem criativa, extremamente capacitada e bastante direta com os outros, pois sabe que não tem tempo a perder. Amanda parece muito com a própria mãe, obviamente, mas possui uma camada maior causada pelo luto nunca processado. 

Nesse sentido, dá a impressão de que ela já chega na aventura esperando algo de errado. A personagem segue o conceito apresentado em The Walking Dead, de que os protagonistas nunca viram nada parecido com zumbis, nem mesmo em filmes, e, por isso, sentem medo genuíno. Amanda Riley é uma personagem que nunca viu o Xenomorfo até o começo da história; no entanto, tem certeza, assim que o vê, que é a criatura mais mortífera da história do universo. É isso que a salva. 

É essa mesma sensação de completa vulnerabilidade, mas ao mesmo tempo de empoderamento e determinação diante do desconhecido, que torna Alien: Isolation uma experiência eufórica para quem joga também. Toda a gama de sentimentos possíveis sentida pela protagonista são transmitidas para quem está segurando o controle. Se o Alien é o organismo perfeito, a sensação de conseguir escapar utilizando poucos recursos, escondendo-se estrategicamente e utilizando ferramentas de forma criativa, causa um alívio que poucos jogos de terror conseguem oferecer. Alien: Isolation é um deles, mesmo 10 anos depois.

Desde então, continuações espirituais – e bastante promissoras – inspiradas no game começaram a ser produzidas. Um jogo VR que está para ser lançado chamado Alien: Rogue Incursion, por exemplo, parece utilizar muitos elementos parecidos. Inclusive, demora aproximadamente cinco segundos lendo os comentários dos trailers de A Quiet Place: The Road Ahead (2024), inspirado na franquia Um Lugar Silencioso (2018), para encontrar comparações com o Alien: Isolation. Outra experiência que está por vir é Jurassic Park: Survivor, que aplica a fórmula em um cenário que também se passa bem próximo dos acontecimentos do clássico de 1993, dirigido por Steven Spielberg. 

Além dessas influências mais óbvias, pode-se dizer que Alien: Isolation teve seus toques em outros jogos como Prey (2017) e Amnesia: The Bunker (2023). Até mesmo Fede Alvarez, diretor do recentemente aclamado Alien: Romulus (2024), revelou ter jogado o game perto do lançamento de Don’t Breath (2013) e gostou do quanto o Xenomorfo e os cenários inspirados na Nostromo ainda podiam aterrorizar nos dias de hoje. Felizmente, mesmo após uma década, a aventura infernal de Amanda Ripley ganhou um aumento de 328% na quantidade de jogadores simultâneos na Steam. De certa forma, se Alvarez foi influenciado, agora é a obra dele que inspira uma série de pessoas a revisitar ou, até mesmo, experienciar esse jogo pela primeira vez. 

Para a surpresa e alegria de muitos fãs, justamente na data de comemoração dos 10 anos do jogo, o diretor criativo Al Hope anunciou nas redes sociais que uma sequência está em desenvolvimento. A Creative Assembly será, novamente, a desenvolvedora encarregada. Alien: Isolation teve, para o choque de muitos, uma  continuação oficial anos atrás: Alien: Blackout (2019). Todavia, trata-se de um jogo para o celular e nos moldes da gameplay de Five Nights at Freddy’s (2014). O game foi desativado e não está mais disponível nas plataformas de aplicativos. Agora, basta esperar para ver se a próxima aventura de Amanda Ripley vai fazer jus ao primeiro capítulo e expandir as pontas soltas, mecânicas e potenciais narrativas e tecnologias que podem oferecer mais uma experiência inesquecível.

De forma geral, Alien: Isolation consegue trazer essa ‘ansiedade boa’ que somente as melhores obras do Terror oferecem. É o tipo de experiência que pode levar o dobro de tempo para quem sente medo até de correr em jogos do gênero para não chamar a atenção. Ainda assim, não há quem não sinta o tempo passar desfrutando dessa obra. Chega a ser impossível, depois de passar por tanta tensão, não esboçar um sorriso quando finalmente se desbloqueia o lança-chamas. Apesar de todo o estresse sentido por Amanda Ripley, o alívio quando o monstro vai embora também é sentido por quem segura o controle. Os sustos também, é claro. Muitos, muitos, muitos sustos mesmo.

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Henrique Marinhos

Em Avatar: O Caminho da Água, não há como negar uma qualidade técnica impressionante, que nos leva ainda mais fundo no mundo de Pandora que revolucionou o Cinema com a tecnologia CGI em 2009. O diretor James Cameron e o produtor Jon Landau criaram um marco ao proporcionar um nível de realismo nunca antes visto. A sequência de 2022 é também uma experiência cinematográfica única, com uma meticulosa atenção aos detalhes e uma riqueza de elementos visuais que são aprimorados pelos efeitos em 3D, imergindo o espectador e garantindo indicações ao Oscar 2023 nas categorias de Melhores Efeitos Visuais, Melhor Fotografia e Melhor Design de Produção.

O merecido sucesso do filme também abriu portas para o debate sobre questões ambientais e culturais, tornando-se uma referência para as discussões sobre sustentabilidade e respeito às diferentes culturas. Porém, a trama não é tão profunda emocionalmente ou original quanto seu antecessor. Apesar de abordar questões relevantes como o ambientalismo e a colonização, a obra não apresenta nada de novo ou significativo. Com desenvolvimentos simplórios que beiram a linha da mediocridade, em uma produção maravilhosa e de escala tão grande, servindo um banquete aos olhos, erros como esses se tornam gritantes.

O vencedor do Oscar, James Cameron, comentou em entrevista que a ação do novo filme é baseada na sua própria experiência como pai, focando mais em personagens, trama, relacionamentos e emoções do que no de 2009. Ele também destaca que a sequência é mais longa, pois há mais personagens e histórias para contar, enquanto Zoe Saldana (que interpreta Neytiri) acrescenta que sua personagem está mais comprometida e preocupada com o bem-estar de seus filhos.

Em paralelo, o diretor exemplifica que, no primeiro filme, o personagem de Sam Worthington (Jake Sully) mudou o curso da história com um salto quase suicida, enquanto a personagem de Zoe pula de um galho assumindo que haveria folhas grandes para amortecer a queda. Como pai de cinco filhos, ele questiona o que acontece quando esses personagens amadurecem e percebem que têm uma responsabilidade maior do que sua própria sobrevivência. Ao mesmo tempo, ele compara Avatar 2 com filmes da Marvel e DC: “Eles têm relacionamentos, mas na verdade não têm. Eles nunca penduram suas botas por causa de seus filhos. Esses personagens não experimentam as coisas que realmente nos fundamentam e nos dão poder, amor e propósito, e acho que essa não é a maneira de fazer filmes”, defende.

O elenco com certeza é parte fundamental de todo sucesso do longa, em especial a presença de Sigourney Weaver, indicada ao Oscar de Melhor Atriz em 1989 por A Montanha dos Gorilas (1988), uma adição que vai muito além de todas as expectativas. Em Avatar, ela interpreta a personagem Dra. Grace Augustine, uma cientista que estuda a vida dos Na’vi, povo alienígena nativo de Pandora. Agora, Weaver retorna à franquia, mas em um papel diferente, interpretando Kiri, a filha adotiva de Jake Sully e Neytiri.

Em ambos os filmes, a veterana entregou uma atuação cativante e emocionante na trajetória dos Na’vi, e é impossível ignorar sua evolução e versatilidade ao interpretar uma garota com um quarto de sua idade real. James Cameron brinca ao convidá-la para o papel: “Eu sei o quão imatura você é, então acho que você aguenta essa”. E posteriormente a elogiando: “Ela inconscientemente se tornou jovem, foi louco de assistir”. De fato, sua performance é cheia de nuances e emoção, trazendo vida a uma personagem complexa e multifacetada.

Não somente pelo seu talento como atriz, o arco de Sigourney Weaver como Kiri também ganha destaque como um dos mais interessantes do longa. Na realidade, talvez essa característica não fosse tão evidente caso os demais fossem inovadores e mais independentes do que sua prequela. Nessa trajetória, a vemos passando por um processo de autoconhecimento e amadurecimento, aprendendo a lidar com suas próprias limitações e descobrindo suas habilidades. É especialmente interessante ao mostrar que mesmo personagens secundários podem ter uma jornada significativa e contribuir para a trama de maneira profunda. Em junção a todos os seus outros acertos, Avatar: O Caminho da Água garantiu a indicação ao Oscar de Melhor Filme neste ano.

Enquanto isso, em primeiro plano, infelizmente a obra mantém a previsibilidade da jornada do herói de Jake, em que o espectador sabe exatamente o que esperar: o protagonista enfrentará o vilão, o coronel Miles Quaritch (Stephen Lang). Essa previsibilidade tira parte do impacto da narrativa, deixando o público esperando pelo inevitável confronto final (de novo). Apesar de ser um elemento comum em muitos filmes de ação, a falta de originalidade nesse aspecto é um ponto negativo para a narrativa, especialmente ao compará-lo com seu antecessor e ao olhar o patamar de sucesso e expectativa sob o longa, contribuindo, também, na premissa de que a violência seria o método de solução para sustentabilidade e respeito.

Anos atrás, o primeiro Avatar foi indicado em nove categorias no Oscar, incluindo Melhor Trilha Sonora Original, composta por Horner, com auxílio de um especialista em música étnica, através de instrumentos e referências de todas as partes do mundo, como corais, por exemplo, para criar uma sensação de mistério e maravilha que complementou perfeitamente os visuais deslumbrantes do filme. Passando por temas épicos e emocionantes a melodias mais suaves e contemplativas, a trilha foi tão bem recebida que chegou a ser indicada ao Grammy de Melhor Trilha Sonora para Mídia Visual.

Merecendo e recebendo atenção pelos seus muitos aspectos fantásticos, ao todo a produção conquistou mais de 20 indicações em premiações, em que 14 delas são pelo Sindicato dos Efeitos Visuais dos Estados Unidos, especialmente por sua qualidade técnica impressionante e riqueza de detalhes em paisagens deslumbrantes, em conjunto com a trilha sonora que complementa maravilhosamente o visual do filme. Tecnicamente bem executado, com performances excepcionais do elenco e uma variedade de elementos, Avatar: O Caminho da Água torna-se uma experiência única. Contudo, embora chegue perto da perfeição nesses quesitos, é frustrante ver como alguns aspectos previsíveis da narrativa impedem que o filme alcance seu potencial máximo.

Em seus sucessores, a dependência da glória do filme original ameaça esse legado construído. Ainda que o terceiro filme tenha sido filmado em conjunto ao segundo, podem destacar-se ao focar no aprofundamento dos personagens e suas histórias, ao buscar uma maior conexão emocional com o público a partir de motivações e arcos narrativos significativos, em vez de apenas veículos para a ação; e ao abordar temas como a sustentabilidade e a diversidade cultural através de uma abordagem impactante e inovadora, não apenas da bruta comoção da destruição de Pandora, apesar de ter se mostrado uma voz importante em sua prequela. Assim, suas sequências poderão seguir em uma dízima periódica rumo à perfeição.

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