Arthur Caires

O principal objetivo do marketing pode ser ao mesmo tempo o seu maior erro: as expectativas. Quando o público recebe algo diferente do que imaginava, a frustração se torna a primeira e mais duradoura impressão, exatamente o que ocorreu com The Life of a Showgirl, décimo segundo álbum de estúdio de Taylor Swift. Ao evocar 1989 (2014) e reputation (2017) como referências e complementar a campanha com ensaios fotográficos deslumbrantes, a artista criou a promessa de um retorno grandioso. Ao deixar Jack Antonoff e Aaron Dessner de lado, a reunião com Max Martin e Shellback apenas intensificou essa expectativa. Swift já provou que sabe juntar batidas intensas com letras inteligentes, o que torna ainda mais evidente a sensação de decepção diante da simplicidade e falta de senso do novo disco.

O início da campanha, marcado por contagens regressivas em seu site oficial e sucessivas variações de capas, revelou-se mais desanimador do que divertido. A estratégia deixou claro que o objetivo central de Swift era ultrapassar o recorde de vendas na primeira semana, que antes pertencia à Adele com 25 (2015). Desde a multiplicidade de versões até a enxurrada de entrevistas, o modus operandi indicava um foco quase exclusivamente comercial. O que não seria um problema se as músicas fossem à altura.

O resultado, no entanto, não deixa dúvidas sobre sua eficácia: The Life of a Showgirl estreou no topo da Billboard 200, com impressionantes 4 milhões de unidades equivalentes vendidas em apenas sete dias, sendo 3,4 milhões em vendas puras. Com esse desempenho, Swift conquistou seu 15º álbum número 1, superando Drake e JAY-Z, e se consolidando como a artista solo com mais estreias no topo da parada.

A criação de expectativa não se restringiu apenas à campanha do disco, mas se estendeu ao próprio trabalho. As quatro faixas iniciais constroem uma falsa sensação de segurança, sugerindo um projeto mais coeso e ambicioso do que o que realmente se concretiza. A escolha de The Fate of Ophelia como primeiro single foi acertada: o pop melódico, que rapidamente foi transformado em tendência no TikTok, reimagina a trágica personagem de Hamlet, trazendo uma combinação de narrativa literária e apelo contemporâneo que conecta o público à temática showgirl.

Na sequência, Elizabeth Taylor se encaixa perfeitamente na narrativa, com versos como: “Você só é tão relevante quanto o seu último sucesso”, sintetizando o tema central de uma performer: a pressão constante sobre mulheres na indústria para entregar seu próximo grande sucesso. Opalite, apontada como possível segundo single, demonstra que Swift ainda sabe criar músicas alegres e cativantes, com batidas envolventes dignas de um hit de verão. Já Father Figure se destaca por interpolar a clássica faixa de George Michael e abordar as dinâmicas de poder e exploração dentro da indústria musical, levantando especulações de que a composição reflete experiências pessoais de Swift com executivos como Scott Borchetta.

O deslize começa com Eldest Daughter, surpreendentemente posicionada como a track five. Embora a ponte seja um ponto alto, o verso “I’m not a bad bitch and this isn’t savage” talvez figure entre os piores momentos líricos de sua discografia. Swift deu a entender que a simplicidade se deve à verborragia de seu antecessor, THE TORTURED POETS DEPARTMENT. Ainda assim, essa escolha não se sustenta como desculpa para a superficialidade. Midnights (2022), por exemplo, é a prova de que é possível equilibrar identificação e profundidade, criando composições inteligentes sem abrir mão de qualidade ou sensibilidade artística. A tentativa de tornar o projeto mais palatável ao grande público soa, portanto, como um retrocesso; especialmente para uma artista cuja força sempre residiu na complexidade emocional de suas narrativas.

Infelizmente, o desapontamento não para por aí. Swift parece ter ouvido o meme So Happy That My Travy Made It to The Big Game e decidiu fazer a sua própria (Taylor’s Version). Honey e Wi$h Li$t ilustram esse descompasso: são letras que beiram o constrangimento, soando como paródias geradas por inteligência artificial. Honey, em especial, parece ser um descarte de I Said I Love You First (2025) de Selena Gomez e Benny Blanco, tentando emular o trap de thank u, next (2019), de Ariana Grande.

Ainda assim, é importante ressaltar que felicidade nunca foi sinônimo de mediocridade no repertório de Swift. Lover (2019), apesar dos pesares, comprova que a cantora é perfeitamente capaz de criar canções leves e divertidas sem sacrificar coesão ou inventividade. O próprio The Life of a Showgirl guarda lampejos dessa habilidade: se esquecermos sobre quem e o que realmente se trata, Wood é uma faixa que brinca com ambiguidade e superstições, embalada por uma produção contagiante que remete a I Want You Back, do The Jackson 5.

A discrepância entre estética e som não seria um problema se o visual ao menos dialogasse com a proposta temática. The Life of a Showgirl foi promovido como uma imersão na vida de uma performer – uma personagem que vive sob os holofotes, mas permanece enigmática fora deles. No entanto, a própria Swift parece negar o convite que faz: na esquecível faixa-título, com participação de Sabrina Carpenter, ela canta: “Você não conhece a vida de uma showgirl / E nunca vai conhecer” – e, de fato, nunca saberemos.

A liberdade criativa, aqui, se torna um mau agouro: as canções soam apressadas, escritas no automático, sem a lapidação característica da artista. Produzido em ritmo descompassado, entre apresentações da The Eras Tour na Europa e viagens à Suécia para reencontrar Max Martin, o disco parece mais preocupado em existir do que em dizer algo. Em meio a um repertório que deveria explorar as contradições da fama e do espetáculo, encontramos uma canção sobre um romance de ensino médio que termina em suicídio – uma escolha tonalmente deslocada e narrativamente incoerente.

No meio desse turbilhão de informações pelo menos temos uma diss track divertida e que gera polêmica. Actually Romantic surge como uma suposta resposta ao desabafo de Charli XCX em Sympathy is a knife, de BRAT (2024). “Ouvi dizer que você me chama de ‘Barbie sem graça’ quando a cocaína te dá coragem / E ainda fez uma música dizendo que passa mal só de ver meu rosto”, canta Swift, em versos que dispensam sutilezas. Ao contrário do que dizem alguns moralistas seletivos, é ingênuo acreditar que a faixa se limita a um recado unicamente à música da britânica – que, sim, é a melhor entre as duas. Mesmo assim, Swift parece mirar em algo maior: o duplo padrão que rege o pop contemporâneo, no qual o deboche é celebrado como cool e a indiferença é subestimada. Se Charli XCX pode ser brat, por que Taylor Swift não pode responder à altura?

Quando tratamos da mensagem do álbum, não há como negar que, no contexto político e social dos Estados Unidos, lançar um trabalho deliberadamente apolítico é, por si só, uma escolha política – e, neste caso, uma escolha conservadora. Não se trata de acusar Taylor Swift de ser republicana ou alinhada à direita – ela já se provou contrária à esse posicionamento. Porém, trata-se de reconhecer que: o presidente dos EUA fala mal de você quase toda semana, sério que você prefere falar da ‘madeira’ do seu noivo e que você não liga pra Charli XCX? Evidentemente, não há nada de errado em querer falar sobre amor ou desafetos, mas o silêncio em torno do mundo ao redor soa, no mínimo, complacente. Em tempos tão polarizados, a ausência de posicionamento também comunica algo – principalmente quando parte de uma das figuras mais influentes do mundo.

O problema não é que Swift precise se tornar porta-voz de causas sociais ou comentar cada pauta do noticiário, e sim, a forma como o disco parece desconectado da realidade. Ao lançar faixas como CANCELLED!, em que diz gostar que seus amigos sejam ‘cancelados’, e ao se manter próxima de figuras associadas ao trumpismo – como Brittany Mahomes –, Swift acaba emitindo mensagens ambíguas que podem reforçar discursos com os quais ela não se alinha. Mesmo sem intenção, seu distanciamento das discussões acaba soando como indulgência.

Em uma entrevista recente, Swift afirmou que aprendeu a “não levar as críticas muito a sério” – um comentário que, à primeira vista, soa maduro, mas revela um certo privilégio. É fácil ser acima das críticas quando se está blindada por dinheiro e uma base de fãs imensa. Essa postura reflete uma velha manobra do feminismo liberal: performar empoderamento enquanto se foge de qualquer tipo de responsabilidade política. Em um cenário cultural cada vez mais conservador, essa escolha ideológica não é neutra; é, na verdade, o reflexo de um sistema que recompensa quem decide não se posicionar.

É inegável que Taylor Swift já entrou para a história da música. Seu impacto comercial e artístico é inquestionável, consolidando-a como uma das maiores cantoras de sua geração. Porém, quando se fala em lendas, também se fala de transformação, de legado cultural e social. Madonna, Michael Jackson e os Beatles ultrapassaram as barreiras do som: influenciaram comportamentos, modos de vestir, formas de pensar. Falar da epidemia de AIDS é falar de Madonna; de contracultura, dos Beatles; de igualdade racial, de Michael Jackson. Todos eles deixaram marcas que ecoaram além dos palcos. No caso de Swift, a pergunta que permanece é: qual é o impacto que fica quando tiramos os números da equação?

Não é que Swift nunca tenha se posicionado. Ela já defendeu os direitos dos artistas, criticou a exploração de plataformas como Apple Music, falou sobre a venda de seus masters e se manifestou politicamente nas eleições de 2020 e 2024, além de apoiar a causa LGBTQIAPN+. Mas, diante do alcance que conquistou, suas ações parecem tímidas diante do potencial transformador que carrega. Hoje, Swift tem liberdade e poder suficientes para lançar qualquer tipo de obra que será comercialmente um sucesso. Por isso, a neutralidade, especialmente vinda de alguém que molda a cultura pop contemporânea, também comunica uma mensagem, e talvez mais forte do que se imagina.

Entender essa opção exige também reconhecer o contexto em que ela está inserida. Vivemos um momento em que as pessoas são constantemente cobradas por posicionamentos e, ao mesmo tempo, ameaçadas por eles. Casos recentes como o assassinato de Charlie Kirk e a suspeita de um ataque terrorista em um de seus shows em 2024 mostram que se expor pode ter consequências graves. Mas isso apenas reforça o tamanho da influência que ela tem: Taylor Swift está em um patamar em que tudo o que faz, ou deixa de fazer, reverbera globalmente. Mais do que sucesso, ela tem poder. E a questão que permanece é a mesma: o que ela faz com ele? Se lendas se tornam lendas por transformarem o mundo além da arte, talvez o maior desafio de Swift seja decidir que tipo de transformação quer deixar como legado.

Em meio a um cenário tão polarizado, é difícil discutir Taylor Swift sem tocar em algo mais profundo – o modo como consumimos cultura hoje. Existe um fenômeno, que levaria meses de pesquisa: o efeito que ela exerce sobre as pessoas, tanto positiva quanto negativamente. De um lado, há os fãs que a veneram de forma parassocial, incapazes de aceitar qualquer crítica contrária; do outro, os detratores que distorcem fatos e sacrificam o próprio senso crítico apenas para atacá-la. Ambos os polos se retroalimentam, mantendo acesa uma disputa que ultrapassa o campo da música e invade o da identidade, da moral e até do pertencimento social. Nesse fogo cruzado, o debate racional se torna raro, e talvez seja justamente essa intensidade que explica parte do fascínio em torno dela.

Nesse sentido, The Life of a Showgirl é um reflexo. Um espelho que devolve à própria artista, à indústria e ao público o espetáculo que todos ajudamos a construir. Taylor Swift pode parecer acomodada em sua mitologia, porém seu trabalho ainda provoca. Talvez o maior mérito deste disco não esteja em inovar musicalmente, mas em nos obrigar a olhar para o que projetamos nela – nossas idealizações, frustrações e contradições. Gostando ou não, ela segue cumprindo um dos papéis mais legítimos da Arte: o de gerar desconforto, debate e reflexão.

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Vinícius Santos

“Muito bem, então, estou pronta.” – assim Adele termina a primeira música do seu novo álbum, 30. Acontece que, além dela, ninguém mais estava preparado para o que viria por aí. Lançado no dia 19 de novembro de 2021, este é o quarto CD da carreira da cantora britânica desde sua estreia em 2008 com o 19. Aclamado pelos críticos, Adele contou à Vogue, em outubro, que a obra era sua maneira de explicar seu divórcio ao filho e estava muito perto de seu coração, dizendo que ela “não estava desistindo deste”.

Mas ela não mentiu acerca do 30. Não é atoa que a complexidade de cada emoção, as nuances de sua produção e os mais diversos sentimentos transmitidos em cada letra do álbum fizeram deste seu trabalho mais ambicioso até hoje. Você pode pensar que esse é um discurso repetido e eu te digo que não está errado. Porém, é de se admirar a forma como Adele se reinventa a cada novo registro e traz, sempre, um novo pedaço de si. Quanto ainda falta para conhecermos 100% de Adkins? 

Analisando todas as suas produções, até o momento, esta é a que carrega a melhor nota da carreira da Adele no Metacritic, 88. Anteriormente, a maior média tinha sido 76 com o seu segundo disco. Isso é um triunfo para alguém cujo trabalho lançado em 2011 foi um recordista de prêmios e recordes. Porém, enquanto em 21 Adele se esforçava para ensinar o mundo inteiro a chorar, em 30 ela abre sua alma e se divorcia, não só de seu ex-marido, Simon Konecki, mas também de si mesma. É isso que faz da cantora londrina uma das estrelas pop mais admiradas universalmente – ela entrega seu coração ao ritmo e impede que ele fique preso no passado, cristalizado em âmbar. 

Sendo assim, é difícil imaginar algo mais pessoal do que as bombas de empatia que Adele normalmente deixa cair. Essa individualidade, por assim dizer, se dá pela enorme participação da cantora na escrita de todas as canções do disco, sem exceção. Mesmo assim, ela contou com a colaboração de alguns produtores e compositores, como Greg Kurstin, Max Martin e Shellback, que, inclusive, fizeram parte da produção do seu terceiro álbum, 25, e alguns nomes novos como o compositor e produtor de filmes Ludwig Göransson e Inflo, além de uma forte inspiração dos rappers Tyler, The Creator e Skepta. 

Como declarou a própria Adele em resposta à uma fã em uma live do Instagram, esse álbum “é sobre divórcio, babe, divórcio” e só isso já ditou tudo o que poderia vir por aí. A cantora nos contou uma história mais inesperada sobre o amor, infligiu essa dor em sua família, reconstruiu-se a partir do zero e agora tenta amar novamente. A forma como a jovem de 33 anos interage com suas tradições e entra em sincronia com o pop contemporâneo, R&B e hip-hop, a ajudou a chegar quebrando recordes e se consolidando como o álbum mais vendido de 2021. 

Fruto de uma colaboração com Göransson, Strangers By Nature abre as cortinas para o que vai ser o show de Adele. Inspirada pelas canções de Judy Garland, a cantora sente suas relações passadas de uma forma tão dramática e desesperada que mais parece uma mistura de Somewhere Over the Rainbow com os choros de uma divorciada consolada. “Vou levar flores para o cemitério do meu coração”, ela lamenta. 

Em nome de Adele, do Senhor e de seu filho Angelo, Deus abençoe a sagrada Easy On Me, a balada de piano com uma abertura sublime e que mais uma vez prova que Adkins pode fazer mágica com uma única sílaba. Essa culpa e esperança de ser compreendida por seu filho, inclusive, rende um dos materiais mais ricos do disco. My Little Love é de longe o diamante bruto do álbum – ela inclui gravações particulares de conversas ternas na hora de dormir entre Adele e Angelo à medida em que eles se ajustam ao divórcio. “Você sente a dor do meu passado?”, ela pergunta, quebrando seu coração.  

Essa é uma das cinco músicas em 30 que se espalham além da marca dos seis minutos. Ao final da faixa, temos a versão de Adele em uma nota de voz crua onde ela admite que, pela primeira vez em anos, se sente realmente e verdadeiramente solitária. É difícil ouvi-la assim, alguém que é facilmente capaz de superar um poço de emoções, admitindo de forma clara que está quebrada e aterrorizada.

“Estou tendo um dia ruim, um dia bastante ansioso

Me sinto paranóica, me sinto muito estressada

Hum, estou de ressaca, o que nunca ajuda, mas

Eu sinto que hoje é o primeiro dia desde que fui embora que me sinto solitária

E eu nunca me sinto solitária, eu adoro ficar sozinha

Eu sempre preferi ficar sozinha do que ficar com pessoas

E sinto que, talvez, eu esteja compensando

Ao sair e coisas assim, para manter minha mente longe dele

E sinto que hoje, estou em casa, e quero estar em casa

Eu só quero ver TV e me enrolar em uma bola

E ficar de pijamas e coisas assim

Eu me sinto realmente solitária

Estou com um pouco de medo de me sentir assim sempre”

Depois de todas essas reparações e desculpas, Adkins traz o que já estávamos acostumados, com duas faixas pop mais curtas sobre relacionamento, novamente. A primeira, intitulada Oh My God, mostra um refrão viciante e prova que os tiques vocais de Adele podem fazer muito para caracterizar uma canção. Certeza que você também vai se imaginar dançando em uma festa alternativa e cult ao som dessa faixa eletrizante. Se pode Ed Sheeran, por que não Adele? 

Felizmente, podemos dizer o mesmo de Can I Get It, uma produção um pouco fora da realidade dos profissionais Max Martin e Shellback, e com um refrão que expressa um relacionamento mal compreendido. Isso não é surpresa, já que muitas das grandes canções desse meio tratam do mesmo assunto, ainda mais em um álbum que caminha rumo à declaração de um alguém que procura entender os fenômenos e acontecimentos de toda uma história melancólica. Esta foi uma tacada certeira dos produtores, afinal, em uma track list como a de 30, a faixa pode ser o pedido certo em algumas rádios pop e talvez até country.

Generosa, fundamentada e com uma letra abundante em clichês, I Drink Wine pode muito bem ser uma canção de bar, ou até mesmo confundida com alguma produção de Elton John. Carregada de fortes tons evangélicos e um memorando de voz introspectivo no final, Adele serve a mesma receita que parece ter dado certo para a famosa Take Me To Church, do músico e cantor irlândes Hozier. A canção abre com um verso sobre sua infância como um meio de perspectiva sobre como ela se afastou de si mesma.

All Night Parking aparenta ser, para 30, o mesmo que Sweetest Devotion foi para o 25. É uma canção legal e que carrega bastante significado, mas parece que será esquecida no churrasco. Com humildade, Adele aterrissa firme e deliciosamente em uma melodia que acalma a alma – “Eu sei que é difícil, mas não é”. Já em Woman Like Me, ela veste um tom mais sério e amoroso em um neo-soul lentamente desabrochante, e acaba revelando mais sobre suas próprias prioridades. “A complacência é o pior traço a ter, você está louco?”, canta em uma voz baixa e segura, com uma pitada de decepção. 

Sobre Hold On não se tem muito o que falar. A faixa é mais uma das que se estende por mais de 6 minutos e é incrivelmente perfeita. Ao ouvir o álbum, você pode acreditar que a canção tem como objetivo o clímax emocional do 30, porém essa honra pertence à aclamada To Be Loved. Mais do que só uma música, a oração carrega uma performance vocal avassaladora, bem como All I Ask, do antigo 25. Aliás, ela declarou que não a performará ao vivo e que só a cantou algumas vezes, incluindo uma gravação de vídeo onde o poder de sua voz distorce o áudio. 

Co-escrita com Tobias Jesso Jr., To Be Loved é cantada para um Angelo adulto como uma explicação do porquê do casamento dos pais não ter funcionado. Adkins é no início digna, depois desesperada para transmitir os altos riscos do amor, e a performance é uma maravilha de controle e fraseado que faz comparações com as grandes como Whitney e Aretha. Isto é o que Adele faz de melhor: cria um mundo de sentimento a partir de pouco mais do que sua voz e depois o leva à beira do abismo. Ela é sábia o suficiente para oferecer um travesseiro suave com a faixa de fechamento Love Is A Game. Mas agora o dano já está feito!

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