Gabriel Oliveira F. Arruda

É muito difícil imaginar o que seria do Cinema, especialmente o gênero de fantasia blockbuster, quase sempre pautado em emoção e espetáculo, sem O Senhor dos Anéis. A trilogia de adaptações comandadas por Peter Jackson e produzidas pela New Line Cinema foi um dos maiores gambitos da história da Sétima Arte, custando quase 300 milhões de dólares e 8 anos de produção, criando uma nova cultura de turismo na Nova Zelândia e assomando juntos dezessete estatuetas no Oscar. Baseados no épico de J.R.R. Tolkien, – por muito dado como inadaptável – os filmes deram nova vida à fantasia e inspiraram uma geração de cineastas a desafiarem os limites técnicos de suas obras.

Composto igualmente por caminhadas lentas através das paisagens neozelandesas quanto por sequências de batalhas gigantescas, O Senhor dos Anéis é uma história sobre as grandes jornadas que fazemos. Seja na missão de Frodo (Elijah Wood) para jogar o Um Anel nas chamas da Montanha da Perdição ou nas lutas que Aragorn (Viggo Mortensen) trava para reaver um trono por direito seu, mas que ele nunca desejou, a narrativa sobre a natureza do poder, a esperança em tempos difíceis e a força da amizade ressoa até hoje, 67 anos após sua publicação original.

Duas décadas após sua estreia nos cinemas brasileiros, voltamos ao idílico Condado e às cavernas sombrias de Moria para reexaminar o primeiro capítulo desta grande jornada, e como ele introduziu um dos legados cinematográficos mais duradouros de todos os tempos. A primeira parte da história é focada na formação do grupo titular de heróis, representantes de todos os povos livres da Terra-Média, e sua eventual separação durante a missão para destruir o Anel do Poder e acabar com o mal de uma vez por todas.

Após o monólogo introdutório de Cate Blanchett como a elfa Galadriel, narrando o forjamento dos Anéis de Poder e a artimanha de Sauron, Senhor do Escuro, somos jogados no Condado, uma paisagem campestre habitada por hobbits, um povo pequeno e feliz que, nas palavras de Bilbo (Ian Holm), dividem “um amor por todas as coisas que crescem”. Um lugar peculiar para se iniciar uma história sobre o embate épico entre o bem e o mal, com certeza, mas que faz sentido conforme sua narrativa se desenvolve, pois é na lembrança dele que os heróis se apoiam quando estão prestes a perder a esperança. Além disso, é lá que o filme oferece uma primeira impressão de seu minucioso design de produção, retratando uma unidade social completamente funcional e crível, se concretizando nas ilusões técnicas que criam a altura do hobbits, quase imperceptíveis até hoje.

E por mais que toda essa atenção aos detalhes tenha só aumentado de filme em filme, é talvez aqui, em seu primeiro encontro, que ela é mais impressionante: A Sociedade do Anel tem o dever não só de nos colocar dentro desse universo, mas também de nos convencer da lógica interna dele, de fazer com que essa minúcia converse com seus temas e sua narrativa, de verdadeiramente trazer o texto à vida de maneira que o resto da narrativa cresce organicamente ao longo de sua vida útil. Assim como os hobbits, Grant Major, designer de produção (indicado novamente ao Oscar recentemente por Ataque dos Cães), e o resto de sua equipe tiveram que desenvolver um amor pelas coisas que crescem, criando alguns dos lugares fictícios mais célebres da ficção, seja com efeitos práticos ou digitais.

Há uma qualidade teatral no roteiro do filme, assinado por Jackson, Fran Walsh e Philippa Boyens, uma paixão inerente à interpretação desse mundo no meio audiovisual e que move tanto suas cenas mais emocionalmente carregadas quanto os instantes levianos, cada vez mais raros conforme a narrativa avança. Cada ator leva seu texto com uma seriedade que beira à tosquice, mas que é sincera e comprometida o suficiente para nos imergir ainda mais nos dramas entre seus personagens e na maneira com que eles reagem aos acontecimentos: a todo momento o mundo parece prestes a acabar conforme o inimigo se aproxima de Frodo e do Anel, e nossos heróis quase sempre apenas escapam por um triz, entregando desespero, alívio e antecipação com intensidade palpável.

No entanto, na passagem da literatura para o audiovisual, alguns sacrifícios são feitos. Ao invés de acompanharmos os pensamentos de Frodo conforme o verdadeiro peso de sua missão aumenta, temos de ver essa mudança primariamente através de outros personagens, o que diminui seu impacto. Mais ênfase é dada ao monomito americano, posicionando Aragorn como seu herói. Como resultado disso, a percepção de Frodo no Cinema é a de um protagonista fracassado, negando a abordagem empática planejada por seu criador. Porém, se encararmos os filmes não como uma adaptação, mas como uma reinterpretação dos mitos introduzidos por Tolkien, esse tipo de sacrifício se torna mais um sinal do comprometimento com o qual todos os seus elementos foram retrabalhados para funcionar no Cinema, e não apenas emular a literatura.

Mas, quando falamos na ambientação e imersão da trilogia, a cereja do bolo é, e talvez sempre será, a trilha sonora operática do compositor Howard Shore. Criando provavelmente a mais vasta e complexa coleção de leitmotivs na história do Cinema, ele cria uma camada pulsante sobre todas as cenas, revestindo-as de emoção e antecipação, não apenas acompanhando o tom da narrativa, mas efetivamente refletindo-a e modificando-a junto dela. Quando você ouve o alegre tema do Condado, ou o místico dos elfos de Lothlórien, não há como confundi-los com qualquer outra coisa que não seja simplesmente O Senhor dos Anéis.

E em nenhum lugar essa construção de mundo através do som é mais evidente do que no tema dos heróis que embarcam na aventura: o tema da Sociedade do Anel vai dando seus primeiros passos conforme Frodo e Sam (Sean Astin), seu companheiro constante e amigo fiel, saem do Condado em direção à Valfenda, na esperança de impedir que o Anel caia na mão dos espectros que os perseguem. Começando de maneira tímida e esperançosa, ele ruge apenas quando o grupo conta com todos os membros presentes, e vai se fraturando no decorrer da narrativa conforme os vínculos entre seus personagens vão se desenvolvendo, criando uma sinfonia que vive no coração de sua história.

Embora à primeira vista sua narrativa épica possa ser erroneamente resumida em uma coleção de nomes estranhos, caminhadas sem fim por paisagens neozelandesas e lutas grandiosas entre exércitos inimigos, os três capítulos reexaminam os temas de esperança e amizade em face do mal, cada qual focando em uma parte diferente da jornada. A Sociedade do Anel se preocupa particularmente com a questão de sobre quem deve recair a responsabilidade do poder terrível e tentador que o Um Anel traz consigo. Como em todo bom início da jornada do herói, Frodo tenta recusar o chamado diversas vezes, implorando para que pessoas mais capazes do que ele arquem com a o peso do Anel, como Gandalf (Sir Ian McKellen), o mago que primeiro revela a natureza maléfica do objeto e encarga Frodo de carregá-lo até os elfos de Valfenda, e logo o adverte:

“Não me tente, Frodo! Não ouso pegá-lo. Nem mesmo para guardá-lo. Entenda, Frodo: eu usaria esse Anel com o desejo de fazer o bem. Mas, através de mim, ele exerceria um poder mais intenso e terrível do que se pode imaginar.”

Não é possível desassociar o poder do Um Anel de sua origem, por melhores que sejam as intenções do portador, o que fica claro mais a frente quando Boromir (Sean Bean) é corrompido pela mera ambição de ter o Anel em sua posse para ajudar seu reino. O primeiro passo da jornada de Frodo é justamente perceber que ninguém poderá carregar essa responsabilidade além dele, o menor e menos importante dos seres da Terra-Média, conforme Galadriel nos avisa durante o prólogo inicial: “chegará a hora em que os hobbits moldarão o destino de todos.”

Tolkien sempre manteve que O Senhor dos Anéis nunca foi uma alegoria para as suas experiências na Primeira Guerra Mundial, onde vários de seus amigos e escritores contemporâneos pereceram. No entanto, é impossível dizer que tais experiências não se façam presentes na jornada antes mesmo que qualquer grande conflito se inicie. Se mais para frente nos emocionamos ao ver as grandes sequências de batalha em que o destino do mundo é segurado por um fio, é porque em A Sociedade do Anel os elos entre seus personagens são estabelecidos com equivalente grandeza e cuidado, sem nunca medir palavras na adaptação de seu rico texto. Católico devoto, a crença de Tolkien na Queda do Homem e na progressão decadente da humanidade se faz presente também nesse texto, mas também está a fé na esperança que o permitiu passar pelos tempos mais difíceis.

E essa esperança implacável não se evidencia em nenhum par de personagens mais do que em Frodo e Sam, os hobbits mais famosos da Terra-Média e talvez o ship mais popular de toda a franquia. É fácil entender o porquê: a devoção e o carinho que existe entre ambos seria lida como romântica em qualquer contexto heteronormativo (com direito à toques tenros e os olhares mais doces da fantasia) e, tecnicamente, não há nada nos livros que exclua a validade dessa abordagem, nem mesmo o futuro casamento de Sam, que ainda passa a viver com Frodo e cria sua família com ele. Como Molly Ostertag (A Casa Coruja) escreveu para o site Polygon, em comemoração aos 20 anos dos filmes:

“Investigar a história do queer pode ser frustrante, já que muitas vezes nos damos conta de que nunca saberemos com certeza. É complicado aplicar rótulos modernos a pessoas que não os usavam em vida – mas rótulos modernos também incluem ‘heterossexual’ e ‘cisgênero’ tanto quanto ‘gay’ ou ‘transgênero’. Tudo que podemos fazer é olhar para as suas vidas e estar abertos às possibilidades.”

E nada te deixa mais aberto às possibilidades do que o momento em que Sam, sem saber nadar, quase se afoga tentando alcançar Frodo, que agora está mais decidido do que nunca a não arriscar a vida de mais ninguém em sua missão e seguir sozinho em direção à Montanha da Perdição. Sam, içado por Frodo para dentro do barco após um momento de desespero, lhe assegura que não tem intenção de quebrar sua promessa de nunca abandoná-lo, e os dois terminam num momento caloroso, antes de dar o próximo e mais sombrio passo na jornada. No momento mais crítico da Sociedade que, após a morte de dois de seus membros, começa a ruir, Sam se recusa a deixar seu mais querido amigo ir sem ele. Seja esse sentimento platônico ou romântico, é um amor profundo que se encontra no cerne da narrativa e que permite, de novo e de novo, que seus heróis triunfem contra todas as probabilidades.

Quando estreou, em janeiro de 2002 no Brasil, O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel encantou audiências não apenas por nos apresentar um mundo novo, povoado por seres místicos e males ancestrais, mas por ancorar sua fantasia em vários dos temas mais universais da ficção e apresentá-los sem cinismo, mas com verdadeira e profunda reverência. Mesmo que seu próprio elenco não reflita essa universalidade, a convicção de seu storytelling é tão pura e comprometida que é praticamente impossível não ser instantaneamente transposto para seu universo mágico. No início dessa jornada inesquecível, fica claro que as grande estrelas desse show não serão os embates épicos ou as grandes batalhas, mas os sacrifícios pessoais e os vínculos emocionais que unem a Sociedade, e a ideia de que o menor dos seres irá carregar o destino do mundo.

O post 20 anos de A Sociedade do Anel: lá e de volta outra vez apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Giovani Zuccon

No dia 17 de abril de 2011, a HBO exibiu o primeiro episódio de Game of Thrones, dando início a um dos maiores marcos da cultura pop da década passada. A experiência de acompanhar a série durante o lançamento de seus capítulos, e até mesmo a decepção do final, pode ser comparada à de assistir Lost, a todo momento um cérebro explodindo e um olhar desesperado de “e agora?”. 

Todo encerramento de temporada deixou aquela expectativa pelo que viria em seguida, e era fácil encontrar as mais variadas teorias na internet. A série comandada pelos showrunners David Benioff e D.B. Weiss contou com um elenco misto de jovens talentos e atores renomados como Sean Bean, Lena Headey e Peter Dinklage (este último sendo um dos grandes destaques da série), juntamente de caras novas como Kit Harington, Emilia Clarke, Sophie Turner e Maisie Williams que roubaram a cena e marcaram seus nomes entre os grandes. 

Infelizmente, não foi, e este é apenas um dos vários problemas do último ano da produção. Ainda assim, é impossível não reconhecer os inúmeros méritos de Game of Thrones: se trata do maior vencedor de Emmy Awards da história, com incríveis 160 indicações e 59 vitórias, inúmeras citações em outras séries, abertura especial em The Simpsons e, claro, a própria inesquecível sequência inicial que coloco todas minhas fichas que já foi a mais recriada e parodiada de todas.

Existe a produção televisiva antes e após Game of Thrones. Sem contar sua influência em outras séries como Vikings, The Last Kingdom e recentemente The Witcher. O nível de desenvolvimento e produção foi quase irretocável durante os oito anos de serialização, e olhar para Westeros era se sentir na maioria das vezes sujo e enojado. Ao contrário de Harry Potter e outras produções fantasiosas, você não queria estar lá. 

Cada pequeno acontecimento que, às vezes, passava despercebido, poderia desencadear uma morte inesperada. Você está sentado, assistindo a série de Ned Stark, pensa que está tudo bem e que ele vai ser o herói dessa história, e, de uma cena para outra, não só Ned, mas você também perde sua cabeça e fica incrédulo. 

O chamativo da série é o fato de não haver em si um herói e um vilão. Em sua grande maioria, os personagens têm arcos onde são completos babacas ou se tornam. Em alguns momentos agem de forma correta, mas, em geral, movidos pelo ego e por ambições, cometem ações maldosas. Grande exemplo é o de Sandor Clegane (Rory McCann), que cuidou de Arya Stark (Maisie Williams) e demonstrou ser mais que um brutamontes mal encarado, mas, ainda assim, só fez isso por dinheiro e, no fim, leva uma das maiores surras da série de Brienne (Gwendoline Christie), que havia jurado sua espada para a proteção das irmãs Stark.

Talvez, só pela citação ao nome, já é possível ouvir o violino ao fundo, e nada preparou os espectadores para uma das maiores reviravoltas já vistas na série. Robb Stark (Richard Madden), que naquele momento era o Rei e comandante da revolta nortenha, foi assassinado, juntamente de sua esposa grávida e sua mãe Catelyn (Michelle Fairley). Assim, mais dois personagens importantes morriam, sem mais nem menos, em uma cena que visualmente choca por ter uma construção de tensão gradual e desesperadora.

Nem só de momentos que nos desesperamos por nossos personagens preferidos é feito Game of Thrones. Às vezes, aquele odiado pelo público se dá mal, como foi o caso de Joffrey Baratheon (Jack Gleeson) morrendo envenenado; Tywin Lannister (Charles Dance) sendo pego com as calças na mão; e Mindinho (Aidan Gillen) que tentou até o fim manipular e orquestrar a seu favor, mas tinha metido o dedo na relação das irmãs erradas. 

Mas, nenhum momento se compara em níveis de produção e execução com a Batalha dos Bastardos, o esperado momento em que os Stark recuperariam sua casa e chutariam a bunda de Ramsay Bolton (Iwan Rheon). O nível técnico foi digno de Cinema. A tensão e o sufoco quando Jon Snow (Kit Harington) foi derrubado e pisoteado, cada detalhe fazia prender a respiração e quando tudo parecia perdido, com toques de Senhor dos Anéis: As Duas Torres, a cavalaria aliada chega salvando uma batalha perdida. Infelizmente, nessa temporada a série chegava em seu ápice, como uma queda bem acentuada dali em diante.   

A oitava e última temporada chegou com várias pontas soltas para serem explicadas, além da expectativa pelo embate final contra o exército de mortos do Rei da Noite (Richard Brake nas temporadas 4 e 5; Vladimir Furdik nas temporadas 6 á 8). O teaser lançado com vários cenários sendo tomados por neve e com aspecto gélido gerou uma ansiedade imensa em qualquer fã. Era o clímax, o fim de uma jornada épica que infelizmente não atingiu metade de seu potencial. 

O enredo apresentado foi cheio de furos e momentos que mais serviam para agradar fãs, o famoso fan service, mas não foi o suficiente para maquiar as falhas. No fim, várias pontas ficaram em aberto, e revelações como quem eram os pais de Jon Snow foram apenas jogadas e mal utilizadas, perdendo espaço para uma cena de tour aéreo do casal Jon e Daenerys pelo Norte.

Não apenas os fãs se decepcionaram com o fim da série, mas seu elenco também demonstrou insatisfação. Como não lembrar da reação de Emilia Clarke quando perguntada se havia gostado do final de seu personagem? Ou de Kit Harington descrevendo a última temporada como decepcionante? 

Tudo que dava a Game of Thrones singularidade foi jogado fora. Nada de mortes inesperadas e surpreendentes de grandes personagens, talvez por falta de coragem ou apenas por uma escrita preguiçosa, e a grande tentativa de surpreender com quem salvaria Westeros do exército de Caminhantes Brancos jogou fora praticamente o trabalho de desenvolvimento de quatro temporadas. No apagar das luzes, o questionamento que ficou é se vale a pena uma ótima viagem com um péssimo destino.

Felizmente, para os que se sentem órfãos de Game of Thrones, mais produções do universo estão engatilhadas e prometem contar mais sobre as histórias de Westeros no passado. House of the Dragon deve mostrar as tramas da família Targaryen e sua chegada ao continente, atualmente planejada para estrear em 2022. Talvez aprendendo com os erros de seu predecessor tenhamos a mesma sensação das temporadas iniciais de Game of Thrones mais uma vez. A frase mais famosa da série vai ter que ser atualizada,  o inverno está chegando abre espaço para os dragões estão chegando!

O post Game of Thrones: 10 anos da série que mudou a cultura pop apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Isabella Siqueira

Seguir com a qualidade após uma ótima temporada é difícil, saciar as expectativas do público sem perder a essência era a intenção da segunda temporada de Expresso do Amanhã (tradução do original Snowpiercer). Mas, apesar das tentativas, o novo ciclo da obra de ficção científica conseguiu apenas ficar estagnado no tédio. Infelizmente, a produção da TNT, que foi lançada semanalmente pela Netflix e terminou no final de março, não faz jus ao final incrível de sua última revolução.

A segunda temporada da série optou por uma linha diferente da original da HQ francesa chamada O Perfuraneve, e do filme de 2013, dirigido pelo incrível Bong Joon-Ho. Agora, a recente descoberta do descongelamento da Terra, um clichê óbvio, mas compreensível, e o aparecimento de um novo vilão são as notícias mais recentes do trem de 1.001 vagões.

Após a conturbada revolta elaborada em conjunto por diferentes classes, e que terminou com a vitória da democracia, liderada pelo idealista Andre Layton, (Daveed Diggs), uma nova era chegou para o Snowpiercer. Mas, o que ninguém esperava era a volta do misterioso Sr. Wilford, vivido pelo experiente Sean Bean, que traz uma nova onda de problemas para os revolucionários de plantão. Esses são obrigados a encarar uma convivência problemática com o trem de recursos Big Alice, e a pausar indefinidamente as eleições prometidas.

Apesar da ideia ousada e bem clichê, claramente a escolha foi a melhor para a história, já que era impossível seguir eternamente no conflito Fundistas versus Primeira Classe. Contudo, o problema está na forma com que essa temporada se desenvolveu, já que ela perde o ritmo e entrega apenas tramas paralelas sem sal. Além disso, a característica mágica do trem do futuro é deixado de lado pela produção, que não se importou mais em mostrar as inovações tecnológicas que garantem a subsistência dos poucos sobreviventes do congelamento.

Mas, o verdadeiro erro da produção foi ter dispensado seu maior trunfo, que é interpretado pela sensacional Jennifer Connelly. A saída de Melanie Cavill, a verdadeira protagonista, terminou de enterrar a série, sendo difícil aturar os episódios sem a presença da maquinista principal. Por ser Melanie a única capaz de estudar o descongelamento do planeta, a nova rivalidade política acontece entre Wilford e Layton, que nem de longe possuem a esperteza da dona (e construtora) do Snowpiercer.

Diferente das séries originais da Netflix, cujas temporadas são lançadas na íntegra, a disponibilização semanal era um dos pontos positivos de Expresso do Amanhã, já que se assemelhava a uma faísca de esperança, mas, diferente da primeira temporada, que mesmo com um começo lento conseguiu engatar um ritmo contagiante com o auge da revolução fundista, a produção não agrada nem na dose dupla de episódios liberados pelo streaming.

Apesar das falhas, a mudança nos personagens é algo a se notar na série. Uma das transformações mais críveis está em Ruth, interpretada por Alison Wright, que realizava atos cruéis para manter a ordem no trem, enquanto idolatrava cegamente o Sr. Wilford como um grande salvador. Mas, ao se deparar com as consequências e vítimas de suas ações passadas, começa a questionar o real custo da paz construída por Melanie e Wilford. Ao mesmo tempo, Roche, Chefe dos Operadores vivido por Mike O’Malley, abandona a postura neutra e começa a valorizar a figura de bom líder, refletindo sobre os anos de tirania anteriores à revolução.

Outra boa adição ao leque de personagens é a filha da Melanie. Rowan Blanchard, a eterna Riley de Girl Meets World, dá vida a jovem maquinista Alex, que foi resgatada por Wilford após a traição de sua principal aliada. A garota entra como uma das principais figuras do trem de recursos Big Alice, e apesar do tratamento frio que ela reserva para a mãe, aos poucos o relacionamento das duas revela um lado sensível da antiga vilã.

Contudo, mesmo que a série desenvolva muito bem os novos e antigos personagens, outros são completamente deixados de lado pela produção ou colocados em tramas injustas e sem sentido. Bess Till (Mickey Sumner) e Jinju Seong (Susan Park), um dos casais mais promissores formados no começo, terminam sem nenhuma explicação decente. Enquanto Josie (Katie McGuinness), uma das mártires da luta fundista, do nada é encontrada viva e prestes a se tornar a nova mulher de gelo.

Sem a mesma agitação dos momentos finais da temporada anterior, com cenas de guerra bem trabalhadas e reviravoltas chocantes, a season finale do novo ciclo foi mais sóbria. Não foram batalhas sangrentas que resolveram quem detinha o poder afinal, mas sim quem tinha mais conhecimento sobre cada peça que constituía a locomotiva eterna. Para os mocinhos do Snowpiercer, essa era a maior desvantagem, visto que Layton possuía zero conhecimento sobre o trem, e Melanie estava fora de cena.

Entre muita desestabilidade e problemas de logística que envolveram o pós-revolução, não foi uma surpresa quando a maioria dos passageiros se manifestaram em preferência ao tirano Wilford, apesar da memória recente quanto aos anos de agressão idealizadas por ele, mas aplicadas por Melanie. Por fim, fica claro que apesar da personalidade ética, moral e idealizadora de Layton, era impossível que ele conseguisse levar a tão sonhada paz ao trem. Faltava não apenas o conhecimento sobre o funcionamento da locomotiva, mas sim uma dose de sagacidade para fazer pensar sempre dois movimentos à frente de seu adversário.

Mesmo que filmadas ao mesmo tempo para gerar no público uma sensação de continuidade, a diferença entre o sucesso da primeira temporada e o fiasco dos novos episódios se dá pelo ritmo lento da produção. O sentimento de agressividade e exasperação que inflaram o trem foram perdidos, dando lugar a tramas mal encaixadas e resoluções estilo Deus ex-machina. E, ainda que tenha uma história sólida cheia de possibilidades sobre o futuro do planeta Terra, a segunda temporada de Expresso do Amanhã permanece uma ficção científica superficial.

O post É melhor assistir o congelamento da Terra do que a segunda temporada de Expresso do Amanhã apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Lopes Gomez

Nunca esteve tão claro que filmes de animação não são sinônimos de infantilidade. Soul talvez seja o exemplo mais popular e atual disso: o visual é apenas a técnica escolhida para um filme que explora o metafísico e desperta o existencial. Um pouco mais fantasioso, um pouco menos alegórico (ou vice-versa), da Pixar aos Estúdios Ghibli às irreverentes séries americanas, os ‘desenhos’ comportam uma multiplicidade que alcança diferentes faixas etárias. E é em meio a diversidade de narrativas e a crescente predileção por computações gráficas que chega Wolfwalkers, que se destaca pelo visual 2D cada vez mais raro e, desde o seu lançamento no Festival de Cinema de Toronto, aproveita a atenção para encantar todos os públicos.

Na trama, que se passa em 1650, a jovem Robyn Goodfellowe (dublada por Honor Kneafsey) e seu pai Bill (dublado por Sean Bean, o Ned Stark) são recém-chegados na cidade irlandesa Kilkenny. Contratado para extinguir os lobos que vivem na floresta, o pai da menina passa o dia caçando e ela, contrariando as ordens de não entrar na mata, resolve ajudá-lo a completar a tarefa para que os dois possam voltar logo à Inglaterra. Em uma de suas fugas, Robyn se depara com uma matilha e, quando sua líder se transforma em Mebh (dublada por Eva Whitaker), descobre a existência dos wolfwalkers, uma lenda local.

Após o encontro inesperado e passado o estranhamento inicial, as duas rapidamente viram amigas. A curiosa Robyn, excluída e caçoada por ser inglesa em uma vila irlandesa, passa a conviver com a agitada Mebh, que vive isolada na floresta, e as meninas formam uma dupla divertida, principalmente por serem tão diferentes. É com Mebh que Robyn aprende sobre os wolfwalkers: as criaturas, adaptadas do folclore irlandês, são seres humanos comuns, mas, quando dormem, têm sua alma desprendida do corpo físico e assumem a forma de lobos.

A mitologia celta que inspirou e torna o filme tão único é tema recorrente nos trabalhos de Tomm Moore, co-fundador do Cartoon Saloon e diretor ao lado de Ross Stewart. Em suas outras produções, como as indicadas ao Oscar Uma Viagem ao Mundo das Fábulas (O Segredo de Kells, em tradução literal) e A Canção do Oceano, do mesmo estúdio e consideradas parte da trilogia que termina com Wolfwalkers, os seres folclóricos da região, principalmente da Irlanda e da Escócia, são o carro-chefe. 

Porém, apesar de a lenda ser uma encantadora abordagem da cultura local e servir como base para a história, a fantasia não é necessariamente o ponto central da narrativa, que passeia por assuntos e aprofunda o ambiente e os personagens. Sem se perder entre as camadas que constrói, o longa cria espaço para tratar do equilíbrio entre o homem e a natureza, a relação com a autoridade e o papel da mulher na sociedade da época, além de contextualizar o cenário da Irlanda no século 17. Sem dúvidas, Wolfwalkers é mais do que só um filme de fantasia para crianças.

Discretamente, mas não tanto, Moore e Will Collins, os responsáveis pelo roteiro, incluíram até referências políticas e históricas reais, para os mais atentos. Na época em que se passa o longa, o país vivia um período de invasão pelos ingleses, liderados por Oliver Cromwell, que expulsaram habitantes locais de suas terras e tomaram o controle. O vilão Lorde Protetor Cromwell, comandante da vila, é uma clara menção ao militar e sua postura também é semelhante: ele associa a “maldade” aos “pagãos”, ao folclore e aos lobos que ele pretende expurgar, um episódio que também aconteceu. 

Nenhum dos tópicos ou alusões é destrinchado ou explorado a fundo, mas eles são trazidos como intrínsecos à narrativa, de forma a complementá-la e desenvolver as protagonistas, suas crenças e motivações. Apesar do risco das histórias secundárias, em nenhum momento os desdobramentos parecem superficiais ou corridos: pelo contrário, casam com a obra e formam o todo, sem destoarem ou esquecerem da fantasia que o filme propôs entregar. Afinal, apesar de não ser exclusividade do público mais jovem, a produção foi lançada na categoria infantil do streaming da Apple.

Enquanto na cidade o Lorde Protetor Cromwell prega que os animais são feras perigosas e devem ser dizimados, a amizade com Mebh, que contagia com sua animação e sotaque irlandês viciantes, prova a Robyn que os humanos e a natureza podem viver em harmonia. A nova visão de mundo da inglesa torna-se inevitável quando, durante a noite, ela percebe que foi mordida acidentalmente pela amiga e se transforma em lobo. Se antes ela queria caçar os animais, agora é uma wolfwalker e tem de fugir até do próprio pai. 

Quando Robyn, que sequer teve tempo de assimilar seus novos poderes, é perseguida pelos intolerantes habitantes da cidade e acaba se escondendo no castelo de Cromwell, a situação piora: ela descobre que a mãe perdida de Mebh, a líder da matilha, foi capturada e aprisionada pelo Lorde. Aqui, as ilustrações animadas à mão, que podem parecer incomuns para o olho acostumado à computação gráfica das grandes empresas, escancaram seu poder em passar as sensações em Wolfwalkers.

Provando ser mais do que só um grande atrativo, o visual e a estética do filme, frutos da colaboração entre os diretores e outros artistas do estúdio, são fundamentais na construção da narrativa e da mensagem. A cidade e seus habitantes, geométricos e pintados em cores sóbrias, são hostis e opressores, reprimindo Robyn. Já a floresta, onde a menina pode ser ela mesma em todos os sentidos e formas, é desenhada em linhas arredondadas e abstratas, com muitos detalhes e pintada em cores vivas, que tornam o ambiente acolhedor. 

Apesar do arco principal tomar um rumo previsível a partir da descoberta, o acontecimento impulsiona o clímax e amplifica o dilema das personagens e das relações. Mebh precisa resgatar a mãe, Robyn tem de enfrentar o pai de uma vez por todas e Bill tem de decidir entre seguir a autoridade repressora ou acolher e ajudar a filha. O caminho sentimental é inescapável – e essencial para parte do público do gênero -, mas não falha e nem cai só no clichê: as escolhas feitas no ápice do conflito, suas consequências e o desfecho do filme verdadeiramente emocionam.

O espectador que não sabia o que esperar pode até escolher com o que prefere se comover ou qual mensagem tirar da obra. As várias camadas interessantes na já interessante premissa de Wolfwalkers, somadas a um visual deslumbrante e uma trilha sonora incrível, tornam a produção um verdadeiro espetáculo, seja para o público infantil, seja para o adulto, que não precisa disfarçar a admiração.

Não por menos, o filme já é o melhor do ano, se considerada a opinião dos críticos: após honrarias de importantes organizações como as Associações de Críticos de Cinema de Los Angeles, Nova Iorque e Boston, a produção é a mais homenageada da temporada. Acumulando reconhecimentos, o longa disputa o Oscar de Melhor Animação, concorrendo com produções de estúdios mandachuva, além de ter sido indicado em outras importantes premiações do cinema, como o Globo de Ouro e o Critics Choice Super Awards. Wolfwalkers não levou os dois últimos, mas que a competição acirrada da Academia faça justiça.

O post Wolfwalkers é mais do que só um filme de fantasia para crianças apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.