Vitória Silva

Há 10 anos, Twenty One Pilots vem fazendo barulho ao redor do globo terrestre. Desde Regional at Best, o duo original de Columbus, Ohio, formado por Tyler Joseph e Josh Dun, luta constantemente para manter a unicidade de sua musicalidade, caracterizada por uma junção de elementos que vão desde o rap até o pop dançante. Característica essa  inegociável para a banda, que fez questão de manter seus gritos estridentes mesmo após assinarem o contrato com a gravadora Fueled by Ramen.

Mas a identidade de Joseph e Dun vai muito além de se aventurar em diferentes estilos musicais, usar gorros na cabeça e moletons com desenho de esqueleto. Desde o lançamento do Blurryface – que, de fato, revelou Twenty One Pilots mundo afora – a dupla vem materializando a construção do seu próprio universo no meio musical. Muito mais do que apenas uma era, essa concepção contempla, agora, 3 álbuns completos, e contando.

Tyler é a grande fonte originadora de todas as letras dos discos, e sempre teve como teor principal abordar sobre questões que envolvam sua saúde mental e transtornos psicológicos. A partir disso, nasceu a persona do Blurryface, como forma de materializar todos os seus medos e inseguranças. “Meu nome é Blurryface e eu me importo com o que você pensa” é como ele decide se apresentar ao público na faixa Stressed Out, presente no álbum que carrega o mesmo nome do personagem.

Mais tarde, o duo ampliou a narrativa para o que seria a cidade de DEMA, uma espécie de local representativo da mente de Tyler, capaz de aprisioná-lo em seus próprios conflitos, representados por 9 bispos. Tyler e Josh seriam, então, dois insurgentes tentando fugir desse sistema, unidos aos rebeldes locais: os Banditos. E é nessa narrativa que o álbum Trench se constrói, sob uma sonoridade mais densa e representativa de toda essa revolução idealizada na mente do cantor. Com os toques melancólicos de Leave The City, a trajetória do disco acaba com Tyler sendo aprisionado pelos bispos.

Uma turnê mundial depois, um nascimento na família Joseph e o início de uma pandemia, surge o Scaled And Icy. O isolamento social com certeza foi um fator impulsionador para a mente criativa da dupla, que até teve como lançamento à parte a faixa Level of Concern, abordando o atual contexto que o mundo vem enfrentando. O que ninguém esperava era que a estética sombria e turbulenta até então característica de Twenty One Pilots daria origem a um universo colorido em tons pastéis, com dragões mágicos, arco-íris e todas as outras coisas fofinhas e nada associáveis aos dois esquisitões. 

Como porta de entrada para esse “novo” mundo, somos bem recepcionados ao som de Good Day, que soa como a abertura de um programa matinal (e talvez essa seja exatamente a intenção). Numa jogada à la Pumped Up Kicks, a sonoridade alegre e otimista esconde o teor perturbador da letra que a acompanha. Em meio a um ukulele e um piano simpáticos, Tyler canta sobre uma situação hipotética de perder a sua esposa e filha, passando pela fase de negação do luto.

E não poderia haver uma forma melhor de introduzir o universo de Scaled And Icy se não com essa canção que é o puro suco do dualismo presente no álbum. O pop e as guitarras animadas que dominam as faixas não escondem a mensagem obscura que existe por trás dele, por mais que tentem. Retornando para a narrativa criada pela banda, SAI não passa de uma propaganda muito bem arquitetada por DEMA. Com Tyler aprisionado, o disco seria uma forma de manipulação para fingir normalidade, mascarada pela fantasia. Metaforicamente falando, uma autossabotagem do vocalista para fingir que está tudo bem, apesar de ainda aprisionado por seus demônios.

O videoclipe do primeiro single, Shy Away, evidencia essa nova realidade. Trazendo luz a um pop oitentista, a dupla está enclausurada em uma sala iluminada por luzes neon. Em paralelo, Tyler aparece em uma cidade sombria em ruínas, com o mesmo dragão azul da capa do disco a sobrevoando. A cada novo clipe, vamos conhecendo outras partes dessa localidade. Em Choker, é apresentada uma loja de brinquedos com referências da propaganda de DEMA e até de personagens já conhecidos. Enquanto em Saturday, somos levados ao alto mar da região, em uma viagem submarina, com o Trash The Dragon dando as caras novamente. 

Se as evidências dos vídeos não forem suficientes para materializar esse universo, Twenty One Pilots já o desenhou para o público, literalmente. Para revelar o Scaled And Icy, a dupla realizou uma live de lançamento diferente de tudo já feito. Voltando aos palcos de forma virtual, Tyler e Josh construíram a cidade de DEMA na tela, composta por todos os elementos anteriormente apresentados no Trench e no Blurryface. Ambientada em uma espécie de Encontro com Fátima Bernardes – com uma certa faixa de abertura -, a transmissão nos leva a um passeio imersivo na genialidade da construção presente em suas mentes, e que agora tomou forma, além de voltar para eras passadas. 

Twenty One Pilots nunca esteve tão bem, isso é fato. Tyler Joseph e Josh Dun já são dois homens adultos vivendo comodamente seus relacionamentos com as respectivas esposas, além da forte relação que também existe entre eles mesmos. Joseph ainda desfruta a beleza da paternidade com sua filha Rosie, e vai ser pai pela segunda vez, como anunciado ao final da performance no VMA 2021, e sua batalha incansável contra questões como a depressão e ansiedade parece cada vez mais distante. Donos de um Grammy, turnês inesquecíveis, um recorde mundial e um sucesso que já alcança todas as pontas do globo, a dupla se tornou imbatível. Scaled And Icy é o prato ideal para elucidar toda essa euforia. 

A própria capa do álbum é um retrato da nova fase. Dentro do mapa de energia do feng shui, o bagua, mencionado em No Chances, existem oito áreas conectadas a certos aspectos da vida. Rosa, azul e branco estão associados a relacionamentos, família e amigos, um retrato mais do que exato do que representa a banda hoje. Sem deixar a temática sobre problemas psicológicos de lado, ressoado principalmente na sensibilidade de Choker, o otimismo vem com força em versos como os de Shy Away, que falam sobre buscar seu propósito. Temas esses que ainda conversam com o trágico cenário da pandemia, em que as tristezas recorrentes desse contexto foram mais um impulso para buscar mensagens motivadoras e o apoio para lidar com perdas. 

O controle de DEMA também não passa despercebido nas letras, com alusões diretas em No Chances: “Nós viemos por você”. E aqui a dualidade se faz mais do que presente, abrindo a diversas interpretações. O domínio da cidade e dos bispos é relativo tanto às inseguranças que assombram nossas próprias mentes quanto à manipulação da indústria midiática, alvo frequente de críticas da dupla. O que é melhor para mostrar a alienação do público do que lançar um disco repleto de batidas mais simplistas que facilmente hitariam no TikTok? 

Para quem bate o pé para falar que o novo álbum foge completamente da identidade de Twenty One Pilots, talvez seja preciso retornar um pouco para os primórdios da banda. Desde o início, Joseph e Dun nunca buscaram se restringir apenas a um gênero, e sim passear por uma fusão de elementos de todos eles, e Scaled And Icy é apenas um trajeto diferente desse caminho que ambos têm trilhado, mas longe de ser o destino final. Sempre muito preocupados com a narrativa criada pela ordem das faixas de cada disco, o peso presente no encerramento de Redecorate já é um indicativo do que está por vir em um próximo trabalho.

Apostando mais na guitarra que Tyler finalmente aprendeu a tocar, o álbum ainda conversa e homenageia trabalhos passados da banda. O monólogo de Choker é quase um diálogo direto com o de Taxi Cab, enquanto Never Take It e The Outside ecoam o que já vinha há muito tempo sendo falado em We Don’t Believe What’s on TV. E se as sextas já eram melhores que o suicídio dos domingos, os sábados se tornaram o dia de pintar a cidade. 

Scaled And Icy subverte toda e qualquer expectativa que alguém possa ter de um trabalho de Twenty One Pilots. Pode não ser seu melhor álbum, melhor estética, melhor era ou qualquer outra caixinha que o público tente estabelecer para uma banda que já cansou de se definir pela autenticidade. Mas o disco é uma peça necessária para esse quebra-cabeça maluco que constitui a mente da dupla de Columbus. E a prova mais do que precisa de que nunca foi apenas sobre Música. 

O post Os dias são melhores em Scaled And Icy apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Silva

No dia 8 de julho de 2011, chegava ao mundo o álbum Regional at Best, do duo Twenty One Pilots. Considerado também o primeiro trabalho da banda, pelo menos na formação que conhecemos hoje, com Tyler Joseph e Josh Dun. O disco lançado anteriormente, em 2009, que carrega o mesmo nome do grupo, ainda tinha Chris Salih como baterista e Nick Thomas no baixo. A entrada de Josh assumindo as baquetas se deu quase que juntamente à saída do baixista, iniciando, assim, a dupla imbatível entre ele e Tyler. 

O caráter especial da produção não se deve apenas por esse marco, mas também por ela já não existir mais como cópia física ou mesmo estar disponível na maioria das plataformas digitais. Em 2012, a banda assinou com a gravadora Fueled by Ramen e, como parte do contrato, os direitos do LP foram transferidos. Dessa forma, com o lançamento do Vessel, o Regional at Best teve que ser descontinuado. 

Na obra autointitulada, o trio formado por Tyler, Nick e Chris, apostou em faixas que iam desde o pop até o rock oitentista. Com um som bem orgânico, dando um enfoque maior para os toques de Tyler ao piano, e até genérico, se formos considerar tudo que Twenty One Pilots já foi capaz de criar até aqui. Algumas tendências foram se mantendo para os trabalhos desse início, como os constantes versos de rap e letras que fazem menção a questões familiares e às inseguranças do vocalista. 

Nesse primeiro disco, o cantor parece, inclusive, bem otimista e autoconfiante para lidar com seus problemas psicológicos. Algo que vai se tornando perceptível ao longo das faixas, que se iniciam com tons mais alegres e esperançosos até evoluírem para músicas melancólicas e lentas, em que ele se mostra relutante ao lidar com seus pensamentos suicidas. O álbum se encerra com Isle of Flightless Birds, em que Tyler menciona ser o clímax da história, como se sua depressão tivesse atingido o ápice. O desenrolar dessa afirmação ficaria para o trabalho seguinte, e, assim, se inicia o Regional at Best.

Este que não poderia ser definido por outra coisa se não uma fusão de todos os sentimentos e pensamentos conturbados da mente do vocalista. Deslanchando com Guns For Hands, Tyler canta sobre a necessidade de pedir ajuda ao enfrentar problemas psicológicos e como a ideia de saber que outras pessoas têm pensamentos suicidas é perturbadora para ele mesmo. “Estou tentando dormir, mas não posso quando todos vocês têm armas nas mãos”. 

Essa intenção de ajudar e salvar o próximo repercute em diversas faixas. Ao mesmo tempo, Joseph parece tentar mascarar a sua dor com isso, em que não se mostra capaz de enfrentar nem seus próprios problemas. Em Glowing Eyes, ele clama diversas vezes não ter a certeza de querer abandonar os demônios internos (os tais olhos brilhantes), enquanto em Slowtown deseja fortemente poder fugir das dificuldades da vida adulta. 

A técnica de narrativa é utilizada ao longo das músicas, em que até mesmo a mudança brusca na sonoridade causa o sentido de virada na história que está sendo contada. É difícil concluir se o papel de Tyler estaria sempre no eu lírico de suas composições, por ele se contradizer diversas vezes. Esse dualismo é retratado em Anathema, na separação de duas partes conflitantes de si mesmo. E, mais tarde, também seria materializado na criação da persona do Blurryface.

Regional at Best é uma erupção caótica de autotunes e sintetizadores desconcertados. Não é nem de longe o melhor trabalho do grupo, afinal estamos falando da mesma banda que deu origem a obras como Blurryface e Trench. Mas é, sem dúvidas, um de seus passos mais importantes, por ser o início da construção de sua identidade. Foi a partir dele que as máscaras passaram a ser vestidas e os devaneios ecoados da mente de Tyler foram se consolidando no que daria origem ao universo de DEMA.

O disco torna nítida a evolução do grupo ao longo de suas produções, em que aprenderam a domar a explosão sonora em batidas harmoniosas, sem perder sua liberdade artística e autenticidade, criando quase que o seu próprio estilo musical pop-rock-metal-eletrônico-rap-e seja lá mais o que for. As regravações que foram feitas para o Vessel escancaram esse desenvolvimento, em que a incômoda Trees, por exemplo, se transformou em uma das faixas mais dignas de encerrar praticamente todos os seus shows, e assim o fez.

Sem contar que Regional at Best também registrou o nascimento de uma de suas canções mais importantes, e um verdadeiro hino para os fãs assíduos da banda. Entre todas as letras que expressam a genialidade de Tyler, Car Radio é, com toda certeza, a mais sincera. Ao narrar uma situação em que o rádio do seu carro foi roubado e a dificuldade em distrair seus pensamentos por conta disso, ele acaba mostrando, um tanto metalinguísticamente, a sua relação e dependência com a música como uma forma de alívio. Encerrando a letra, ele interpola uma série de pensamentos reflexivos e existenciais, para exemplificar o estado da mente vazia: “às vezes o silêncio é violento”. 

Ao longo do álbum, Tyler torna ainda mais evidente essa relação com a Arte e como isso é uma fonte de energia para ele. Como ressoado em Ode to Sleep, “Pegue esta arma, forjada na escuridão. Alguns veem uma caneta, eu vejo um arpão”. Em Kitchen Sink, ele reafirma a necessidade de encontrar um propósito na vida, e realizá-lo independente do que os outros vão pensar ou entender sobre isso, porque “uma pia de cozinha para você não é uma pia de cozinha para mim” (quase uma releitura moderna e bizarra do quadro de René Magritte). 

Mesmo que passe um pouco batido, a espiritualidade e fé do vocalista são uns dos temas mais presentes ao longo da produção. Holding On To You expressa a sua crença em Deus também como uma forma de salvação, e Clear encerra o disco com ele se assumindo um impostor e não merecedor de ser seu filho. Como sempre, as entrelinhas permitem uma variedade de interpretações que vão além das questões religiosas, já que sua capacidade em articular versos que assumam outros sentidos também não é de agora. 

A banda também lançou uma websérie sobre Regional at Best, disponibilizada no YouTube, que acompanha a produção e a turnê do mesmo. No primeiro episódio, é apresentada a saída de Nick Thomas, quando Josh já estava presente na formação, e Tyler se mostra inseguro em conseguir sustentar um show apenas em duas pessoas. Essa mesma insegurança se reflete no próprio nome do disco, que significa “regional na melhor das hipóteses”, como se a expectativa máxima do duo fosse conseguir atingir a região da cidade de Columbus.

O que os dois esquisitões de Ohio não sabiam é que eles não iriam apenas ganhar todo o globo terrestre com a sua musicalidade única, como também teriam como marca registrada proporcionar uma experiência inesquecível ao subirem em qualquer palco, alcançando níveis extasiantes para quem os assiste. Regional at Best foi apenas o início da caminhada para Twenty One Pilots se tornar muito maior do que um dia sonhou em ser. 

O post 10 anos de Regional at Best: o sonho começa aqui apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.