Júlia Caroline Fonte

Há 10 anos chegava aos cinemas a animação que abalaria as histórias de princesas da Disney. Ao encantar tanto crianças quanto uma grande parcela do público adulto, Frozen – Uma Aventura Congelante (2013) surpreendeu os amantes dos estúdios com uma narrativa muito diferente daquelas que estávamos acostumados para suas personagens. Apesar de contar com um visual deslumbrante, o filme se destaca por abordar aspectos mais profundos de suas protagonistas mulheres e por discutir novas perspectivas sobre o amor, indo contra o felizes para sempre clássico.

A história se passa no reino de Arendelle, onde duas irmãs princesas vivem isoladas por trás dos portões de seu castelo, que são abertos no dia da coroação da primogênita, Elsa (Idina Menzel). A futura rainha esconde seus poderes mágicos ligados ao gelo, mas tem seu segredo revelado no dia da coroação, surpreendendo até mesmo sua irmã Anna (Kristen Bell). Com medo, a mais velha foge para as montanhas e, sem querer, espalha um rigoroso inverno pelo reino. Anna decide salvar a irmã e o reino e, no caminho, encontra a ajuda de Kristoff (Jonathan Groff) e sua rena Sven, além de Olaf (Josh Gad), um divertido boneco de neve que adora abraços quentinhos.

Após as grandes mudanças no papel das princesas e o abalo causado por Valente, Frozen – Uma Aventura Congelante vem para deixar claro que o Walt Disney Animation Studios toma um novo caminho para suas personagens. A animação traz mais uma vez uma nova perspectiva do papel destas personagens, que agora de fato protagonizam suas próprias histórias. O filme tem como foco a relação das duas irmãs, muito diferentes entre si, que carrega uma forte crítica aos ideais que o próprio estúdio pregou ao longo de décadas: Anna é a clássica garota que sonha em viver um grande amor à primeira vista com um príncipe encantado, enquanto Elsa foca em si mesma, sem abrir espaço para romance em sua vida.

Anna é uma personagem única e com uma personalidade divertida, mas que carrega consigo o clichê do amor romântico; sua representação entra em choque com o momento em que o filme é lançado, em uma sociedade na qual as mulheres ressignificam seu papel social e seus relacionamentos. A princesa, que passou a vida trancada em um castelo e isolada apenas com alguns funcionários, belos livros e românticas obras de arte, passa a ter uma visão idealizada e espera desesperadamente por um homem perfeito que a amará incondicionalmente e a libertará de sua solidão. É então que conhecemos Hans (Santino Fontana), um belo, carinhoso, protetor e amável príncipe, o candidato ideal para a jovem sonhadora. No entanto, para a surpresa de todos, a roteirista Jennifer Lee não poupa suas críticas ao modelo Disney e o jovem encantador se torna um perverso vilão, que ao enganá-la com promessas de amor encontra na fragilidade da princesa uma forma de destruí-la em benefício próprio, partindo seu coração iludido.

Frozen nos faz refletir sobre nosso imaginário do amor romântico que, assim como Anna, crescemos acreditando no ‘felizes para sempre’ que Branca de Neve – a primeira princesa do estúdio – nos apresentou ao receber seu beijo de amor verdadeiro. Hoje, ao compreender suas fantasias de infância, no primeiro contato com a narrativa, o público vê Anna de forma ridicularizada, principalmente quando comparada a Elsa, que tem consciência do absurdo que é querer se casar com alguém que acabou de conhecer. Porém, a princesa de Arendelle é uma personagem muito bem construída, uma vez que somos capazes de compreender suas ilusões iniciais, bem como de onde elas vieram, e vê-la amadurecer seu entendimento de mundo e do amor, principalmente em Frozen 2 (2019). Ela reflete um pouco das experiências de cada um que a assiste, merecendo nossa empatia.

No entanto, a animação ainda quer nos ensinar sobre esse sentimento em todas as suas formas, mas agora de modo mais próximo da realidade. O amor romântico não é algo para ser rejeitado e a narrativa nos comprova isso ao apresentar Kristoff, um jovem que aos poucos conquista o coração de Anna, mesmo com todos os seus defeitos. Afinal, é isso que vivemos: nos permitimos amar e sermos amados sendo quem somos, e não um modelo idealizado que deveríamos seguir. É com Kristoff e os amigos dele “especialistas em amor” que a princesa começa a entender um pouco o que esse sentimento envolve e o quanto ainda não sabia sobre isso.

Além disso, o amor da amizade também tem seu momento na história, tanto na relação entre Kristoff e sua rena Sven quanto na de Anna e Olaf. O boneco de neve aparece inicialmente como um alívio cômico, cumprindo muito bem esse papel, mas é quando Anna está em perigo que aprofundamos esse sentimento, já que ele se mostra disposto a fazer sacrifícios para salvar a amiga. Olaf não apenas sabe amar, como foi criado pelo amor de Elsa por Anna, e é essa relação fraterna que se destaca. Quebrando paradigmas dos finais felizes, a Disney inova ao criar seu desfecho neste vínculo entre as personagens, rompendo com a ideia do príncipe encantado como herói e sinônimo de felicidade para a mulher.

O encanto da história está exatamente no afeto entre as irmãs, que além de causar muitas reflexões nos fãs sobre novas formas de enxergar o amor verdadeiro, é a chave para salvar as protagonistas. Elsa, que passou a vida convivendo com o peso de seus dons, tomada pelo medo e seus traumas, vê no isolamento a única solução para manter todos em segurança. No entanto, seus métodos não foram suficientes para proteger a irmã, que acidentalmente tem o coração congelado. O filme se torna mais complexo quando acompanhamos o arco da rainha e entendemos que o afeto foi fundamental para descongelar o seu coração – e não só o de Anna -, gélido pelas inseguranças que a perseguiram e reprimidos em um castelo de gelo, que se torna perigoso e se despedaça à primeira batida nas portas.

Frozen se aprofunda ao tentar nos mostrar um outro lado de uma protagonista, e a permite ser vulnerável assim como nós. As emoções de Elsa ganham espaço na narrativa à medida que elas passa a controlar todos os seus movimentos. O alívio de seu fardo chega no momento em que consegue ver beleza em seus dons, fazendo as pazes com o que antes via com aflição e repulsa – consagrando a clássica canção Let it Go. Porém, o breve momento de paz e liberdade faz com que a rainha cegamente se perca ao recusar a ajuda para se curar e, ao invés de cuidar de suas feridas, abafa as emoções que a machucam, o que abre espaço para que cada vez mais seus poderes saiam do controle. 

Assim, entendemos que o verdadeiro vilão da narrativa é o medo que consome Elsa. Frozen traz figuras clássicas para tentar refrear suas protagonistas, como o Príncipe Hans e o desagradável Duque de Weselton, porém são apenas peças que conduzem a narrativa a olhar para o que realmente conflitua com a rainha. O confronto passa a ser interno, tirando assim a antiga dualidade entre bem e mal, e fazendo com que a personagem carregue esses dois aspectos sobre si mesma. Elsa é a causa de seus infortúnios e precisa lutar contra si mesma para vencê-los, mas não sendo a vilã que os outros personagens enxergam. 

Ela precisa superar seu inimigo, mas aprende de um jeito difícil que não conseguirá fazer isso sozinha, e que a ajuda que recebe é fundamental para acabar com seu sofrimento. Disso temos a conclusão que cativou o público e que o aproximou ainda mais das personagens, apresentando uma nova perspectiva do amor que talvez nunca tenhamos nos dado conta. Um final que permite diversas reflexões e interpretações, e conclui de forma excelente a jornada das irmãs, preparando-as para dar novos passos em suas relações. 

No que se refere ao visual, Frozen – Uma Aventura Congelante é impecável e mais cativante quando olhamos para suas raízes. Inspirado na obra A Rainha da Neve de Hans Christian Andersen, o longa teve sua história e cenários inspirados nas terras da Noruega, impulsionando impulsionando um interessante movimento da Disney (e já muito comum na Pixar) de trazer elementos étnicos e culturais com cada vez mais força em suas obras, e assim, o local se torna parte da história e não apenas um pano de fundo. O folclore norueguês se destaca nos poderes e conhecimentos dos trolls, e no segundo filme da saga das irmãs, é essencial para conduzir a narrativa com outros personagens míticos. Além disso, traz também a influência dos povos originários do país, que tem seus elementos identitários destacados do início ao fim. 

Desde sua estreia, Frozen fez sucesso não apenas entre os amantes da Disney e o público em geral, mas também pela crítica, garantindo diversos prêmios, entre eles o Globo de Ouro, BAFTA e o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2014; abrindo espaço para novas narrativas em Arendelle. A nova vida das princesas é explorada em Frozen: Febre Congelante e seus arcos são mais desenvolvidos no filme Frozen 2, que foi determinante para o amadurecimento dos personagens. Olaf também ganha seus derivados e seu carisma garantiu o especial de natal Olaf em uma Nova Aventura Congelante de Frozen e a divertida série Olaf Apresenta. Assim, deixa os fãs curiosos para descobrir quais serão as próximas histórias dessas princesas, principalmente com o anúncio de Frozen 3.

Por fim, Frozen completa 10 anos celebrando uma obra singular, capaz de gerar um forte impacto para as princesas Disney, refletidos principalmente em Raya e Último Dragão e em Wish: O Poder dos Desejos. Com uma narrativa diferente e recheada de plot twists, a animação foi capaz de surpreender ao quebrar os padrões e enfatizar a importância das histórias das personagens mulheres, essenciais para inspirar e dar força às novas gerações, empoderando garotas, que sendo princesas ou não, serão encarregadas de decidir o seu ‘felizes para sempre’.

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Anna Clara Leandro Candido

Não, a Disney não comprou os direitos de Avatar e fez um filme da Korra. Mesmo compartilhando muitas características com a personagem da Nickelodeon, Raya é, na verdade, a protagonista do mais novo filme da Disney+. Lançado simultaneamente nos cinemas e na plataforma de streaming no dia 05 de março, o filme já conquistou o coração de muitos fãs e boas críticas. Raya e o Último Dragão traz novos horizontes para o conceito de histórias de princesas que tanto conhecemos, assim como dá um show de representatividade e animação.

A história se passa no vasto reino de Kumandra, uma civilização ancestral formada por povos de diferentes culturas que compartilham a proteção e admiração pelos dragões. Um dia, o mundo foi atacado por sombrias e assustadoras criaturas chamadas Druums, que travaram uma árdua guerra contra os dragões. A batalha parecia perdida até que Sisu, o Último Dragão, utilizou uma pedra mágica para aprisionar os monstros e desapareceu. A cobiça pelo último resquício de poder dos dragões, a pedra mágica, fez com que a população de Kumandra se dividisse e lutassem entre si. 500 anos depois, um acidente faz com que os Druums sejam libertos e Raya decidi ir em busca do último dragão para salvar sua família.

Raya e Último Dragão já começa apresentando o que será um dos pontos altos da trama: a diversidade. Kumandra é um espelho do sudeste asiático e os personagens são claros reflexos de cada região que compõe o vasto território. Seja pelos traços físicos ou personalidade de cada um, o filme consegue apresentar cada detalhe naturalmente, tanto no roteiro e trilha sonora, quanto na história e animação. 

E não é só dentro da narrativa que essa diversidade se faz presente, fora dela também. Com o roteiro escrito por Qui Nguyen (The Society) e Adele Lim (Podres de Ricos) e o time de dubladores composto por Kelly Marie Tran (Raya), Awkwafina (dragão Sisu) e Gemma Chan (Namaari), o filme conta sua história com propriedade. Infelizmente, a dublagem brasileira não segue a representatividade da original, tendo Lina Mendes como Raya e Priscila Concepcion como Sisu. Ainda assim, o time nacional não perde na hora de entregar um trabalho de qualidade e igualmente engraçado. Com sua dublagem, Priscila traz vida e muitas risadas ao último dragão de Kumandra, Sisu.

Logo no começo, a vastidão e diversidade de Kumandra enchem os olhos do espectador, mas ela de nada seria sem o trabalho maravilhoso do time de animadores. Por mais que tenha investido em diferentes gêneros e tipos de filmes nos últimos anos, a Disney é, e sempre foi, a casa das animações e Raya e o Último Dragão é a prova disso. É lindo ver os detalhes da água que cortam os rios do mundo de Raya, ou mesmo a bela animação das cenas de lutas entre os personagens. Sem falar na dedicação colocada ao produzir os movimentos e fotografias dessas batalhas. 

A impressionante parte técnica do filme proporciona uma base firme para a apresentação e desenvolvimentos dos personagens, principalmente o de Raya. A mais nova princesa da Disney chegou sem uma coroa na cabeça, mas com uma espada na mão e um grande espírito de luta. Desde a primeira cena, o espectador não duvida em nenhum momento que ela é uma guerreira forte e destemida que faria de tudo por aqueles que ama e pelo que acredita. Essa representatividade feminina não é apresentada com diálogos, mas sim com ações, posicionamentos e brilho no olhar. Praticando o famoso “uma ação vale mais do que mil palavras” e, mais uma vez, demonstrando como uma representação dentro do audiovisual deve ser feita: naturalmente.

Diferente da maioria das princesas Disney, Raya inicia sua aventura não por um sonho ou desejo de unificar sua terra – que está dividida a muito tempo pelo remorso, ganância e traição -, mas sim pela esperança de salvar seu pai. A personagem constantemente alerta Sisu para não confiar em ninguém, é uma guerreira solitária, prática e com com fortes objetivos. Ela demonstra que nem toda ação heróica tem como origem um ato altruísta, que, no fim, o importante é aprender com sua jornada e fazer a melhor escolha, mesmo não sabendo se é a certa. Raya é para essa nova geração de meninas o que Mulan foi em sua época, uma revolução para o futuro das princesas.

O desfecho da jornada de Raya e seu desenvolvimento não seria possível sem os personagens secundários que caminharam ao seu lado. Faz muito tempo que a Disney acerta na hora de criar os coadjuvantes de seus filmes, desde dos hilários e despreocupados Timão e Pumba ao fã de abraços quentinhos Olaf. É, então, em seu mais novo filme que ela apresenta o adorável Tuk Tuk, parceiro de Raya; Boun, o garçom mais divertido; Noi, a bebê golpista e sua trupe de macacos; e Tong, o grandalhão mais sensível que você vai conhecer. Todos eles cumprem seu papel na trama e acrescentam apenas o que é pedido, cada um em seu momento.

No fim, não se pode falar do filme sem mencionar Namaari, a oponente de Raya e, claro, Sisu, o Último Dragão. A trajetória da princesa do reino de Presa é tão emocionante quanto a da protagonista. Ela é o reflexo puro do que Kumandra se tornou após a derrota dos dragões. Alguém machucada e desesperançosa pela situação em que seu povo se encontra e que toma decisões drásticas e egoístas para poder sobreviver. 

Até mesmo a personagem principal, Raya, compartilha de muitas semelhanças com sua adversária. Ambas são mulheres fortes e princesas guerreiras que fariam de tudo para defender seu povo. A diferença é que a protagonista teve a visão e sonho de seu pai passados a ela. No fundo, tudo que Namaari e o povo de Kumandra  precisavam era de um pouco de esperança e é isso que Sisu traz. Essas semelhanças e contrapontos  entre as duas fazem da princesa de Presa uma rival ideal para a narrativa da obra e peça fundamental para a moral da história. 

E o que dizer de Sisu? O poderoso e hilário Último Dragão é, definitivamente, uma das principais fontes de risadas no filme. Por mais que seu design seja um pouco estranho e uma tentativa forçada de humanização exagerada, Sisu não deixa de ser um ponto alto da trama. A todo momento sua personalidade alegre e despreocupada passa uma impressão imatura, mas é ela quem carrega a mensagem mais importante da obra. É a caçula dos dragões que ensina Raya, Namaari e o povo de Kumandra o que a humanidade havia perdido 500 anos atrás: confiança e esperança uns nos outros. Um verdadeiro dragão treinando seus humanos.

Por fim, a mensagem que Raya e o Último Dragão passa é uma das mais maduras de todos os filmes da Disney. Ele deixa o musical e contos de fadas de lado para apresentar uma narrativa política e recheada de questões morais. Um filme para crianças que fala sobre guerra, luto, traição e egoísmo humano de maneira suave mas impactante. Raya é um compilado de Mulan misturado à Moana, que pode facilmente tornar-se um marco para uma nova leva de histórias dentro da Casa do Mickey Mouse.

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Júlia Paes de Arruda

Os versos poéticos e dançantes das músicas de Enrolados marcaram a geração que viveu as propagandas do seu lançamento, 10 anos atrás, no Disney Channel. Era impossível trocar de canal ao ouvir qualquer canção promocional. Essa paixão, na época, fez a adaptação do conto de Rapunzel superar o sétimo filme de Harry Potter nos Estados Unidos e ganhar o coração dos fãs apaixonados pelas histórias de princesas Disney. 

A narrativa é focada na história de Rapunzel (Mandy Moore), uma jovem confinada numa torre com longos cabelos loiros, que se debate com o bandido Flynn Rider (Zachary Levi) tentando se esconder da segurança do reino. A fim de seguir seu sonho para encontrar as luzes flutuantes que surgem no dia do seu aniversário, a garota faz um acordo com o criminoso para ajudá-lo a escapar em troca da aventura luminosa. 

Mesmo tendo muitos aspectos em comum, Enrolados se difere do conto original de Rapunzel, organizado e publicado em 1815 pelos irmãos Grimm. O aprisionamento da menina é a chave de ambas as histórias, mas os antecedentes dele são divergentes. A época das obras, obviamente, é a explicação para tal discrepância. A protagonista do filme é destemida e independente, e não demonstra esforço em se defender com uma frigideira quando vê Flynn Rider subir por seus cabelos até a torre. A de Grimm, no entanto, é o retrato da visão da mulher submissa e passiva da época.

A direção de Nathan Greno e Byron Howard (junto com Dan Fogelman no roteiro) nos apresentou uma Rapunzel muito mais audaciosa e criativa. Ela busca sair do cárcere para satisfazer seus próprios anseios e se reencontrar como pessoa depois de anos presa numa torre. No conto, a jovem, mesmo tendo encontros às escondidas com sua grande paixão (um costume “inadequado” para a mulher da época), só se rende a sair do confinamento quando é pedida em casamento. Apesar das duas precisarem de uma representação masculina para realizar a fuga, os princípios delas são antagônicos.

Apesar de Enrolados ter concretizado os ideais feministas, A Princesa e o Sapo (2009) já dava indícios dessa influência. Tiana é o retrato da mulher moderna, que trabalha, luta e conquista seu espaço, apesar de receber críticas e desaprovações, a fim de realizar seus sonhos. Mesmo após se casar com um príncipe, toda a riqueza que acompanha seu novo status não é capaz de fazer com que ela própria compre e comece seu próprio negócio. Rapunzel pode não ter sido capaz de ser empreendedora, mas, ao libertar-se da torre, ela pode sair da sua zona de conforto, enfrentar o mundo e experienciar novas sensações. 

O amadurecimento da personagem é o percurso da narrativa em ambas as obras, porém a forma que a Mãe Gothel encara essa situação se difere. Na original, o ápice do crescimento da protagonista é através da gravidez. Como não se sabe a finalidade da vilã permanecer com a garota, a alternativa escolhida é expulsá-la para seguir sua vida. Isso poderia ser uma clara alusão ao destino das mulheres da época que tinham filhos antes do casamento. Já na adaptação, o público conhece as intenções de Gothel com Rapunzel e sabe que o relacionamento das duas não é genuíno, muito menos recíproco. Dessa forma, ela tenta manter a personagem na inocência para que ela não fuja para a verdade (uma espécie de Mito da Caverna moderno), visto na música “Sua Mãe Sabe Mais”. 

Recentemente, muitos fãs surgiram com teorias de que Rapunzel já previa em 2011 a pandemia de coronavírus. Obrigados a permanecer em casa com o propósito de não fazer o vírus circular, as pessoas precisaram se reinventar e criar formas de afastar o tédio e, até mesmo, a própria loucura. Quem diria que um dia estaríamos presos dentro das nossas torres, tentando imaginar ‘quando a minha vida vai começar’?

A animação também abre espaço para discutir a humanização dos vilões. A música “Um sonho eu tenho” é o exemplo mais palpável para isso. A fala anterior a canção já é significativa: ‘Eu tive um sonho uma vez’, parafraseada do discurso tão emblemático de Martin Luther King Jr. Entre muitas ‘(…) marcas, cicatrizes / inchaços e varizes’, os personagens vestidos com trajes viking almejam sonhos totalmente fora do padrão ‘malvado e violento’, como ser decorador e florista. Há, ainda, os que têm hobbies considerados femininos como o apreço à unicórnios, tricôs e à moda. O clichê ‘não levar pela aparência’ é válido para a trama, uma vez que a verdadeira vilã é a Mãe Gothel, a qual foge do completo estereótipo de ‘brutos, maus, golpistas e grotescos otimistas’. 

O próprio Flynn Rider (na verdade, José Bezerra) é outro exemplo de levar pelas aparências. O “príncipe” da vez, na verdade, não é nobre e muito menos rico. Ele se aproxima da realidade ao se mostrar um garoto órfão que, por sonhar com melhores condições de vida e muitas aventuras como nas histórias que escutava, acaba entrando na vida do crime. 

A fotografia do filme (responsabilidade de Alan Menken) é magnífica, toda trabalhada em tons de amarelo e roxo. O significado das duas cores se complementam já que uma remete ao sentimento de alegria e de otimismo, enquanto a outra reafirma o sentido de realeza, muito ligado ao conceito de espiritualidade. Todas essas ideias transparecem nas cenas, mesmo que seja de forma subliminar. 

A caracterização da personagem, com cabelos loiros e vestido lilás, é a mais clara: Rapunzel é a junção de todos esses sentimentos, principalmente na situação em que fica em dúvida se sua saída da torre é motivo de alegria ou não. O lado místico vem do poder curativo de seus cabelos, adquiridos de uma flor agraciada com um poderoso raio de luz solar. Essa combinação de cores promove, também, o ápice de toda a trama. Vejo, enfim, a luz brilhar marca o propósito da aventura do casal. Os tons de roxo e amarelo ficam mais evidentes, principalmente pelo contraste das luzes com o mar e o céu. 

Ainda sobre a espiritualidade das cenas, as lanternas remetem a uma cerimônia real que ocorre na Tailândia. O Festival das Lanternas é um evento dedicado a Buda e surgiu como um meio de libertar todo o sofrimento e levá-lo para longe. No filme, elas são uma forma do reino homenagear o aniversário da princesa perdida e confortar o coração de todos. A combinação da cena com a letra da música é encantadora e aquece o coração de quem a ouve. É quase impossível não se apaixonar por todo cenário, ainda mais porque o relacionamento romântico entre as personagens se mostra cada vez mais concreto. 

Graças à Enrolados (Tangled, no original), os lançamentos seguintes como Frozen e Moana puderem beber do mesmo conteúdo e trazer protagonistas mais coerentes com o mundo em que vivemos hoje. Em ambas as produções, a figura masculina já não é fundamental e torna-se coadjuvante. O heroísmo das princesas, mesmo ligada a certo tipo de magia, estão vinculadas ao seu poder de audácia e da perspicácia. O fato de serem independentes já é um grande salto em relação aos primeiros filmes como Branca de Neve e os Sete Anões e A Bela Adormecida. É inegável ver como o pensamento da época influencia o caráter mercadológico das produções. 

Além das animações, os live-actions de Aladdin e Mulan também apostaram nessas ideias. Mesmo com mudanças de roteiro, a interferência delas enriqueceram as produções e as tornaram mais realistas. Jasmine cantando Ninguém me Cala e Mulan liderando o batalhão imperial são as referências mais explícitas de citar o empoderamento de forma sutil e nada forçada. 

Dessa forma, a magia por trás de toda princesa é ser real e agir por ela mesma, sem perder sua essência para que possa atingir seus princípios. Apesar de Rapunzel ter ficado com medo de ir atrás dos seus sonhos, sua ambição e a voz do seu coração foram mais fortes que o medo da decepção. Pode-se dizer que agora, ‘tudo é novo, pois agora eu vejo/é você a luz’. 

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