Raquel Sampaio

“Charlie Brown não é meu emprego, Charlie Brown é minha vida”. São com palavras diretas como essas, nos intervalos entre as músicas do Chegou Quem Faltava, show gravado em 2011 e publicado em dois volumes em 2021, que Chorão coloca para fora toda a paixão e intensidade dedicadas ao maior projeto de sua história, a banda Charlie Brown Jr.. Carregado de muita nostalgia e um astral contagiante, o disco de 29 faixas chega para celebrar um legado e matar as saudades.

Desengavetar algo produzido há 10 anos pode contar com alguns percalços, principalmente relacionados à qualidade de imagens e captação de som, tendo em vista o avanço das tecnologias do audiovisual ao longo dos anos. Mas isso não acontece com Chegou Quem Faltava. O lançamento conta com uma qualidade de áudio e vídeo consideravelmente boa, capaz de transmitir sensações que passam toda a abundância enérgica do ao vivo, atualmente encoberta pelos tempos de isolamento.

Na formação da época estavam Chorão, Thiago Castanho (guitarra), Heitor Gomes (baixo) e Bruno Graveto (bateria). Com o Grammy Latino de Melhor Álbum de Rock Brasileiro fresco nas mãos, graças ao Camisa 10 Joga Bola até na Chuva, o quarteto protagonizou uma fase mais madura da banda. Sintonizada em estilos mais reflexivos de composição e roupagens mais melódicas, sem deixar de lado a potência expressiva presente desde o começo, seja no ao vivo ou em estúdio.

O show se inicia entregando a intensidade rotineira do Charlie Brown Jr., delimitando com clareza a sensação de “estou em um show de rock”, já que toda a influência hardcore, que usa e abusa de um som veloz e um instrumental pesado, se faz presente. Essa energia é vista com facilidade nas músicas dos álbuns Transpiração Contínua Prolongada e Preço Curto, Prazo Longo, escolhidas a dedo para integrarem o setlist da apresentação. O Côro Vai Comê é a faixa que, mesmo depois de tanto tempo, continua a levar o público ao delírio, como prova de que clássicos não envelhecem. 

O expoente que fez a banda decolar em 1997 nas mãos de Rick Bonadio vem com o sentimento extrovertido de quem estava chegando para invadir a cidade e fazer história. Outro sucesso do grupo, Proibida para Mim explora o astral irreverente de uma história de amor. Chorão dedicou a faixa à esposa Graziela Gonçalves no começo de seu namoro. Dotada de um frescor de juventude, a canção conquistou o mainstream e chegou a se tornar um dos temas da Malhação (1998), caminho que posteriormente a estourada Te Levar Daqui iria seguir.

Zóio de Lula não escapou da seleção que compõe o repertório do Chegou Quem Faltava. Com a sonoridade calcada nas raízes do reggae e do surf music, a faixa narra o típico dia de praia, relaxante e contemplativo. As misturas que flertam com reggae e hip hop, mostram que o espírito livre não estava apenas no estilo de vida do Charlie Brown Jr., mas também na musicalidade, ilustrado com frequência através da conexão praia-asfalto explorada nas composições da banda santista.

Não só de clássicos da juventude se faz um compilado de melhores hits e o restante do repertório conta com tons mais reflexivos, provenientes do amadurecimento da banda e consequentemente das letras de Chorão. A partir de 2005, com o lançamento do Imunidade Musical, o vocalista inaugurou uma espécie de marca registrada em sua linha de composição. Com uma visão de mundo mais ponderada, Chorão trouxe à tona um eu lírico mais sensível, e com maneiras mais metafóricas de expressão, se debruçou em letras no melhor estilo “sobre a vida”.

Adotando com mais naturalidade a substituição dos riffs de guitarra elétrica pelas linhas mais focadas no violão em algumas músicas, essa estética introspectiva caiu nas graças do público e consolidou a banda de vez, como fonte de mensagens inspiradoras. Senhor do Tempo traz uma ótica observadora que, alinhada ao baixo caprichado de Heitor Gomes, entrega um tom sereno à complexidade dos caminhos da vida explorados na poesia de Chorão. Outro clássico dessa toada é Dias de Luta, Dias de Glória, que através de arranjos mais tranquilos e de certa forma um pouco mais melancólicos, se mostra como mais uma faixa carregada de reflexão. 

Delineado pelas dualidades do cotidiano, o compositor dá vida a uma persona mais poética, que aposta em versos rimados e uma melodia sossegada. Só os Loucos Sabem é o tipo da música que Chorão não precisou se preocupar em cantar com todas as palavras no ao vivo – o coro uníssono do público emociona e enche o ambiente, demonstrando o sentimento sincero de quem “estava lá também”. Vinda do consolidado Camisa 10, a faixa ganha uma densidade maior com a adição de baixo e bateria no Chegou Quem Faltava.

Seja na fase “eu odeio gente chique, e eu não uso sapato” ou na pegada “um homem quando está em paz não quer guerra com ninguém”, uma coisa é inegável: Chorão é uma das figuras mais cativantes do rock nacional na posição de frontman. Essa essência fica clara em um dos depoimentos do documentário Chorão: Marginal Alado, dado por Marcelo Nova. O músico e amigo próximo narra um episódio em que foi fazer um show com o vocalista e, ao se deparar com a casa cheia e uma plateia majoritariamente jovem, enlouquecida com a presença de Chorão, declarou:  “Você é a Xuxa do rock”. 

Mesclando o poder incendiário das músicas agitadas à la Rage Against the Machine, com as melodias mais pacíficas vindas do amadurecimento poético da banda, Chorão se alicerçou como o porta-voz da juventude, sendo capaz de atravessar gerações. Sua figura performa aquele velho amigo, que ora está lá para narrar as aventuras mais intensas, ora para dar os conselhos mais sinceros.

Chegou Quem Faltava cumpre seu papel: matar as saudades e refrescar a memória sobre uma das bandas símbolo do rock nacional, que soube se reinventar e manter sua conexão com o público mesmo depois de quase 20 anos. O nome escolhido para o disco foi cirúrgico – era como algo que todos sabiam que estava guardado em algum lugar, só faltava chegar na hora certa. Reavivar o som potente dos eternos meninos de Santos, alinhado ao sorriso espontâneo de Chorão durante todo o show, não foi apenas uma celebração, foi um presente aos fãs, como prova de que independente de qualquer coisa, Um Dia A Gente Se Encontra.

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Jho Brunhara

Lorde é imprevisível. Após o Pure Heroine, era difícil imaginar que ela cantaria sobre festas e um coração partido, mas contrariou as expectativas e fez nascer o precioso Melodrama. Quatro anos depois, um casulo na maritimidade da Nova Zelândia e uma viagem para a Antártida, Solar Power está entre nós. Vamos ser sinceros: Ella Yelich-O’Connor se colocou numa posição difícil. Como superar o antecessor? Como manter o posto de voz da geração? A resposta vem através de um álbum que não quer ser nada disso. “Se você está procurando por uma salvadora, bom, não sou eu”.

A pressão constante de ser uma celebridade-deusa desde os 16 anos, aqui, persevera na mente da neozelandesa. Lorde revisita temas que já tinha refletido no Pure Heroine, mas, dessa vez, sendo parte central da realeza. E, no melhor jeito Hannah Montana de ser, implora pela chance de poder conciliar sua vida como artista mundialmente famosa e apenas uma garota comum, que quer aproveitar sua vida mundana e familiar em praias paradisíacas do Pacífico. 

O que chega primeiro aos ouvidos é a produção de Jack Antonoff. O vocalista de Bleachers é um gênio, vide Melodrama, mas, aqui, não parece alcançar o máximo de seu potencial. Ou será que estamos saturados dos dedinhos mágicos de Antonoff? Desde 2019, já ouvimos suas guitarras acústicas em Lover, e em Norman Fucking Rockwell!, e em folklore, e em evermore, e em Chemtrails Over The Country Club, e em Daddy’s Home, e em Sling, e em Take the Sadness Out of Saturday Night, e, agora, em Solar Power.

É inconcebível imaginar que, depois de ser jogado como peteca de um disco para outro nos últimos três anos, o produtor não ia misturar as bolas aqui e ali, repetir epifanias e não ser capaz de estabelecer fronteiras. Até a pessoa mais criativa do mundo tem seus limites. Apesar da insolação, a instrumentação ainda funciona, e homenageia o folk psicodélico e pop dos anos 2000 embalado por violões.

Se enjoamos de ler e ouvir sobre o ex-membro do fun., o caso de Lorde é o completo oposto. Ativamente longe de qualquer rede social desde a metade de 2018, todo o contato com o mundo exterior passou a ser através de raros e longos e-mails aos inscritos de sua newsletter, hoje, batizada de Boletim do Instituto Solar Power. Aproveitando do privilégio de se manter offline – sonho de todos aqueles que não aguentam mais o mundo digital mas não podem se dar ao luxo de se desconectar totalmente –, teve a oportunidade de ficar imersa em seu pequeno paraíso oceânico. 

Protegida por uma natureza exuberante, ruas seguras e um país que controlou rapidamente e de forma eficaz a pandemia do covid-19, Lorde pôde florescer debaixo do sol. Até a sua passadinha na Antártida deixou claro para ela que realmente odeia o inverno e não suporta o frio. O álbum se divide entre momentos triviais, como pegar uma praia com os amigos e amar seu cachorro, até a apreensão com o planeta pelas mudanças climáticas e dúvidas sobre seu próprio futuro.

Quando a inspiração se enche de questionamentos do que fazer e de quem ser, Ella não parece se importar muito em ter a resposta. Ainda que os comentários sociais sejam inevitáveis nas suas canetadas – Mood Ring é uma sátira à la The Fear sobre a cultura good vibes gratiluz –, a pretensiosidade de ter a última palavra, aqui, dá lugar para alguém que cresceu e aprendeu a apenas viver. O poder dos elementos naturais também deixou sua poesia mais sóbria e introspectiva, e humilde para admitir suas agonias internas mais vulneráveis. “Eu achei que era uma gênia, mas […] está começando a parecer que tudo que eu sei fazer é colocar uma roupa e subir num palco”.

Por mais que Lorde não queira o peso nos ombros de ser a salvadora de seu culto, ela parece não conseguir se desvencilhar totalmente da própria maldição. A faixa-título deixa escapar que, mesmo ainda tentando se encontrar, ela tem ideia de onde quer estar e nos convida para acompanhá-la. No fundo, Ella sempre vai precisar conviver com seu poder influenciador. Ela brinca sobre ser um “Jesus mais bonito”, mas, sinceramente, a iconoclastia nunca esteve tão fora de moda, e as celebridades são os santos do século 21. 

Enquanto Pure Heroine se apresentou como revelador e Melodrama visceral, Solar Power abre espaço para ser descontraído e menos mágico. Ainda assim, bom. Porém, em momentos soando brando demais, algo que faz sentido em seu universo de um dia preguiçoso de verão, mas que contrasta com a intensidade que já vimos Lorde alcançar, mesmo em canções sutis. 

Se agora sair de casa e aproveitar a vida ainda parece uma sugestão desconcertante, ao caminho que a pandemia perder força e finalmente a normalidade se aproximar – sendo otimista em relação às variantes –, o álbum tenderá a fazer mais sentido no pensamento coletivo. No momento, pode ser um pouco difícil aceitar a felicidade alheia das regalias de se ter tempo livre, um governo bom ou uma população vacinada, e não parece justo culpar aqueles que acharem a mensagem do disco gratuita demais ou no timing errado. Afinal, experiências individuais naturalmente afetam a percepção subjetiva da arte, ainda mais em um momento histórico como esse, de desigualdade acentuada. 

Solar Power é um longo dia de verão, e transita entre a brisa amena da manhã, raios a pino do meio-dia, a melancolia do pôr do sol e o mormaço do anoitecer. Lorde usa o Astro como musa para contar uma história tão antiga quanto o tempo, e, principalmente, se permitir crescer para longe de seus traumas e refletir sobre seus anseios, enquanto aceita a felicidade das coisas simples, mesmo que custe o orgulho de seu passado como gênia irrevogável. Esse é um álbum que é menos sobre o transcendental e mais sobre o ordinário, como uma flor qualquer que desabrocha no mato à beira da praia, singela quando comparada à espécies raras e deslumbrantes, mas, ainda assim, uma flor.

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