Nathan Sampaio

O herói, na definição clássica da literatura, é aquele capaz de se sacrificar pelo bem comum e mudar o cenário em que está inserido. Porém, mesmo tendo qualidades louváveis, ainda assim é preciso que existam falhas e defeitos em sua personalidade para torná-lo mais humano e realista. Não há nenhum personagem que se encaixe tão bem nessa definição quanto o Homem-Aranha, aquele que em sua origem aprendeu que “com grandes poderes, vem grandes responsabilidades” e na atualidade se tornou um símbolo do heroísmo. Poucas mídias conseguiram transpor essa sensação tão bem quanto o jogo Spider-Man, que completa cinco anos em 2023.

Após oito anos de atuação como Homem-Aranha, dessa vez Peter Parker terá que enfrentar a gangue liderada pelo Senhor Negativo, que busca matar o Prefeito Norman Osborn e causar o caos em Nova York. Ao mesmo tempo, o herói precisará lidar com questões pessoais, como o trabalho na Octavius Industries, a ação voluntária na organização F.E.S.T.A e a relação com sua ex-namorada Mary Jane. 

O popular cabeça de teia é um dos personagens mais adaptados para os videogames, tendo mais de 30 títulos lançados, que vão do Atari até o PlayStation 4. Porém, desde Spider-Man Shattered Dimensions, publicado em 2010, não havia um game que fosse bom e carismático o suficiente para cativar público e crítica. O anúncio feito na Electronic Entertainment Expo em 2016 prometeu uma renovação do herói na mídia, e, felizmente, isso se provou mais do que correto. 

Desenvolvido pela Insomniac Games, a mesma de Ratchet & Clank e Sunset Overdrive, e com direção de Bryan Intihar, o novo jogo do escalador de paredes chegou como um estrondo no mundo dos games. O exclusivo de PlayStation 4 soube reunir as melhores mecânicas dos jogos anteriores do teioso com uma história original e intrigante, uma combinação tão bem executada que tornou Spider-Man um clássico instantâneo da oitava geração de consoles. 

Os roteiristas Jon Paquette, Benjamin Arfmann, Kelsey Beachum, Christos Gage e o consultor de Dan Slott buscaram os elementos centrais de uma boa história do Homem-Aranha para compor o enredo, propondo assim uma narrativa original, mas traços de familiaridade. Dessa forma, surge um Peter mais velho e experiente, com um vasto background de atuação como herói, algo pouquíssimo explorado em outras mídias, só tendo ocorrido na trilogia do Sam Raimi nos anos 2000.

Embora a história tenha um ponto de partida simples e até mesmo clichê, são os desdobramentos dos problemas e a relação entre personagens que tornam a experiência de jogar mais refrescante e gostosa. Paquette, diretor de roteiro, fez questão de incluir os principais rostos que rondam a mitologia do herói, como Mary Jane, Tia May, J. Jonah Jameson, Dr. Octavius e Miles Morales.

Sendo divulgado com o lema “Be greater” ou “Seja o maior”, o game destaca o heroísmo de Peter. Há muitos momentos que buscam testar os limites do protagonista como herói da cidade e é comovente o quão longe Parker está disposto a ir para fazer o bem ao próximo. Essas atitudes não ficam restritas apenas ao enredo principal, mas se expandem para missões secundárias em que o jogador precisa salvar cidadãos por toda a cidade. 

O ápice do altruísmo está na cena final, em que ele precisa tomar uma decisão difícil para salvar a cidade inteira, criando o momento mais emocionante do jogo e um dos pontos mais altos das adaptações do herói. Outro aspecto muito interessante da narrativa é a lição de confiar em outras pessoas que o protagonista passa: ao longo da história, é necessário estabelecer uma relação de confiança com MJ e Miles, pois só dessa forma é possível derrotar os vilões.

A Insomniac apresentou a melhor versão de Peter Parker já adaptada para os videogames. Isso porque os desenvolvedores souberam desenvolver com maestria cada aspecto da personalidade do protagonista: ele é gentil, amoroso, inseguro, ingênuo, justo e acima de tudo bondoso. Essa complexidade de emoções só é possível porque acompanhamos tanto a vida pessoal quanto a rotina de herói do personagem, e a junção de ambas é essencial para a compreensão total da história e para a construção da persona do Homem-Aranha. 

Já Mary Jane não é só perfeitamente adaptada, quanto essa é a melhor versão já feita dela. Isso se deve a sua profissão como jornalista, na qual ela deixa claro que não precisa da proteção do teioso para enfrentar vilões, descobrir conspirações, se infiltrar em gangues ou ajudar a salvar reféns. MJ é independente, astuta, inteligente e corajosa, ou seja, ela é muito complexa, transcendendo o simples papel de namorada do protagonista. 

A direção de Intihar brinca com nossas expectativas ao jogar Homem-Aranha, principalmente no caso do personagem do Doutor Octavius, que começa como um mentor e amigo de Peter e aos poucos a sua ambição e o sentimento de vingança com Norman Osborn faz com que enlouqueça e se torne um vilão, uma trama bastante parecida com Homem-Aranha 2 (2004). A narrativa transforma a história de Otto em uma tragédia, pois não importa o que Parker faça, nada irá alterar o destino dele, e isso mexe muito com as emoções dos jogadores. 

Enquanto isso, Senhor Negativo, vilão principal durante parte da narrativa, é o protagonista em sua própria história pela maneira como tem sua origem contada, tornando-o um anti herói em busca de vingança. O mistério ronda a sua persona e descobrir suas motivações e identidade é uma investigação cativante. Além disso, a ameaça que ele representa ao Homem-Aranha é gigantesca, tanto que os embates entre eles estão entre os trechos mais memoráveis do jogo. 

Outros coadjuvantes ajudam a tornar o entorno do protagonista mais vivo. Tia May, por exemplo, atua como voluntária na organização F.E.S.T.A, que presta auxílio a moradores de rua, e serve como uma mentora para os momentos de maior tristeza de Peter. Por outro lado, J. J. Jameson possui um podcast chamado Aos Fatos, no qual espalha desinformação sobre as ações do Spider-Man. O mais divertido disso é ouvir os relatos dele após realizar as missões da campanha. 

Também nos deparamos com Miles, um adolescente e fã do Homem-Aranha, que acaba se envolvendo com Peter e MJ após um atentado que ocorre com o seu pai. Apesar da tragédia que ronda o personagem, ele traz uma leveza à trama e causa entusiasmo para curioso sobre o seu futuro. Atualmente, no universo do jogo, Morales se tornou um Spider-Man e tem uma DLC solo lançada em 2020. 

Todas essas figuras estão acompanhadas de uma dublagem caprichada, tanto na língua original quanto na versão brasileira. Yuri Lowenthal e Diego Marques como Peter Parker conseguem equilibrar a gentileza com a coragem, formulando um herói único e que se destaca dentre as várias adaptações. Laura Bailey e Rebeca Zadra dão vida a MJ mais desenvolvida até então, e suas atuações auxiliam a impor sua personalidade. Nadji Jeter e Ítalo Luiz fazem um jovem Miles que realmente se parece com um adolescente, e a esperança e carisma são palpáveis. Já William Salyers e Silvio Toledo transmitem com perfeição a dor de Otto durante toda a sua jornada.  

A decisão de manter os nomes originais na dublagem brasileira foi um dos aspectos mais questionados pelo público, pois todos os consumidores já estão acostumados com as traduções, como Homem-Aranha, Abutre, Escorpião e, Homem-Areia. Porém, por motivos de padronização da marca, a Sony decidiu manter as pronúncias em inglês, o que não soa natural aos ouvidos dos gamers do Brasil.

Apesar das viradas dramáticas e muito emotivas, a palavra que melhor define a experiência de Spider-Man é diversão – e tudo isso se deve ao gameplay. Trazendo inspirações da série Batman Arkham, como a roda de equipamentos e o sistema de esquiva, além de resgatar mecânicas já utilizadas em jogos anteriores do cabeça de teia, a equipe de programação, liderada por Joseph Valenzuela, atinge o auge da movimentação fluida, dinâmica e ágil. A união disso com uma resposta rápida dos controles faz com que o jogador se sinta na pele do Homem-Aranha.  

A variabilidade de equipamentos, habilidades, poderes e missões fazem com que jogo não se torne enjoativo. Cada atividade se torna diferente da anterior, principalmente porque em algumas delas o game deixa a cargo do jogador a melhor maneira de se resolver aquela situação. Essas pequenas alterações aumentam os fatores de diversão e replay de uma nova jogatina. 

Os trechos de gameplay mais criticados por jogadores e jornalistas são as missões stealth, principalmente as que são necessárias jogar com MJ e Miles. Tais momentos quebram o ritmo do jogo e podem ser chatos, porém ainda são partes essenciais para criar uma variabilidade nas missões e aprofundar esses coadjuvantes através de suas atitudes. Além disso, esses trechos são tão poucos e curtos que não pesam tanto quando se observa toda a obra.

A recriação e ambientação de Nova York também é incrível, principalmente os pontos turísticos que são bastante fiéis à realidade. Intihar busca inserir lugares fictícios, que auxiliam na construção de um universo muito maior do que aquele visto durante o jogo. Alguns exemplos são a embaixada de Wakanda, Torre dos Vingadores, Sancto Sanctorum, Agência de Advogados Nelson e Murdock, entre outros easter eggs divertidos. 

Já a trilha sonora composta por John Paesano é espetacular, se encaixando perfeitamente na temática heróica. Mesmo quando o player está apenas passeando pela cidade, uma música ambiente transmite a sensação de estar em um filme. As composições de Spider-Man foram indicadas em quatro premiações diferentes, sendo elas International Film Music Critics Award, Etna Comics International Film Festival, Hollywood Music in Media Awards e The Game Awards, mas infelizmente não ganhou nenhuma delas. Foi somente a DLC isolada de Miles Morales que conquistou o prêmio de Melhor Música no BAFTA Games Awards. 

Homem-Aranha teve uma recepção calorosa, com notas positivas da crítica especializada e sendo considerado um dos melhores jogos de super-heróis já feitos, superando até mesmo os recentes games do Batman. Felizmente, esse universo foi expandido no conjunto de DLCs chamado A Cidade Nunca Dorme, que além de aprofundar as questões do relacionamento de Peter e MJ, também expandiu Nova York, apresentando o submundo da máfia. Até mesmo Miles teve sua expansão solo, Spider-Man Miles Morales, que ajudou a trabalhar com mais calma esse personagem que será muito importante no futuro da franquia.

Spider-Man é o jogo definitivo do cabeça de teia, trazendo uma história cativante, emocionante e muito bem contada, junto de personagens complexos e apaixonantes. Tudo isso é inserido em mecânicas formidáveis e divertidas e fazem com que a obra se torne o melhor jogo de super-herói já feito. Além disso, o game tem elementos bons o suficiente para afirmar que também é uma das histórias mais incríveis e emotivas já contadas dentro de um universo de heróis.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

O haiku é uma forma de poesia curta japonesa definida por três versos de 5, 7 e 5 on (sílabas poéticas). Esses on são então cortados por um kireji, uma palavra que revela a justaposição entre duas imagens, e um kigo, uma referência sazonal que descreve a natureza e a estação.

Não é por acaso que uma das atividades disponíveis em Ghost of Tsushima, o último grande exclusivo do PlayStation 4, seja a composição de tais poemas que refletem diversos questionamentos como morte, vida, sobrevivência, paz e tradição. De fato, a estrutura do haiku tradicional parece informar grande parte da experiência do título.

Desenvolvido pela Sucker Punch Productions, a mesma por trás de séries como inFamous e Sly Cooper, Ghost of Tsushima se trata de uma ficção histórica que narra a invasão mongól no Japão em 1274. Nela, o jogador toma controle de Jin Sakai, um samurai que sobreviveu ao início da invasão e que agora precisa partir de suas tradições para derrotar os invasores e se tornar o titular “Fantasma de Tsushima”.

Como um haiku, muitas das características do título vem em trios. A história é dividida entre três atos, cada qual narrando um objetivo claro na jornada de Jin, e o conflito do personagem é baseado na justaposição entre a tradição de honra e respeito dos samurais e a necessidade de se adaptar a um inimigo que não respeita as regras de confronto que essa tradição demanda.

Jin, interpretado habilmente por Daisuke Tsuji (The Man in the High Castle), é um protagonista reservado, revelando pouco de si próprio através de suas palavras, deixando que seus atos falem por ele. Várias das nuances da personagem vão do próprio jogador ao decidir diálogos e maneiras de se abordar um determinado conflito. No entanto, há uma distinta dissonância na liberdade que o jogo oferece durante a gameplay e a falta de impacto que tais escolhas têm na trama principal. 

Há apenas uma escolha que afeta diretamente a narrativa, mas ela só vem no fechamento da história de Jin e, apesar de ser interessante, apenas enfatiza a falta que elas fazem ao longo da campanha. Essa abordagem representa um afastamento do sistema de Karma da série inFamous, que media o progresso do jogador entre ser um herói ou um vilão com base nas suas ações durante o jogo. É possível ver o porquê da Sucker Punch ter optado por uma trajetória de desenvolvimento mais sutil, que deixa em aberto a moralidade das ações de Jin e que não o julga explicitamente por qualquer escolha.

Existem três tipos de narrativas ou “contos”, como o jogo as chama: os que narram a lenda de Jin; as que contam as lutas secundárias dos personagens de Tsushima depois da invasão mongól, e os contos míticos narrados por um músico andarilho que fornecem equipamento e habilidades especiais. Todas essas atividades agregam ao sistema de progressão do jogo, que dispensa níveis e prefere medir o progresso do jogador através do impacto das ações de Jin na ilha de Tsushima, fornecendo novos equipamentos toda vez que a sua lenda cresce.

A história em si é escrita de maneira engajante, porém pouco inventiva, oferecendo uma jornada que faz perguntas previsíveis e não expande muito suas respostas. Apesar disso, ela apresenta personagens secundários memoráveis com tramas pesadas e relevantes, que se revelam integrais para a jornada pessoal de Jin. Há a história de um sensei aposentado rastreando sua última e traiçoeira pupila, uma ladra disposta a tudo para salvar seu irmão e a de uma idosa matriarca em busca de vingança, redenção e sangue.

 Apesar de algumas das atividades progredirem a lenda de Jin mais do que outras, há uma sensação real de que todas elas valem a pena ser perseguidas, em parte por conta dos excelentes diálogos, mas também por causa do quão prazeroso é se locomover pelo ambiente de Tsushima. A nova produção da Sucker Punch é construída sobre três pilares principais: exploração, combate e furtividade.

Tomando como inspiração obras consagrados como The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017) e Shadow of the Colossus (2005), o jogo faz o possível para tirar elementos não diegéticos da tela, guiando o jogador através da mecânica do “vento guia”, que sopra na direção do objetivo selecionado a partir de um simples toque no touchpad do DualShock 4, criando praticamente uma bússola orgânica que se encaixa perfeitamente nas paisagens verdejantes da ilha.

É uma adição interessante, e que funciona em virtude da capacidade gráfica e do design visual do título, que possui centenas de partículas no cenário em qualquer dado momento, prontas para se movimentarem na direção que o vento demandar. Cavalgar pela ilha é como se mover dentro de uma pintura, passeando por paisagens idílicas e tropeçando em momentos em que a câmera se afasta do jogador e a composição de cores no céu é simplesmente certa. É um desafio real não parar a cada 5 minutos para tirar screenshots com o excelente Modo Foto do título.

O combate é o elemento mais refinado de Ghost of Tsushima, tirando diversos elementos de títulos contemporâneos como Sekiro: Shadows Die Twice (2019) e Nioh (2017). A arma principal de Jin é sua katana, que pode ser reforçada para dar mais dano ao longo do jogo. Toda vez que sua lenda cresce, Jin ganha acesso a novas “Armas Fantasmas”, equipamentos que lhe dão vantagens sobre os inimigos mongóis, como facas arremessáveis (kunais), bombas de fumaça que cegam seus oponentes e até mesmo uma zarabatana capaz de envenená-los rapidamente e causar terror entre os invasores. Ao derrotar inimigos mais fortes, Jin vai aprendendo novas “posições” que se adequam a diferentes tipos de ataques.

O foco do sistema de combate está na troca rápida entre posições e no uso eficiente de todas as ferramentas à sua disposição. Ele possui uma curva de aprendizado íngreme, demorando para que o jogador adquira novas posições e aperfeiçoe seus equipamentos, mas que se revela em uma das partes mais recompensadoras do jogo. 

Depois de dominado, o combate de Ghost of Tsushima é a mais perfeita emulação dos duelos climáticos do cinema chanbara aplicada em larga escala, com letalidade evidente em cada golpe. O título da Sucker Punch até mesmo oferece um modo de exibição que deixa a tela em preto e branco, com uma textura fílmica e dublagem em japonês denominado Modo Kurosawa (inspirado, é claro, no lendário cineasta Akira Kurosawa).

Quase todo confronto oferece a Jin a possibilidade de se revelar e exigir um duelo contra um de seus oponentes: é a clássica cena em que quem ataca primeiro é derrotado com apenas um golpe. O jogo aplica essa mecânica de maneira inteligente, recompensando o jogador por sua precisão e penalizando-o por sua desatenção. Há momentos em que se revelar e derrotar instantaneamente cinco mongóis enquanto o resto fica aterrorizado é a estratégia mais atraente, mas talvez não a mais inteligente (mas é sempre a mais estilosa, diga-se de passagem).

Diferente do seu refinado combate, o sistema de furtividade é bem básico, oferecendo poucas alternativas que o distinguem de outros títulos. Você pode atacar inimigos silenciosamente e atirar com arcos para eliminá-los à distância, mas com exceção de algumas poucas ferramentas, não há maneiras interessantes de se abordar furtivamente uma situação de conflito. Ainda é um sistema que pode ser satisfatório, mas nunca tanto quanto o combate aberto.

E isso é importante, considerando que o conflito do personagem se baseia na oposição entre as duas abordagens. É possível jogar Ghost of Tsushima como um perfeito samurai, com honra e integridade, sem nunca atacar das sombras (exceto quando o jogo te obriga) e ainda assim ter Jin  retratado na história como o temeroso Fantasma. Ao todo, a furtividade é algo inconstante que oferece poucas opções, mas que não chega a ser desagradável.

Algo que é constante, no entanto, é a excelência da trilha sonora ao longo da aventura. Composta por Ilan Eshkeri e Shigeru Umebayashi, ela se adapta constantemente às decisões do jogador, partindo de uma cavalgada pacífica em um campo de flores para o combate épico entre samurais de maneira espontânea e harmoniosa, imergindo o jogador no cenário e na narrativa. 

É uma trilha sonora primorosa, traduzindo a jornada emocional de Jin em um tema sóbrio, melancólico e energizante. Ela evoca tanto o cenário quanto suas personagens de maneira sutil, com destaques para o tema da Senhora Masako e a sublime The Way of the Ghost, que conta com vocais da cantora Clare Uchima. O primeiro momento em que somos lançados cavalgando no mundo aberto do jogo e Jin estende a mão para alcançar as folhas no chão é quando os visuais, a sonorização, a trilha e outros diversos aspectos entram em sinergia e criam uma das aberturas mais memoráveis da história recente dos videogames.

Ghost of Tsushima chegou no final da geração, representando uma agregação de tudo o que foi desenvolvido ao longo dos últimos anos em jogos de mundo aberto e aperfeiçoando aquilo que ainda faltava. A mais nova IP da Sucker Punch Productions chega em um ano povoado por continuações aclamadas como The Last of Us Part II, Animal Crossing: New Horizons e DOOM Eternal, mas faz sua própria marca tirando inspirações de diferentes fontes e criando um dos mundos abertos mais coesos e engajantes dos últimos anos. O jogo já coleciona troféus por sua direção de arte e trilha sonora, contando ainda com mais de 50 prêmios de Jogo do Ano.

Quando a história da invasão mongól falha em prender nossa atenção, os personagens dela e o mundo em que elas habitam capturam nossa imaginação. São as cavalgadas ao pôr do sol, os duelos sangrentos sob folhas de outono e a viagem sombria de um jovem samurai para se tornar um fantasma que nos fazem seguir adiante.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Lançado inicialmente para o PlayStation 2 em 2005 e mais tarde remasterizado para o PlayStation 3 e inteiramente refeito para o PlayStation 4, Shadow of the Colossus possui um legado especial na história dos videogames. Estreando próximo de jogos clássicos de mundo aberto como Grand Theft Auto: San Andreas, considerado um dos formadores do gênero, a obra prima de Fumito Ueda e do Team Ico permanece tão influente hoje quanto foi 15 anos atrás. Inspirando incontáveis análises de sua narrativa trágica e de seu game design que vai de contrapartida a muitas tendências atuais.

Shadow of the Colossus é de uma simplicidade, de fato, colossal. No papel do jovem guerreiro Wander, o jogador deve enfrentar e derrotar os 16 colossos que vagam pelas Terras Proibidas, armado com uma espada, um arco e uma fiel montaria, com o objetivo de ressuscitar Mono, uma mulher que foi sacrificada por ter um destino amaldiçoado.

A história é contada de maneira propositalmente vaga, deixando que o jogador trace os laços que envolvem a narrativa e as personagens. Não sabemos exatamente qual é a relação de Wander com Mono, apenas que ele está disposto a matar montanhas para tê-la de volta – e talvez seja apenas isso que precisamos saber. Sabemos que uma misteriosa entidade chamada Dormin afirma ser capaz de trazê-la de volta caso o protagonista derrote os 16 colossos que habitam as Terras Proibidas.

Como um mito, a história de Shadow of the Colossus se desenvolve não na complexidade das motivações de suas personagens, mas na inevitabilidade e nas consequências de seus atos. Assim como a busca de Orfeu para salvar Eurídice das garras do Hades, a busca de Wander também é descrita como um feito impensável, ridículo até, tornado possível apenas pelo humor de um deus curioso.

Após deixar o corpo de Mono em um altar, Wander sobe em sua égua, Agro, e parte em direção ao primeiro colosso, guiado por sua espada mágica, capaz de identificar os pontos fracos das bestas. O loop de jogabilidade fica claro desde o início: use a espada para achar os colossos, descubra seus pontos fracos, ache um caminho até eles e se segure para não cair.

 A simplicidade do loop impede que ele se torne repetitivo, já que cada gigante age como um quebra-cabeças em si próprio, exigindo destreza e coragem para derrotá-lo. No primeiro momento que nos deparamos com um colosso, a tarefa parece impossível. É como ver um rato se impondo contra um urso, uma diferença que não é descrita como desafiadora tanto quanto plenamente insana.

Em contrapartida das fantasias de poder que jogos da época como God of War ou Devil May Cry costumavam oferecer, Shadow of the Colossus enfatiza a cada momento a inferioridade e a fragilidade de Wander perante os majestosos colossos, alguns dos quais sequer percebem a sua presença até que este comece a ofensiva. Wander reage brutalmente aos ataques dos colossos, tropeçando conforme eles se chacoalham e até desmaiando por vários segundos depois de um golpe especialmente bem dado. É uma abordagem refrescante de uma das facetas mais clássicas  de videogames: a boss fight.

Matar cada colosso é uma experiência singular: desde a cena climática em que somos apresentados ao titã, até o momento em que descobrimos seu ponto fraco e traçamos uma rota e uma estratégia para chegar até ele. E, é claro, o instante em que dá tudo errado e precisamos improvisar para sobreviver à monstruosidade da tarefa em si. 

O momento em que um colosso cai pode ser descrito de muitas formas, mas alegre não é uma delas. A música épica é cortada inteiramente, dando lugar a uma trilha melancólica e sombria, enquanto vemos a luz dos olhos do gigante se apagarem e o peso de seu corpo desabar sobre o chão, uma massa de couro, pelo e pedra se tornando ruína.

“A música [de Shadow of the Colossus] soa como se você tivesse salvado alguém que ama, mas que você não foi capaz de salvar todos que ama. Por exemplo, na faixa ‘End of the battle’ você acharia que a música seria triunfante depois de uma vitória. Mas, como um todo, essa trilha sonora se assemelha mais a uma prece ou a um réquiem.”

Kow Otani, compositor.

É um ato essencialmente egoísta da parte de Wander e consequentemente, do jogador, caçando essas belas criaturas não porque elas são agressivas ou perigosas, mas simplesmente porque ele não consegue aceitar o luto e a perda de Mono.

Como dito anteriormente, Shadow of the Colossus é de uma simplicidade colossal, mas também é um jogo pequeno de dimensões gigantescas. É possível completá-lo em cerca de 7 horas em uma primeira jornada. No entanto, é ao longo dessa jornada do herói para enfrentar os 16 colossos que vemos a dimensão de sua perda, nas planícies pelas quais ele vaga, nos vales em que ele adentra, nos desertos pelos quais ele cautelosamente cavalga. A solitude daquele lugar abandonado pela vida humana é muitas vezes comovente e, frequentemente, trágica.

Os controles, na época do lançamento original, não eram os melhores e a taxa de quadros por segundo era no melhor dos casos inconstante. Era claramente um jogo à frente de seu tempo no que diz respeito ao hardware do PlayStation 2. A maior parte desses defeitos foi corrigido nos lançamentos posteriores, com o remake rodando em 4K e 60fps no PlayStation 4 Pro. 

Porém, a desenvolvedora Bluepoint Games, responsável por essa versão, acertou ao não comprometer a visão artística da obra original, mantendo a dificuldade de Wander ao guiar Agro e acertando os controles para ficarem mais confortáveis, mas não menos difíceis de se dominar. 

Com o desenvolvimento de mundos abertos, começamos a ver cada vez mais desenvolvedores focando em encher esses lugares de atividades, pessoas, animais e narrativas, num esforço para torná-los mais vivos. Em contrapartida disso, Shadow of the Colossus te coloca em uma terra vazia, salvo pelo protagonista e alguns animais terrestres e aéreos. E, é claro, os colossos. Parece irônico que nosso objetivo aqui seja essencialmente tornar esse mundo ainda mais vazio.

Até mesmo títulos modernos como o simulador de samurai Ghost of Tsushima, da Sucker Punch Productions, tiram inspiração da abordagem de mundo aberto de Shadow, oferecendo direcionamento mínimo e diegético para o jogador, com longos planos abertos e de cores vibrantes que o imergem na fantasia.

De maneira similar, os mundos em ruínas da From Software, da série Souls e Bloodborne (alguns dos jogos mais influentes da década em termos de game design e narrativa interativa) são claramente influenciados pela visão que Fumito Ueda e o Team Ico tiveram em 2005: para um mundo ser vivo ele precisa existir de maneira independente do jogador, suas arquiteturas e topografias precisam servir antes a si mesmas e não as mecânicas de jogo. O jogador precisa se adaptar a lógica interna desses lugares para que eles se tornem verdadeiramente reais.

No esforço de Ueda para transmitir essa solidão alienante do resto do mundo, não há um sistema de combate ou inimigos menores que se interponham entre um colosso e outro. Há apenas Wander, Agro e os colossos, vagando pela imensidão em um silêncio pesado e esmagador.

O som da obra é quieto e contido, reservando suas sessões operáticas e grandiosas para as lutas contra os colossos, deixando o jogador na maior parte do tempo com os grunhidos de Wander ao escalar os obstáculos da região e os relinchos e cascos de Agro. Nas partes que toca, a trilha de Kow Otani brilha ao transmitir a enormidade e o mistério de cada colosso enfrentado de maneira singular. Vemos todos esses elementos entrando em conjunto na icônica abertura do jogo, que nos fornece um vislumbre da atmosfera e da vastidão de seu mundo.

Em 2005, o game alcançou sucesso comercial e crítico, sendo recebido como um marco no desenvolvimento de jogos eletrônicos e uma afirmação de seu potencial artístico. Maximizando sua abrangência através de uma premissa simples e acessível, uma jogabilidade intrigante e uma narrativa capaz de emocionar até mesmo em seus momentos mais silenciosos.

Na sombra de cada colosso há uma história de vitória e fracasso, de satisfação e culpa. Na quieta reflexão sobre luto e mortalidade que é Shadow of the Colossus 15 anos depois, nós não somos o herói galante, mas sim um mero peão, inconscientes das consequências de nossos atos, enfrentando montanhas em busca do impossível.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

“Em uma noite escura,
Com ânsias em amores inflamada
– Ó ditosa ventura! –,
Saí sem ser notada,
Já minha casa estando sossegada;

No escuro e bem segura,
Pela secreta escada, disfarçada
– Ó ditosa ventura! –,
No escuro e bem velada,
Já minha casa estando sossegada.

Nessa noite almejada,
Em segredo, que mais ninguém me via,
Nem eu olhava nada,
Sem outra luz ou guia
Senão a que no coração ardia.”

— Em uma noite escura, San Juan de La Cruz (tradução de Carlito Azevedo)

Escrito por São João da Cruz, frade carmelita espanhol do século XVI, Em uma noite escura trata da passagem da alma através das dúvidas e das mazelas em direção à união com Deus. Nessa “noite”, passamos por um caminho que é, por sua própria natureza, incompreensível. Nos sentimos alienados em um mundo sem sentido e arbitrário, cada vez mais distantes do divino.

Narrativamente na “noite escura da alma” vemos nossos personagens incertos e desolados, vagando sozinhos noite adentro e atormentados por coisas piores que o homem. É um momento de dor e sofrimento, mas também de descobrimento e revelação, no qual reconstruímos as pessoas que éramos e achamos uma verdade profunda em nós mesmos. É nessa noite terrível e reveladora que as personagens de The Last of Us Part II habitam. 

Anunciado ao final de 2016 para o PlayStation 4, The Last of Us Part II se tornou rapidamente um dos jogos mais aguardados da atual geração de consoles. Após diversos atrasos em sua produção, o jogo foi finalmente lançado em 19 de junho exclusivamente para o sistema da Sony, angariando uma recepção majoritariamente positiva por parte da crítica especializada, assim como controvérsias por conta de vazamentos ocorridos alguns meses antes de seu lançamento.

Sequência direta do sucesso de 2013 da Naughty Dog que vendeu mais de 20 milhões de cópias e se tornou um dos jogos mais premiados de todos os tempos, The Last of Us Part II começa quase imediatamente após o final do primeiro, com Joel (Troy Baker), o então protagonista da história, explicando a seu irmão Tommy (Jeffrey Pierce) sua decisão de salvar a vida de Ellie (Ashley Johnson), uma garota de 15 anos que é, de alguma maneira, imune à infecção fúngica que destruiu a sociedade duas décadas atrás.

Após um breve e tocante momento entre Joel e Ellie, avançamos 4 anos no tempo e tomamos controle dela, que vive pacificamente na comunidade de Jackson, Wyoming comandada por Tommy e sua esposa, Maria. Nesses momentos iniciais, vemos como a vida dela se assemelha a de uma adolescente comum: como ela se distanciou de Joel nos anos que se passaram e como ela tem de lidar com seus sentimentos por Dina (Shannon Woodward), sua melhor amiga que a beijou na frente de toda a comunidade na noite anterior.

No entanto, essa paz logo é interrompida por um evento traumático e violento que coloca Ellie em um caminho de vingança atrás daqueles que a machucaram, levando-a até as ruínas da cidade de Seattle, palco de uma guerra civil entre duas facções de sobreviventes igualmente interessadas em aniquilar uma à outra. É nesse cenário apocalíptico e desolador que Ellie parte à procura de sua própria justiça e paga o preço sangrento por ela ao longo do caminho.

As melhores histórias sobre zumbis e a queda da sociedade nunca são só sobre mortos-vivos e vírus misteriosos, mas sobre a perda da humanidade que nos leva aos nossos piores momentos. Apesar dos monstros da franquia Resident Evil terem ficado cada vez mais grotescos com o passar dos anos, sua maior vilã continua sendo a coisa mais distante possível da humanidade: uma megacorporação.

Em The Last of Us, a humanidade que Joel sente que perdeu por não ter conseguido proteger sua filha é reivindicada na conexão que ele forja com Ellie, uma garota que assim como ele não tem mais ninguém. Na sequência, essa humanidade é mais uma vez perdida nos ciclos de violência e ódio que nos cercam e dos quais nós inexoravelmente fazemos parte.

Em sua busca por justiça, Ellie passa por momentos arrasadores nos quais somos obrigados a olhar para ela e questionar se tudo aquilo vale realmente a pena: como justificar as atitudes que ela (e por consequência a própria pessoa que está jogando) comete? Essa jornada brutal de retribuição acontece em uma cidade dilacerada pela guerra e reclamada pela natureza, em um dos cenários mais belamente realizados da geração, que contrasta cruelmente com as ações que presenciamos, tanto por parte de Ellie quanto por outras personagens em suas próprias jornadas. 

O jogo não procura deslegitimar a sede por justiça de nenhuma das personagens, muito pelo contrário: toda as elas possuem justificativas para os atos que cometem e a narrativa nunca pede que quem está jogando esqueça disso. Para que o ciclo de violência se perpetue, é imperativo que estas justificativas sejam inquestionáveis e, até certo ponto, quase dogmáticas. Nós inicialmente não questionamos o direito de Ellie de ir atrás daqueles que, na nossa visão, merecem o peso de tal vingança.

Parte do gênio de The Last of Us Part II está na maneira com que ele rejeita esses imperativos, à procura de uma jornada mais honesta do que estamos acostumados a esperar de narrativas que revolvem ao redor de vingança e de injustiça.

O jogo é estruturado de maneira mais complicada que seu antecessor, que se passa ao longo de pouco mais de um ano e é separado por estações que dão espaço para as personagens aprofundarem suas relações fora da tela. Aqui, Neil Druckmann (The Last of Us, Uncharted 4: A Thief’s End) e Halley Gross (Westworld, Too Old to Die Young), roteiristas da sequência, utilizam o tempo de maneira mais lúdica e maleável. Há digressões para os anos em que Ellie passou crescendo em Jackson que ajudam a recontextualizar cada vez mais suas motivações, contribuindo para um desenvolvimento cada vez maior da personagem.

Ao todo, é louvável ver o quanto The Last of Us Part II não está interessado em agir apenas como uma mera sequência, mas sim como uma obra completa e independente, com implicações extensas e profundas no resto da narrativa. Não há sentido em escrever uma sequência que não procure enfatizar as implicações do final do primeiro jogo ou que termine reproduzindo o mesmo status quo dele. A única justificativa para retornar a essa história e a estes personagens é a de contar algo que tenha o tipo de impacto que estamos vendo.

Todas as mecânicas do jogo também são estruturadas ao redor de sua narrativa e reproduzem elementos de suas personagens. É importante notar o quanto a Naughty Dog se utiliza de técnicas cinematográficas nas suas histórias e o quanto elas só são possíveis por conta da tecnologia e do orçamento necessários para trazer performances tão detalhadas de seus atores.

Outros estúdios, principalmente estúdios independentes, também estão contando histórias cada vez mais humanas e detalhadas, como Hollow Knight e Celeste, mas que não recebem a mesma atenção que um blockbuster como The Last of Us Part II. Isso não é um argumento contra ou a favor do jogo, apenas algo que deve ser levado em consideração quando falamos sobre jogos no geral.

Todo o elenco atua de maneira impecável, tanto aqueles que já conhecíamos quanto as novas adições da trama. Troy Baker continua sendo excepcional no papel de Joel, agregando nuance e profundidade a um personagem já famoso por sua complexidade e ambiguidade moral. Shannon Woodward, veterana de Westworld, trabalha muito bem e é capaz de transmitir o relacionamento entre Dina e Ellie em poucas palavras, nos ajudando a completar lentamente as lacunas dos últimos 4 anos desde o final do jogo anterior. Laura Bailey faz Abby, uma mulher misteriosa em sua própria jornada de retribuição que cruza com o caminho de Ellie de maneira inesperada.

O trabalho de Ashley Johnson ao interpretar uma Ellie mais velha, mais distante e obstinada e ao mesmo tempo ser capaz de voltar para a garota mais jovem e otimista que conhecíamos do primeiro jogo durante as digressões da narrativa não é nada menos do que fenomenal e digno de todo e qualquer prêmio que essa indústria seja capaz de oferecer. Parecem haver milhares de emoções em apenas um único momento do jogo, que não se contenta apenas em te dizer como as personagens estão se sentindo, mas te dá liberdade para interpretar as expressões que são evidentes na tela.

A interatividade do jogo também opera de maneira mais profunda em um nível narrativo, sofrendo uma reviravolta ao final de sua primeira metade que provoca o jogador de maneiras complexas e cruéis, mas que caminham para um entendimento mais sensível de suas motivações. Sua jogabilidade caminha entre fluidez e mecanicidade, em que cada encontro hostil te dá a sensação de estar em um filme de ação e corridas frenéticas de um ponto a outro do cenário são capazes de te deixar sem fôlego. Capítulos mais calmos te oferecem momentos para respirar e internalizar os acontecimentos violentos que os precedem, mas que ainda produzem emoções tão intensas quanto àquelas dos momentos mais tensos.

Com um combate brutal, impactante e visceral, o jogo insere aquele que está jogando diretamente como ator da violência e da destruição, permitindo que ele se apoie nas justificativas de suas personagens para cometer esses atos, o que, paradoxalmente, acaba desconstruindo essas justificativas ao mesmo tempo que permite que você habite essas visões e verdadeiramente as compreenda.

É possível identificar inúmeras referências textuais na narrativa de The Last of Us Part II, desde a inspiração no cinema western ao contar a história de uma heroína à procura de sua justiça em uma fronteira com a natureza selvagem, até semelhanças com o cinema samurai (chanbara), que narra o conflito entre o ninjō e o giri, a consciência e o dever (em termos gerais e imprecisos). É uma obra que convida esse tipo de análise ao mesmo tempo que provê uma experiência completa em si mesma e que não depende dessas referências para o seu entendimento.

A trilha sonora, mais uma vez composta pelo argentino Gustavo Santaolalla (O Segredo de Brokeback Mountain, Relatos Selvagens), toma uma direção mais sutil dessa vez, sem chegar a destoar do original, mas que reflete o turbilhão emocional em que as personagens estão inseridas, potencializando e elevando algumas das cenas mais emocionalmente complexas da trama a novos níveis.

Apesar de ter sido anunciado como uma obra sobre ódio, The Last of Us Part II é intrinsecamente sobre o amor. Sobre o amor que é capaz de nos fazer menos sozinhos e sobre o amor capaz de nos isolar. É sobre a dor que nos permeia e que nos guia e sobre como procuramos nos libertar dela através de ainda mais dor. Nas palavras de Natalie Flores para a Paste Magazine:

“É uma história de pessoas impotentes e destruídas que acham que vão conseguir se consertar destruindo umas às outras. Não há vilões, mas também não há heróis, e The Last of Us Part II é inteligente o suficiente para não fingir que pode decidir quem se encaixa em cada categoria.”

Não é uma história fácil, e isso reflete a maneira com que ela é contada, com digressões e mudanças bruscas de perspectiva que te forçam a questionar sua própria interpretação dos eventos que você não só presencia, mas em que você é um participante ativo. E de maneira similar, as conclusões a que você chega ao final dessa história arrasadora são só suas.

A única luz que carregamos noite adentro é a que levamos conosco.

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