Raquel Dutra

Semana passada, estreamos uma novidade aqui no site: o Persona Entrevista. O quadro ainda tem o gostinho da nossa cobertura da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo porque traz para seu início conversas que tivemos com alguns diretores de filmes exibidos no festival. A abertura se deu com João Paulo Miranda Maria, diretor de Casa de Antiguidades, filme que representou o Brasil no Festival de Cannes este ano. 

Dessa vez, o Persona recebe Moara Passoni, roteirista de Democracia em Vertigem que, depois de nos representar entre os Melhores Documentários do Oscar 2020, estreia na direção com Êxtase, seu primeiro longa-metragem premiado pela Associação Brasileira de Críticos de Cinema (Abraccine) na Mostra SP deste ano. Ela conversou conosco sobre o longo processo de criação do filme que, brincando com a linha tênue existente entre a ficção e a realidade, atravessa a experiência da própria com a anorexia e dá voz a relatos de muitas outras mulheres que participaram de sua concepção compartilhando suas vivências.

“O cinema é uma arte coletiva”, sublinha Moara Passoni, que por aproximadamente dez anos pensou e executou Êxtase, seu primeiro longa, junto de muitos colaboradores, os quais ela fez questão de nomear durante a entrevista. Curiosamente, o processo de desenvolvimento do filme é completamente oposto à forma como a anorexia, seu tema, se desenvolve em quem a sofre, que para a diretora, é num local de extrema solidão, narcisismo e apartamento entre a pessoa que padece do distúrbio e o mundo.

Por isso é que tudo de Êxtase foi muito bem pensado e “ruminado”: “eu não conseguia reconhecer o que eu havia vivido nos documentários e filmes sobre anorexia que tive acesso. Eles me pareciam apresentar uma visão externa do processo e, na maior parte das vezes, estigmatizada, espetacularizada, ou vitimizadora, que pouco ecoava minha experiência”. A diretora compartilha que uma de suas grandes inquietações era comunicar para quem estivesse ao seu redor o que estava acontecendo com ela e encontrar pessoas abertas à de fato escutar o que estava acontecendo, situação que se tornava “torturante” e parecia fazer com que ela mergulhasse cada vez mais no “labirinto da anorexia”.

Seus objetivos eram tão claros quanto desafiadores: “encontrar no cinema uma linguagem que desse conta de narrar essa experiência no cinema” sem se transformar num “filme de informação” propriamente dito, mas incluindo conhecimento sobre esse tema tão importante de outras formas. Assim, Moara teve de empregar toda a sua experiência, que vai desde uma graduação em Ciências Sociais pela USP e em Comunicação das Artes do Corpo na PUC, passando por mestrados em documentário na Unicamp e FGV e doutorados incompletos em filosofia até chegar aos dias de hoje, em que a diretora estuda roteiro e direção num mestrado prático da Universidade de Columbia em Nova York.

Desde suas concepções mais iniciais, o filme é realmente fruto de uma experiência coletiva, como conta a diretora: “Eu montei um grupo (…) e trazia ideias das cenas, das situações e dos espaços que eu tinha vivido, e a gente começava a mergulhar nesse universo da anorexia coletivamente. Deste momento, Moara afirma que surgiu um primeiro filme, que não foi lançado porque não era exatamente o que ela desejava para comunicar as vivências da anorexia: “Aquele era um filme em que o corpo era o grande centro ausente da narrativa. (…) Ele trazia espaços vazios e uma voz que narrava a experiência dessa personagem. No entanto, o que comecei a perceber é que era um filme muito mais sobre a “utopia” da anorexia, de eliminar o tempo e o corpo. Eu queria trazer uma outra dimensão que é tão fundamental quanto essa: o quão violento é você lutar para eliminar o corpo e transforma-lo em uma ideia, o quão violenta pode ser a divisão “corpo-mente” se você começa a levá-la ao pé da letra”. 

Principalmente, essa obra inicial manifestava um caráter “pacífico” sobre a anorexia que Moara não desejava retratar. Ressaltando que “a anorexia não é pacífica, porque tem uma luta brutal contra o próprio desejo”, ela complementa a importância desse aspecto na construção do filme: “Eu acho justamente que foi o desejo e a abertura pro outro que me salvou (…). Se eu não tivesse outro impulso do desejo eu acho que eu não haveria nem superado a anorexia.” Assim, a decisão foi concebê-lo numa pulsão entre “o desejo e o controle, o delírio e a realidade”.

Depois dessa experiência, ainda surgiu uma outra possibilidade junto de Petra Costa e a diretora de teatro Martha Kiss Perrone: “Passamos cinco dias me filmando no presente, enquanto eu reconectava com as memórias e espaços daqueles dias. Por um lado foi extremamente potente poder colocar meu corpo na narrativa. Mas ao mesmo tempo, aquele me parecia um ‘um outro filme’, que talvez um dia eu realize (…) sobre a superação deste padecimento”, compartilha a diretora, ressaltando que neste primeiro momento era necessário abordar “a entrada e a turbulência da anorexia”.

Todas as experimentações culminaram numa certeza sobre o que viria a ser o Êxtase: ela traria “o corpo pro filme”, ideia à qual a diretora resistiu muito, porque para ela, este seria um filme que iria, de certo modo, “contra” o distúrbio. Não era mais um filme “pele-ossos-visão” – o que ela denomina como a “utopia” da anorexia –, “mas começava a ser um filme pele-ossos-visão-estômago-vísceras, etc”.  E de fato, adotando uma construção que contraria mais uma vez aspectos do próprio distúrbio é que Moara estabelece a narrativa de Êxtase, fazendo uso de todas as particularidades únicas do cinema. 

Passoni enxerga que essas características singulares da sétima arte vêm de “um lugar muito estranho de você poder olhar o outro como se fosse você, e realmente se transpor para a experiência dele (…) E poder se colocar no lugar do outro é poder de algum modo compreendê-lo, humanizá-lo”. A partir disso, a diretora trabalhou para colocar o espectador no ponto de vista de quem padece de anorexia, “inclusive em um mundo que vai se tornando cada vez mais claustrofóbico nesse processo”.

Na hora de tratar da anorexia em si, a cineasta compartilha que seu o cuidado maior foi em “não construir um espetáculo” que, segundo ela, é muito fácil de surgir porque “a anorexia tem uma morbidez e uma violência que é muito atraente. E essa provocação do olhar, como diz Eric Bidau, parece ser constitutiva da própria anorexia. Talvez por isso ela seja tão desafiadora. E talvez, por isso, ela seja também uma rebeldia contra os lugares de poder de nosso mundo”. Assim, humanizar as experiências era algo muito importante, porque, como ela diz, só humanizando a gente é capaz de enxergar.

A questão definir Êxtase entre um documentário ou uma ficção não era uma preocupação. Toda a atenção de Passoni era direcionada à construção da linguagem e aos seus objetivos, e nisso, ela conta que “A ficção fez parte quase de uma maneira orgânica porque justamente você vai entrando nesse delírio [da anorexia]”. Tendo em vista que o filme “não é um documentário ‘stricto sensu’, a diretora tensiona os postulados do gênero ao entendê-lo como “um processo de descoberta, de investigação desse imaginário”. 

Mesmo nas fases finais, o processo não foi linear, e por conta do baixo orçamento, ela conta que a equipe não conseguiu filmar e editar o quanto gostaria. “A gente começou a chegar na forma final do filme usando imagens da internet para compor as cenas (…). Também começamos a encontrar a narrativa de uma maneira mais orgânica construindo o roteiro a partir da própria montagem, e foi a partir destas experimentações na ilha de edição que saiu a versão final do nosso roteiro”.

Assim, Êxtase foi sendo construído concomitantemente, num processo de “montar, escrever o roteiro, filmar, montar mais, reescrever o roteiro, fazer o desenho de som, filmar mais…”, informa a diretora. Moara ainda ressalta a limitação de recursos, que muitas vezes forçava a equipe a encontrar soluções inusitadas e criativas para os impasses do filme.

Gentilmente abrindo suas suas memórias sobre o período em que viveu a anorexia, Moara compartilha o que sentia na época: “É uma sensação de achar que você não pode contar com ninguém, então você se fecha. Nem do alimento você precisa mais. E esta sensação de não depender de nada, de ninguém, começa a te dar poder. É uma sensação bizarra de plenitude (…)”.

Para ela, a o distúrbio é perigoso porque desenvolve na pessoa a sensação de “não precisar mais nem do alimento para sobreviver, você começa a virar uma espécie de super heroína e começa a entrar no delírio de que não precisa trocar com o mundo, com o outro. Além disso, inanição deixa os sentidos muito vivos. Por fim, você parece perder conexão com o corpo, com o mundo concreto” e conclui que neste sentido, a anorexia se revela como uma experiência extremamente autoritária.

A diretora ainda divide outra lembrança profundamente pessoal sobre suas dificuldades convivendo com o distúrbio: “A maior dor não era a anorexia, era sair da anorexia. Quando percebi o quanto os outros me assustavam, quando eu percebi que sentia fome mas não queria comer. Comer era admitir minha fraqueza, minha incompletude. E eu temia começar a comer e nunca mais parar. É como se, de repente, percebesse que tinha um buraco negro dentro de mim”.

Diante do apartamento do mundo que tirou dela a experiência da vida em sociedade e aspectos mais simples da nossa existência enquanto ser humano, ela relata que brotava o questionamento: “o que eu faço com esse bando de gente? (…) Eu não sei quantas horas as pessoas dormem, eu não sei quando elas escovam os dentes, eu não sei quando elas conversam, eu não sei como elas fazem para lidar com a turbulência que o outro gera nelas, com o encanto que o outro gera nelas, eu não sei como elas fazem para lidar com o fato de que o outro não “obedece” nossas vontades e muitas vezes nos frustra, eu não sei como viver admitindo pra eu mesma que preciso do outro… como eu faço para voltar para esse mundo?”.

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Nessa profundidade, é possível notar um caráter universal das angústias e vivências de mulheres inseridas em sistemas patriarcais, que se manifestam de formas diferentes em cada uma de nós. Esse aspecto é visível especialmente quando Moara fala que era importante compreender o que as garotas “ganham” com a anorexia, porque, no caso dela, a questão não era findar sua vida, mas sim “encontrar uma maneira de viver”. Para ela, o distúrbio pode ser visto “como um apaixonar-se pela ideia da beleza clássica, pela ideia cultural de perfeição, harmonia, e levar isso às suas últimas consequências”.

Encarando as reverberações do distúrbio profundamente, a diretora afirma que sua dimensão psicológica vai muito além da estética, indo em direção à uma “paixão por um ideal”: “não que eu queria ser ‘bonita’ (…) eu queria ser o belo (…). Só que o ideal do belo é inatingível. (…) E na anorexia era essa luta contra eu mesma, contra meu próprio corpo. Era eu tentando transformar tudo isso em uma grande ideia… Transcender a finitude do corpo”.

Moara ainda relaciona essa experiência psicológica com o processo de criação de sua arte: “O que eu realmente tive que lutar contra pra fazer o filme foi com o meu próprio narcisismo. Reconhecer “caramba, esse é meu filho e ele tem seus limites. Eu preciso parar de achar que ele tem que ser perfeito. Tenho de aprender a amá-lo em suas imperfeições, inclusive por conta delas…”.

Ela ainda pontua que se tivesse permanecido nesse jogo, nunca terminaria o filme e que por isso uma de suas aprendizagens foi realmente ir contra a “violência, a tortura e a auto-destruição que narcisismo produz”. Identificando mais uma vez relações entre a pessoalidade de suas experiências com cenários mais universais, ela reflete: “acho que muitos artistas inclusive sentem essa tortura, porque vivemos atormentados, de um modo ou de outro, pela imperfeição do que criamos”. 

E não teria como encerrar essa entrevista sem perguntar como a equipe de Democracia em Vertigem se sentiu representando o cinema brasileiro, que passa por um momento tão complicado, no Oscar ano passado. Moara responde: “Quando fomos nomeados ao Oscar, senti quase como se fosse uma vitória da democracia. Claro, era um filme brasileiro num lugar simbólico de legitimação e poder bastante importante, e a aceitação do filme nos EUA foi impressionante, inclusive, porque muita gente viu no processo democrático brasileiro semelhanças com o que está acontecendo em diversos lugares do mundo”.

A partir das suas experiências com cinema fora do país, Passoni relata: “no geral, eles sabem pouco sobre cinema brasileiro. Eles conhecem muito Cidade de Deus, Diários de uma Motocicleta, eventualmente Glauber, recentemente Bacurau (…). Mas é muito difícil eles saberem mais do que isso. Tragicamente, parece que não fazemos parte da geografia política e simbólica deles”. Por conta desse distanciamento cultural é que levar a história do Brasil “que poderia falar algo também para eles e sobre a democracia deles” se tornou algo ainda mais desafiador e importante para a equipe do filme, como conta a cineasta.

Para o futuro, Moara também planeja o lançamento comercial de Êxtase, que no momento percorre festivais de cinema ao redor do mundo em exibições on-line. Os moldes pandêmicos inclusive tornam-se curiosamente irônicos quando pareados à própria experiência do filme e com as expectativas da diretora: “O filme veio ao mundo de uma forma virtual, e essa virtualidade fez parte da minha experiência com a anorexia. E quando eu achei que finalmente ia dar concretude e fisicalidade pra essa experiência na tela, tirando ela de dentro de mim, isso não aconteceu” brinca Passoni, levando com bom-humor os planos frustrados que todos encaramos em algum momento no ano da pandemia e almejando o lançamento que deve acontecer no segundo semestre de 2021.

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Raquel Dutra

É sempre surpreendente como algo profundamente pessoal pode ressoar de maneira tão universal. Fenômeno que é objeto de estudos das ciências humanas é também matéria-prima da arte, especialmente na que surge das mentes e mãos de uma nova geração de documentaristas brasileiras. Depois de explorar esse aspecto em produções como Elena, agora eu falo de Êxtase, documentário que participa da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo marcando a estreia de Moara Passoni – também roteirista do anteriormente citado – na direção. A partir das vivências da própria com a anorexia, o filme estabelece uma narrativa que em nada compreende as estruturas clássicas do cinema para nos conectar com outras realidades e mostrar que, mesmo com as nossas individualidades, muitas das nossas angústias podem ser similares e mesmo com manifestações diferentes, podem carregar a mesma origem.

Êxtase é resultado de quase 10 anos de pesquisa, elaboração e execução de Passoni e muitas outras pessoas que se envolveram com a ideia pelo caminho, que foi longo devido a busca da diretora por uma forma de abordar no cinema a anorexia sob a perspectiva complexa de quem a sofre. Sem linguagens mecânicas e distantes e sem se desenvolver unicamente sobre a história da diretora, o documentário conta através de uma narrativa elíptica quase dez anos da vida de Clara, a personagem por meio da qual assistimos toda a história e compreendemos todo o conhecimento que o filme abriga sobre o distúrbio, oriundo de muitas outras mulheres que passaram pela doença e profissionais de saúde que se dedicam ao seu tratamento e estudo.

A personagem é filha de militantes que encaram um Brasil especialmente complicado, aquele do final da década de 80 que implorava com fervor o fim da ditadura e uma constituição comprometida com o povo e com a democracia. Assim borrando a linha tênue entre ficção e realidade, Êxtase tensiona seu primeiro limite rompendo com os preceitos que cercam um documentário ‘tradicional’. Ponto já levantado enquanto Democracia em Vertigem tomava as discussões da cena cultural nacional, o único compromisso aqui é com a sinceridade de quem produz a narrativa. E isso, assim como no nosso documentário indicado ao Oscar deste ano, é atenciosamente cumprido.

No furacão que o país era na época, a família de Clara encontrava segurança na coletividade, retratada no filme através da comunidade do Jardim Ângela, em São Paulo. No início da sua adolescência, sua mãe é eleita deputada federal e a família se muda para Brasília. O rompimento de laços profundos de infância somado às insegurança de uma vida completamente nova constituem os fatores que desencadeiam a anorexia da jovem, que busca “uma forma de sobreviver” e a encontra no controle intenso que exerce sobre seu próprio corpo através da (restrição da) alimentação. 

Se lançando na profundidade do tema, a leitura que Êxtase fornece sobre o distúrbio vai além de suas dimensões físicas, mas aborda todos os dilemas existenciais e morais que acompanham muito além de “ser magra ou ser gorda”. Chega até ser difícil falar sobre o filme de tão abstratos que são seus caminhos, propositalmente construídos dessa forma para se assemelhar ao máximo possível da experiência da anorexia que Clara vivencia: de desmanchar tudo, abstraindo a materialidade do alimento, a dimensão concreta da vida e, por consequência, seu próprio corpo. “Ela não sentia o tempo nem as pessoas. Tudo o que ela sentia era êxtase” diz a frase que é quase um subtítulo do filme, explicando muito bem o que sua personagem buscava através da anorexia: a emancipação absoluta sobre sobre si mesma, ao ponto de não depender de ninguém, não da comida, nem da sua mente, nem de seu próprio corpo. 

Ela encontra nos cálculos de calorias e na obsessão com o próprio corpo uma forma de ser definitivamente dona de si. Aos poucos, isso se desdobra para outros aspectos de sua existência, como a mente, os estudos, suas (poucas) ocupações e sua rotina. Nessa direção, Clara mergulha cada vez mais num narcisismo profundo, onde nada e nenhuma outra pessoa importa. Somos sufocados dentro da mente da personagem, que num contraste abissal com todo o resto de sua existência, soa desordenada, sensação construída por um roteiro rápido e extremamente pessoal. Esse texto ganha ainda mais força quando combinado com as cores apagadas e planos fechados da cinematografia de de Janice D’Ávila, concretizando um significado profundo numa narrativa protagonizada por quem sufoca todo e qualquer respiro de vida que seu corpo tenta manifestar.

Tanta subjetividade e a premissa de ausentar quaisquer julgamentos não faz com que Êxtase se esqueça da dimensão violenta e brutal da anorexia. As imagens desconfortáveis de corpos explicitamente doentes, a obsessão sufocante, todas as vezes em que a personagem é hospitalizada, todas as tentativas vãs de tratamento, o desespero de quando o próprio corpo ameaça sair do controle que é mantido com uma exaustiva disciplina. Nada aqui glamouriza aquela situação ou busca torná-la justificável. A intenção é exatamente o oposto: abrir as sensações mais profundas de quem passa pelo distúrbio para que o tabu acerca do tema seja superado e o conhecimento sobre ele seja mais próximo.

Esses objetivos são confirmados quando o filme começa a entregar sinais da cura de Clara que, chegando na faculdade de arquitetura (escolha ainda motivada pelo vício da personagem em formas, estruturas e números), encontra muitos cenários e sentimentos desconhecidos – e portanto, inesperados e ‘descontrolados’. É nesse contexto também que ela desperta para sua situação, depois de um insight que a personagem tem enquanto observa a cidade de Brasília, lá pelos cinquenta minutos, quando Moara Passoni mostra a que veio e transforma o texto do filme em algo absurdo, mudando completamente os ares da obra sem perder a linha da narrativa numa montagem impressionante de Fernando Epstein (que também assina o roteiro junto da diretora). 

Nessa altura, enquanto nossos olhos percorrem uma Brasília macabra, fria e inóspita fotografada em preto e branco, as inquietudes de Clara transcendem a ficção relacionando-se perfeitamente com o termo que nomeia o documentário. Êxtase, do grego ékstasis, significa “sair fora de si”. É o que a personagem faz quando resiste ao buraco negro de sua própria solidão e enxerga sua situação de fora, dividindo conosco sentimentos que surpreendentemente podem se conciliar com muito do que nós, no aqui e no agora, sentimos. 

E falando da solidão, se existe algo que Êxtase deixa claro em meio a tanta subjetividade é que o processo de cura nada tem a ver com o egoísmo que marca tanto a experiência da anorexia. A recuperação vem da conexão com o outro e da ligação com outros mundos e realidades, numa direção completamente contrária à da experiência solitária que boa parte dos distúrbios alimentares e psicológicos desenvolvem e da qual se alimentam. Curiosamente, dissolvendo mais sentidos pré-estabelecidos, dessa vez dentro de sua própria narrativa, nada mais imprevisível e difícil de controlar do que isso.

Simbolizando uma etapa de compreensão profunda da própria história de sua autora junto de muitas outras mulheres que também vivenciaram a anorexia e participaram do seu processo de elaboração, o documentário marca uma nova forma de olhar para questões tão pouco discutidas, profunda e erroneamente abordadas. Com todo seu poder transcendental, Êxtase faz jus ao seu próprio nome e trabalha para tornar as linhas tênues que dividem o interior do exterior, a verdade da ficção e o individual do coletivo um pouco menos definidas e impressionantemente próximas.

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Raquel Dutra 

O segundo longa-metragem de Petra Costa leva o nome de sua irmã mais velha, a atriz Elena Andrade. Sob a premissa de retratar a história da jovem e os sentimentos que a família conserva por sua memória, Elena toca em debates ultra sensíveis acerca de suicídio e depressão, ao mesmo tempo em que carrega o valor de ser considerada como uma obra marcante da documentarista. No filme, tudo tem um único fim: construir um retrato íntimo e profundo da vida de Elena, que aos vinte anos, tratando de doenças psicológicas e tentado se reerguer de desilusões profissionais, findou a sua própria vida.

Aclamado pela crítica, Elena abriu o caminho para o sucesso que sua diretora encontraria em suas produções posteriores. Com sua estreia no IDFA (Festival Internacional de Documentários de Amsterdã) de 2012, o filme foi premiado como o Melhor Documentário pelo Júri Popular, Melhor Direção, Montagem e Direção de Arte e todos os prêmios na categoria documentário no 45º Festival de Brasília. Em 2014, o filme também foi pré-selecionado para o Oscar 2015 na categoria de Melhor Documentário.

Considerado uma experiência única no Cinema contemporâneo, Elena comprova que trabalhar com questões íntimas faz parte da identidade artística de Petra Costa. Identificamos o traço personalista em sua produção mais recente e conhecida, Democracia em Vertigem, mas desde o começo de sua carreira no Cinema a documentarista faz com que essa característica seja marcada. Neste caso, o tema é ainda mais pessoal, caindo na morte precoce da sua irmã mais velha. O enredo, por sua vez, é desenrolado a partir de registros das vivências de Elena em busca de seu sonho de ser atriz de Cinema, com os quais Petra estabelece um profundo sentimento de identificação.

Numa eterna oscilação entre o objetivo e o abstrato, o prazer e a dor, o real e o ficcional, o pessoal e o universal, Petra dá voz as cartas da sua irmã, refaz seus passos, encenações, revive memórias e até mesmo seus sonhos. É uma brincadeira tão profunda com elementos ditos opostos que, em alguns momentos, eles se tornam surpreendentemente similares. E todos os aspectos do filme trabalham para essa fusão de sentimentos conflitantes, a se destacar, primeiro a trilha. A diretora traz toda a complexidade da música clássica de uma forma tão tátil que se torna simples a rendição do espectador aos sentimentos que a Petra deseja despertar. Alegria e melancolia são os principais, algumas vezes dentro de uma mesma faixa, outras vezes em diferentes, que se conversam maravilhosamente bem.

À fotografia e edição do filme competiam a difícil tarefa de combinar os registros antigos de Elena com as novas imagens filmadas por Petra. Buscando também seguir a mesma linha de conciliação entre os opostos, o visual da produção faz o possível com os filmes antigos e com a harmonização das imagens e cores, mas este é um ponto que deixa a desejar. Entretanto, para reforçar a experiência de imersão no mundo de Elena e seu olhar sobre ela, Petra acerta ao misturar os diferentes registros de forma a confundir o espectador sobre suas autorias. Em muitas imagens, inclusive, o rosto das irmãs se confundiam, e o documentário é repleto destes detalhes sutis que entregam a influência de Elena na vida, sonhos, emoções, medos e personalidade de Petra.

As escolhas arriscadas de roteiro também são características fortes da diretora. Para os efeitos de sentido buscados em um documentário, estabelecer a narração de Elena como um diálogo com a irmã é incomum e falha algumas vezes. Por se tratar de fatos tão íntimos, o espectador, conhecendo apenas o momento, necessita de uma contextualização um pouco mais abrangente. Contudo, a predominância dessa construção de narrativa é admirável porque revela muitos outros efeitos de sentido, como o de não invadir totalmente a intimidade de Elena.  Em momentos pontuais, Petra deixa de conversar com a irmã e tira de cena a narração escolhida para dar espaço a curtos (e emocionantes) depoimentos de pessoas que conviveram com ela, como um amigo que esteve próximo da atriz no dia de seu suicídio.

A reconstrução da figura de Elena é um dos aspectos mais surpreendentes no roteiro e no filme como um todo. A diretora caracteriza a irmã de uma forma tão próxima e profunda que acompanhá-la ao decorrer do filme se torna uma experiência aflitiva, impressionante e dolorosa. Durante os 80 minutos, o espectador convive intimamente com as manifestações suicidas da jovem depressiva, repleta de sonhos e decepções. Assistimos através de lembranças esmaecidas a tristeza tomar conta da atriz cada vez mais, sufocando cada respiro de esperança diante da vida. Acompanhamos com pesar Elena admitindo a falta de amor para consigo mesma, exigindo o máximo de si como atriz mesmo não estando saudável emocionalmente, se levando assim à exaustão física e psicológica.

Através de entrevistas com familiares e amigos de Elena, sentimos a dor, o desespero e a preocupação antes, “durante” e depois do suicídio. Petra possui uma capacidade transcendental de criar identificações entre as narrativas, o espectador e ela mesma. Mesmo retratando eventos tão pessoais, a humanidade escancarada dos fatos capta toda a nossa empatia. Sendo este um de seus objetivos ou não, Petra mostra que nossas angústias, dores, belezas, prazeres, necessidades, urgências e fraquezas na verdade podem ser radicalmente convergentes. 

Quando lançado, o filme movimentou debates acerca do tabu do suicídio no Brasil inteiro e o mesmo aconteceu quando chegou no catálogo da Netflix no começo de setembro, o mês de prevenção ao suicídio, em 2019. Desde 1990, ano da morte de Elena, o número de suicídios no Brasil teve um aumento de 30%. Hoje, entre os jovens, o suicídio é uma das maiores causas de morte e apresenta um o aumento de 2000%. Falar sobre o assunto livre de tabus nunca foi tão necessário, e segundo as perspectivas, será cada vez mais.

Principalmente quando fora de ambientes privilegiados como o núcleo retratado em Elena, o debate sobre saúde mental precisa ser colocado como uma questão de saúde pública, e por isso, precisamos também enxergar as relações disso com o nosso contexto nacional. Ele é resultado de crises econômicas, altas taxas de desemprego, saúde e educação precarizadas, e as políticas de prevenção ao suicídio perpassam todas essas esferas da sociedade.

O documentário levanta a importância de estarmos atentos aos aspectos não-óbvios do suicídio e de se aprender a lidar com ele e com a depressão. Também é uma obra importante para nos ajudar a debater e esclarecer a linha tênue que difere um retrato sensível da romantização. Como diz a própria cineasta, Elena tem uma história que valia a pena contar. Sem intenção de ser uma biografia, uma homenagem ou apontar culpados. Mas sim conhecer e apresentar várias faces da irmã, sua “memória inconsolável”. Petra também faz questão de a destacar como parte do elenco do longa, honrando seu sonho de ser atriz de cinema. 

Além da importância de todo o debate, Elena mostra um movimento belíssimo de criar uma obra de Arte a partir das dores e perdas que nos rasgam o peito, por mais cruéis que elas sejam. Aliás, talvez a Arte seja exatamente isso: a transformação.

No Brasil, o Centro de Valorização da Vida (CVV) promove apoio emocional atendendo gratuitamente todas as pessoas que querem e precisam conversar, sob total sigilo, por telefone (discando 188), e-mail e chat 24 horas todos os dias, além de postos de atendimento presencial.

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Raquel Dutra 

Polêmico e contundente, o documentário Democracia em Vertigem chegou à sua terra natal pela Netflix no dia 19 de junho, depois de seu aclamado lançamento no Festival de Cinema Sundance de 2019. Mergulhado nas memórias pessoais e no passado político de sua diretora e roteirista, o filme relembra os contextos sociais e políticos em que a figura de Luís Inácio Lula da Silva emergiu, passando pelas eleições ganhas por sua sucessora, Dilma Rousseff, e seu controverso processo de impeachment. O documentário também trata da presidência de Michel Temer, construindo um fio narrativo que busca entender a crise política do país, agravada pelos movimentos de 2013.

Antes mesmo do filme ser lançado e das críticas surgirem, Petra Costa, a diretora e roteirista do filme, já reconhecia o caráter personalista de sua produção. Inclusive, identifica isso como uma de suas características, ao falar sobre o lançamento do documentário no seu perfil do Instagram: “de algum modo, todos os meus filmes falam sobre traumas. (…) Em Democracia em Vertigem, [o trauma é] o futuro que imaginei pro meu país. A cura começa contando o que aconteceu.” Os registros íntimos de Costa e de sua família funcionam bem na maior parte do filme, como quando ela trata da ditadura militar do Brasil. Apesar das controvérsias, as imagens são chocantes e Petra não hesita em dissecar toda a história por trás dos registros. 

Com o auxílio de uma belíssima trilha sonora que vai de músicas clássicas à samba, muitas emoções nos acompanham ao decorrer do filme, especialmente no trecho que retoma o dia da votação final do impeachment de Dilma no senado e seu discurso. Com uma edição inteligentíssima e vazamentos muito bem relembrados e inseridos na narrativa, Petra destrincha declarações de Lula nas eleições, cenas e falas de figuras como Aécio Neves, Temer e aliados. É interessante também quando Democracia em Vertigem suscita a discussão sobre arbitrariedade de Moro e Dallagnol e as ações da Lava-Jato. Hoje, essa questão se encontra em seu pico de efervescência, mas a produção do filme já a identificava anos atrás. 

Além de pessoal, a lente que busca interpretar a história tão recente do país é de um lugar muito privilegiado dentro da sociedade brasiliense. E assim como a diretora não esconde o lado militante esquerdista de sua família, ela também não esconde o conflitante lado empresário/executivo que carrega em sua árvore genealógica. Em um dado momento, ela abre para o espectador ainda mais a história dos seus antepassados e chega em um avô, que foi um dos fundadores da Construtora Andrade-Gutierrez, empresa envolvida em corrupção em obras públicas deflagradas pela Lava-Jato. De início, essa informação pode parecer irrelevante e exageradamente pessoal, e é aí que a pessoalidade de Democracia em Vertigem, fortalecida pela narração de Costa, pode incomodar ou não funcionar para alguns. Mas ela é importante para que entendamos o olhar pelo qual estamos assistindo toda essa história, bem como os motivos pelos quais a diretora faz o que faz no filme.

Que fique claro que isso não interfere em nenhum momento as posições que assumidas no documentário, muito pelo contrário. Petra Costa é realmente fiel até mesmo às suas decepções, seja com o Partido dos Trabalhadores, seja com as corrupções da sua família. Nesse momento, a criticada característica personalista de Democracia em Vertigem faz sentido como um todo. A vida da narradora do filme está totalmente imersa na política brasileira, tanto para o ‘bem’ quanto para o ‘mal’. E como nada nunca tem um lado apenas, essa abertura quase escancarada da sua vida particular – que nós não sabemos, mas pode ter lhe custado caro – comprova a sinceridade da diretora e justifica suas escolhas arriscadas de roteiro.

Outra questão também é o que Petra Costa faz com seus privilégios sociais, e nisso ela acerta mais uma vez. A cineasta se empenha em acessar registros privilegiadíssimos, desses que ninguém imaginava que alguém pudesse ter guardado ou que alguém um dia fosse conseguir acessar. Para quem gosta de história, política e arte, Democracia em Vertigem é um presente. Um presente que envolve todo o background de Petra, sua coragem de dar a cara à tapa e todo seu esforço para construir seu fio narrativo da forma mais fiel aos seus sentimentos (traumas, como ela mesma diz) e mais rica para o espectador. 

Entretanto, o documentário decepcionará quem for ao seu encontro esperando uma autocrítica aprofundada da esquerda brasileira (eu, por exemplo), muito representada pelo Partido dos Trabalhadores nos últimos anos. Haja visto toda nossa situação atual, olhar para trás com criticidade sempre que possível é extremamente necessário. Isso é muito bem introduzido, mas não atende às expectativas provocadas ao deixar de construir uma análise mais trabalhada sobre os erros do PT e do ex-presidente Lula.

Também vai se decepcionar quem estiver esperando um fio narrativo imparcial, e diante dessa expectativa realmente não há o que ser feito. A imparcialidade (apesar de vendida como real) não existe nem no meio jornalístico, quem dirá na arte ou história. Costa (e qualquer outra pessoa que produza qualquer produto artístico) não tem obrigação alguma de se despir de suas opiniões, experiências e sentimentos para construir suas narrativas. A única responsabilidade do artista/comunicador é ser sincero em suas colocações e intenções, e isto a diretora de Democracia em Vertigem cumpre bem.

Sutilmente e para os minimamente desatentos, o filme pode passar a ideia que a democracia brasileira era exemplar, estável e bem estabelecida até a crise que começa no último mandato de Lula. Bom seria se nossa situação política fosse assim em algum momento, mas nunca foi. Como é trazido no próprio documentário (e aí surge um ponto de contradição), temos um país mal resolvido com seu passado, especialmente com a ditadura. Antes e depois dela nossa democracia nunca foi plenamente funcional e nosso jogo político nunca foi totalmente pensado no povo como uma democracia exemplar deve ser. Talvez, essa democracia irreal seja exatamente o ‘sonho efêmero’ sobre o qual tanto é falado no filme.

Às vezes, a vida imita a arte, e essa ideia fica subentendida com uma analogia genial à Shakespeare no final do documentário, raciocínio este que apenas um olhar muito sensível à nossa realidade poderia elaborar. Como consequência da articulação muito bem pensada de fatos e registros históricos e a narração próxima, é criado no espectador um sentimento que converge ao da diretora na conclusão do longa. Isto é, a sensação desesperadora da necessidade de encontrarmos soluções diante do momento que estamos vivendo no nosso país.

Para encerrar citando Petra Costa mais uma vez, essa sensação pode ser resumida com uma das frases finais do documentário: “Como lidar com a vertigem de ser lançado a um futuro que parece tão sombrio quanto seu passado mais obscuro?” Seguiremos tentando descobrir, e Democracia em Vertigem nos ajudará nisso.

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