Marcela Jardim

Com As Cores, as Curvas e as Dores do Mundo, a banda mineira Lagum entrega sua obra mais madura até aqui — um disco breve em duração, mas profundo em afetos, estética e intenção. Lançado em maio de 2025, o álbum representa um respiro dentro da cena pop nacional: sem pressa, sem espetáculo e sem a ansiedade de um hit. Em vez disso, o grupo opta por criar um espaço de contemplação e escuta, no qual cada música funciona como uma pincelada em um quadro maior. 

As cores representam as emoções em sua diversidade; as curvas são os desvios e surpresas da jornada, e as dores, os atravessamentos inevitáveis da vida contemporânea. O resultado é uma coleção de dez faixas que transitam entre a leveza, a melancolia e a esperança, costuradas por uma produção minimalista e uma linguagem poética que dialoga com o cotidiano urbano e afetivo de seus ouvintes.

O novo álbum propõe uma escuta atenta ao presente, às pequenas delicadezas do cotidiano e às complexidades dos vínculos afetivos. A valorização do agora, tema central do disco, se manifesta em faixas como Eterno Agora, que usa um arranjo minimalista de voz e violão para afirmar o ‘atual’ como espaço de presença e contemplação. Em contraste, o caos urbano e os sentimentos de alienação que ele provoca também ganham voz — a sensação de deslocamento e introspecção, recorrente nas grandes metrópoles, aparece com força em A Cidade, na qual guitarras densas e letra melancólica constroem um retrato sem perder de vista uma certa beleza possível no cotidiano.

As relações afetivas atravessadas por silêncio, distância ou desejo orientam boa parte das composições. A ausência física, comum em comprometimentos à distância, aparece com delicadeza em As Desvantagens de Amar Alguém Que Mora Longe, que transforma a saudade em matéria poética sem apelar para o sentimentalismo. Esse mesmo universo emotivo ganha novos contornos em Tô de Olho, colaboração com Céu, música marcada pelo desejo de aproximação, que é expressado com leveza e harmonia em um encontro sonoro entre MPB e indie eletrônico.

Há ainda espaço para celebrar o cotidiano e reconhecer seus gestos de cuidado. Vagarosa Manhã ressignifica a rotina como lugar de afeto e presença, descrevendo com ternura os pequenos rituais do início do dia. Já o campo amoroso, com seus exageros e idealizações, é abordado com humor e honestidade em Vida de Novela. Na faixa, a banda trata as emoções intensas sem cinismo, reconhecendo nelas uma forma legítima de se viver e narrar o amor.

Por fim,  A Última Nuvem do Céu encerra o disco com uma delicadeza quase ‘suspensa no ar’ e reforça a dimensão poética e efêmera que permeia todo o projeto. A canção funciona como um suspiro final, um aceno suave antes do silêncio, reafirmando a natureza transitória das emoções e imagens evocadas ao longo do álbum. A escolha da metáfora da nuvem — passageira, bela, impossível de capturar ou fixar — condensa com precisão a sensibilidade da proposta estética. 

Assim como uma nuvem, a música se desenha e se desfaz no instante e convida o ouvinte a contemplar o fugaz, a aceitar a beleza no que se dissolve. Há também, nessa imagem, uma recusa sutil à rigidez: o projeto prefere pairar, flutuar, desaparecer suavemente, a se prender a verdades fixas ou estruturas fechadas. Dessa forma, o encerramento traduz com lirismo e leveza, como se dissesse: o essencial não se retém — apenas se sente, e depois se deixa ir.

Esteticamente, a banda aposta numa paleta sonora e visual coerente. Os arranjos são orgânicos, com presença marcante de violões, bateria acústica e sintetizadores discretos. A produção de Paul Ralphes — vencedor do Grammy Latino — privilegia a clareza das vozes e o calor dos instrumentos reais e confere unidade e sensibilidade às faixas. O projeto é acompanhado por uma série de visualizers que exploram cores pastéis, linhas suaves e movimentos lentos, reforçando a proposta estética sugerida no título. A capa, com suas curvas abstratas e tons suaves, antecipa a sensação de abrigo emocional que o quinto trabalho da formação musical oferece.

Gravado no estúdio próprio da banda em Belo Horizonte, o disco representa também uma retomada das raízes e uma autonomia criativa mais evidente. Sem a pressão de lançar hits ou seguir tendências, Lagum opta por uma obra íntima e autoral, que convida o ouvinte a mergulhar em uma escuta pausada. Em tempos acelerados, onde tudo é feito para ser viral e descartável, As Cores, as Curvas e as Dores do Mundo propõe o contrário: um álbum feito para durar, tocar de verdade, acompanhar dias bons e dias difíceis. Mais do que um conjunto de canções, a coletânea de faixas funciona como um gesto cultural de resistência sensível — e talvez seja exatamente isso o que mais precisamos hoje.

O post As Cores, as Curvas e as Dores do Mundo: um mergulho íntimo na nova obra da Lagum apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Luiza Lopes Gomez

Angústias, perdas, negação e reencontro. Estas são algumas das palavras que caracterizam e são usadas como base para a criação do quarto álbum da banda mineira Lagum. Depois do Fim é lançado como um olhar diferenciado sobre o mundo e traz à tona questões filosóficas talvez nunca aprofundadas nos últimos discos – pelo menos, não na mesma intensidade. A chegada do projeto recorre a jornadas internas em meio ao entendimento do despertar depois do fim, abordando temáticas como o destino e o acaso, a saudade, o reconhecimento pessoal e esclarecimentos internos na mente de um jovem reflexivo. 

O álbum e a turnê que o segue já garantem seu impacto inicial a partir da escolha do título. Questionamentos tão profundos e pouco decifráveis perante uma realidade limitada são abordados em resposta a uma possibilidade de existência após desfechos por vezes inesperados, interpretado de forma complexa e traduzido nas relações interpessoais, espirituais e internas construídas em meio a uma jornada de vida que possui prazo de validade. Assim, o disco adquire sua notoriedade com base na apresentação de abordagens e perspectivas de um futuro muito mais amplo e mutável, traduzindo sensações que, mesmo partindo de um ‘eu’, são compartilhadas por tantos ouvintes. 

O caráter mais livre e de experimentação poética em meio às composições, unido a melodias e batidas envolventes, constrói um ambiente envolvente para quem escuta, acompanha as experiências e reflexões do eu lírico, e desenvolve uma proximidade intensa e, ao mesmo tempo, reconfortante com as faixas. A transformação da mentalidade em desenvolvimento e a transição entre um ser coberto de máscaras sociais para um indivíduo autêntico e presente pode ser percebida facilmente em Depois do Fim. Uma nova fase e a percepção acerca do início de uma diferente jornada de autoconhecimento por parte da banda pode ainda ser explicitada através da comparação com seu segundo álbum, Coisas da Geração, imerso em um universo muito mais jovem e descontraído, distante de certa profundidade emocional e preocupação com seu próprio desconhecimento.

Ouvir a discografia da Lagum é permitir-se reinventar conceitos e abordar olhares diferentes sobre temas às vezes tão conhecidos. Desde maior complexidade romântica, até interpretações e críticas sobre nossa geração, como a canção Habite-se, lotada de reflexões e analogias potentes, o grupo consegue transpor de forma animada e contagiante sentimentos únicos. Essa característica tão particular é reforçada em Depois do Fim, capaz ainda de desenvolver passagens sentimentais e até mesmo temporais de forma muito mais íntima e menos romantizada, podendo ainda ser reconhecido como um álbum muito subjetivo, interior a mentes fragilizadas em decorrência das inúmeras passagens de ciclos e vivências talvez não tão confortáveis, porém importantes.

As composições seguem ainda um caminho poético e metafórico condizente com o momento de amadurecimento e desprendimento. A exposição das dores reprimidas em meio a tentativas incessantes de parecer curado e leve, bem como a dificuldade de ver o agora e tomar ação mediante o presente, exprimem um pouco da abordagem atual das faixas. Funcionando como uma representação de uma nova fase de percepção da realidade e da existência em meio a jornada da vida adulta, as trilhas unem-se em um decorrer de acontecimentos que permeiam os conflitos de uma vida mais equilibrada e realista com o espírito do eu lírico em crescimento. 

A necessidade de habitar-se, entender-se como um ser incluso na sociedade que o rodeia e as dificuldades atreladas a isso são responsáveis por construir uma setlist variada, porém centrada na emoção, na intensidade e nos sentimentos. De tal forma, é perceptível a gradação das dores em meio as faixas e minutos de música como uma maneira de representar o desespero humano em meio a escassez de resoluções ou confusões emocionais, sem ver um futuro confortável por perto. Assim, Lagum traz para Depois do Fim composições recortadas por poesias faladas. Ainda, consegue mesclar canto e versos recitados que atingem profundamente o ouvinte, como uma forma de imersão dentro dos pensamentos mais profundos do outro, criando momentos de tensão e maior proximidade com o espectador, receptor direto da mensagem.

Mesmo que em segundo plano, perdendo o foco principal na maioria das canções, a temática amorosa aparece como forte fator de percepção do eu lírico. Aparecendo ainda como uma espécie de ferramenta de momento de virada na vida de quem sofre em meio a devaneios de insegurança e fragilidades, tal percepção auxilia na busca por reviver um passado favorável em prol do esquecimento da dor das perdas. Tal construção pode ser percebida em faixas como Ou Não, Sobre Mim e Nem Vi que o Tempo Voou. A conexão entre as três composições e o sentimento de saudade e tentativa de resgate de um eu mais concreto, não tão perdido no mundo, se dá como forma de demonstração da angústia pessoal em se ver só e ter que olhar para dentro de si, deixando claro a transição entre a leveza da união e o sofrimento da solidão, responsável por crises existenciais que incendeiam a mente.

A casa em chamas, a estética destrutiva e o desconforto são pontos fortes de Depois do Fim, exprimindo visualmente uma tentativa de encontro em meio às turbulências da vida e os embates entre acaso e destino. O falecimento de um importante membro da banda em 2021, o baterista Tio Wilson, surge como ponto de início para a criação do álbum, bem como inspiração para drásticas mudanças de olhar perante o presente e futuro de nossa existência. Isso vem como uma lembrança de jornadas compartilhadas entre indivíduos em desenvolvimento e ascensão, e também como representação do luto, da perda e muito da introspecção. 

Aproximar o público de um contexto tão humano, porém tão pouco falado, é usado como ferramenta de engajamento e reflexão em Depois do Fim. O álbum aparece na atualidade como uma conversa muito mais íntima do que qualquer um dos outros discos do quarteto, deixando como mensagem final que, mesmo com longos processos de caos, saudades e sofrimento, o cenário pós-instabilidade pode ser esclarecedor, e não só amedrontador. Os versos do single-título explicitam a relação conflituosa, mas libertadora, proveniente do reconhecimento de um novo eu em formação. Assim dito, com a estrofe “Não olha pra trás que eu to seguindo em frente/tem gente que começa só depois do fim” pode-se observar o processo de aceitação e renovação do indivíduo perante a vida, desabrochando e iniciando um novo ciclo mais real e intimista. 

Além disso, o desprendimento do passado é simbolizado eficientemente e de maneira tocante através da construção visual, com o indivíduo em reinvenção sendo afastado de memórias antigas e a prisão emocional existente no passado em decorrência do incêndio de sua morada, com o antigo tornando-se cinzas e a necessidade do novo surgindo como fator existencial. Buscando retratar tal transcendência vinda de vivências difusas e transformadoras, tem-se na canção De Amor Eu Não Morri os dizeres “Ainda é tempo de ser bem maior/ainda é tempo de ser bem melhor”. A reflexão proposta torna-se clara: a vida passa, momentos são efêmeros e temos que aproveitar verdadeiramente cada dia olhando o passado como nascente de aprendizado, presente como fase de experimentação e renovação, e futuro como uma tela vazia prestes a ser pintada.

É um desafio descrever a emoção que envolve Depois do Fim, bem como os desafios em trilhar novos caminhos honestos a cada dia. O álbum pode ser consagrado como uma união de cumplicidades e poesias reais responsáveis por refletir um panorama tão amplo que rodeia a experiência de viver sem medo, errar, reconhecer e se encontrar inúmeras vezes em ambientes diferentes. A inspiração para a criação de uma nova era com certeza deixa cicatrizes irreparáveis na vida de cada um dos integrantes da Lagum e dos fãs. Por outro lado, também aparece como uma porta de entrada para ensinamentos tão sagrados e poéticos, compartilhados como joias nas mãos de amantes de músicas leves, intensas e que combinam razão e emoção. O depois do fim é incerto, mas as jornadas prometem recomeços estrondosos. 

O post Lagum: tem gente que só começa Depois do Fim apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Leticia Stradiotto

É impossível não gostar da Lagum. A chegada da banda ao mundo da Música começou em 2014, em Belo Horizonte, Minas Gerais, e desde então, os mineiros ganham cada vez mais destaque. A origem foi dada pelo Facebook, com um vídeo da composição de uma canção do vocalista Pedro Calais. Nisso, um amigo promotor de eventos incentivou a criação de uma banda. Amém. Atualmente, o grupo conta também com os integrantes Chico, Jorge e Zani, depois do falecimento do baterista Tio Wilson em 2020, que deixou muitos sons para os fãs. Apesar da perda enorme, a banda cresce cada vez mais e inova o estilo de som brasileiro com muita alegria.

Sem um gênero musical especificado, o som da Lagum é definido como quando o rock’n’roll decidiu ir à praia de skate ouvindo reggae. É difícil de entender, mas basta escutar e tudo faz sentido. A música tem feeling e existe para te acompanhar. Pular do sofá, ir pro mundo, vadiar, conhecer gente nova, viver amores, se decepcionar com os amores e por fim, criar uma coleção de momentos inesquecíveis.

Em 2016, o primeiro álbum da Lagum foi lançado. Ainda em forma de CD, o som era conhecido apenas pela turma que frequentava os bares e eventos em que a banda participava, ou seja, era bem restrito às regiões mais próximas. Felizmente, agora as músicas estão disponíveis nas principais plataformas. De maneira simples, o nome do disco traz toda a essência do grupo. Seja o Que Eu Quiser é para quem curte a vida e, obviamente, gosta de ser o que quiser.

Para os amantes de um bom rock brasileiro, é possível notar a presença de influências externas muito importantes no álbum, como o conjunto Charlie Brown Jr.. Realmente, o vocalista Pedro Calais tem grande admiração e já realizou até uma live em homenagem a banda. E sejamos sinceros, quem não curte CBjr? Seguindo essa base, já dá para esperar muita coisa boa vindo da Lagum.

Após 5 anos de lançamento, Seja o Que Eu Quiser, apesar de ser o início dos trabalhos da banda, é um disco espetacular e super atual. A escolha da primeira faixa do álbum não poderia ser outra, pois Pra Lá de Bagdá faz parte daquela lista de músicas que te dão uma enorme vontade de viver e enfrentar os problemas da vida. O som é sobre a liberdade, e em conjunto com a voz de Pedro Calais e as guitarras de Jorge e Zani, não existe outro sentimento se não o de ser “livre, pra fazer o que eu tiver afim”.

Transante tem gingado, com uma mistura de efeitos scratch no disco (muito utilizado por DJs). A letra é sobre aquela paixãozinha do começo de um relacionamento. Porém, esse detalhe passa totalmente despercebido, afinal o ritmo da banda é tão contagiante que a música também é ótima para os desapegados. Seguido por Fifa, com um tom mais calmo, que retrata aquele sentimento sereno de acabar de conhecer alguém e já querer levar pra vida toda.

Lagum é sobre sentir. Ambas as músicas, Transante e Fifa, possuem a mesma letra perto do encerramento. As últimas frases são iguais, mas as sensações de cada uma, em cada obra, são extremamente diferentes. Transante emite um sentimento de desapego e tranquilidade,  enquanto em Fifa é um conforto, é saber entender as mudanças e conviver com elas. E isso é muito f*da!

O álbum também realiza um movimento de abrir a janela e apreciar os momentos da vida, que é tão efêmera. Último dia foi escrita pelo baterista Tio Wilson, e essa foi um dos legados mais bonitos que ele deixou para os fãs e futuros ouvintes da banda. É incrível a maneira que a realidade e a composição se encaixam perfeitamente. O resultado é uma das lembranças eternas do baterista recheada de carinho e incentivo para ser o que você quiser sempre.

Aos ansiosos de plantão, 2026 demonstra que você não está sozinho. Acompanhado de uma pegada mais pesada do rock’n’roll, o som dá grande destaque aos jovens que piram de tanto pensar no dia de amanhã, ou melhor, em agosto de 2026. Agora em 2021 com a quarentena, todo mundo está louco pra sair de casa, né? Então, Sei Lá te dá um abrigo, e com um groove puxando um reggaeton fica evidente o desejo de sair da rotina e curtir um pouco o mundo.

Olha foi escrita pelo vocalista Pedro Calais a partir de uma briguinha boba de banheiro de festa. A letra retrata que curtir a vida, passear e conhecer gente nova é legal, mas na realidade nem tudo são flores. De qualquer forma, a faixa contém uma vibe acolhedora com um som de gaita delicioso. E no fim, aprender a lidar com os problemas da vida escutando Lagum, isso sim, são flores.

Acompanhando o álbum inteiro na íntegra e agora chegando ao final, é fácil pensar que não tem como ficar melhor, mas estamos enganados. A última faixa vem para surpreender e dar aquele gosto de quero mais. Sem Hora inicia com um solo do baixista Chico junto com os guitarristas Jorge e Zani com uma entrada extremamente expansiva. É complicado definir o som, é o rock do jeitinho da Lagum, e assim, Seja o Que Eu Quiser se encerra totalmente dedicado a quem ama viver.

O álbum é sobre uma vida cheia de liberdade e contém músicas para ouvir a qualquer hora, seja viajando, curtindo a vida, tendo um dia ruim ou até mesmo como forma de se declarar para alguém. É interessante perceber que cada vez mais o papel da Lagum no som brasileiro ganha destaque, não apenas porque eles oferecem música boa, mas também porque oferecem sensações aos ouvintes, e é isso que dá a originalidade característica da banda.

Seja aquela vontade de ofender alguém em um lindo dia, ou só fazer o que estiver afim. Viver mais momentos reais e deixar a gratidão registrada. Não é preciso muito, uma gaita pra trocar, uma gata pra abraçar, fazendo um som, um reggae no rock, sei lá. No filme da vida, não existe melhor soundtrack se não Seja o Que Eu Quiser.

O post Um som, um reggae no rock… sei lá: Seja o Que Eu Quiser da banda Lagum completa 5 anos de muita vida apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.