Guilherme Veiga

Quanto vale entrar para a História? Quanto vale não ser esquecido jamais? Indo além, na questão cinematográfica, quanto vale fazer parte da História, seja como idealizador ou como mero telespectador? Não faltam exemplos em que essa visão não foi estimulada, como em Blade Runner (1982), The Rocky Horror Picture Show (1975) ou, até mesmo, The Room (2003) – obras injustiçadas ou que deram a volta em sua própria ruindade, mas, a princípio, foram incompreendidas. Essa poderia ser a sina de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, longa lançado em Março mas que só chegou ao Brasil em Junho. Porém, tivemos a sorte de ver a História sendo (re)escrita no Cinema.

Daniel Scheinert e Daniel Kwan, carinhosamente conhecidos como Os Daniels, já mostraram ser um ponto fora da curva com o excelente Um Cadáver para Sobreviver (2016), mas foi com a obra mais recente – a segunda na filmografia da dupla – que eles consolidaram esse selo na Sétima Arte. Mais uma vez usando do absurdo – vale lembrar que são eles por trás do clipe do excêntrico fenômeno Turn Down for What – para tratar das relações humanas, os diretores fazem de Everything Everywhere All at Once, em qualquer realidade possível, o filme de 2022.

Contando a história de uma imigrante chinesa dona de uma lavanderia que, após ter problemas com a Receita Federal Americana, tem acesso ao multiverso, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo é um filme de percepções. Isso já começa com seu elenco de atores principais. Tanto Michelle Yeoh como Ke Huy Quan tinham uma perspectiva estabelecida no imaginário ocidental: ela, por ser uma exímia artista marcial, que teve seu ápice em O Tigre e o Dragão (2000), e ele, sendo uma criança carismática em Os Goonies (1985) e Indiana Jones: No Templo da Perdição (1984). Aqui, além de entregar o papel da vida de ambos, o longa também traz uma tocante e subversiva nova visão sobre esses profissionais.

Longe de ser uma cagação de regra, essa obra é do tipo que precisa ser vista mais de uma vez, justamente pela sua proposta de trabalhar nossa percepção de formas diferentes. Mais do que um filme, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo é uma experiência. Você pode ir a diversos jogos de futebol ou festivais de música e, ainda assim, cada um ser único. É exatamente essa a sensação que o longa provoca a cada replay.

Fica até difícil definir Everything Everywhere All At Once em um gênero específico, pois, fazendo jus ao ‘tudo’ em seu título, a obra realmente se propõe a ser essa bagunça organizada. Do drama à comédia, do sci-fi às artes marciais, o longa tem sucesso em tudo o que explora. A produção sabe trabalhar em cima de sua miscelânea de estilos, não só os cinematográficos, mas também em suas formas de filmagem, conduzidas por Larkin Spike, na edição de Paul Rodgers e na montagem e composição de Jason Kisvarday, a fim de criar uma identidade única, poucas vezes vista e quase impossível de ser retomada.

Os Daniels são conscientes em utilizar a junção de formatos para discorrer sobre relações familiares. Recentemente, tratar esses tipos de confrontos virou uma tônica da Sétima Arte. Minari: Em Busca da Felicidade (2020) e A Despedida (2019), também trazem o assunto à tona através de perspectivas de famílias asiáticas. Aftersun (2022) atribui uma nova ótica para a relação pai e filha de forma muito singela e que se assemelha ao tema da obra de multiverso. Porém, EEAAO consegue atribuir novas camadas à discussão. Através do absurdo, os diretores usam de um pano de fundo para tratar algo muito difícil de traduzir para as telas: a depressão.

De acordo com a dupla, que também está por trás do roteiro, o texto demorou alguns anos para ganhar forma, e, durante esse tempo, eles viram dois de seus principais cenários começarem a ser trabalhados na indústria: o niilismo e o multiverso. Os dois chegaram a audiência através de Rick and Morty (2013 – atualmente), enquanto o emaranhado de realidades, após ser brilhantemente abordado em Homem- Aranha no Aranhaverso (2018), foi apropriado pelo enlatado e cheio de fórmulas Universo Cinematográfico da Marvel. Porém,  sendo esse ponto fora da curva em Hollywood, os idealizadores conseguiram formar seu próprio multiverso nesse universo de multiversos.

Deixando um pouco de lado Nietzsche e suas ideias, a obra usa mais de Albert Camus como base teórica, quando o francês desenvolve um novo tópico ao conceito do alemão, aliado a uma vertente teorizada por Jean Paul-Sartre. O niilismo, em letras gerais, é a afirmação da falta de objetivo no existir. Já o existencialismo de Sartre, vindo de uma raiz niilista, é o questionamento do por quê e pra quê da vida, enquanto o absurdismo se trata do desprendimento do niilismo e existencialismo, através da aceitação da vida como sem um propósito estabelecido. E fica evidente a aproximação à Camus quando os diretores usam de um recurso ironicamente chamado de absurdismo cômico.

Joy, interpretada por Stephanie Hsu, cujo o nome é uma tradução direta para alegria, é uma personificação niilista e, no momento em que suga todas suas versões e vê essa falta de propósito, perde seu nome para se tornar a vilã Jobu Tupaki. A jornada de Evelyn, de Michelle Yeoh, é justamente o existencialismo sartreano na busca por sentido para tudo aquilo através dos multiversos, enquanto a primeira versão gentil e afetuosa do Waymond de Ke Huy Quan funciona como uma espécie de absurdismo encapsulado.

Através disso, a escrita desenvolve um cerne emocional sólido para seus personagens que, apesar de um contexto totalmente pirado, aproxima o ser humano à frente das telas para o que está dentro dela. O próprio Camus dizia que “A Arte não é para mim um prazer solitário. É uma maneira de comover o maior número possível de homens, oferecendo-lhes uma imagem privilegiada dos sofrimentos e alegrias comuns”. Apesar da obra ter algumas poucas críticas negativas (carinhosamente, de pessoas amarguradas), qualquer pessoa, de alguma forma, se enxerga nela, seja com uma sequência em um universo onde todo ser humano tem dedos de salsicha, seja em um diálogo mudo entre duas pedras conscientes. E que privilégio é isso.

Virou o queridinho do público e da crítica? Virou! Virou o queridinho. Mas não é só do público e da crítica, é porque é bom mesmo. Em todos seus aspectos técnicos, a obra brilha. Sua montagem e edição são estupendas, evidenciadas pelo carinho de pensar em uma identidade própria para cada universo -, às vezes até mudando seu aspect ratio ou alterando seu estilo de filmagem, indo do Cinema chinês à animação. Outro ponto a se destacar é a coreografia. O longa foi responsável por ressuscitar o wire kung-fu e faz as cenas de luta de maneira primorosa, replicando mais uma vez a Sétima Arte chinesa, principalmente bebendo da fonte de O Tigre e o Dragão (2000) e Matrix (1999), referência clara dos idealizadores. O apreço pela arte cinematográfica oriental era tanto que o papel principal foi pensado para Jackie Chan, mas Yeoh, também sendo uma expoente das artes marciais, se encaixou perfeitamente na história.

Os diretores, além de demonstrarem uma escrita criativa que tem êxito ao tratar da depressão de Joy, somada aos seus mommy issues através de uma nova roupagem e ainda sim trazer uma enorme carga filosófica, mostram que conseguem manter as rédeas de uma ideia megalomaníaca. O fato de ser uma direção em dupla faz total sentido presenciando a grandiosidade que o projeto alcança em seu próprio microcosmos, que somente duas mentes poderiam conceber, cada uma completando a visão criativa da outra. Por essa razão, o par também enche o longa com pequenos detalhes deliciosos de se captar, fazendo do filme um gigantesco amontoado de pequenas coisas.

O ponto de convergência da bem estruturada produção se dá na performance de seu elenco. Apesar de outras performances terem chamado mais atenção no circuito de premiações, com somente Ke Huy Quan sendo uma unanimidade como Ator Coadjuvante, o elenco principal forma a trindade da atuação em conjunto em 2022. Michelle Yeoh constrói uma Evelyn baseada em sua própria vivência, em que as várias ramificações de sua carreira a levaram até esta obra. Quan e Hsu são gratas surpresas e ficam no mesmo patamar de Yeoh. Vale lembrar também de James Hong (Os Aventureiros do Bairro Proibido) e Jamie Lee Curtis (Halloween) que constroem personas incríveis para estereótipos até que monótonos.

Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, mesmo sendo lançado somente em Março – o que, do ponto de vista das premiações, é uma data inoportuna -, vem fazendo a rapa na temporada. São incontáveis as nomeações e as premiações que o longa levou. Dentre as mais célebres, estão as vitórias no Gotham Awards, prêmio do cinema independente, e do Critics Choice Award. Nas duas premiações, a produção levou os troféus de Melhor Filme. Sem contar os vários troféus espalhados entre os diretores, Yeoh e Quan nos incontáveis sindicatos e festivais, o que faz que o termômetro dessa obra para o careca dourado quase ferva.

Considerando somente as indicações à 95ª edição do Oscar deste universo, que foram anunciadas em 24 de janeiro, o longa assume a dianteira da corrida, acumulando onze nomeações. Algumas categorias são um pouco mais acirradas, como Melhor Atriz Coadjuvante, que, apesar da comemorada lembrança de Stephanie Hsu, vai ter seus votos divididos entre os votantes com Jamie Lee Curtis. O páreo também é duro em Melhor Atriz, categoria na qual Michelle Yeoh disputará com a imponente Cate Blanchett por Tár. A situação é um pouco mais tranquila em Melhor Ator Coadjuvante, que sempre teve Ke Huy Quan como favorito; Melhor Diretor para Os Daniels; e Melhor Filme. Neste último, porém, por mais que tenha um enorme apelo, terá que lidar com o conservadorismo da Academia.

Tudo que a obra se desafia a explorar alcança o êxito com maestria. O longa surpreende até a mais cética das audiências, que foi acostumada com tramas frenéticas ao passar dos anos. O filme abraça o caos e beira a anarquia, em uma abdicação das amarras do Cinema e, mesmo se inserindo em uma moda recorrente na indústria, cria uma fórmula própria e extremamente difícil de ser replicada, se colocando no panteão do multiverso.

Em Todo Lugar que você olha durante sua exibição do longa, este se preenche e se completa. Seja pelo espetáculo visual criado pela coreografia de Timothy Eulich, pela fotografia de Spike, a edição de Rogers e a montagem de Kisvarday; pelo texto afiado em discorrer ansiedades modernas ou nas conscientes atuações de seu elenco. O conjunto de acertos converge em uma catarse propositalmente galhofa e tira da obra o status de filme para atribuir o de evento cinematográfico.

Ao Mesmo Tempo em que é uma carta de amor ao Cinema, homenageando 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968), Wong Kar-Wai, Kill Bill (2003) e Ratatouille (2007), a obra também é uma declaração para nós mesmos. Esta coloca um ponto final na pergunta de um milhão de reais do ‘E se?’ ao responder que são esses pontos de inflexão em nossas vidas onde essa indagação é feita que fizeram quem somos hoje. Ainda assim, sobra espaço para nos lembrar o porquê devemos amar essas versões, por mais sem sentido que sejam. Mas a maior recordação que o longa traz é o porquê nós, do topo a base da indústria, amamos o Cinema.

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Gabriel Gatti

A melancolia é um estado de morbidez em que a pessoa apresenta abatimento físico e emocional. Esse sentimento tão comum é capaz de afetar qualquer pessoa independente das condições em que esta se encontra. Com o pensamento na escatologia, a trama se aproveita dessa condição emocional abstrata objetificando-a em um gigante planeta azul em rota de colisão com a Terra. A partir dessa premissa, a obra apresenta uma análise comportamental sobre duas irmãs e suas percepções com o fim da vida.

Essa aproximação entre psicologia, morbidez e arte é muito comum na cinematografia do repulsivo diretor dinamarquês Lars Von Trier, que ficou conhecido por suas polêmicas. Seus filmes costumam representar mulheres em estado de vulnerabilidade e inferioridade aos homens, sendo retratado diversas vezes de forma asquerosa o abuso e a violência contra a figura feminina.

A misoginia do diretor já rendeu muitos problemas e sérios relatos de assédio sexual. Como se não fosse o suficiente, o criador do movimento Dogma 95 já causou polêmica ao referenciar o nazismo com declarações antissemitas. Os discursos sórdidos fizeram com que o Festival de Cannes vetasse sua participação, no ano em que Melancolia foi lançado. Mesmo com essa situação horrível, Kirsten Dunst ganhou o Copa Volpi de Melhor Atriz, enquanto que o cineasta recebeu o título de persona non grata pela Academia.

Essa postura repugnante do diretor se reflete em seus filmes. Melancolia, no caso, que é dividido em capítulos, se inicia com um prólogo em super slow motion. A cena já apresenta a amplitude da devastação que será abordada no decorrer da obra. Com Tristão e Isolda da ópera de Richard Wagner como trilha sonora, o longa trabalha a introdução de seu filme de forma dramática com Justine (Kirsten Dunst) vestida de noiva e presa a raízes e Claire (Charlotte Gainsbourg) desesperada com a colisão do planeta Melancolia com a Terra. O drama prepara o telespectador para as questões emocionais a respeito do medo da morte e a prisão ao casamento, que são abordadas por partes na película.

Após o prólogo introdutório, começa a parte um do filme, nomeada como Justine. O primeiro ato de Melancolia trata de uma mulher depressiva em seu casamento organizado pela sua irmã, Claire, que tenta contagiar a festa com sua felicidade. Durante o evento, a noiva não consegue se conter diante de sua frustração emocional, o que a distancia do convívio social. A cena demonstra o tratamento que pessoas no mesmo estado de Justine recebem da sociedade por meio do olhar de desprezo dos convidados. Outro simbolismo apresentado na história de Justine são as amarras do casamento, representadas pelas raízes na introdução do longa. Toda essa situação, que torna a vida da personagem melancólica, se desenvolve bem lentamente, quase como se  a obra quisesse contaminar o telespectador com o estado emocional da protagonista, mas esse ritmo se altera conforme o foco da trama passa a ser Claire.

O segundo ato, chamado de Claire, dá um novo rumo para a história. Focado na outra irmã, a história ganha um rumo interessante ao mostrar como esta lida com a ameaça do planeta Melancolia colidir com a Terra. O estado emocional de Claire passa da alegria para uma ansiedade melancólica, enquanto que Justine, já conformada com o fim súbito, se mantém serena frente a situação. Esse jogo psicológico do roteiro, em que as protagonistas mudam de papéis, projeta como as emoções são voláteis diante dos obstáculos enfrentados.

Outro personagem na trama é John (Kiefer Sutherland), marido de Claire. O cientista, frio e apático, apresenta-se sempre cético frente à órbita do planeta Melancolia cruzar com a da Terra. Esse movimento interplanetário, chamado de dança da morte, parece inconcebível para o homem convicto de seus cálculos. Por meio de suas certezas, ele tenta consolar a esposa, o que funciona até certo ponto, porém sua postura frívola acaba sendo ainda mais desestabilizante. Através do ceticismo de John, o filme se assemelha com outros do diretor, ao trabalhar a rigidez humana que se nega a enxergar o óbvio. 

Antes de contemplar a extinção humana com uma colisão espacial, a cinematografia do dinamarquês já havia trabalhado a questão da escatologia em Anticristo, o primeiro longa da Trilogia da Depressão, sucedido por Melancolia e Ninfomaníaca. Os três filmes não apresentam uma narrativa contínua, mas seu conteúdo apresenta certas similaridades, como a relação dos personagens com a violência, o niilismo e a animalização humana. Com o ideal pessimista da trilogia, Melancolia surge de Anticristo como marco da saída do diretor da depressão. Desse modo, a segunda película apresenta todo o ideal deprimente do cineasta, mas sem ser perturbador assim como os demais.

Desse modo, na ausência do sentimento de agonia e desconforto tão comuns nos filmes, Melancolia se arrisca pela antítese emocional das personagens para narrar sua história. A trilha sonora repleta de músicas clássicas, a fotografia de Manuel Alberto Claro e os efeitos visuais de Peter Hjorth contribuíram para elevar o sentimento dualístico abordado na obra. Mas apesar de todos esses êxitos na elaboração da peça audiovisual, a produção não atinge um nível profundamente psicológico esperado. O aspecto da exploração da mente humana já havia sido melhor trabalhado anteriormente em Dogville e Dançando no Escuro, mas o segundo filme da Trilogia da Depressão não vai além do jogo entre razão e emoção.

Mas apesar de não apresentar grande profundidade de simbolismos psicológicos, Melancolia constrói uma narrativa coesa repleta de similaridades com outras obras. A começar pelo prólogo dramático em super slow motion com uma colisão de planetas guiado pelas notas vibrantes de Tristão e Isolda, que apresentam grande similaridade com as características de filmagem utilizadas por Stanley Kubrick em 2001: Uma Odisseia no Espaço. Outro ponto é a similaridade na construção da personalidade Justine com Ofélia de Hamlet. Ambas as personagens flertam com o niilismo e com a atração pela morte, sendo esse o motivo da calmaria da protagonista de Melancolia com a aproximação do planeta desconhecido. Esse alinhamento cósmico, chamado de dança da morte, se aproxima também do conceito apresentado em O Sétimo Selo. Na película de Ingmar Bergman, em que a morte joga xadrez com um soldado das cruzadas que busca viver, o fim inevitável do ser humano recebe o mesmo nome que o cruzamento das órbitas da obra do dinamarquês. 

Essa aproximação com a Arte é muito presente nas produções de Von Trier, que sempre conciliou o lado artístico com a morbidez de seus filmes, repletos de violência extrema, sexo explicito e mutilação. Mas, apesar dos êxitos, é importante não separar o artista da obra, como no caso no caso do diretor, que sempre refletiu seu lado sórdido em seus trabalhos. Em Melancolia, mais especificamente, não há cenas chocantes como essas. O rito de passagem que ele criou como saída da depressão fez com que um longa tão pessimista fosse, ao mesmo tempo, um de seus trabalhos mais artísticos, com a fotografia de Manuel Alberto Claro impecável e uma trilha sonora comovente. A tragédia já anunciada no prólogo permite ao menos a contemplação da imensidão azul do planeta Melancolia.

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João Pedro Piza

A Segunda Guerra Mundial, em muitos aspectos, mudou os rumos da humanidade. As atrocidades presentes no front, o medo constante da vigilância proveniente dos membros dos Estados totalitários e o horror disseminado pelas mais modernas técnicas de batalha forjaram no inconsciente dos cidadãos europeus um grande sentimento de desesperança. A Inglaterra, uma das potências mundiais da época e, por isso, grande alvo de Hitler na parte ocidental do continente, foi bombardeada pelos aviões alemães da Luftwaffe em 1940. Sob escombros e com pelo menos 450 mil mortos, os ingleses buscavam reestruturar o país a partir dos anos 1950, após a vitória dos aliados e dos efeitos do Plano Marshall. Mas não era nada fácil.

Nesse contexto, seria pouco coerente as manifestações artísticas do cenário cultural de Birmingham, cidade industrial e protagonista da metalurgia na Inglaterra, rodeada pela miséria, desemprego e crises, apresentarem o mesmo tom de paz, amor e esperança dos hippies — especialmente poetas e músicos norte-americanos. Dessa forma, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward possuíam uma ótica pessimista e distópica no que tange a maneira de encarar a sociedade e ver o futuro. Naturalmente, trocaram as roupas coloridas e as flores por jaquetas de couro e crucifixos. 

Influenciados também pelo Cinema de Horror, os quatro passaram a tentar transmitir a mesma sensação de pânico e melancolia ao assistir a um filme às primeiras composições da nova banda que formaram — já que o nome previamente escolhido pertencia a outro conjunto. Como ensaiavam perto de um cinema, viam de perto as multidões que se aglomeravam para sentir medo — como se a realidade do pós-guerra não bastasse. Entre os principais longas presentes nas sessões, estavam os do diretor Mario Bava. Inspirados por um de seus preferidos, decidiram que o nome da banda seria Black Sabbath — com Ozzy assumindo os vocais; Tony Iommi, a guitarra; Geezer Butler, o contrabaixo; e Bill Ward, a bateria.

Curiosa e ironicamente, o som característico do quarteto é proveniente de um grave acidente envolvendo o guitarrista. Enquanto trabalhava em uma fábrica, no seu último dia de trabalho, Iommi prendeu sua mão em uma máquina que cortava placas de ferro e teve as pontas de seus dedos anelar e médio da mão direita — a que fica no braço do instrumento — decepadas. Para continuar tocando, precisou utilizar cordas mais finas, acordes simples — utilizando escalas pentatônicas e power chords — e afinação baixa. 

Dessa forma, com certo grau de coincidência, o novo timbre desenvolvido é bastante soturno e obscuro. O baixo e a bateria seguiam uma linha parecida. Butler aprimorou a maneira de conduzir as levadas, abusando de quebras das tônicas, buscando notas um pouco mais agudas, como as oitavas. Bill Ward, por sua vez, adaptou viradas e ritmos do blues e do jazz a uma batida sólida e muito pesada.

Para o som denso vindo da guitarra, as letras não poderiam destoar. Desse modo, temas inspirados na literatura ocultista, em filmes de terror e em manchetes que abordavam acontecimentos caóticos figuravam o repertório em formação. Diferentemente de outras bandas da época, o Black Sabbath soube usar doses de fantasia unindo-as à situação pela qual viam o mundo, para, enfim, formular uma crítica aos valores bélicos, à corrida armamentista e à ordem capitalista entrando em vigor aos poucos ao longo da Guerra Fria.

Com o conceito e som definidos, rapidamente trabalharam nas primeiras canções, que foram lançadas no ano de 1970 em um álbum de mesmo nome que a banda — gravado e mixado em incríveis 18 horas. A começar pela capa assustadora, mostrando uma figura vestindo uma capa preta em frente ao que parece ser uma casa mal-assombrada, a faixa inicial Black Sabbath é de tirar o fôlego — e o sono. Iniciada por sons de sinos, chuvas e trovões, a guitarra de Iommi entra de maneira cortante com um riff memorável. 

Após a primeira nota, a banda o acompanha, gerando um clima de tensão e pânico. Logo Ozzy começa a contar experiências de uma perseguição misteriosa. Aos poucos, nos questionamos o que é aquela figura ou sua mensagem — o apocalipse? A morte? — à medida que somos conduzidos a um ambiente eufórico. Para finalizar, há um dos muitos solos espetaculares do guitarrista.

Em seguida, outro clássico: The Wizard. Com Ozzy tocando gaita, uma das poucas na carreira da banda, Bill Ward e Geezer Butler a conduzem como um blues. Tony Iommi repete os sons do instrumento de Ozzy na guitarra, gerando uma combinação interessante e ao mesmo tempo curiosa, porém sem perder suas características. Na letra, composta pelo baixista — assim como todas do álbum —, fala-se sobre a presença de um mágico na Terra, que expulsou diabos e “transformou lágrimas em felicidades”. Se a faixa anterior possuía uma mensagem de certa positividade, a seguinte é bem diferente. Behind The Wall of Sleep fala sobre angústia, morte e reflexões existencialistas, sendo inspirada em um conto de H. P. Lovecraft.

A última faixa do lado A é um clássico absoluto e uma das mais tocadas nos shows. N.I.B mostra a genialidade de Geezer Butler em um solo inicial que se tornou o sonho de todo baixista em reproduzir, especialmente por apresentar o som de wah-wah e outras distorções. Com um riff bastante conhecido, quem conduz essa faixa é o contrabaixo e não a guitarra — como de costume na discografia da banda. 

Na letra, ironicamente, há uma história e declaração de amor. Todavia, como se trata do Black Sabbath, ela acontece entre Lúcifer e uma mortal. Na época de seu lançamento, muito se questionou sobre o significado do nome da música. Muitos diziam que seria Nativity in Black; porém, era uma brincadeira interna em relação à barba de Bill Ward, que, segundo os membros, lembrava a ponta das canetas nibs.

Abrindo o lado B, Evil Woman é o primeiro cover do álbum e foi uma sugestão do produtor Rodger Bain a fim de projetar o quarteto ao mercado norte-americano. É a canção mais radiofônica, de fato. Inclusive, foi o primeiro single. Diametralmente oposta, em Sleeping Village retorna o peso característico. Bastante arrastada, Geezer e Ward abrem o caminho para Iommi mostrar sua genialidade. 

Usando violões — que imprimem um clima até bucólico — e estruturas de blues, ele quebra tudo. A temática obscura volta a estar presente; dessa vez, questionam o quão próximo estamos do apocalipse. E se realmente estivermos, torcem para que estejamos dormindo no momento final.

Na sequência, vem a mais longa do disco. Warning passa dos dez minutos e, mais uma vez, a guitarra rouba a cena. Em mais um cover, a influência do blues é presente, porém com uma roupagem um tanto psicodélica — característica essa perceptível pelos três solos de guitarras bastante distorcidas, distanciando-se das linhas da bateria e do contrabaixo. Nos mais de sete minutos instrumentais, a inspiração ao saudoso e genial Jimi Hendrix é perceptível. 

Para terminar a obra, não haveria escolha melhor que Wicked World. Iniciada por um riff simples e marcante, Geezer conduz a densidade da música por meio de uma força descomunal ao imprimir o ritmo das galopadas do instrumento. A reflexão da vez é sobre algumas relações de trabalho e como elas constroem um certo simbolismo hipócrita na sociedade.

Na estrada, o Black Sabbath chocou cada espectador que teve o prazer de vê-los na sua origem. Aos poucos, passou a figurar a tríade sagrada do rock dos anos 70 ao lado de outros dois gigantes: Led Zeppelin e Deep Purple. Entretanto, eles possuíam algo diferente dos dois e das demais bandas anteriores. Eles eram maus, pois tratavam de temas provocativos à época com elevados graus de obscurantismo e descrença nos seres humanos — com um pé até no niilismo. 

Por esse tom, encabeçaram o que conhecemos hoje como heavy metal. Aliás, a discussão sobre quem inventou o gênero de fato ou compôs a primeira música nesse estilo abrange alguns critérios amplos e até cansativos — alguns até dizem que os Beatles foram os pioneiros com Helter Skelter.

Fato é: o quarteto de Birmingham foi o primeiro a definir uma estética compacta e um conceito sólido em seu primeiro álbum, influenciando uma série de outras bandas que vieram em seguida. Iron Maiden, Judas Priest e Metallica, por exemplo, não existiriam sem o Sabbath. Pelo menos, não da maneira que conhecemos hoje. 

Em mais de 50 anos de carreira e inúmeros álbuns memoráveis, portanto, os hoje idosos sabáticos são exaltados como revolucionários no mundo da Música e responsáveis por servirem como porta de entrada às novas gerações roqueiras. Mesmo tirando nosso sono em alguns momentos ou causando certas provocações inquietantes, conquistaram um lugar na história e outro especial na memória de uma legião de adoradores.

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