Mariana Bezerra

Em Setembro de 2005, foi ao ar, na CBS, o primeiro episódio de How I Met Your Mother (Como eu conheci sua mãe, em tradução livre). Nessa época, milhões de pessoas se sentavam em frente à televisão toda segunda-feira para acompanhar a vida dos cinco amigos sem sequer cogitar a ideia de que, um dia, todos os episódios estariam em um aplicativo para serem assistidos on demand. O mais relevante é que pouco importa a passagem do tempo ou o formato, porque a amizade, o amor, os sonhos e as frustrações – que são o cerne desse enredo – serão sempre parte de todos. Em função disso, How I Met Your Mother segue sendo um sucesso, conquistando cada vez mais espaço nas novas gerações, ganhando, inclusive, um spin-off intitulado How I Met Your Father (2022), o qual contou com participações especiais de alguns atores do elenco original.

Como de costume em sitcoms que viraram clássicos, a série conta com um elenco brilhante, nascido para seus personagens, mas ainda desconhecido para boa parte do público. A não ser que você fosse fã de Buffy, a Caça-Vampiros (1997) ou American Pie (1999). Nesse caso, provavelmente reconheceria Lily (Alyson Hannigan). Diante disso, os escritores e produtores, Craig Thomas e Carter Bays, tinham a fórmula ideal: um elenco carismático e um enredo envolvente voltado para a história de um grupo inseparável – que rendia tramas particulares, e também coletivas – em um cenário simbólico. Para os fãs de sitcoms, esse elemento é essencial e gera intimidade, como se o espectador fosse tão próximo dessas figuras quanto eles são entre si. Em Friends (1994), tem-se o Central Perk; em Seinfeld (1989 ), o ponto de encontro é o Monk ‘s Café. Já em How I Met Your Mother, o café vira cerveja e é apresentado o McLaren’ s Pub. 

O enredo, porém, não funcionaria tão bem se os protagonistas não fossem tão cativantes, tornando suas histórias, talvez, ainda mais interessantes que o esperado. Marshall ( Jason Segel) e Lily – marshmallow e lilypad para os íntimos –, por exemplo, carregam o título de um dos casais mais amados da TV, sem que seu relacionamento seja explorado de forma superficial. Robin ( Cobie Smulders), uma jornalista canadense determinada, aparece no primeiro episódio como interesse amoroso de Ted (Josh Radnor), que logo passa a ocupar um espaço muito maior, se tornando uma integrante do futuro quinteto. Já Barney (Neil Patrick Harris), é um executivo cuja função exata ninguém sabe ao certo, um clássico mulherengo e dono dos bordões mais famosos da série, este, que consegue se mostrar um amigo especial por debaixo do terno e da gravata.

Ao assistir à trama, é fácil esquecer o porquê de seu nome, já que a narração dos acontecimentos é muito natural. Afinal, são nove temporadas que transcorrem mais de vinte anos – todas contadas por Ted aos seus dois filhos, em 2030. Seguindo a essência do roteiro ( Craig Thomas e Carter Bays ), todo esse tempo leva ao ponto em que Ted conheceu sua futura esposa, como um grande efeito borboleta, que se conecta ao guarda-chuva amarelo, símbolo do seriado. Diante disso, é interessante que, entre todos os momentos pelos quais poderiam ter escolhido para começar a narrativa, optaram pelo qual seu grupo de melhores amigos se tornou completo.

Vale lembrar que essa ideia da vida acontecer exatamente da maneira como está destinada a acontecer, por mais interessante e bonita que seja, dividiu a opinião dos fãs quando o final se revelou bem diferente do esperado. A morte de Trish (Cristin Miliot), ‘A mãe’, é extremamente triste, principalmente, porque ela é muito mais do que a sonhada parceira de Ted, é uma personagem apaixonante, marcada pela sua sinceridade e espontaneidade. O desenrolar da história contribui desde o primeiro momento para que se pense assim, uma vez que, em seu primeiro contato com o grupo, Trish se mostrou carismática e empática em um momento de vulnerabilidade de Lily. 

Apesar da dor da despedida, o final cumpre seu papel e traz a simbologia das coisas só acontecerem quando estamos prontos e temos muito menos controle do que gostaríamos sobre o destino. Ted e Robin sempre se amaram, mas sua relação não fazia sentido quando eram mais jovens, por exemplo. Ao mesmo tempo, a breve relação entre Barney e Robin serve para solidificá-los emocionalmente e, quando chega o seu fim, não significa necessariamente dizer que ela não deu certo. Até hoje, esse ainda é considerado um dos desfechos mais polêmicos da história das séries. A despeito disso, o público continua assistindo-a e amando essas figuras ficcionais.

A obra aniversariante também revisita o conceito de amizades que são uma família escolhida, ao mostrar como os momentos mais decisivos da vida deles foram vividos com seus amigos. Além disso, compartilham feriados especiais, grandes segredos, angústias e até mesmo, choques de realidade entre si. Este último é apresentado de forma cômica no enredo, por meio das ‘intervenções’, que serviam para denunciar alguma atitude de um dos integrantes, como o sotaque britânico de Lily ou a obsessão de Marshall por chapéus. Esse é apenas um dos muitos elementos que tornaram-se grandes piadas internas. Outros inesquecíveis momentos são, Robin Sparkles, o nome artístico de Robin como cantora pop de sucesso no Canadá e os bordões de Barney como “Você já conheceu Ted?”, usado para introduzir o amigo a garotas, ou “Legen- espere por isso -dário”. 

É importante pontuar que muitas falas e atitudes de Barney são extremamente problemáticas, e algumas até criminosas, como a abordagem sobre gravar mulheres durante relações sexuais sem consentimento. Além disso, o personagem reforça práticas de objetificação, reduzindo mulheres a conquistas e contribui para a naturalização da gordofobia, o que, com certeza, ‘envelhece’ muito mal. Infelizmente, o estereótipo de seu papel não se resumiu ao sexo sem compromisso, esses elementos tornam algumas partes do roteiro ainda mais desconfortáveis.

Por outro lado, o humor dessa figura funciona muito bem e há um ótimo desenvolvimento, inclusive, com a masculinidade saudável de outros personagens. Assim, os erros não são anulados, mas os criadores conseguem provar a sua capacidade de gerar risadas a respeito de coisas, de fato, engraçadas. Inclusive, o próprio Barney conquista um dos melhores ‘arcos de redenção’ da série.

O primeiro encontro entre Barney e Ted ocorre de forma aleatória no McLaren ‘s Pub e é marcado por uma química imediata, o suficiente para dar início a amizade. Barney promete ensinar a Ted ‘como viver’, com a intenção de transmitir seu estilo boêmio e técnicas de conquista amorosa. Apesar de Barney falhar na missão que delegou a si mesmo, o roteiro não o faz, porque How I Met Your Mother, composta por histórias confusas e trilhas imperfeitas desses indivíduos, nos ensina, de fato, como viver. São diversas situações que chamam para a realidade mesmo assistindo uma sitcom O ensinamento não está exatamente no que cada um faz, mas na forma como a história convida a abraçar a falta de linearidade da vida.

Já na primeira temporada, vemos isso em diferentes exemplos, como na relação de Robin e Ted. Enquanto ele sonha em se casar e ter filhos, Robin não deseja o mesmo e evita pensar ou planejar essas possibilidades – o que mostra que eles não estão bem alinhados como casal, pelo menos não naquele momento. Ainda assim, Ted move mundos por ela, o que no fundo reflete sua maior frustração: não ter encontrado o amor da sua vida no momento em que esperava. Além disso, Marshall sonha em ser advogado ambientalista, mas acaba trabalhando na mesma empresa que Barney para pagar as contas e custear a sua festa de casamento. E em determinado momento, Lily arrisca tudo em Nova Iorque e decide fazer um curso em São Francisco para se dedicar ao seu sonho artístico. 

Em How I Met Your Mother, cada emoção tem sua hora. Os autores dão a oportunidade de sentir-se mal quando o tema do episódio pede, sem que a melancolia vire piada ou que falte tempo para processar os sentimentos. Essa sensibilidade da narrativa possibilitou a criação de episódios marcantes para os fãs. O melhor de tudo é que os conflitos e desafios amadurecem juntamente com os personagens, mas não a ponto de lhes tirar a simpatia e o ar de pessoas incríveis, e, no entanto,  falhas que encantam desde o início. Apesar de seus defeitos, que se tornam mais incômodos a cada década, a série não deixa de ser um ícone dos anos 2000, sendo considerada um clássico, porque, mais do que marcar momentos cômicos, marcou muitos corações.

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Íris Ítalo Marquezini

Não é surpreendente falar sobre Doctor Who para alguém alheio à série e a pessoa se impressionar com o número de episódios. No ar desde 1963, e com décadas de influência na cultura pop, o seriado televisivo de ficção científica continua a encontrar novos fãs curiosos para saber como uma cabine telefônica policial – a TARDIS – pode ser maior por dentro. Os últimos três especiais da série não são exatamente receptivos para quem desconhece aquele universo transmídia gigantesco, mas com certeza confortam os dois corações dos ‘whovians’ que estavam com saudade das frenéticas e criativas aventuras que só os Senhores e Senhoras do Tempo sabem trazer. 

Uma das características mais únicas de Doctor Who, desde a década de  1960, é a capacidade do protagonista se regenerar: isto é, trocar a própria fisionomia em situações de risco de vida e mantendo as memórias intactas –  uma solução inventada para justificar a troca de atores ao longo da produção. Após três temporadas polêmicas com Jodie Whittaker interpretando a Doutora, o seriado trocou de showrunner, e Chris Chibnall deu lugar a Russel T. Davies – o responsável pelos primeiros quatro anos da Era Moderna da série. Ou seja, trata-se do mesmo produtor que cuidou do reboot de 2005 do seriado , que continua a história da Era Clássica, mas com o objetivo de receber novos fãs, na época, com Christopher Eccleston interpretando o viajante do tempo.

Foi em 2022 que soubemos quem iria substituir a tão criativa, amorosa e elétrica Jodie Whittaker no papel de 13º Doutora. A BBC revelou que Ncuti Gatwa, astro de Sex Education e Barbie, seria a próxima encarnação do personagem. Com uma das cenas de regeneração mais épicas de todos os tempos, essa notícia tornou o emocionante e ambicioso capítulo de despedida de Jodie Whittaker, O Poder da Doutora, ainda mais surpreendente: o rosto que apareceu na tela não era de Gatwa, mas sim de David Tennant.

Com todas as 13 temporadas da Era Moderna explorando e adicionando novas camadas ao personagem do Doutor, os especiais de 60 anos aparecem quase como um fim para a Era Moderna como um todo. O próprio Russel T. Davies afirmou que a próxima temporada, agora sim estrelada por Ncuti Gatwa, será considerada a primeira de uma nova era. Os três episódios especiais, distribuídos pela Disney+, aparecem como um fechamento inesperado para os fãs do que foi uma das séries mais marcantes da última década.

O primeiro episódio dos especiais de 60 anos, A Fera Estelar, além de trazer David Tennant de volta ao papel do protagonista, também marca o retorno de uma das companions mais carismáticas. Donna Noble, interpretada por Catherine Tate, aparece com um marido, uma filha e um cotidiano corrido. Nada tão aventuresco quanto a vida acompanhada do amigo viajante do tempo. A personagem não era vista no seriado desde a quarta temporada, quando ela teve a memória apagada pelo Doutor em um dos finais mais tristes e chocantes na história de Doctor Who.

Com o risco de Donna morrer caso se lembre quem é o Senhor do Tempo, a força desse primeiro episódio está no ritmo certeiro de Comédia entre Tennant e Tate, ambos atores shakespearianos especialistas no assunto, mesmo anos depois de terem atuado juntos. O destaque vai também para Yasmin Finney (Heartstopper), que interpreta a curiosa e carinhosa Rose,  filha de Donna. Além disso, o episódio ainda conta com os fofos e impressionantes Meeps, ‘criaturinhas’ que são o foco dessa narrativa. A Fera Estelar começa como uma releitura de E.T. O Extraterrestre (1982) combinado com o memorável capítulo Parceiros no Crime, justamente para subverter ao fim a trama que esperávamos de forma divertida.

É impossível ignorar a importância que a narrativa dá ao tema da diversidade e da mudança. Afinal, é a aceitação que salva o mundo. O acolhimento do novo abre a possibilidade de haver soluções diferentes que driblem a morte e sirvam à vida. Toda essa mensagem fica clara para Rose, que se sente deslocada no começo até perceber que existe uma força bem mais bonita e poderosa dentro de si. Doctor Who é brilhante pelo equilíbrio entre o senso de aventura e a emoção: os personagens podem passar por todos os lugares mais fantasiosos do universo, mas a saudade, culpa e insegurança são sentimentos muito reais.

Nesta perspectiva, a sensação de ver Donna e o Doutor no episódio seguinte, A Imensidão Azul, é a mesma de ler HQs ou ouvir os incontáveis audiodramas do universo expandido. Temos aqui um aprofundamento do que já eram dinâmicas engraçadíssimas e únicas de se acompanhar. Trazer os dois aventureiros amados novamente parece uma jogada fácil para reconquistar os fãs mais antigos, mas se mostra uma decisão acertada, pois prova o quanto a dupla ainda tinha muito a resolver entre si. 

Temos aqui uma companion que sabe como é a dor da perda e um Doutor que está exausto de sentir o medo de sempre colocar amizades em risco. Essa soma apresentada e como ela é aplicada na narrativa é de partir o coração, por forçar esses dois personagens a desconfiar um do outro e suspender a vulnerabilidade que tinham entre si até então. Em uma trama que homenageia os filmes O Enigma de Outro Mundo (1982), de John Carpenter, e Alien, O Oitavo Passageiro (1979), de Ridley Scott, os amigos precisam lidar com cópias de si mesmos interpretadas por aliens metamorfos e cruéis. 

Um dos destaques deste capítulo é a produção da Wolf Studios Wales. Com locações construídas e complementadas com a tela verde, o cenário claustrofóbico de uma estação no fim do universo se torna imersivo e aterrorizante. Os famigerados efeitos especiais duvidosos de Doctor Who aparecem aqui de forma proposital, beneficiando-se muito da sensação incômoda de que existe algo de errado. O fato do episódio A Imensidão Azul ser montado de forma que o espectador fique tão desnorteado quanto os personagens gerou um dos finais mais desesperadores de todo o seriado.

Quando a terceira aventura de Donna e Doutor chega em A Risadinha, já é possível reparar em algumas diferenças entre as duas versões do Senhor do Tempo interpretadas por David Tennant. O personagem passa por genuínos surtos de raiva ao longo dos especiais e parece muito mais reflexivo do que a atuação mais enérgica e contida vista nas primeiras temporadas da série. Isso se explica pelo fato de ser uma regeneração do protagonista que mantém as mesmas dores e memórias dos acontecimentos que vieram até esse momento. Nesse sentido, esse aspecto poderia ter sido mais desenvolvido, já que nos momentos em que Tennant decide citar os traumas sofridos depois da própria regeneração, vemos uma carga dramática acumulada que fica reservada somente para os últimos segundos do último capítulo. 

A Risadinha alcança uma escala que tenta ser tão épica e fantasiosa que, infelizmente, acaba se distanciando bastante da ficção científica na qual os whovians estão acostumados a assistir. O Artesão, originalmente um vilão da série clássica – agora interpretado pelo ator Neil Patrick Harris –, possui poderes praticamente ilimitados e funciona bem como um contraponto ao Doutor, que também poderia ser considerado uma figura quase divina. O embate entre os dois se dá pela inteligência, e não pelo esforço físico, em um duelo de cartas semelhante ao aclamado episódio O Pesadelo de Metal.

É justamente essa quebra de regras da ficção científica que faz A Risadinha extrapolar, por bem ou por mal, os limites do que entendemos por Doctor Who. A fantasia é abraçada para colocar o Doutor em uma posição impotente em que precisa se esforçar até o limite para derrotar o vilão que alterna entre o caricato e o brutal. Essa aleatoriedade do que está por vir resulta em um episódio com cenas icônicas dividindo espaço com um ritmo muitas vezes incoerente. Após momentos extremamente tensos, a audiência é surpreendida com Neil Patrick Harris utilizando seu histórico musical em uma performance ao som de Spice Girls, de forma gratuita até demais. 

A introdução de Ncuti Gatwa acontece nesse tom, e a aparição do novo Doutor cura qualquer constrangimento sentido ao longo da narrativa. A presença de ambas versões do personagem ao mesmo tempo na tela se complementam, já que Gatwa aparece pela primeira vez tão frenético, carismático e até mesmo sarcástico quanto David Tennant foi nas próprias temporadas da Era Moderna. Mesmo com uma participação curta, o novo ator já se mostrou alguém com todas as características inteligentes que o Senhor do Tempo exige, mas com uma elegância e estilo só vistos anteriormente no 8º Doutor, interpretado por Paul McGann.

Por mais que as histórias sejam às vezes confusas, os especiais juntos formam uma ótima narrativa sobre abraçar as dualidades presentes no seriado e na vida. Se William Faulkner uma vez disse que o coração em conflito consigo mesmo é o único assunto na qual vale a pena escrever, Doctor Who se prova como uma das melhores séries a fazer isso desde sempre: o antigo e o novo; o diferente e o familiar; e o cansaço e o senso de aventura. É a coexistência como uma aplicação do que é diversidade por definição no gênero da ficção científica, nunca falhando em se reinventar. 

Quando o Doutor abraça o lado melancólico de nunca vencer completamente, mas também aceita que fez o que podia, vemos um fechamento emocionante para toda a Era Moderna da série. O protagonista sente um amor tão grande pela vida que acaba preso em um luto constante, incapaz de esquecer o que já se foi. Esse aspecto vale para todas as encarnações do personagem das 13 temporadas, mas aparece agora de forma mais leve e livre no 15º Doutor, Ncuti Gatwa. Chega a ser um ato corajoso dar um final feliz ao personagem sabendo que o ideal seria mantê-lo – com o objetivo de entreter a audiência – em um ciclo de sofrimento que poderia chegar, no fim, a contradizer a mensagem de esperança que Doctor Who sempre foi ótima em ressaltar.

Com essas possibilidades abertas, surge então um espaço para uma boa e velha história de Natal, tradição já conhecida no seriado. A primeira aventura do Doutor de Ncuti Gatwa em A Igreja da Rua Ruby faz o milagre de criar uma aventura ao estilo Charles Dickens sem ser na icônica Era Vitoriana. Parte da razão que faz isso funcionar é a nova companion, Ruby Sunday, uma órfã gentil interpretada por Millie Gibson. A dinâmica entre Ruby e Doutor funciona, pois aqui se tem uma jovem de coração muito puro, mas ignorante para muitos aspectos da vida, e um Doutor muito sábio – e completamente embasbacado  com o fato de ela conhecer tão pouco do mundo. 

Além de sarcástico, o 15º Doutor consegue ser muito expressivo tanto nas cenas de Comédia quanto nas de Drama. O personagem serve de ‘anjo da guarda’ para Ruby, tal qual vimos o Doutor de Christopher Eccleston ser para Rose Tyler (Billie Piper) no primeiro capítulo da Era Moderna. O especial de Natal protagonizado por Gatwa e Gibson é quase um episódio piloto para o que está por vir na série. Os vilões da aventura – ‘duendes comedores de criancinhas’ – são cômicos e protagonizaram uma cena musical com a colaboração do já conhecido Murray Gold, compositor das trilhas mais icônicas da série.

Doctor Who, em todos os aspectos, encerra um arco iniciado em 2005 com capítulos que tentam ao máximo fazer jus ao legado de décadas do seriado. Em meio a tantos gêneros que foram explorados, muitas abordagens para o protagonista foram inseridas e muitas companions entraram e saíram da TARDIS, deixando saudades nos espectadores e muitas piadas que aparecem para os mais atentos captarem. Mesmo com o tema principal sendo as constantes mudanças da vida que nem mesmo a viagem no tempo é capaz de evitar, muito se mantém. 

Ver Ruby entrar na TARDIS pela primeira vez causa uma sensação de conforto enorme. Nem foi preciso ouvir um “‘é maior por dentro” – a reação clássica de qualquer companion. Tudo já está lá. Assistir Doctor Who ontem, hoje e daqui muitos anos, é ter a certeza de que essa série bizarra sobre uma nave na forma de cabine telefônica policial sempre ofereceu bem mais do que prometia. O seriado mostra que ver a vida com um senso de aventura e maravilhosidade é o suficiente para que se sinta dois corações batendo no peito.

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Isabella Siqueira

15 anos atrás, Ted Mosby começava uma longa história sobre como conheceu a mãe de seus filhos. A partir daí, pode se dizer que How I Met Your Mother é um eterno filler, mas no bom sentido. A sitcom fez sua estreia pela CBS em 2005, e aproveitava o momento para adotar os órfãos de Friends, que acabara um ano antes. Com aquela mesma fórmula sobre um quinteto jovem em Nova York, mas dessa vez aproveitando os dias em um pub. Contudo, apesar das ressalvas, foram nove temporadas incríveis que acompanharam o amadurecimento (ou não) de personagens muitos cativantes.

Ao longo dessa jornada foram muitos clichês, frases de efeito, músicas e tapas. Contudo, hoje em dia, é de se imaginar que a obra seria ‘cancelada’, com alguns temas e personagens provavelmente problematizados pelo público, e com certa razão. Ainda sim, apesar de seus defeitos, How I Met Your Mother permanece memorável para seus fãs, e é claro legendária.

O quinteto é composto por personagens que conquistam logo de cara, cada um evoluindo ao longo do tempo. Com Josh Radnor (que retornou às telas na série Hunters da Amazon) vivendo o romântico Ted, logo fica claro que a busca pela mulher ideal vai levar alguns anos. E apesar da sensação de estar pronto para a chegada de sua alma gêmea, Ted ainda precisa cometer alguns erros para aprender a não apressar a vida.

Assim, baseada em uma longa encheção de saco, a trama percorre a busca pela escolhida. Sendo uma espécie de romântico incorrigível, ala Tom Hansen de (500) Dias com Ela, Ted exibe inúmeros problemas de relacionamento e padrões absurdos. Desde exigir que a namorada devolva os cachorros por ciúmes, até uma lista de características essenciais para a garota ideal, fica óbvio como o personagem não passa de um chato disfarçado de sonhador.

Barney Stinson, interpretado pelo sensacional Neil Patrick Harris, é o clichê do conquistador. Mesmo sendo o elemento mais cômico do grupo, hoje sua postura geraria algumas críticas, talvez até se encaixando como um boy lixo.  A clara objetificação de mulheres ao longo da série e falta de responsabilidade do personagem seriam características rejeitadas pelo público consciente atual. Contudo, ainda sim é impossível negar o carisma de Barney. Tanto o ator como o personagem roubam a cena, seja com suas frases de efeito marcantes ou números musicais exagerados.

A relação do casal Lily e Marshall (ou Lilypad e Marshmallow), se tornou a meta de muitos fãs. Em especial a química entre os atores, Alyson Hannigan e Jason Segel, garantiu que o par fosse um dos mais queridos da TV americana. Curiosamente, eles são baseados no próprio criador da série, Craig Thomas e sua esposa. Mesmo que o casal permaneça quase a história inteira juntos (afinal, a Teoria da Azeitona é infalível), não é no sentido de felizes para sempre. Com alguns momentos de tristeza e egoísmo, a relação é marcada também por contratempos.

Conhecida também por estrelar a série Buffy, a Caça Vampiros e a comédia pastelão American Pie, a atriz Alyson Hannigan interpreta Lily Aldrin. Como a personagem mais fofa da série, sem sombra de dúvidas, ela pode ser considerada a cola do grupo nos momentos difíceis. Mesmo que um tanto intrometida na vida de seus amigos, a artista é a mais sensata em assuntos de relacionamento.

O advogado Marshall Eriksen é interpretado por Jason Segel, atualmente criador e protagonista da série Dispatches From Elsewhere. O personagem de coração mole deseja lutar pelas causas ambientais, independente do lado financeiro, e também acaba protagonizando alguns dos momentos mais tristes da série. Sendo abandonado por Lily na primeira temporada, e lidando com a morte de seu pai na sexta, Jason Segel impressiona não só na comédia, mas também nas partes dramáticas.

Na primeira temporada, logo de início somos apresentados a uma nova integrante (qualquer semelhança com Friends é mera coincidência). Robin é uma mulher independente e forte, que muda a dinâmica do grupo. Vivida por Cobie Smulders, a Maria Hill do Universo Marvel, a personagem passa uma boa parte da trama em idas e vindas amorosas com Ted ou Barney, contudo, em nenhum momento se restringe a apenas esse detalhe. A jornalista, que começa sua carreira num programa da madrugada, trilha seu caminho sem se comover por um romance qualquer.

Mesmo seguindo alguns temas, como a chegada de uma nova integrantes, triângulos amorosos e, claro, os estereótipos de personagens, esgotados por sitcoms. A escolha de diversificar a narrativa foi um diferencial, visto que muitos episódios tem escolhas criativas, e optam por diversos formatos.

A série já se diferencia pelo fato de Ted estar narrando lá em 2030, e com a voz de Bob Saget (eterno Danny Tanner de Fuller House) comentando as memórias, erros e acertos da trupe nova iorquina. Em Three Days of Snow, a trama é contada em três momentos diferentes, que se unem no final do episódio. Enquanto em Tick Tick Tick, a agonia de Barney é acentuada em uma simples cena em câmera lenta.

Além disso, são momentos musicais grandiosos que misturam a trama com músicas viciantes. O hino Let’s Go To The Mall, interpretada por Cobie Smulders, é uma das canções mais icônicas da série, que conta ainda com um clipe estilo anos 80 totalmente exagerado. Já a música Nothing Suits Me Like a Suit exemplifica o carisma de Neil Patrick Harris, em um número que é a cara de seu personagem.

Os flashbacks e flashforwards também são marca registrada da narrativa. Em alguns capítulos a história utiliza de saltos no passado para mostrar o passado dos personagens, ou até para crescer detalhes essenciais para a trama. Já os saltos para o futuro são curiosos pois são visões idealizadas do que será a vida em alguns anos. Em The Front Porch, eles debatem como vão ser os jogos de Bridge quando forem mais velhos, o episódio conta também com a participação da atriz Laura Prepon (de Orange), como a esnobe Karen, uma das mil ex-namoradas de Ted.

Nessas nove temporadas, Ted acaba passando por muitas namoradas, e em cada relação o personagem descobre novas decepções e aprendizados. Mas, graças ao fracasso amoroso de Ted, o leque de participações especiais é excelente. Começando pela mais promissora Victoria, vivida por Ashley Williams, cujo romantismo é um espelho do protagonista.

Já a obstinada Zoey é interpretada por Jennifer Morrison, a eterna Emma Swan de Once Upon a Time. Mas no quesito personagens criativos, ganha a misteriosa Slutty Pumpkin, cujo rosto é da atriz Katie Holmes. Outros nomes que apareceram em poucos capítulos, mas que ainda devem ser nomeados, são de grandes artistas musicais ou celebridades como: Katy Perry, Britney Spears, Jennifer Lopez, Kim Kardashian e Enrique Iglesias.

Uma década e meia depois de sua estreia, How I Met Your Mother correria o perigo do cancelamento. Algumas piadas recorrentes não seriam aceitas, levando em conta o público mais consciente que o de 15 anos atrás. A estereotipização de personagens asiáticos, com exemplo de Ranjit e a caracterização racista dos protagonistas ao se vestirem como chineses, são pontos a serem criticados hoje em dia.

Mas isso não acontece apenas com How I Met Your Mother, sucessos como Sex and The City e Friends também tinham tramas cheias de preconceito e estereótipos problemáticos. A falta de diversidade séries do passado são percebidas nos dias de hoje, já algumas comédias atuais como Brooklyn Nine Nine e Sex Education não cometem o mesmo erro, escalando atores negros, latinos e LGBTs.

Devem ser citadas as piadas gordofóbicas, e ainda toda a bagagem cultural negativa dos trajes de gordo utilizados em flashbacks na série. Em certos momentos, Barney e Robin aparecem vestidos com essas roupas, como uma piada à aparência deles no fim de seu relacionamento. Já o machismo presente aparece de forma mais acentuada. A objetificação de mulheres e termos como ‘vadia’ são utilizados de forma recorrente em HIMYM, além da sugestão de conquistar mulheres jovens assim que entram na maioridade. Quase a maioria das cenas de Barney se utilizam dessa mesma fórmula, e o bordão ‘Challenge accepted!’ (O desafio está aceito!) é um exemplo claro disso.

Da mesma forma de muitas comédias, como One Day at a Time e Modern Family, a série também possui seus momentos de fragilidade que fazem chorar. Em especial, no capítulo Bad News, com a morte do pai de Marshall, e o sensível Symphony of Illumination, quando Robin descobre que não pode ter filhos e cabe a Ted consolá-la. Alguns términos de relacionamento são bons exemplos desse outro lado da história. Em No Pressure, ao levar um fora de Robin, um compilado de agressões que Ted sofreu aparecem na tela, mas de acordo com ele nenhuma supera o momento daquela dor da rejeição.

A trajetória dos personagens também demonstra que nem sempre a vida é fácil ou engraçada. A busca de Lily por outras opções de carreira e o desencanto com a maternidade são nuances da mocinha bem colocadas pelos roteiristas. Os problemas familiares de Barney são outra parte sensível do personagem, e nessas cenas Neil Patrick Harris é convincente em entregar tanto humor quanto drama.

Umas das grandes decepções da série é por conta da figura da Mãe, Tracy McConnell, visto que depois de oito anos, quando finalmente vemos seu rosto, é por pouquíssimo tempo. Com a maravilhosa Cristin Milioti  escolhida para interpretar Tracy McConnell. Contudo, apesar de um ótimo plot, sua aparição foi muito curta e toda a história do casal foi compactada em vinte e poucos episódios. Nessa última temporada, inclusive, a narrativa toma um caminho interessante, com várias histórias paralelas acontecendo em meio ao casamento de Barney e Robin.

E apesar de um tanto rejeitada pelos fãs, a nona temporada encerra e entrelaça bem a jornada de Ted e companhia. Os dramas acompanham o amadurecer dos episódios, e ainda os caminhos diferentes que os amigos tomaram ao longo dos anos são retratados em momentos cômicos e dramáticos. No fim, o triângulo amoroso central da série, Barney, Ted e Robin, foi um dos fatores que separou o grupo e essa realidade foi cruel, mas necessária.

É certo dizer que mesmo em seus erros, How I Met Your Mother é uma das grandes sitcoms dos anos 2000. Com personagens cativantes, mas que muitas vezes dão raiva, é uma obra que garante risadas, choros e impaciência. A narrativa envolvente e longa sobre a história da procura pela misteriosa Mãe é apenas uma entre os diversos caminhos que a série trilhou com maestria e humor.

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