Para começar, temosas adaptações de Death Note e Valerian para o cinema, a refilmagem do clássico O Estranho que Nós Amávamos e a presença do cinema brasileiro com João, o Maestro e O Filme da Minha Vida.

Confira abaixo nossa seleção.

Death Note

Devido ao sucesso mundial, a adaptação da Netflix do mangá/anime Death Note era uma das mais esperadas para esse ano. Na obra original publicada no Japão entre 2003 e 2006, há um forte embate psicológico entre um detetive e um adolescente portador de um caderno capaz de sentenciar a morte das pessoas.

No entanto, a plataforma de streaming substituiu essa premissa por um romance adolescente com pitadas de investigação policial. É impossível não lembrar da franquia Premonição ao ver as mortes e não rir com a atuação de Natt Wolff ao interpretar Ligh Turner (Kira no original).

Desenvolvimento rápido e sem explicação, personagens mal construídos, dilemas jogados sem discussão – mas com um bom estilo visual – fazem de Death Note um filme mediano de uma obra que tinha tudo para ser um ótimo thriller psicológico.

por Egberto Santana Nunes

 João, O Maestro

O protagonista? Um dos músicos mais aclamados do país, cuja última empreitada é um projeto que leva música clássica até crianças carentes. A produção? Com o dedo da emissora Globo, cuja (má) fama dispensa comentários. Uma premissa nada empolgante.

Felizmente, a cinebiografia de João Carlos Martins não se mantém na zona de conforto. O talento e a garra do pianista prodígio são exaltados, assim como sua personalidade boêmia e radical – “futebol, sexo e Bach” seria um subtítulo cabível aqui. Apesar do final decepcionante, o roteiro preza pela precisão, e o longa serve tanto como belo tributo quanto para apresentar a trajetória de Martins a novas gerações.

A aura erudita de João pode inspirar paralelos com o clássico Amadeus (1984), mas a comparação com Whiplash (2013) parece mais cabível: dois filmes sobre a paixão obsessiva de músicos por sua arte. Neste caso, João, O Maestro ganha de lavada ao mostrar que a virtuosidade de um instrumentista tem raízes e relações muito complexas, e estas não se limitam a ambientes como o palco e salas de ensaio. Nem só de glórias vivem os gênios, afinal.

por Nilo Vieira

O Estranho que Nós Amamos

A chegada de um combatente da guerra civil Norte-americana em uma escola sulista de garotas, ambiente tão reprimido quanto os subúrbios de As Virgens Suicidas (1999), destrói o equilíbrio local. Ao mesmo tempo que um homem jovem apresenta perigo brutal a própria integridade das habitantes, o jogo de poder se equilibra pelo fato do soldado estar ferido e sob a constante ameaça de ser entregue às tropas inimigas.

O soldado, interpretado pelo galã moderno Colin Farrell, no papel originalmente do rústico Clint Eastwood, começa a despertar a atenção romântica das mulheres da casa. Essa alteração nas dinâmicas internas causa uma escalada sutil e constante da tensão, em todos seus sentidos, sustentada pelas ótimas personagens de Elle Fanning, Nicole Kidman e Kirsten Dunst, colaboradora recorrente de Coppola.

Em comparação com a versão de Don Siegel, diretor de Dirty Harry (1971), o filme abandona o tom visceral e temas importantes como a escravidão, em favor do ponto de vista feminino. O sensível balanço entre romance, comédia e terror atmosférico, combinado com a estética etérea e atemporal da diretora fazem da releitura uma obra bem sucedida, digna do prêmio de direção em Cannes.

por Matheus Fernandes

O Filme Da Minha Vida

Após o sucesso de O Palhaço (2011), o terceiro filme de Selton Mello como diretor precisava surpreender. O filme da Minha Vida chegou aos cinemas no mês de agosto repleto de contrapontos representados pelos personagens Tony (Johnny Massaro) e Paco (Selton Mello). Os protagonistas dão fôlego aos pulmões líricos da obra cinematográfica, que caminha entre fantasia e brutalidade, sonhos e realidade.

Boa parte da sensibilidade encontrada em O filme da Minha Vida fica por conta do experiente cineasta Walter Carvalho, que assina a fotografia do longa. O lirismo é intensificado pelas escolhas de luz e efeitos de Carvalho, que oscila entre a nostalgia do sépia e a fantasia das cores intensas.

Com pouco espaço nas salas de cinema do país, talvez seja difícil assistir ao filme que não surpreende, mas é um grande representante para o cinema nacional. Os questionamentos e contrapontos trazidos por Selton Mello revisitam os outros dois filmes do diretor e apresentam um cineasta maduro, ainda que com medo de abrir mão do protagonismo e seguir somente atrás das telas.

por Maria Gabriela Zanotti

Valerian e a Cidade dos Mil Planetas

Se você leu a sinopse de Valerian e está super empolgado para assistir, vá com calma. O novo longa do diretor Luc Besson mais parece uma releitura de Pequenos Espiões (2001) misturado com os ET’s de Avatar (2009).

Não há nada de novo no longa. Um casal de jovens apaixonados que saem para lutar em uma missão extraterrestre. Apesar do clichê, é possível destacar pontos positivos. A produção e os efeitos especiais são de tirar o fôlego. Muita cor, movimento e uma boa realidade virtual.

No entanto, esteja bem preparado para não ser vencido pelo cansaço. São mais de duas longas horas de filme em uma história que parece não ter fim.

por Heloísa Manduca

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Leonardo Teixeira e Matheus Dias

“Eles estão pouco se fodendo para a Harriet Tubman!”, grita Coco Conners (Antoinette Robertson) na desesperadora cena de abertura de Cara Gente Branca (Dear White People), produção da Netflix concebida por Justin Siemen e lançada em abril deste ano. A referência à importante figura do ativismo negro é apenas um exemplo do alerta importante que a série faz: temos medo de tocar nos assuntos espinhentos. Uma festa de blackface (em que se pinta o rosto de preto, numa tentativa infeliz de incorporar uma identidade visual negra) é o ponto de partida da obra para dissecar o racismo institucional nas universidades, a militância negra e, por tabela, a sociedade pós-moderna.

A trama explora as dores e as hipocrisias vivenciadas por estudantes negros da prestigiosa universidade fictícia Winchester. A grande maioria destes alunos é escolhida para viver na irmandade Armstrong-Parker, lugar que se torna o porto seguro de alguns deles. Apresentando diversas nuances da vivência negra, o roteiro explora a reação dos personagens mais diversos às violências do ambiente acadêmico, hostil e elitista.

Samantha White (Logan Browning) guia o espectador ao longo dos episódios através de um programa de rádio, que se dedica a alertar sobre o racismo presente na faculdade, provocando as pessoas brancas em seu estado de privilégio – causando desconforto em muitos, com suas verdades carregadas de ironia.

Quando o trailer da série foi liberado, recebeu muitas críticas negativas e ameaças de cancelamento do serviço da Netflix; atualmente, conta com aproximadamente 421 mil dislikes e 57 mil likes. O volume de ofendidos já demonstra a importância da discussão de questões raciais, principalmente em uma falsa democracia racial pós-Obama.

Em seus melhores momentos, a série é uma joia. Os diretores trabalham em total sintonia com a visão satírica à la Spike Lee, sob qual a trama foi concebida e rende momentos que, independentemente de sua forte carga política, divertem. Um ponto alto da série são as reuniões na Armstrong-Parker, para assistir a uma paródia preciosa das produções de Shonda Rhimes.

No entanto, o produto aqui é irregular, tropeçando entre piadas que nem sempre fazem rir e diálogos inverossímeis até o quinto episódio, quando o roteiro finalmente encontra coesão. Dirigido por Barry Jenkins (pai do vencedor do Oscar de Melhor Filme, Moonlight), o capítulo divide a trama ao apresentar talvez a questão mais importante do negro na universidade: a extensão de seus privilégios.

Reggie (Marque Richardson) é um bom exemplo de como os negros, mesmo superando as diversas barreiras impostas à sociedade, no fim das contas podem ter uma arma apontada na cara. Na superfície, o personagem soa como o estereótipo do homem másculo e forte, mas a narrativa revela aspectos de sua humanidade: Reggie representa a camada da população negra que recebeu o acesso à educação que muitas vezes foi negada a seus iguais. A trajetória do estudante nos deixa claro que ele nunca será branco e nunca poderá desfrutar dos privilégios correspondentes, não importa o quão brilhante ele seja.

O grande trunfo da adaptação sobre o filme lançado em 2014 é o processo de humanização pelo qual os personagens passam, uma vez que inicialmente suas nuances ficavam na superfície, limitadas ao pouco tempo que cada um tinha na hora e meia da película cinematográfica. A versão televisiva apresenta maior espaço para o desenvolvimento e apresentação dessas pessoas que a cinematográfica, resultando na quebra de arquétipos que o filme nunca pôde negar.

Um bom exemplo disso é Colandrea “Coco” Conners, cuja complexidade foi ricamente explorada. À primeira vista considerada uma mulher que tenta ao máximo negar a sua negritude, Coco na verdade entende como a exclusão funciona e tenta se encaixar na sociedade hipócrita em que vive.

A importância desses dois personagens se dá em suas semelhanças e diferenças. Ambos têm larga consciência da vivência da população negra, mas Coco não vê perspectiva de mudança. Diferente de Reggie, ela prefere se moldar a padrões racistas do que lutar efetivamente por mudança (e nada pode ser dito contra ela).

Cara Gente Branca é um retrato sem maniqueísmos da existência negra, que nos acorda para um mundo real onde a pós-modernidade não deu conta de resolver todos os problemas da sociedade, principalmente na questão racial. Usando da sátira e dos arquétipos, a produção nos surpreende a cada personagem que conhecemos: vale a menção à construção de Lionel Higgins (DeRon Horton), que descobre sua sexualidade e passa a perceber as interseccionalidades que sua existência abarca.

Apesar da Netflix focar sua propaganda na personagem Sam White, ela não é o centro das atenções, e a história representa muito bem cada personagem que protagoniza os episódios (com cerca de 30 minutos de duração cada). O que mais surpreende é como Justin Simiens abordou questões do dia a dia, como o próprio ato de ver séries, as redes sociais e até mesmo os aplicativos de namoro, provando que a obra não poderia ser fruto de outra época. Hipocrisias do movimento negro e complexidades da vida pessoal de quem compõe a militância, como relacionamentos inter-raciais, são outras questões abordadas na série.

A série produz uma experiência de identificação para quem é negro e de conhecimento para quem é branco e todos os agentes das interações raciais na sociedade. O retrato feito do ambiente acadêmico é réplica da realidade e se faz perceber inclusive no modelo brasileiro de universidade. Não somos obrigados a falar sobre o racismo, escravidão ou outros temas na experiência do negro. Porém, se não falarmos, quem terá a propriedade levantar a voz no nosso lugar?

O roteiro tem pontos a melhorar, mas não podemos ignorar que existe algo que vai além da série aqui – e que é nosso dever começar a enxergar que 421 mil reações negativas em um teaser de uma série satírica criticando as pessoas brancas significam muita coisa. As pessoas não gostam de ser consideradas racistas. Têm medo. Querem a todo custo provar para si mesmas que usar a palavra “nigga” não é problemático. Para isso, ignoram o discurso das pessoas que dizem respeitar.

Aqui fica clara a importância de Cara Gente Branca, e trabalhos de artistas como Shonda Rhimes, Lee Daniels, Spike Lee, entre outros. Enquanto a maioria das pessoas teme tocar em assuntos espinhentos, outras tem uma ferida aberta e pulsante, problemas a serem discutidos, experiências a serem compartilhada. Série obrigatória.

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