Júlia Paes de Arruda

Quem vê Charlie Puth agora, dono de hits como Attention e Girlfriend, mal sabe que o álbum Nine Track Mind, lançado em 2016, é um produto de sua autoria. Ele mesmo afirmou que esse disco era sua tentativa de se encontrar e se descobrir como artista. Porém, isso não significa que não possamos apreciar sua genialidade e seu imensurável talento na música. A verdade é que, 5 anos depois, o álbum só reafirma a preciosidade de cantor, compositor e produtor que Puth é. 

A viagem de autodescoberta de Charlie acaba virando a do público também. O mergulho em ritmos, notas e instrumentos conduz uma narrativa nem um pouco linear, isto é, você pode apreciar personalidades diferentes de uma pessoa que tenta se estabilizar na montanha-russa que é a carreira musical. O resultado é um compilado de diversas musicalidades, uma experiência sensorial realmente emocionante e intimista.

Mesmo tendo o pop como seu gênero predominante, Charlie nunca deixa sua formação em jazz e música erudita passar despercebida. Sons de teclado e piano são as bases para a grande maioria de suas produções, em exemplo das duas primeiras faixas, One Call Away e Dangerously. Na segunda, mais especificamente, as notas clássicas evocam a percussão e o timbre mais alto, tornando-a mais rítmica, similar a Grenade de Bruno Mars. Essa sofisticação instrumental enriquece o trabalho do artista, ainda mais se tratando de Puth, que a cada dia surpreende seus fãs com novas composições de home-office.  

O maior sucesso de Nine Track Mind é a composição autoral que traz uma vibe mais dançante, apesar da letra melancólica. Tocada ao vivo, essa sensação de sofrimento pelo término do relacionamento é ainda mais marcante em We Don’t Talk Anymore, que conta com a participação da maravilhosa Selena Gomez. O sentimento que ambos os artistas colocam na voz é surpreendente, como se encarnassem o eu lírico da música. Isso poderia ter sido um sinal já que os dois, literal e ironicamente, não se falam mais. 

Pessoalmente, a obra prima do disco é Marvin Gaye, cantada juntamente com Meghan Trainor. A maleabilidade dos dedos de Charlie sob o piano, acompanhado de uma percussão mais agitada, demarca o pop que lhe é mais confortável. A sensualidade da música é mais evidente quando se apoia no clipe, porém não tira o mérito de uma harmonia envolvente e provocante. O cenário do vídeo poderia ser facilmente o Rydell High School de Grease, ainda mais pelo cabelo a lá brilhantina que Puth adota. Fora isso, é inevitável estalar os dedos e mexer o corpo de um lado para outro na parte mais calma da canção, especialmente na estrofe anterior ao refrão. 

Entretanto, a composição que lhe proporcionou mais reconhecimento é totalmente oposta à Marvin Gaye, tanto em temática quanto em melodia. Obviamente, é acompanhada de um piano, mais uma prova de que o cantor não abandona suas raízes clássicas. O sentimentalismo e a emoção são as palavras que a resumem, ainda mais por estarem associadas a uma perda irreparável. São nessas circunstâncias que See You Again, em parceria com Wiz Khalifa, mereceu seu espaço no sétimo filme da franquia Velozes e Furiosos. 

Quando se diz que Nine Track Mind é uma experimentação, não é mentira. A imersão foi tão intensa que até numa batida mais folk o cantor se arriscou. O fruto disso é My Gospel, que poderia facilmente ter saído da mente de Ed Sheeran (quem sabe uma inspiração para Nancy Mulligan, do álbum Divide?). Em contrapartida, Up All Night remete aos toques de piano mais voltados para o country de Tim McGraw, especialmente na música I Got Friends That Do. A “salada musical” que acabou se tornando não é ruim, mas quando comparado ao álbum Voicenotes (2018), dá pra perceber que Charlie estava às cegas tentando encontrar seu começo de algo novo. 

Mesmo que o artista de 2016 e o atual ‘não se falem mais’, Nine Track Mind ainda é o berço da sua maestria em expressar-se através de notas musicais. A partir daí, o garoto prodígio decolou e experimentou as delícias e os desprazeres da fama. Ainda sim, Charlie Puth mantém o sentimento que carrega consigo, tornando as canções quase íntimas, como se fossem relatos do seu diário pessoal. O resultado disso são trabalhos impecáveis e provas do fascinante potencial de músico que ele tem. 

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Egberto Santana Nunes

Uma marca já consolidada de Spike Lee em seus filmes é renegar a simples representatividade positiva. Ele vai além e busca sempre mostrar como o povo negro é diverso e tem seus próprios conflitos – muitas vezes originados do homem branco. Em Destacamento Blood, a temática continua presente, mas dessa vez é no Vietnã que o choque acontece, um outro campo filmado pelos Estados Unidos que também nunca foi tão bem representado.

É bem de longe um filme de guerra e muito mais sobre a guerra. A trama reúne quatro veteranos negros que lutaram no Vietnã e voltam para o país asiático para resgatar um tesouro guardado por eles e o que restou do comandante do esquadrão. Sozinhos na selva, são obrigados a enfrentar a si mesmos em busca daquilo que deixaram para trás.

O que está em jogo aqui e Lee coloca visualmente e nas próprias palavras dos personagens é o papel dos soldados negros nas guerras, ou mais especificamente, na guerra do Vietnã. Nos créditos inicias, um jogo de imagens deixa claro a intenção. Entre corpos mortos nas batalhas, o racismo policial fazia mais vítimas na terra natal dos combatentes. Martin Luther King, opositor da guerra, foi assassinado enquanto os negros lutavam na linha de frente pela América em território estrangeiro.

Dito isso, marcas foram deixadas em todos os envolvidos. Paul, personagem interpretado brilhantemente por Delroy Lindo, carrega a marca mais brutal em suas memórias. Alucina e tem pesadelos com os momentos da guerra, e transmite o preconceito com os vietnamitas a todo momento. É também a figura mais controversa e a que serve de catalisador para os conflitos. Se em Infiltrado na Klan, as imagens da supremacia branca ressoavam com os protestos em Charlottesville, a figura americana aqui está presente na ideologia do protagonista, que adentra as selvas com seus amigos vestindo o boné da campanha presidencial de Donald Trump: Make America Great Again. Mais simbólico e assustador que isso, difícil.

Mesmo Paul sendo o mais diferente dos quatro amigos, ele entende igualmente que estão voltando voluntariamente para uma terra onde antes tinham sido colocados na linha de frente para lutar por um país que nem direitos eles tinham. É ele que toma partido nos embates, se revolta e mais se conecta com a memória daquele lugar. Ao mesmo tempo, sua caracterização não deixa de demonstrar o preconceito com os vietnamitas. É o mais ambíguo, mas que conduz a história e traz dentro si as amarguras de um passado de uma américa esquecida. Sua representação não é simplesmente o nacionalista durão, mas o que muitos podem ter se tornado com o passar do trauma.

Outro ponto interessante do filme está no diálogo cultural sem saia justa. No passado, foram conquistar um território e agora estão ali com um guia e em um espaço já limpo e colonizado de outras formas. Os fast foods, bares e baladas demonstram muito bem isso – com direito à temática do Apocalypse Now. Seja pelas armas, língua ou comércio, a colonização ainda se faz presente. Lee mostra os dois lados da guerra e como ela se está presente até hoje.

Além disso, a construção dos personagens entrega personas totalmente mudadas pelo crescimento econômico. Alugam hotéis caros e se reúnem no clube. Mas quando estão juntos e ainda em um território já explorado, eles não se sustentam nesse poder aquisitivo e não são nada menos que irmãos de guerra.

Sem descontinuar a narrativa épica, há dois campos que dão uma unidade para o filme e sustenta a sua mensagem. Lee usa a jornada do grupo para o impacto dramático da obra e promove um ensaio com os recortes reais a fim de explicitar a mensagem. O flashback com a mudança de quadro é bem aproveitado, dando sentido à busca dos restos mortais e ao significado da viagem. Tudo isso relembra os motivos que os personagens se reuniram ali e o resgate que o diretor faz da história.

A mensagem de Lee costuma vir de forma tragicômica, trazendo o absurdo de forma alegórica na narrativa. Talvez aqui seja o filme que menos se sustenta numa caricatura. A direção traz um tom de suspense e ação durante o filme, por conta do ambiente de armadilhas e guerra que a selva entrega. O respiro é justamente nas partes mais convencionais, mas funcionam pela tensão do ambiente que entrega.

Os Bloods reunidos falando besteira colocam um sorriso no espectador, mas a quebra vem logo em seguida com o enfrentamento do passado. A trilha, tirada principalmente do álbum What’s Goin On de Marvin Gaye é usada também nos momentos de alegria, para relembrar a irmandade do grupo e em outros muda o tom para causar um impacto dramático. São elementos que ressignificam o cenário ao mesmo tempo que lembra constantemente a brutalidade causada pelo período.

Temos ainda a sub-trama da difícil relação de Paul com seu filho, fácil de cair para um melodrama familiar barato, mas carrega os momentos mais definidores do grupo – ainda que não chamem tanta atenção ao olhar sob um aspecto geral. A importância aqui está em um personagem que se deixa guiar por uma memória brutal e esquece da realidade.

Há poucos momentos escolhidos para falar com o público, enquanto a narrativa reconecta os dois períodos, a imagem faz questão de comunicar com os dias de hoje. É quando Lee usa da linguagem para sacudir o espectador que o longa tem seu brilho. Não somente com os cortes ou as mudança de quadro – o que por si só já tem sua vantagem, sendo muito bem usado de acordo com a narrativa. Paul chega ao seu limite de alucinações por conta do trauma com a guerra, e fala ao mesmo tempo com sua consciência e com o público, demonstrando seu amadurecimento frente às câmeras. Do outro lado, o campo é preparado para o ato final que mesmo tendo suas perdas, entrega uma conclusão engrandecedora para a causa e para os envolvidos.

Lee diz em alto e bom a sua mensagem e consegue transmitir através de paralelos visuais muito bem claros e transfigura-se em algo ainda mais potente por conta dos protestos anti-racistas nos Estados Unidos. Mais do que comentar os dia de hoje através das imagens, o fato de estar disponível na Netflix já diz muito: a internet é eterna, então a história sendo reescrita também deve ser. O poder dos recortes e dos traços reais da história dão força, e serviriam para qualquer momento do país, visto que o racismo é uma constante e não as manifestações. Spike Lee declarou que não iria pisar em um cinema até que uma vacina para a covid-19 estivesse garantida. Cabe a nós fazer como ele, ligar no streaming e ficar seguro.

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