André Aguiar

Qual o real custo da fama? Que nem tudo é brilho e glamour, todos sabem, mas que o mesmo sucesso que te leva ao topo, pode te levar ao túmulo, é uma verdade que poucos conhecem tão intimamente quanto Florence + The Machine em Everybody Scream, seu sexto álbum de estúdio. Depois de passar por severas complicações médicas durante a turnê do aclamado antecessor Dance Fever, Florence Welch, líder do projeto que leva seu primeiro nome, renasce do que foi um dos episódios mais vulneráveis de toda a sua carreira, totalmente coberta por resquícios de um aborto espontâneo arriscado, raiva feminina, um cinismo amargo direcionado à indústria musical e consumida por um desejo instintivo e incontrolável pela performance.

As composições de Florence não apenas transmitem uma aura mística como realmente aparentam possuir uma presciência muito da vida da artista. Em King, faixa do Dance Fever, uma das linhas profetiza quase exatamente o que de fato ocorreu à cantora. “Nunca imaginei que meu assassino viria de dentro” surgiu como uma premonição da gravidez ectópica que interrompeu violentamente sua turnê de 2023. Dez dias após a cirurgia de aborto espontâneo, a vocalista estava de volta aos palcos, porém totalmente diferente, mergulhando de cabeça numa avalanche criativa irresistível, a qual se desencadearia em um novo álbum: Everybody Scream.

A faixa inicial, homônima e primeiro single, Everybody Scream, já sintetiza os sentimentos gerais do álbum: raiva, amargura e delírio. Produzida pelos principais colaboradores da cantora nesta era – Mark Bowen (IDLES) e Aaron Dessner (The National) – e composta com a parceria de Mitski, a canção se inicia com um canto lírico e um órgão tímido até explodir em um shuffle que carrega com peso a atmosfera horripilante da faixa. No videoclipe, dirigido por Autumn de Wilde, Florence se junta a um grupo de bruxas que invadem uma mansão e praticam uma espécie de exorcismo coletivo, evocando o terror dos anos 1970 e 1980.

Welch enxerga a performance como uma experiência transcendental e, até mesmo, espiritual. É um espaço não apenas de liberação emocional durante o processo criativo, como também um antídoto infalível, inclusive fisicamente. O palco é um lugar seguro, onde ela se percebe plenamente viva e, mesmo que tenha causado suas dores mais intensas, é ali onde ela pertence. “Olhem para mim ficando exausta / Sangue no palco / Mas como posso deixá-los quando estão gritando meu nome?” Esse paradoxo guia a linha temática do disco e aproxima o ouvinte da atual mentalidade da performer quanto ao seu trabalho.

One Of The Greats é um ponto alto de Everybody Scream. A canção começou como um poema – assim como grande parte do projeto – sendo a letra um destaque perante toda a discografia da compositora. Aqui, ela obedece seus pensamentos intrusivos mais sombrios e exprime em alto e bom som tudo aquilo que sempre a assombrou durante seus quase 20 anos de carreira, em um fluxo de consciência de se ouvir boquiaberto. “Deve ser legal ser um homem e fazer música entediante só porque você pode” e “É engraçado como os homens não acham o poder muito sexy”, por exemplo, explicitam a acidez e a amargura dos dilemas de gênero que enfrentam a artista face a face sendo uma mulher bem-sucedida no mercado do entretenimento. Nesta faixa, Florence reconhece que a grandeza é uma barganha, e assume que é “feminina demais para operar” de acordo com os termos a ela propostos.

Ao canalizar toda essa raiva feminina nas composições de Everybody Scream, a britânica executa um uso assertivo do recurso linguístico do zoomorfismo. Em linhas como “Não há ninguém mais monstruoso do que eu” (Witch Dance), “Criatura das profundezas, eu te assombro nos seus sonhos? / Meus tentáculos tão carinhosos enquanto acaricio sua bochecha” (Kraken) e “Um instinto animal recomeçando” (The Old Religion), a artista realiza uma mutação quando referencia a si mesma como uma fera indomada e insaciável, seja faminta pelo prazer das apresentações ou frustrada pelas regras injustas do jogo da indústria. Com um vocabulário visceral e, por vezes, anatômico, a compositora finalmente vomita para fora de si a besta enjaulada que, por anos, engoliu seco.

Sonoramente, o álbum tem uma camada mais fina que mostra o lado da monstruosidade ambígua que devora os relacionamentos de Florence Welch. Em Buckle (também co-escrita com Mitski) e Music by Men, a compositora lamenta a volatilidade que acompanha seus interesses românticos durante a turbulência da vida entre coxias e quartos de hotel. Ela culpa a si mesma por não sustentá-los, assumindo que “se apaixona por qualquer um que a diga que ela é bonita”. Entretanto, em Music by Men, a metade cheia do copo, ela sabe bem que a paixão da sua vida não está escondida no coração de alguém, mas no mesmo lugar que, vez após vez, foi sua casa. “Que não seja um holofote sozinho / Correndo de volta ao único amor que eu poderia controlar”.

Se para Florence + The Machine a Arte é uma profecia, em outra nuance de Everybody Scream a artista busca manifestar um futuro bonançoso e feliz com amor incondicional. Sympathy Magic, produzida por Danny L Harle (Caroline Polachek, Dua Lipa, Charli XCX), é um estrondo eufórico e épico que tem o gosto hínico de Dog Days Are Over unido às tendências eletrônicas do colaborador. Com percussões fortes, vocais dinâmicos da cantora, orquestra e coral, a faixa soa como a trilha sonora de um trailer de filme de ação com um dos melhores refrões do disco: “Eu não tento mais ser boa / Isso não me ajudou como disseram que ajudaria”. Analisando essa canção sob a perspectiva da narrativa do álbum, ela seria o estágio de cura que a compositora experimenta ao se entregar de uma vez por todas à realidade que, antes, a apavorava. Ela está pronta para mais uma batalha.

“Então venha, venha, eu aguento!

Me dê tudo o que você tem

O que mais? O que mais?” – Sympathy Magic, Florence + The Machine

A faixa And Love conclui com uma atmosfera serena e um arranjo de harpas angelicais, envolvendo ternamente as lições aprendidas por Florence sobre o amor na estrada irregular que guia as demais músicas. É a última súplica da artista antes de encarar seus próximos fantasmas. Aqui a autoconsciência da compositora é tão potente que, estando à beira dos 40 anos de idade, reconhece suas conquistas e erros ao longo da vida e se coloca à postos para o próximo passo com um coração totalmente renovado. “E o amor não era o que eu pensava / Mais como um animal rastejando profundamente para uma caverna / Do que uma heroína de um romance sendo levada embora / Mais como se render a algo”.

Everybody Scream marca um ponto chave na carreira de Florence Welch, em que suas percepções e motivações são batizadas nas sagradas águas do seu amor pela performance. Este álbum é um testamento de que a cantora e compositora não deixará a música tão cedo e que a adrenalina consumidora dos seus anos iniciais na música é o combustível inesgotável que a mantém intensa em cada palco que pisa. Ao som de epopeias cadenciadas e palavras afiadíssimas, Florence + The Machine se torna um poder definitivo da música alternativa, um monumento de legado indiscutível e um espelho para qualquer artista que almeja trilhar as rotas tortuosas da fama.

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Guilherme Veiga

A felicidade incomoda, isso é fato. Outra coisa que também faz questão de desagradar é o punk-rock. O gênero que surgiu em meados dos anos 1960 e incorpora o garage rock e o proto-punk assume a roupagem de ser uma pedra no sapato do sistema, a peça que não se encaixa no quebra-cabeças. Isso é notado desde seus expoentes não tão politizados como blink-182 até os mais politicamente ácidos como Rage Against The Machine.

Iniciado juntamente com o movimento punk, seus adeptos, por mais que não liguem para estereótipos, sempre foram caracterizados como pessoas fechadas, vestidas de preto e com uma raiva internalizada. Nesse sentido, seus ouvintes majoritariamente são vistos como indivíduos em que a alegria é seu ‘divertidamente’ mais escanteado e a seu companheiro vermelho é quem assume a sua mente. Pensando nisso, o grupo britânico IDLES, em seu segundo álbum de estúdio, Joy as an Act of Resistance. discorre na verdade como esses dois sentimentos estão mais próximos do que se imagina.

Produzido por Space e mixado por Adam Greenspan e Nick Launay – este último que tem trabalhos com nomes como Arcade Fire e Nick Cave & The Bad Seeds -, o disco vem um ano após Brutalism, entrondoso debut do grupo. Porém, Joy as an Act of Resistance. chega para consolidar a banda para além de mais um nome do – agora fora dos radares – gênero punk, além de servir de referência para como esse tipo de música seria trabalhado e consumido no século XXI.

Dessa forma, a obra revitaliza o estilo ao mesmo tempo que renova o próprio grupo. IDLES se mostra, aqui, muito consciente ao entender que o punk-rock não se porta do mesmo jeito que 40 anos atrás, quando Ramones e Sex Pistols reinavam. Partindo desse pressuposto, ele se atualiza para o Reino Unido atual e usa do registro para finalmente traçar um mea culpa de um gênero que se moldou com doses de machismo, a abordar como tema principal a masculinidade tóxica.

A máscara

 Da masculinidade

 É uma máscara

 Uma máscara que está me desgastando

A escolha da alegria, tanto no identidade como na levada rítmica, se mostra muito acertada. Brutalism é extremamente literal em sua concepção, enquanto Joy as an Act of Resistance., por mais que pareça ir para o extremo inverso, na verdade externaliza a brutalidade como resultado de um processo catártico. A capa do álbum, mostrando uma pequena multidão de engravatados em um mosh em uma festa de casamento, evidencia as intenções do registro de criar, a princípio, um punk-rock-colarinho-branco que, devido às amarras sociais do mundo moderno, não vê raiva e felicidade como sentimentos antagônicos, mas sim como a primeira sendo uma forma de extravasar a segunda.

Se engana quem pensa que esses aspectos trazem um disco mais calmo. Ele talvez seja o mais convidativo para o público geral, mas ainda assim tem a mesma pungência característica do IDLES. Suas críticas ácidas dessa vez corroem temas como imigração e o Brexit, enquanto se aprofundam em temáticas como solidão, o luto e a sensação de se estar completamente quebrado sentimentalmente.

Essa dualidade de assuntos fica muito visível nos dois singles do projeto. Never Fight A Man With A Perm mescla elementos de Laranja Mecânica e Clube da Luta, no qual o eu-lírico encontra personagens tipicamente ‘machos com M maiúsculo’ e os satiriza bestializando seus estereótipos. Já Danny Nedelko, que tem esse nome por conta do imigrante ucraConiano, vocalista da banda Heavy Lungs e amigo do frontman Joe Talbot, é uma crítica a forma como a sociedade tratava esses grupos nos anos em que a crise migratória começou, principalmente ao fato do Reino Unido só ter olhos para eles quando são figuras notáveis.

O álbum promove uma montanha russa a partir do momento de seu play. A primeira metade é uma queda livre eufórica que expõe o melhor que o IDLES calcou no primeiro registro. Extremamente visceral, ele entrega potentes faixas como Colossus, que versa sobre vícios e as sombras das figuras tóxicas, enquanto I’m Scum expõe a escrotidão masculina e Love Song, misturando diferentes vertentes do rock, subverte o ato de se apaixonar ao abordá-lo através de uma ótica suja e bagunçada da visão do que é ser homem. Nesse conjunto de músicas, Joe Talbot, com sua voz rasgada, praticamente se coloca no púlpito de uma (não tão) distópica parada do orgulho hétero e vocifera um discurso extremamente irônico e escrachado que não agradaria seus participantes.

É com June que chegamos ao ponto mais baixo da trajetória, ao mesmo tempo que se alcança o ápice do álbum. Aqui, o quinteto punk se despe de todas as munhequeiras e spikes que o gênero adotou como identidade visual e desacelera suas guitarras estridentes para entregar um doloroso episódio da vida do frontman após a morte de sua filha recém-nascida. Ela engata com Samaritans, que juntas formam as duas músicas mais fortes liricamente do disco e guiam a segunda metade para uma nova subida, com uma alegria descontroladamente raivosa. É como se o álbum vislumbrasse um mosh e o planejasse justamente para Rottweiler, faixa que fecha o disco.

Joy as an Act of Resistance. é o cartão de visita da banda de Bristol formada por Mark Bowen (guitarra), Lee Kiernan (guitarra), Jon Beavis (bateria), Adam Devonshire (baixo) e Joe Talbot (vocal), além de ser uma importante referência de como o punk se rearranjou e seguiu nos anos 2010. Isso o coloca como um dos melhores discos do gênero, e para alguns, um dos melhores de 2018, que com certeza semeou figuras da vertente na época, como Fontaines D.C., Viagra Boys, Shame e Turnstile. 

Ele é certeiro ao reforçar que, sim, o punk é o mesmo e vive como os pais que o fundaram: desordeiro, anárquico e pronto pro combate. No entanto, o trabalho reforça que isso não é produto de agressividade atribuída a essa parcela, mas a uma vulnerabilidade, que ele não tem a mínima vergonha de expor através de uma acidez crítica mesclada com uma sensibilidade inimaginada.

Por mais que seu levante se debruce por temas que são atemporais, fica perceptível a intenção de rotular o álbum como um produto de seu tempo, seja no estilo ou na própria sociedade. E sendo um recorte de um período específico, à medida que o IDLES se consolide como voz de uma geração, o desejo da banda é exatamente o contrário: que suas discussões sejam superadas. No aguardo de um mundo melhor, resta a esperança e a alegria, nas diferentes roupagens que ela pode ter.

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Gabriel Leite

IDLES, para alguns, pode parecer intragável de início. Eu não julgo, foi assim comigo e demorou uns bons meses até eu realmente me interessar em escutar. Começou como uma banda que eu pulava as músicas quando tocava na playlist aleatória, depois evoluiu para um guilty pleasure (“prazer com culpa”, em tradução livre) e agora eu estou aqui escrevendo sobre ela. Sua sonoridade é algo que ou te pega de primeira ou insiste até você gostar. Não vence pelo cansaço, mas sim pela força arrebatadora de uma roda punk saindo dos fones direto para seu ouvido até você prestar atenção.

Então meu objetivo aqui hoje é, não só escrever uma simples crítica, review, análise ou seja lá o que for de CRAWLER, o 4º álbum de estúdio, como também apresentar brevemente a banda e seus trabalhos para que, de alguma maneira, possa lhe trazer um maior aproveitamento quando você for escutar seu lançamento mais recente (e quem sabe fazer você dar um ponta pé inicial para se tornar fã da banda).

Criada em 2009 na cidade de Bristol, Inglaterra, IDLES gravava esporadicamente singles de maneira despretensiosa. A justificativa, segundo o vocalista, foi a de que “não sabiam o que estavam fazendo”. Foi apenas em 2017 que decidiram, por fim, lançar seu álbum de estreia, Brutalism. Muito bem aceito pela crítica, o disco colocou a banda no mapa e, não só isso, atraiu olhos (e ouvidos) para um grupo que trazia com força para o topo das paradas o pós-punk, movimento que, apesar de ter ficado aparentemente adormecido por alguns anos, vem retomando cada vez mais seu espaço na europa e leste europeu, com bandas mais novas como Fontaines D.C. e Human Tetris. Mas isso fica para outro texto.

Com uma nova roupagem e discutindo assuntos mais atuais e pouco debatidos dentro desse gênero musical como aceitação, questionamentos sobre os privilégios da masculinidade e suas toxicidades, vulnerabilidade, crítica ao capitalismo, luto e diversos outros temas, IDLES trouxe novos ares ao punk – apesar de fugirem de títulos que definam sua sonoridade. Embora raro, esses “novos ares” com letras voltadas para um lado mais artístico e poético já havia sido discutido por bandas como Wire e The Velvet Underground, ambas explorando novas extensões do punk, muitas vezes conhecido como art punk ou avant punk. Tudo isso somado a crueza agressiva do timbre do vocalista Joe Talbot e do som áspero e pesado do restante da banda composta por Mark Bowen (guitarra), Lee Kiernan (guitarra), Adam Devonshire (baixo) e Jon Beavis (bateria) moldaram o grupo no que ele é hoje.

Depois de Brutalism e seguros de sua identidade sonora, lançaram em agosto de 2018 Joy as an Act of Resistance, uma evolução natural do primeiro álbum pela qual todo grupo passa, porém mais complexo, refinado, e mais consciente de si. A soma disso tudo, atualmente, faz do álbum o coração da banda dentro de sua discografia. Com letras certeiras, críticas e reflexivas, sobre os temas citados no parágrafo anterior, Joy as an Act of Resistance os levou a um outro patamar, os ajudando a solidificar seu caminho dentro do cenário britânico, indo do underground ao mainstream.

Após o hiato de um ano e uma pandemia que virou o mundo de cabeça para baixo, em 2020, chegaram com Ultra Mono, um álbum selvagem, raivoso, potente, harmoniosamente caótico e mais cru do que nunca. Em uma entrevista à NME, o vocalista Joe Talbot diz, em tradução livre, que “Ultra Mono é uma caricatura de quem éramos, e escrevemos essa caricatura intencionalmente para matá-la”. Na mesma entrevista, o guitarrista Mark Bowen diz que “IDLES sempre foi uma banda para subverter expectativas”, dito isso, nadaram contra a corrente e, ao em vez de seguir na mesma linha de seus dois primeiros álbuns, optaram por abraçar a ironia e desconstruir a maneira como a banda era vista e usar isso a favor deles.

Como todas as pessoas, Joe passou por altos e baixos. No processo de gravação de Brutalism, o vocalista perdeu a mãe e, no período entre os dois primeiros álbuns, sofreu a perda de sua filha recém-nascida (a qual ele dedica uma de suas músicas mais bonitas, June). Problemas e traumas evoluíram para o alcoolismo, e tudo isso refletiu na escrita de Talbot que transparece, em Ultra Mono, toda raiva e angústia, mas também uma vontade de superar tais problemas, mas ainda assim de maneira menos profunda do que é visto em CRAWLER. Por possuir esse perfil, o álbum talvez seja a base mais importante para seu 4° disco, uma vez que nele, Talbot explora de maneira mais profunda seus traumas numa espécie de D.R. consigo mesmo.

Após recaídas, Talbot encontrou apoio nas sessões de terapia o que culminou em novas perspectivas não só para sua vida pessoal como para sua vida musical. “Eu estava em um lugar muito, muito ruim, e não tinha a ver com a banda ou as entrevistas”, ele diz. “Eu não estou mais naquele lugar. Não estou na defensiva. Não estou bravo”. Sendo assim, a partir de suas reflexões e a vontade da banda como um todo de deixar o ego de lado e começar a seguir um novo caminho evitando a repetição, eles partem para CRAWLER.

Apesar de ser uma crítica sobre música, é interessante comentar sobre a capa, que muitas das vezes passam despercebidas. Feita em parceria com o fotógrafo Tom Ham, vemos Joe trajado como um astronauta, em gravidade zero. Uma capa extremamente simbólica, uma vez que o teor das letras contidas no álbum vem de um lado muito pessoal do vocalista. Ele trafega só, na vastidão de seus traumas e suas experiências, sejam elas boas ou ruins, e mergulha de cabeça em seu próprio drama psicológico. Em Ultra Mono, por exemplo, uma grande bola rosa acerta em cheio a cara de um homem. Em Joy as an Act of Resistance, um bando de homens brancos, de meia idade e provavelmente de classe média, apartam uma briga, e, em Brutalism, uma escultura feita por Talbot e seu pai com a foto da mãe do vocalista reflete a importância do significado que a banda dá às capas de seus álbuns. Em CRAWLER, não poderia ser diferente.

Em MTT 420 RR, a faixa que abre o álbum começa bem demarcada sem muitas distrações, dando espaço não só à letra como a voz de Talbot que, num primeiro momento, aparenta contida e centrada ao invés de explosiva. Mas não se engane, a escolha é perfeita para mostrar a que o álbum veio, equilibrando muito bem o que ele sabe fazer de melhor. A música em si é sobre um acidente em que ele se envolveu, onde o modelo da motocicleta da pessoa acidentada era uma MTT 420 RR, o que fez com que ele refletisse sobre a vida e como ele teve sorte de estar aqui até hoje após anos de vício.

Joe sempre cantou mais sobre o que estava ao seu redor e dos lugares que cresceu e sobre como ele enxergava o mundo, mas aqui, mais do que em qualquer outro álbum, o vocalista olha fundo para dentro de si mesmo e, por sorte, ele se encara de peito aberto – como se deixasse mostrar-se vulnerável –, cantando tal qual um mantra “você está preparado para a tempestade?”, fazendo um convite para o que está por vir nas faixas seguintes.

Seguimos então para The Wheel. Aqui Talbot vê na simbologia da roda o vício alcoólico de sua mãe como se visse a si mesmo e seus próprios demônios, num ciclo que se mantém girando (“Eu fiquei de joelhos/E implorei à minha mãe/Com uma garrafa na mão”). O baixo de Adam Devonshire se destaca mais do que na primeira faixa com a batida grave e ritmada como se anunciasse um toque de alerta sombrio. Joe relata que a mãe sempre foi uma pessoa incrível e amorosa, entretanto sempre existiu esse lado mais lúgubre do vício.

Em When The Lights Come On, fica sonoramente nítido as referências dos acordes do pós-punk dos anos 70 e 80, como um Joy Division ou um Bauhaus. É sobre quando as luzes da festa se acendem e é chegada a hora de ir embora, mesmo você querendo ficar. A frase “parece que estou voltando para casa”, numa crescente acompanhada pela guitarra de Lee Kiernan e Mark Bowen, traz uma estranheza desconcertante que funciona muito bem com a temática da música.

A próxima faixa, Car Crash traz a “fórmula sonora” da banda do começo ao fim. É sobre acordar de ressaca e perceber o peso de certas escolhas da noite passada ecoando na manhã seguinte da maneira mais abrupta possível. É áspera, ruidosa e sua batida distorcida remete à banda de hip hop experimental, Death Grips. “Smash, eu sou uma batida de carro”.

The New Sensation tem sua base no surf rock anos 60 e é uma das faixas que com certeza te fará dançar, pular e cantar junto em um show. É a música para exorcizar o cansaço nos fazendo ter vontade de extravasar. A faixa seguinte, The Stockholm Syndrome, é um dos pontos altos do álbum e, de longe, possui umas das letras mais bem trabalhadas pelo IDLES. É poética, social e crítica, por se tratar da hipocrisia de julgar outras pessoas pelos seus vícios, mesmo tendo nossos próprios. Aqui, mais uma vez, sentimos a forte influência de Joy Division, da canção Shadowplay nos riffs, e é o casamento perfeito entre a identidade sonora que construíram até aqui com a identidade que estão tentando buscar. Por conta disso, acaba sendo uma das (se não a mais) equilibrada de todas dentro do álbum.

Chegamos então ao primeiro single lançado, The Beachland Ballroom. Se The Stockholm Syndrome foi um mix sonoro da banda, a faixa da vez mergulha de cabeça em algo que ainda não tinham feito. Com a adição de um teclado sintetizador e a cantoria calma, porém carregada, de Joe Talbot, a música se torna uma balada dançante com influências de folk e soul. Sua temática é sobre se sentir perdido, mas estar não apenas encontrando um caminho para se encontrar, como também mostrar uma certa fragilidade por dentro da casca grossa do punk. Tudo isso deixa evidente que assumir sua vulnerabilidade, cantar de peito aberto e expor suas feridas é forte e pode tornar-se sua arma mais potente. Ela sintetiza o objetivo da proposta do novo álbum e abre caminho para novos horizontes.

The Beachland Ballroom funciona não só como divisora de águas para a banda como um todo, mas também para o álbum. Depois da faixa, somos apresentados à segunda metade do disco que se inicia com Crawl! (Rasteje!). Como dito anteriormente, o álbum todo é sobre desafios, traumas, superação e autoconhecimento, e aqui o peso emocional de perceber que você tem problemas que precisa seguir em frente é avassalador. É como Joe Talbot se vê com seus vícios, tendo consciência de que uma parte sua é péssima (não necessariamente má) e outra parte é muito boa, e que as duas juntas formam o seu ser por completo. É um relato de um sobrevivente que está tentando vencer seus próprios desafios. Mesmo que você não consiga levantar ou andar, rasteje!

À partir disso, somos apresentados a faixas como a experimental Meds, que discorre sobre uso de medicamentos, espiritualidade e síndrome do impostor enquanto introduz um saxofone um tanto quanto… Instável. A dupla Kelechi e Progress, onde a primeira, completamente instrumental, leva o nome de um amigo do vocalista que se suicidou, é sucinta (com apenas 30 segundos) e é sobre a ausência das palavras durante o luto. Também serve como introdução a faixa seguinte, que, por sua vez, é uma conversa sincera na frente do espelho de Joe Talbot, cantando também como um mantra “Tão pesado quanto meus ossos eram/eu não quero me sentir chapado”. É sobre perceber a consequência de seus atos autodestrutivos causados pelo vício.

Seguindo, temos Wizz, outra faixa de apenas 30 segundos onde a letra são mensagens desconexas trocadas entre o vocalista e seu antigo fornecedor de drogas. Ironicamente colocada depois de uma música sobre progresso de alguém viciado, e mostra que, além dos dons musicais, a banda tem o dom da ironia e de não se levar tão a sério.

Ocupando a penúltima posição dentro do disco, temos King Snake, que reflete sobre a ideia de não ser nada e isso não ser necessariamente ruim (“Uma gota no oceano/Uma sombra na noite/Uma roda sem movimento/Um cachorro sem (latido!) mordida”). E, finalizando o álbum, The End, que é uma grande oposição de ideias, mas percebe que o ponto central da mensagem é que “apesar de tudo, a vida é bela”. A frase é cantada inúmeras vezes por Joe Talbot, fechando de maneira coesa um álbum com uma temática complexa, emocional e extremamente empática, capaz de sensibilizar qualquer pessoa que não conheça muito a banda e os integrantes pelo simples fator da identificação.

Em CRAWLER, IDLES percebe a importância de não se apegar sempre às mesmas fórmulas e que encontrar novos rumos é sempre uma ótima opção para uma banda que não deseja cair na mesmice e continuar estagnada em fazer mais do mesmo. Entretanto, talvez por terem feitos álbuns sonoramente parecidos, a tentativa de mudança existe, mas não é repentina, contendo muito do que o grupo ficou conhecido: um som pesado e uma voz potente e crua. Mas se manter fiéis ao que sempre foram e ao som que sempre fizeram não é ruim, muito menos errado.

Apesar disso, o desejo de trilhar outros caminhos é, de fato, presente e, em seu novo álbum, a banda mostra que tem um grande potencial de mudar, experimentar e evoluir. A produção de Mark Bowen e do famoso produtor Kenny Beats, somado ao talento do grupo como um todo, elevam o sarrafo para eles. Agora não tem mais volta. As letras desse álbum são de longe as mais poéticas e bem construídas de toda sua discografia, mostrando um lado de Joe Talbot que só tínhamos visto superficialmente. Seu acerto está em olhar para si mesmo e conseguir se comunicar com pessoas de diferentes partes do mundo ao retratar temas intrínsecos em nossa sociedade como ansiedade, vícios e lutas internas.

Se a banda vai seguir nesse caminho até um álbum com uma estética sonora diferente do que veio antes e subverter mais uma vez tanto o gênero pós-punk quanto as expectativas dos fãs em seu próximo álbum, eu não faço ideia. A verdade é que IDLES é um grupo versátil e talentoso, e enquanto o próximo álbum não chega, nos contentemos com o que temos: uma trajetória sonora para nos fazer querer gritar, pular, sorrir e chorar. Talvez em uma ordem diferente, talvez tudo ao mesmo tempo.

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