Gabriel Diaz

Havia sinais de exaustão emocional em torno de Chester Bennington, ex-vocalista e figura astral em volta do Linkin Park, muito antes de 20 de julho de 2017. Entrevistas carregadas de vulnerabilidade, letras cada vez mais confessionais, performances que pareciam atravessadas por um cansaço existencial. E tudo isso foi relido, retrospectivamente, como prenúncio de uma perda que abalaria não apenas o Linkin Park, mas uma geração inteira do rock. One More Light (2017), lançado pouco antes de sua morte, já soava como uma carta de despedida não intencional: era um álbum frágil, exposto, muitas vezes incompreendido, contudo emocionalmente direto. 

A notícia do suicídio de Chester interrompeu a trajetória da banda e instaurou um luto coletivo que se confundiu com o próprio fim simbólico do grupo. Para muitos fãs, o Linkin Park havia acabado ali por uma impossibilidade ética e afetiva de seguir sem sua voz – e, até hoje, uma minoria se recusa a aceitar a nova formação por resquícios do passado ainda não superados. O hiato perdurou e foi puramente técnico, porém principalmente moral. Por anos, o silêncio da banda funcionou como espaço de respeito, e só sobrava a dúvida no ar: o projeto estava encerrado ou apenas em pausa?

Ao longo desse tempo, o nome Linkin Park permaneceu como um espectro cultural, constantemente presente em playlists, memórias afetivas, fóruns, porém ausente de novos gestos artísticos, conforme a indústria se transformava. Por isso, quando rumores de retorno começaram a circular em 2024, a reação foi ambígua: esperança misturada à desconfiança, desejo de reencontro atravessado por medo de profanação. A confirmação veio em setembro, com o anúncio do tão aclamado From Zero e a chegada de um novo rosto: Emily Armstrong como nova vocalista. Claramente, o inesperado rapidamente polarizou a mídia e os fãs: entre quem enxergava coragem e quem via oportunismo, entre os que celebravam a sobrevivência e os que viam um desrespeito ao luto.

A presença de Emily não foi recebida como mera substituição, mas também não escapou dessa leitura. Sua voz feminina, datada como mais aguda, mais limpa, menos rasgada que a de Chester, opera como deslocamento estético e simbólico. O ponto central não é se ela ‘substitui’ o Chester, algo que particularmente seria uma tarefa impossível, e sim se ela consegue instaurar uma nova dinâmica emocional para o Linkin Park, mantendo o respeito que consolidava entre os membros remanescentes. 

From Zero responde a isso com uma estratégia curiosa: não tenta apagar o passado, tampouco reencená-lo fielmente. O álbum assume, desde sua vinheta inicial, a impossibilidade do recomeço absoluto. A pergunta quase irônica ‘Do zero? Tipo, do nada?’ não soa como promessa, e sim como reconhecimento de limite, principalmente vindo da voz de Emily. Não se começa do zero quando se carrega uma história tão marcada por trauma, sucesso, reinvenções e perda.

Essa consciência atravessa o álbum inteiro. É um disco muito cuidadoso no que se diz falar menos sobre reinvenção e focar em sua estabilização. Em vez de tentar surpreender radicalmente, o Linkin Park opta por reafirmar sua identidade, reorganizando-a ao redor de novos corpos e novas tensões – até porque o grupo não precisa impressionar ninguém do que são capazes. A escolha de The Emptiness Machine como primeiro single sintetiza o que é verdadeiramente este projeto: a faixa reúne peso controlado e uma estrutura que soa imediatamente reconhecível como Linkin Park. Ao mesmo tempo, carrega mais fortemente a assinatura criativa de Mike Shinoda, sugerindo uma reconfiguração de forças internas. É como se a banda dissesse: ainda somos nós, porém mais fortes.

Essa lógica se estende à construção do álbum como um fluxo contínuo, marcado por transições quase constantes entre faixas. Esse encadeamento não é apenas estético e funciona como metáfora de um processo de reconstrução em movimento, sem pausas confortáveis ou zonas de repouso. Em Cut the Bridge, por exemplo, o grupo surpreende ao flertar com um groove mais dançante, quase pop-rock, evocando inclusive associações com o Paramore, de 2013 (saudades). A faixa revela a versatilidade de Emily, abrindo espaço para movimentos corporais onde antes predominava o impacto e, agora, tensiona sua própria identidade rítmica.

Há se destacar também sua apresentação em Heavy Is the Crown que se equilibra entre agressividade e precisão. Nesta faixa, é impossível não dizer que o longo grito da vocalista funciona quase como um ritual de afirmação: é sagaz e você compreende toda sua afirmação furiosa. Ainda assim, a química entre ela e Shinoda, embora evidente, não reproduz exatamente a dinâmica histórica da banda – e isso não é um defeito, mas um sinal de que algo novo, ainda instável, está em formação.

A produção também não foge de sua face mais contemplativa. Over Each Other é exemplo de uma única faixa sem transição direta com a anterior e como um raro momento em que Emily ocupa sozinha o centro vocal. Assim como, no álbum inteiro, ela favorece seu protagonismo com extrema perfeição. Apesar da sonoridade mais afável se remeter inevitavelmente a One More Light, o disco mais controverso da banda, a abordagem soa menos ansiosa por dialogar com o mainstream. Em vez de experimentar pela clássica ruptura do nu metal, a faixa prefere a introspecção, funcionando como um momento de suspensão emocional no meio de um álbum que alterna constantemente entre peso e delicadeza.

Inclusive, essa alternância é uma das marcas mais consistentes de From Zero. Não existe um único território emocional que é ocupado, nota-se uma transição entre agressividade, melancolia e energia contida, como se buscasse mapear os estágios de um luto que não se resolve, apenas se transforma. Isso fica particularmente evidente em Casualty, um dos trabalhos mais viscerais de uma protagonista solo. A explosão de Emily anuncia raiva, algo raro na trajetória recente da banda. A influência punk/hardcore, especialmente no refrão, desloca o Linkin Park de seu conforto nu metal e injeta uma urgência quase anárquica. Aqui, todos os integrantes parecem ganhar espaço: o baixo de Phoenix surge com definição rara, Shinoda experimenta uma abordagem vocal mais rasgada, e a banda soa, finalmente, como um corpo coletivo em combustão.

A maior evidência de simbolismo se encontra no encerramento, período em que a banda possui algumas cicatrizes. Good Things Go é um hino que encerra o álbum e ela o interpreta, rebuscando os raps clássicos de Shinoda, em seu modelo mais reconhecível, e refrães superpop, inicialmente sem guitarra, depois acompanhados por ela. Essa construção em camadas espelha a própria história da banda: um núcleo identitário persistente cercado por tentativas de expansão, adaptação e sobrevivência. A frase final “às vezes, coisas ruins ocupam o lugar e coisas boas se vão” é a síntese de que não há superação plena, não há catarse definitiva, apenas a constatação de que essas marcas permanecem – e que viver com elas é a única forma possível de seguir.

Novamente, From Zero não é um disco de reinvenção. Não há pretensão de revolucionar o rock alternativo, nem redefinir o nu metal. Trata-se de um rito de passagem, como Minutes to Midnight (2007) foi em sua época, ou como One More Light tentou ser em outro registro. Ele ocupa o lugar desconfortável entre passado e futuro, entre memória e projeção, entre homenagem e autonomia – e, por isso, torna-se um álbum marcante.

Parte da imprensa celebrou o retorno como um ato de coragem emocional, outros apontaram a segurança excessiva das escolhas estéticas. A fanbase, por sua vez, oscila entre a gratidão e a defesa automática, muito sensibilizada em reencontrar a banda e a dificuldade de aceitar suas transformações. Há quem veja em Emily uma voz funcional, e quem enxergue nela a possibilidade de um novo eixo emocional para o grupo. Há quem leia o álbum como homenagem, e quem o interprete como tentativa de reativar um legado sob risco de fossilização. Ambas as leituras são legítimas e o próprio disco parece consciente dessa tensão.

Culturalmente, o retorno do Linkin Park aos palcos, em 2024, também dialoga com um movimento mais amplo: a nostalgia como linguagem dominante da cultura pop contemporânea, o retorno de estéticas dos anos 2000, e, principalmente, a revalorização do nu metal – pelo menos, a passagem da banda pelo território brasileiro intensificou isso. Nesse contexto, o álbum não tenta apagar Chester, sua ausência é sentida e lembrada em cada faixa, não como lacuna a ser preenchida, e sim como presença fantasmática que molda todas as decisões criativas.

No fim, após um ano de lançamento, From Zero se impõe como um álbum de qualidade consistente, emocionalmente honesto e esteticamente competente. Não teria como começar do zero, como seu título disfarça, e nem poderia. Começa do reconhecimento de que algumas perdas não se superam, apenas se integram à própria identidade. E talvez seja justamente isso que torne este retorno legítimo: sem a promessa de um novo Linkin Park, contemplado da aceitação de que o antigo ainda vive – não intacto, não ileso, mas transformado.

O post From Zero é a carta de superação de Linkin Park, e isso é inegável apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Por mais impossível que pareça, até que dá para passar um ano inteiro sem ver filmes, ou até mesmo perder a temporada daquela única série que você assiste, mas experimenta ficar esse mesmo período sem Música? É praticamente impensável. E não há como fugir disso, se correr o bicho pega, se ficar o bicho come. Ela está lá, no carro da rua que passa tocando o hit do carnaval; no verão ensolarado é ela quem dá o clima; nos corações partidos, o primeiro ombro amigo vem de seus acordes e nas comemorações; é ela que intensifica a euforia.

Em 2024 não foi diferente, pra onde você olhava, havia Música, e melhor, ela fazia história. No ano marcado pela ‘treta’ de Drake e Kendrick, ponto para o rapper de Compton, que, além de fazer o mundo inteiro trucidar seu oponente, ainda teve as honrarias máximas reconhecidas pela indústria. Em outra briga, dessa vez, menos sanguinária, Taylor Swift e suas várias versões do antológico THE TORTURED POETS DEPARTMENT batia de frente com quem ameaçasse seu pódio nos charts.

Mas não há como negar que foi o ano delas. O mundo foi pintado de verde pela efervescência de Charli xcx. A própria Swift ampliou ainda mais seu império, mas foi outra ‘loirinha’ – mais irônica e com intenção de instigar – que mostrou seu lado curto e doce para os holofotes. Foi o ano das também das voltas; uma veio a galope para reivindicar a música country, enquanto outra saiu do crepúsculo de seu hiato para alvorecer com sua voz de fada e pop de gente grande; enquanto o terror dos primos nos almoços de família, Billie Eilish, chegou como quem não quer nada e nos afogou em suas questões e genialidade.

Como em todo ano e já de praxe nessa Arte, foi a diversidade que dominou. Enquanto POCAH reconta sua história através de todas as suas versões, Twenty One Pilots dava um fim (?) para a sua. Se o The Cure voltou depois de 16 anos para o reino da tristeza com um álbum de inéditas, Rachel Chinouriri estreou abordando a mesma tristeza quase que com uma autopiedade cômica. Tyler, The Creator voltou com o pé na porta, já Gracie Abrams chegou com tudo. Luan Santana cantou amor, enquanto Duda Beat cantou tesão. Linkin Park entoou novamente o gutural típico do nu metal, diferente de Adrianne Lenker, que murmurou sentimentos doloridos.

Mas uma coisa é certa, mais uma vez a já tradicional lista de Melhores Discos retorna do jeito que é. No ano em que perdemos Liam Payne, o Persona segue uma direção: usar da Música e das Artes no geral para lembrar quem somos e discutir quem podemos ser.

Doechii – Alligator Bites Never Heal

Cuidado! Swamp Princess mandou avisar que em Tampa, Flórida existem muitos pântanos e nós sabemos que mordidas de jacaré nunca curam, ya dig? Em Alligator Bites Never Heal, mixtape produzida e interpretada por Doechii, encaramos de frente a sua versatilidade. Sintetizando suas raízes no hip-hop old school e no R&B, a rapper explora temas sensíveis sobre a sua vida, como relacionamentos, revoltas e ascensão à fama. Em seu novo álbum, a artista apresenta uma narrativa tão sincera e por vezes brincalhona a respeito de si mesma, que as rimas guardam uma comicidade e originalidade única, dando match com a sua personalidade sagaz . 

O disco surge através da série Swamp Sessions, onde a cantora se desafiava com um cronômetro de uma hora para escrever suas músicas, que posteriormente eram publicadas semanalmente às sextas-feiras em seu canal do YouTube. Desse projeto nasceu as letras BULLFROG, CATFISH, FLORIDA WATA, SUNDAY’S BEST e NISSAN ALTIMA, canção indicada ao Grammy na categoria de Melhor Performance de Rap. Com seu lançamento, Alligator Bites Never Heal escancara o talento de Doechii, mostrando sua criatividade e língua afiada nas 19 faixas presentes no disco, evidenciando pra quem ouve, que isso é só um fragmento de suas habilidades e que os próximos lançamentos da artistas promete ser de alta qualidade. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: CATFISH, BULLFROG, DENIAL IS A RIVER 

St. Vincent – All Born Screaming

St. Vincent voltou com um disco inteiramente produzido por ela. All Born Screaming é um compilado das melhores características de uma das personalidades mais interessantes do rock contemporâneo. Em um misto de sonoridades que variam desde o rock progressivo até o dance pop, Annie Clark desafia a si mesma, criando um disco que, não surpreendentemente, acerta mais do que erra.

De fato, com exceção de Sweetest Fruit – faixa com intenção de homenagear SOPHIE, mas que acaba soando fora do tom em mais de um sentido –, All Born Screaming justifica a vitória do Grammy de Melhor Álbum de Música Alternativa por se tratar de um retrato flamejante de toda a artisticidade de St. Vincent. A produção ganhou até mesmo uma regravação em espanhol, intitulada Todos Nascen Gritando. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Hell Is Near; Big Time Nothing; Violent Times.

Melly – Amaríssima

Melly, cantora e compositora baiana, foi a artista revelação do Prêmio Multishow 2023, com seu  single Azul. No entanto, foi com o álbum Amaríssima que a intérprete  se destacou e abriu suas asas para voar ainda mais alto. Nas 13 faixas que compõem o projeto, a jovem mistura ritmos de R&B e Soul com letras que exploram temas profundos como o amadurecimento, além de trazer participações especiais como Liniker e Russo Passapusso. 

Em Amaríssima, Melly explora diferentes fases de um relacionamento com a combinação de canções de diferentes gêneros, como samba-reggae e afropop. Os estilos musicais marcam o álbum, porém a cereja do bolo é o curta metragem incrível, idealizado pela cantora. Se amadurecer é desconfortável, Melly faz disso poesia e consegue estabelecer uma conversa com seus fãs da maneira mais pura.  O álbum é um convite para o mundo dela, sem deixar de conversar com os universos particulares de cada um, e isso não poderia ser mais perfeito. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Cacau, Paraíso e Bye Bye

Pabblo Vittar – Batidão Tropical Vol. 2

Quando lançou, em 2021, o primeiro volume do Batidão Tropical, projeto baseado em regravações de sucessos que ouviu durante a infância, clássicos amados pelos fãs ficaram de fora da tracklist final. Após três anos, Pabllo Vittar voltou com seu sexto álbum de estúdio e a continuação daquele que é um de seus melhores trabalhos. Ampliando a nostalgia e dando uma nova roupagem às versões já conhecidas, a drag queen mostrou o que sabe fazer de melhor: entregar um tecnobrega que reverencia o passado e, ao mesmo tempo, traz algo diferente, contribuindo para a sua produção.

Com um dos hits da banda Calypso, na faixa Pra Te Esquecer, passando pela homenagem à Banda Batidão, em Ai Ai Ai Mega Príncipe, a produção do disco – encabeçada por nomes como Rodrigo Gorky, Maffalda, Pablo Bispo, Ruxell, Zebu e Lux & Tróia – consegue dar um toque fresh às composições que ficaram famosas nos anos 2000. Em Não Desligue o Telefone com Maderito, por exemplo, a artista utiliza o drum and bass, gênero da música eletrônica marcado por batidas rápidas. Somando os dois volumes, o trabalho da performer é um teletransporte à história daqueles que cresceram com o brega e as suas performances de tirar o fôlego. – Guilherme Leal

Faixas Favoritas: Rubi, Hoje à Noite (Alone) e Ai Ai Ai Mega Príncipe

Charli xcx – BRAT

Houve uma época, no auge dos anos 2000, em que o pop era categoricamente mais fútil, sem isso se tornar um demérito. Sem dúvidas, reflexo de tempos um pouco menos complicados. Roupas extravagantes, personalidades exageradamente excêntricas, it girls e músicas milimetricamente pensadas para ecoar apenas nos clubes de dança, como uma espécie de refúgio que beira o distópico da sociedade. Com o passar dos anos, nota-se certo pragmatismo na Música e ela, ao invés de ser esse reduto, se tornou cada vez mais identificável para com a sociedade, com intérpretes que são basicamente um reflexo de seu público.

E é exatamente no meandro desses dois mundos que BRAT, sexto disco de estúdio de Charli xcx, se consagra. É notável que o intuito da cantora foi voltar as atenções para si, assim como qualquer garota pirralha – tradução mais apurada do termo título, mas o registro consegue fazer isso de diferentes formas. Expansivo e megalomaníaco, ele conquista com seu hyperpop conduzido pela intérprete em parceria com o produtor de longa data A.G Cook, mas também cativa o público mais atual com letras duras e nada romantizadas sobre calvários atuais como rivalidade feminina e insegurança com a própria imagem. Cômico em sua premissa, chamou atenção e viralizou; capaz de se sustentar, ele virou conceito, mas acima de tudo ele fez o que um bom disco do gênero precisa, ser transgressor e de quebra se transformou num dos registros mais icônicos do ano. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Von dutch, Apple, Everything is romantic

Charli XCX – Brat and it’s completely different but also still brat

Quem aperta o play em brat and it’s completely different but also still brat custa a acreditar que esse é o primeiro álbum de remixes de Charli XCX. A cantora, que iniciou sua carreira atrás da mesa de DJ, elevou um clássico instantâneo com a ajuda de nomes inusitados, entre eles, Julian Casablancas e Bon Iver que, apesar de toda a melodramaticidade intrínseca de seus trabalhos, capturaram a essência BRAT com versos reflexivos por cima de muitas batidas por minuto – com direito a Casablancas cantando sobre um divórcio conturbado enquanto XCX evoca com orgulho o fato de ser uma ‘garota má’. 

No topo do mundo por grande parte de 2024, Charli XCX bebeu da cultura clubber para viver seu ‘momento Elvis’ em toda a glória que as casas noturnas podem oferecer. Em um ano em que a sonoridade feminina foi vendida de forma tão superficial pela indústria musical, coube à sósia de Lorde a tarefa de criar um dos melhores hinos de ‘inimizade’ de todos os tempos. Desde ‘dancinha’ viral no TikTok, passando por polêmicas e brigas entre fandoms até chegar em uma turnê conjunta com Troye Sivan, brat and it’s completely different but also still brat veio para consolidar o impacto cultural do disco que pintou o mundo de verde. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: 360 featuring robyn & yung lean; Girl, so confusing featuring lorde; Mean girls featuring julian casablancas.

Adrianne Lenker – Bright Future

Talvez a marca mais forte da arte da Adrianne Lenker seja a sua capacidade de se despir emocionalmente por completo em suas composições. Bright Future é algo maior do que a cantora-compositora, é um pedaço de si que ela entrega ao mundo para assumir novas formas a cada ouvido que atravessa. O álbum dispensa rodeios, a voz da autora cede uma sinceridade tão crua e, por isso, familiar, que dói e conforta ao mesmo tempo. Lenker abre a obra com Real House, um relato de quase seis minutos no qual ela relembra memórias de sua infância. De cara, na primeira faixa, seu peito está aberto como um convite para que espiem e, inevitavelmente, virem o olhar para si mesmos.

A narrativa da obra brinca de alegorias com o trivial e ordinário, como pequenas crônicas que, ao falarem sobre o que parece nada, falam sobre tudo. As melodias imprevisíveis emulam fluxos de consciência que acompanham as letras. Os arranjos de folk, com um quê de country, sobre a base predominante de violão, piano e violino conferem ao álbum a sua atmosfera autêntica e intimista. Se Bright Future está nessa lista, deve-se destacar a faixa Sadness As A Gift, uma das maiores da carreira de Lenker e entre as melhores músicas de 2024. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Sadness As A Gift, Free Treasure e Fool

Liniker – CAJU

No gosto proeminente de um pseudofruto, Liniker se lambuza em frutose com CAJU. O álbum de 14 faixas é um verdadeiro passeio pela diversidade do sentir, contemplando desde a necessidade de um amor com intimidade ao respirar aliviado dos fins com tom de recomeço. Além das múltiplas facetas temáticas, o disco também encontra espaço para fazer um belo mix de ritmos musicais, trazendo o soul, o pop, a mpb e até o pagode para serem parte da construção da miscelânia.  

O tom angelical, dramático e ousado de CAJU ganha ainda mais cor com a presença de feats de peso, como o duo Anavitória, em Ao Teu Lado, BaianaSystem, em Negona dos Olhos Terríveis, e Melly, em Papo de Edredom. Entre muitos outros adjetivos possíveis, a produção é simplesmente encantadora e, de longe, um dos melhores trabalhos musicais do cenário nacional contemporâneo. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Caju, Veludo Marrom e Ao Teu Lado.

Trent Reznor and Atticus Ross – Challengers (Original Score)

Se, por um lado, partidas de tênis nunca foram tão interessantes quanto em Rivais (2024), por outro, a trilha sonora original certamente adicionou uma camada extra de tensão ao trio protagonista do filme de Luca Guadagnino. Com momentos que buscam inspiração nas raves da década de 1990 e no cenário da cultura techno de Berlim, Challengers (Original Score) apresentou 16 faixas impressionantes.

Apesar de ter sido esnobado pelas principais premiações do Cinema, o disco rendeu nas redes sociais, viralizando a sonoridade com memes e edits criados por admiradores. Fazendo jus ao convite de Guadagnino aos compositores e membros do Nine Inch Nails Trent Reznor e Atticus Ross – “Você quer participar do meu próximo filme? Vai ser super sexy” – Challengers (Original Score) brinca com os sintetizadores enquanto prepara o ambiente para a tensão (e o tesão) em cena. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Stopper; Brutalizer 2.

Clairo – Charm

Se fosse possível dar uma boa olhada dentro do cérebro de Clairo, seria seguro presumir que o fluxo de consciência dela é semelhante ao de qualquer pessoa com 20 e poucos anos. Segundo a cantora, as experiências íntimas que ela aborda em seu terceiro álbum de estúdio têm a ver com “momentos fugazes (…) em que fui encantada ou encantadora” e as fantasias que esses momentos podem produzir. Quem nunca esteve nessa posição? E quem nunca precisou recorrer à Música para saber que não é a única pessoa do mundo a sentir tudo o que isso envolve?

Enquanto Immunity explora a juventude e Sling mergulha na complexidade que envolve o ato de crescer e amadurecer, Charm está no meio-termo, ao passo que se debruça sobre o sentimento de se apaixonar por alguém. São 38 minutos de jazz sussurrante, elementos do soft rock, toques orquestrais groovy e um calor aconchegante, com o lirismo de Claire Cottrill cantarolando junto com cada melodia descontraída. O álbum escancara o que a cantora e sua Arte sempre foram: um charme. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Second Nature, Juna e Add Up My Love

Tyler, The Creator – CHROMAKOPIA

Qualquer um que esteja em dia com o cenário do rap atual sabe que Tyler, The Creator é uma de suas jóias mais brilhantes, e CHROMAKOPIA evidencia esse fato. Em sua produção mais inventiva até o momento, o artista amplia um pouco mais seus limites criativos e aprimora sua habilidade como contador de histórias, demonstrando uma vasta maturidade artística ao longo de todo o processo.

O álbum é uma mistura de todos os temas que o artista já abordou em seus trabalhos anteriores sem parecer explicitamente com nenhum deles. A sensação é que as 14 faixas aqui presentes são as que mais se assemelham com o verdadeiro Tyler Okonma, ainda que não se pareçam com nada que ele já tenha feito. Essa é uma proposta empolgante para os fãs de longa data, uma vez que abre um mundo novo de possibilidades para um dos nomes mais relevantes da Música contemporânea. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Rah Tah Tah, Sticky (feat. GloRilla, Sexyy Red & Lil Wayne) e Take Your Mask Off (feat. Daniel Caesar & LaToiya Williams)

Twenty One Pilots – Clancy

Depois de quase 10 anos, o Twenty One Pilots encerra uma lore que dura quatro álbuns e que traz consigo não só uma legião de fãs como também todo o amadurecimento do duo. Clancy é a prova de que o grupo atingiu sua forma máxima e como resultado, promove uma revisitação a toda sua carreira, sem mirar em um álbum específico.

Em questão de gêneros, talvez seja o álbum mais diverso do grupo: as estrofes rimas estão lá, mas dividem espaço com uma bateria mais carregada que remete ao pop punk e elementos que descambam de vez para o rock. Essa miscelânea de estilos converge com um Tyler que consegue abordar a batalha mental – que sempre foi mote dos últimos trabalhos do Twenty One Pilots – através de diferentes metáforas, que no final das contas, funcionam como uma recompensa para os fãs que batalharam junto ao longo da última década. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Next Semester, Oldies Station, Paladin Strait

Beyoncé – COWBOY CARTER

De volta para as suas raízes texanas, Beyoncé fez de COWBOY CARTER a sua principal aposta de redenção. Flutuando pelo pop e R&B durante a maior parte de sua carreira, a artista finalmente se aventurou em um universo que não aprecia forasteiros: o country estadunidense. De fato, para a surpresa de poucos, o disco foi esnobado pela principal premiação do gênero, o Country Music Awards. No entanto, pode-se afirmar que a força das 27 faixas se somatizaram em outra grande cerimônia da indústria, o Grammy Awards, que, até o momento, ainda devia uma estatueta de Álbum do Ano à artista mais nomeada e vencedora de sua história.

Quase como um enorme trabalho em grupo sobre o country e os limites entre diferentes sonoridades, a segunda obra da trilogia produzida durante a pandemia de covid-19 apresentou colaborações, no mínimo, singulares. Em meio a veteranos e novatos, as parcerias variaram desde a Dolly Parton e Stevie Wonder até Miley Cyrus e Post Malone. O destaque, contudo, ficou sempre para a voz inconfundível de Beyoncé que, aqui, ecoou de forma ainda mais potente. Agora, é esperado que o encerramento do trio de discos venha acompanhado de uma pegada rock à la Tina Turner, uma das grandes inspirações da popstar. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: 16 CARRIAGES; BODYGUARD; DAUGHTER.

POCAH – Cria de Caxias

Em Cria de Caxias, POCAH celebra e relembra sua própria história. O disco mostra três momentos da cantora e suas canções são intercaladas por interlúdios, grafados de formas diferentes: MC POCAHONTAS, pocah e Viviane. Além dessa distinção estilística, o álbum traz uma ecleticidade interessante – indo do funk carioca, passando pelo 150 bpm, até músicas reflexivas, cada um dos atos traz um ritmo diferente, e mostra a versatilidade de POCAH. 

A definição perfeita de Cria de Caxias é mudança e amadurecimento. Diversos momentos importantes da vida da cantora estão presentes no trabalho, como troca do nome artístico – de Mc Pocahontas para somente POCAH – e o nascimento de sua filha Vitória. O primeiro e o segundo ato começam com a mesma batida – assim como Charli xcx fez com as canções 360 e 365 –, enquanto o último é repleto de calma e cheio de amor: a música Vitória se comporta como uma declaração e encerra o disco de forma tranquila. – Laura Hirata-Vale 

Faixas favoritas: ASSANHADINHA, cria de caxias e Vitória

Ariana Grande – Eternal Sunshine

Ficando na lista dos cinco álbuns mais ouvidos de 2024, Eternal Sunshine tem seu valor registrado na história. O sétimo disco de Ariana Grande vem como um recomeço grandioso na carreira da artista, possuindo um vínculo profundo com o momento que a Grande passava em sua vida pessoal, após o término de seu relacionamento com  Dalton Gomez. Transformando a dor e a vontade de se reencontrar, e com um impulso da chegada aos 30 anos, Ariana entrega ao ouvinte 13 novas músicas, pelas quais passeia por ritmos e sensações em uma delicadeza e poder únicos. 

O amadurecimento da cantora e de seu público se torna palpável no disco; para o espectador, chega na nova forma de escutar e entender cada referência, melodia e letra, e, para a cantora, na forma com a qual se apresenta. Sempre guardando uma surpresa para os fãs, Ariana expõe ao mundo seu novo trabalho de forma sentimental e inteira, demonstrando como lidar com as memórias é importante para criar novas conexões e novos caminhos, e deixando a todos uma bela memória musical logo no início do ano, como uma carta de que mesmo nos momentos ruins, tudo vai melhorar.  – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: we can’t be friends (wait for your love), eternal sunshine, bye

Anavitória – Esquinas 

O que pode acontecer quando viramos uma esquina e não a outra? Em seu quinto álbum de estúdio, Anavitória não se dispõem a responder, mas a suscitar essa pergunta. Esquinas, lançado em Dezembro de 2024, encerra a era COR (2021), abusando do modo subjuntivo em um disco leve, grandioso e recheado de carga dramática.

Composto por 12 faixas, o trabalho representa as possibilidades em letras que tem como tema principal a vida; simples, contínua e incerta. O aspecto mais genial da obra é fazer com que quem escuta se sinta exatamente como as músicas interpretadas pelas artistas: longe de descobrir, mas como quem também “queria saber como seria”.  Seja no claro ou no escuro, a única certeza é que virar a rua em que se encontra Esquinas pelo caminho, é um doce presente. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Navio ancorado no ar, Espetáculo estranho e Água-viva.

Linkin Park – From Zero

O rock, nascido com a premissa de quebrar paradigmas, em uma relação inversamente proporcional, se tornou um dos gêneros mais conservadores – talvez só perdendo para a música clássica. O próprio Linkin Park já teve que lidar com certa rejeição quando veio ao mundo e, depois de provar seu talento, fincou seu nome na safra do início do século. Agora, sete anos após seu último álbum de estúdio e sem a cara principal da banda, Chester Bennington, o grupo precisou se provar mais uma vez.

Quando Emily Armstrong foi anunciada como a frontwoman escolhida para substituir Chester, a tarefa parecia ainda mais difícil. Mas o resultado foi um registro que, ao mesmo tempo em que preserva a história do Linkin Park, também coloca a banda como precursora nas mudanças do gênero. Mike Shinoda, agora com total controle da produção, conduz magistralmente o grupo de volta para um rock mais sujo e pesado instrumentalmente, para que a força vocal de Emily ecoe em um trabalho que agrada de gregos a troianos. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Heavy Is the Crown, The Emptiness Machine, Two Faced

Anitta – Funk Generation

Desde quando Anitta anunciou em 2017 que ia começar a apostar em sua carreira internacional e levar o funk para o mundo, diversas tentativas foram feitas: O projeto Checkmate e seus singles, o primeiro álbum trilíngue, Kisses (2019), várias colaborações com artistas globais e o polêmico Versions of Me (2022). Todos esses trabalhos tiveram seu valor, artístico e/ou estratégico, mas nenhum deles realmente transmitia nossa cultura. Porém, em 2024, a cria de Honório Gurgel finalmente fez o disco prometido, Funk Generation.

O álbum tem a coesão e a artisticidade que há muito tempo faltavam nas músicas da cantora. Produzido majoritariamente por artistas brasileiros, Funk Generation resgata elementos dos diversos subgêneros do funk como o carioca, o paulista, o melódico, o dos anos 2000, entre outros. A sensação é de estar em um bailão do início ao fim. Mesmo que cante na maior parte do tempo em inglês e espanhol, Anitta conseguiu entregar qualidade tanto para nós, quanto para os gringos que estão conhecendo cada vez mais o brazilian funk. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Lose Ya Breath e Savage Funk

Irmãs de Pau – Gambiarra Chic Pt. 1 

Gambiarra Chic caminha por experimentações frenéticas e dançantes que dominaram as pistas das baladas LGBTQIA+ do Brasil. Com a ajuda de DJs como: CyberKills, Clementaum, DJ Dayeh, Brunoso e MU540 que ajudaram na produção e levaram as músicas da dupla pelo país inteiro. Assim, elas conquistaram uma legião de fãs que adoram os seus beats e flows explosivos.

As experiências de mulheres trans são o ponto central das letras do projeto, ao abordar essa temática dentro do funk, Irmãs de Pau reivindicam o seu lugar nos bailes, baladas e pistas do Brasil todo.  – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: Voo 1360 e Disk P@#$%&!

Blossoms – Gary

A história por trás do nome Gary trás um toque especial a todo o conceito: se inspirando em uma figura conhecida do Reino Unido nomeada Gary, um gorila de fibra de vidro com mais de dois metros de altura, a faixa-título narra a história do desaparecimento do mesmo. E não era possível esperar a mesmice de tantos álbuns da atualidade dentro do novo trabalho da banda só de conhecer o que foi o pontapé para o trabalho.  Em seu quinto registro e estreando sob selo próprio, Blossoms surpreende positivamente com uma musicalidade que mescla tudo de melhor que a banda já ofereceu até hoje, com ritmos contagiantes, melodias gostosas de ouvir e uma escrita divertida – por vezes até irônica. 

A junção de tantas referências em um único trabalho, por vez, cria algo original e único, o que transforma o disco em uma experiência agradável e uma boa companhia para o dia a dia. Entre as dez novas músicas, nenhuma cai no limbo de “se sentir descartável”. Mais de uma década após sua criação e em um momento marcante de reinício, Blossoms se mostra atual, sólido e com muita força para continuar reinventando, além de ser um convite e tanto para uma nova parcela de ouvintes no outro lado do globo.  – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Perfect Me, Slow Down, I Like Your Look

Allie X – Girl With No Face

Ouvir Girl With No Face, lançado em fevereiro de 2024, é entrar nas discotecas dos anos 1980 e ferir os tímpanos com os sintetizadores típicos da música pop. Embora os ritmos façam o corpo querer dançar – com exceção da introspectiva e misteriosa faixa Saddest Smile – e os falsetes gritados da cantora contribuam para o estilo, as composições abordam temas sensíveis, como disforia, transtornos alimentares e padrões de beleza. Em Off With Her Tits, a repetição do refrão pedindo para retirar os seios, gruda na cabeça, assim como as imposições do sistema. A garota pode até não possuir rosto, mas esbanja personalidade.

Escrito majoritariamente pela própria Allie X, Girl With No Face foi uma das surpresas mais agradáveis de 2024. Os tons contraditórios entre conteúdo e música conseguem fisgar o público que, oriundo da internet, construiu uma personalidade ácida de fazer diversão com traumas e problemas. O disco é uma espécie de laboratório do que é ser uma mulher, e a canadense cria seu conceito – afinal, toda mulher pode vestir uma face. Infelizmente, Allie X ainda não explodiu nas paradas, nem virou trend no TikTok – o fato de não querer estar em festivais pode ter ajudado nisso –, mas com seu talento quem sabe no próximo ano. – Davi Marcelgo

Faixas Favoritas: Galina, Black Eye e Truly Dreams

Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft

À altura do terceiro álbum, é inegável o sucesso de Billie Eilish. Desde que lançou o debut  WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, já foram dois prêmios do Oscar e nove vitórias ao Grammy, maior premiação da indústria fonográfica. Com Hit Me Hard and Soft, a cantora abriu – ainda mais – o coração e chegou a locais que até então não eram sua marca, a exemplo de sua extensão vocal em BIRDS OF A FEATHER. A canção, aliás, finalizou o ano de 2024 como a mais tocada no Spotify e entrou na boca do povo como uma das faixas mais aclamadas de sua carreira.

A virada de Happier Than Ever se tornou uma sonoridade conhecida – e bem executada – da artista. Agora, há momentos iguais a esse no projeto. Em L’AMOUR DE MA VIE, a performer de 22 anos brinca com efeitos sonoros e mostra que sabe utilizar o autotune a seu favor a partir da mudança da música. Com influências de dance pop, nas 10 faixas que compõem o trabalho, a irmã de Finneas – seu produtor e membro da família — se firma como uma grande contadora de histórias, sejam elas trágicas ou animadas, mas sempre muito, muito bem interpretadas. – Guilherme Leal

Faixas Favoritas: BIRDS OF A FEATHER, BLUE E L’AMOUR DE MA VIE

Lvcas – Humanamente

Com fluidez similar à que produz conteúdo nas redes sociais há anos, o youtuber Lucas Inutilismo, utilizando o nome artístico de Lvcas, lança seu primeiro álbum Humanamente, que junta elementos de metalcore, funk e eletrônica. Com 16 composições autorais, Lucas é responsável por gravar vocais e todos os instrumentos das músicas, e co-assina a produção ao lado de Marcelo Braga, seu parceiro nos clássicos vídeos de releituras musicais de retrospectiva do artista.

O álbum apresenta apenas uma colaboração especial com Luana Victoria, a irmã do artista, na faixa Te Espero Aqui, que serve como um momento de tranquilidade no disco, composto por graves usados tanto para bate-cabeça quanto para dança. O metalcore é a principal inspiração, mas há alusões ao trap, hip-hop, pop, hardcore e djent enquanto traz reflexões sobre dilemas próprios do ser humano nas letras, mas sem ser conceitual demais a ponto de contar história através da música. Em 2025, Lvcas inicia a sua turnê em São Paulo com show caótico e é promessa no cenário de metal alternativo do Brasil. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Flores, Meu jeitinho e Te espero aqui

FLETCHER – In Search Of The Antidote

Desde que FLETCHER usou o nome da namorada de sua ex em uma música, ela tem sido considerada um ícone queer no setor por seu lirismo irônico que encapsula, com sucesso, a experiência do relacionamento amoroso entre mulheres. No entanto, ao invés de continuar na narrativa dos rompimentos angustiantes e inseguranças pessoais do primeiro álbum, In Search Of The Antidote oferece uma análise tumultuada de identidade e realização pessoal, englobando o lado sombrio do processo de cura.

Aqui, Cari Fletcher se mostra como uma mulher complexa, vulnerável, forte, sexy e sem pudor, deixando claro que este é um dos trabalhos mais honestos e consistentes de sua carreira. Envolvendo a bagunça das emoções pós-término em cortes pop que fogem às regras, a artista prova, mais uma vez, que ninguém faz hinos de corações partidos da mesma forma que ela. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Lead Me On, Pretending e Antidote

COIN – I’m Not Afraid Of Music Anymore

O sexto álbum de estúdio da banda COIN, intitulado I’m Not Afraid Of Music Anymore, chega após um período de bloqueio criativo do grupo. As ideias dos membros não convergiam entre si, mas um sentimento único as conectava: o medo. Foi a partir dessa inquietação que surgiu o disco mais coeso e maduro da carreira deles. Diferentemente de produções anteriores, em que Chase Lawrence, Ryan Winnen e Joe Memmel soavam como se estivessem compondo colagens musicais, este trabalho se destaca por construir um quebra-cabeça cuidadosamente montado do começo ao fim.

A sonoridade do álbum presta uma homenagem aos primeiros trabalhos da banda, resgatando o característico rock de garagem. No entanto, com a produção de Gabe Simon – conhecido por colaborações com Lana Del Rey e Noah Kahan –, os instrumentais ganham uma polidez que os torna mais equilibrados e harmônicos. Nesse clima nostálgico, o grupo aproveita para reconhecer a importância de seus fãs. Na delicada Sing Along, Lawrence canta: “Quantas tentativas posso encaixar em uma música/Esperando que você ainda cante junto?”. Essa conexão com o público é a maior conquista de COIN, e I’m Not Afraid Of Music Anymore não apenas reforça, mas também celebra essa história.  – Arthur Caires

Faixas favoritas: Problem e Sing Along

Role Model – Kansas Anymore

Não há nada melhor do que um álbum country de término de relacionamento escrito por um corno. Esse é Kansas Anymore, o segundo disco de estúdio de Tucker Pillsbury, mais conhecido como ROLE MODEL. Após terminar com uma das influenciadoras da Geração Z mais conhecidas, Emma Chamberlain, o cantor entrega seu trabalho mais coeso até então. Entre melodias contagiantes, sua marca registrada, e a autoconsciência de sua personalidade sedutora, é possível aproveitar 40 minutos de músicas íntimas e divertidas. 

Ao mesmo tempo que supera o fim de seu relacionamento, Pillsbury também se vê imerso na superficialidade de Los Angeles. As referências a drogas e tratamentos estéticos evidenciam um descontentamento crescente com o estilo de vida da cidade. A nostalgia por suas origens e o desejo de fuga explodem em faixas como The Dinner, onde o artista expressa o desejo de abandonar a futilidade da vida urbana e retornar para casa. Após seu primeiro álbum, Rx, não ter alcançado grandes destaques, Kansas Anymore é um passo na direção certa na carreira de ROLE MODEL. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Writing’s On The Wall e Slipfast

Luan Santana – LUAN AO VIVO NA LUA – CRESCENTE

O novo álbum de Luan Santana conta com mais uma fase da Lua: depois do  EP LUA – NOVA, veio a versão CRESCENTE, lançada em 21 de novembro de 2024. O disco mostra uma nova perspectiva sobre as turnês que Luan pretende construir. Além disso, o cantor permanece trazendo músicas que não perdem a originalidade do seu sucesso inicial. O álbum continua com o estilo das faixas românticas que o público costumava vibrar, como a famosa música Meteoro – o primeiro marco de sua carreira, lançada em 2009. 

A experiência é totalmente imersiva, de modo que a tecnologia de palco está sendo utilizada para trazer uma ideia de um show realizado no espaço: Luan esclarece isso na apresentação de CERTEZA. O cantor sempre procura oferecer novos ambientes para o seu público e LUA – CRESCENTE não foi diferente. De maneira geral, pode-se afirmar que o álbum marca uma divisão para os próximos projetos do cantor, que agora competem com os desafios do seu papel de paternidade. – Maria Fernanda Beneton

Faixas Favoritas: CERTEZA – Ao vivo, PARECE – Ao vivo, COISAS QUE EU NÃO VOU DEIXAR DE TER – Ao vivo

Céu – Novela

Novela é carinhoso e prazeroso. A primeira faixa, Raiou, já te transporta para o oásis do álbum, longe do mundo real, mas próximo da natureza. As melodias desapressadas conduzem uma experiência de transe ao ouvinte que, se deixar o corpo solto, acompanha os movimentos musicais sem perceber. É um álbum para ouvir e se deixar derreter nele. A sonoridade especial mescla com elegância MPB, reggae e soul, guiada pela voz de veludo de Céu, que é um espetáculo à parte. A cantora sabe transitar pelos gêneros, conferindo a cada um que cruza a sua impressão autoral única.

O álbum foi gravado ao vivo, de maneira orgânica, o que acentua ainda mais a intimidade instantânea do ouvinte com a obra. Novela só falta respirar, é vivo. Céu não tem dificuldade em amarrar à mesma obra conceitos independentes, o que a permite brincar com faixas como a divertida Cremosa e com o rock nostálgico de Lustrando Estrela. Nessa grande salada mista, ainda tem espaço para colaborações de ótimo gosto, que só elevam a qualidade para além da estratosfera. A cantora divide os vocais com convidados em três faixas bilíngues (Raiou, Gerando na Alta e Into My Novela). – Giovanna Freisinger

Faixas Favoritas: Into My Novela, Corpo e Colo e Gerando na Alta

Jovem Dionisio – Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais)

O nome do disco surge através da letra de Neste Contexto, canção apresentada ao público como o primeiro single dessa nova fase da banda. Agora, sem dúvida nenhuma, Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais), simboliza a trajetória e a convicção de que esse é o caminho que a Jovem Dionisio pretende seguir nos próximos anos. Antes do lançamento oficial do álbum, os “meninos hidratados” entregaram um teaser filme, com um roteiro fantasioso digno do subgênero terrir sobre um chefe bagre, dono de uma cadeiraria e que vive assombrando seus funcionários. O curta-metragem também escapa alguns spoilers das canções presentes no disco, além da nova identidade visual da banda. 

O melhor de Acorda, Pedrinho volta com mais profundidade. Sendo o trabalho mais experimental produzido pela banda, o principal desafio na composição do disco foi, sem dúvidas, em como conduzir essa pluralidade de arranjos e histórias, de maneira coesa para a compreensão do ouvinte, sem que a narrativa se perdesse nela mesma. Algo que foi pensado em conjunto como um grupo e revisitado inúmeras vezes pelos integrantes, que chegou em seu resultado final: um dos melhores álbuns indie no cenário atual da música brasileira. Fora o sucesso de to bem, que dispensa apresentações, Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais) também traz grandes parcerias, como o Grupo Menos É Mais, na canção sinto muito (demo) e de Arnaldo Antunes, em passeando do seu jeito, marcando o encontro de gêneros musicais presentes na segunda discografia da banda. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Neste Contexto, sinto muito (demo), eu preciso te dizer que

Kali Uchis – Orquídeas

Amor, sedução, desejo e fertilidade costumam ser as associações que a flor orquídea recebe de muitas culturas. Orquídeas, de Kali Uchis, também pode ganhar esses significados – e sentimentos para quem ouve – através das canções sobre traições, pensamentos intrusivos que trazem lembranças de amantes e o amor incondicional de uma mãe para com o filho. A faixa Tu Corazón Es Mío… é dedicada ao nascimento do filho de Uchis com Don Toliver: a artista, grávida no clipe, preferiu resguardar a gestação dos holofotes.

Além disso, o álbum consegue transpassar o calor do amor por meio dos ritmos quentes do R&B e do reggaeton, assim como seu antecessor Red Moon in In Venus, porém mais enérgico e sem espaço para as músicas melódicas. Te Mata, canção sobre uma mulher que conseguiu se libertar de uma relação ruim, é uma experiência que se assemelha a assistir a um filme do Almodóvar. Embora a letra pareça um sertanejo universitário genérico, os arranjos e vocais de Uchis sobem a temperatura dos ouvidos de uma forma extremamente luxuosa. – Davi Marcelgo

Faixas Favoritas: Igual Que Un Ángel, Te Mata, Tu Corazón Es Mío…

Lil Tecca – Plan A 

Com apenas 16 anos, ainda no colegial, Tecca lançou Ransom, seu maior hit até hoje. Cinco anos depois, entre transições suaves e batidas de hip-hop melódicas, Tecca ainda consegue conquistar o coração dos fãs com seus novos projetos: não foi diferente com Plan A. Em seu quarto álbum de estúdio, o artista expressa que nunca teve outro plano para seu futuro, apenas o ‘plano A’. Taste, a faixa de abertura do álbum, recebe um destaque especial devido ao seu ritmo mais lento, trazendo uma coesão perfeita entre as rimas de Tecca por cima do instrumental cloud trap.

Com 18 faixas e apenas uma colaboração, sendo em I Can’t Let Go com Don Toliver, eram esperados mais participações especiais no álbum, porém a batida rage rap experimental não deixou a desejar na faixa. É relevante destacar que as fantásticas transições entre as músicas do projeto tornam a experiência de ouvir o álbum como um todo algo incrível e único. O disco demonstrou a grande maturidade adquirida pelo artista ao longo dos anos. Seja como pessoa e produtor, com apenas um plano em mente, Tecca está conseguindo concretizá-lo. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Taste, Bad Time e Number 2

Bring Me The Horizon – POST HUMAN: NeX GEn

Nos últimos anos, a banda britânica Bring Me The Horizon tem passado uma mensagem muito clara para o público: ‘não temos medo de mudanças e usamos nossa criatividade como bem entendemos’. Esse forte posicionamento fez com que os integrantes não se prendessem a um único gênero, algo que não costuma acontecer no meio em que estão inseridos, e é o que faz a banda crescer a cada lançamento – mesmo estando na indústria há duas décadas. POST HUMAN: NeX GEn, a segunda parte de um projeto que retrata uma sociedade pós-apocalíptica, é um dos álbuns que mais sustentam esse argumento.

Ao adicionar electronica e hiperpop à mistura usual de metalcore, nu metal, pop rock e emo, a banda produz um disco diversificado, mas que ainda carrega a personalidade e o talento lírico que sempre teve. NeX GEn é um álbum que está em contato com o passado, ciente do presente e idealizando o futuro – algo que pouquíssimos artistas chegaram perto de realizar em 2024. – Raquel Freire

Faixas favoritas: YOUtopia, Top 10 staTues tHat CriEd bloOd e DArkSide

The Last Dinner Party – Prelude To Ecstasy 

Com o passar dos anos, cada vez mais expoentes femininas estão conquistando seu lugar no rock, principalmente vindos da vertente britânica do gênero. Nesse ano, foi a vez do The Last Dinner Party alçar os holofotes de uma forma bastânte única e cheia de excêntricidade, colocando a banda como um dos maiores achados desta década.

O quinteto gótico, que seu conheceu nos pubs enquanto cursavam a faculdade, não reinventa a roda. Pelo contrário, ele usa de referências muito distantes uma da outra e as canaliza e um pop barroco repleto de glam rock. Como qualquer obra de origem feminina, Prelude to Ecstasy vem carregado de críticas a masculinidade e a percepção feminina da sociedade, que são intesificadas por cinco artistas que fazem questão de ir contra a forma com que a humanidade imagina e idealiza uma mulher. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Nothing Matters, Ceasar on a TV Screen, Beautiful Boy

ZAYN – ROOM UNDER THE STAIRS

Escolher deixar uma parte sua para trás requer boas doses de sanidade e de falsos começos. Para ZAYN, essa mudança começa através de insights que ecoam em seu íntimo e que ganham pulsação através das 15 faixas presentes em seu novo disco, ROOM UNDER THE STAIRS. Sendo uma expressão de seus anseios e inquietações, o álbum representa um recomeço próprio para o cantor e para a sua música. 

Três anos separam o trabalho atual do seu último registro, Nobody Is Listening (2021), um disco também introspectivo, mas que demandava de uma grande produção para alcançar o rhythm & blues moderno pensado e desejado pelo artista. Diferente disso, o quarto álbum é mais cru e intimista em sua composição, se aproximando das sonoridades do country e do blues original. Com apenas voz e violão – e a little bit of soul –, Zayn aproxima suas letras de seus ouvintes, atingindo a maturidade que faltava em sua discografia. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: False Stars, The Time, Alienated

Gloria Groove – Serenata da GG, Vol.1 (Ao Vivo) 

Lançado em maio de 2024, Serenata da GG, Vol.1 (Ao Vivo) fez Gloria Groove sair do funk e do pop brasileiro. A chegada da cantora no pagode, por meio de músicas inéditas e regravações de clássicos dos anos 2000, mostra que a voz de Groove recebeu um toque surpreendente. O disco conta com 13 faixas, com participação de Ferrugem, em Câmera Frontal – Ao Vivo, e o cantor Belo, em Eu Era Feliz – Ao Vivo. 

A drag queen inovou o estilo que está acostumada a cantar, de modo que o álbum traz mais romance para sua música, ao contrário de LADY LESTE, que possui faixas voltadas para o pop e o hip hop. Em Serenata da GG, Vol. 1, Gloria Groove preocupa-se em trazer um pouco mais do ritmo típico brasileiro, além de misturar sua música com ícones do Brasil, como Alcione, na faixa A Loba – Ao Vivo. Essa nova visão da cantora, com certeza, deixa qualquer um em dúvida sobre qual será sua próxima aposta. – Maria Fernanda Beneton

Faixas Favoritas: Nosso Primeiro Beijo – Ao Vivo , Eu Odeio Dia 12 – Ao Vivo, Radar – Ao Vivo

MC Luanna – Sexto Sentido

Nome marcante da cena feminina do Rap, Mc Luanna cresce sem medo e, em 2024, provou novamente que não à toa. Com o lançamento de Sexto Sentido, a cantora mostrou que a menina de 44 (2022) amadurece a cada dia com rimas mais críticas e beats complexos, se tornando a mulher que sabe o quão contra a corrente nada.

Longe de achar graça nessa realidade de ser um nome entre poucos quando se trata de mulheres negras com visibilidade na Música, a artista trata de destacar a insatisfação com essa realidade: “sou uma mulher negra falam pra ser mais forte/pra correr duas vezes porque a gente é sem sorte/pra que expor sentimento se não vou ganhar flores?”.  Da vulnerabilidade e dor de não poder sequer aparentar fraqueza, Luanna mostra que sua força está em ser a inspiração de tantas mostrando exatamente o que o mundo a fez achar errado expor: humanidade.  – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Ainda Sinto Muito, Rotina 2 e Cartas a Uma Garota Negra.

Sabrina Carpenter – Short n’ Sweet

Cafeinado, pequeno e doce, Short n’ Sweet mostra ainda mais o lado sedutor e apaixonado de Sabrina Carpenter. Por meio de trocadilhos e piadinhas levemente sexuais, a cantora consegue ainda mais se distanciar da imagem de atriz mirim da Disney e se aproximar do estrelato do mundo pop – e mostra que já atingiu a maioridade. Carpenter apresenta um disco enérgico e divertido, flerta com o synth pop e o country, além de afirmar que mulheres podem sim demonstrar a sexualidade e a sensualidade de formas positivas, sem sentirem vergonha.

Por meio de um pop chiclete, Sabrina Carpenter evolui ainda mais seu trabalho com a Island Records – que acompanha a pequena loirinha desde o emocional emails i can’t send –, e se estabelece na cena musical. Com singles viciantes – Espresso com sua cafeína, Please Please Please com suas repetições e Taste com suas fofocas – e músicas ainda mais gostosas de ouvir, Carpenter mostra que a sua Música possui tons alegres e cômicos, e que sempre pode retornar para temas reflexivos – como em Dumb & Poetic. – Laura Hirata-Vale 

Faixas favoritas: Good Graces, Taste, Don’t Smile

The Cure – Songs Of A Lost World

Canções De Um Mundo Perdido (em tradução livre) marca o retorno – e a despedida – da banda britânica comandada pelo vocalista, guitarrista e compositor Robert Smith. O novo álbum, embora melancólico, é sobretudo potente, e questiona o mundo atual através da forma e conteúdo. Com os celulares, rádios, streaming e músicas aceleradas, o disco de oito músicas e 49 minutos de duração vai na contramão das tendências e exige do ouvinte um momento de contemplação para as cargas dramáticas de The Cure. Introduzido por Alone com guitarra e bateria, a voz de Smith só entra depois de três minutos, assim como as outras canções – a faixa Endsong de dez minutos só apresenta letra aos seis.

“Esse é o final de todas as canções que já cantamos”, anuncia a banda. O disco reflete sobre a experiência de luto que Robert Smith passou ao longo dos anos, com a morte do irmão, da mãe e do pai. É um homem que se encontra desconcerto sobre o lugar que vive. Songs Of A Lost World é incrível e faz você sentir cada sentimento através das cordas e da voz de Smith – que nada envelheceu. O mais interessante é que, mesmo aos 65 anos, o mundo do líder da banda não está deteriorando pelas pautas raciais ou de sexualidade – como de costume com os ‘rebeldes’ do rock -, mas sim pela sua íntima experiência com o fim da vida, das relações e de sua banda. – Davi Marcelgo 

Faixas Favoritas: Alone, Fragile Thing e I Can Never Say Goodbye  

The Marías – Submarine

Submarine, o segundo álbum da banda indie-pop The Marías, é um mergulho sonoro que confirma a identidade única do grupo de Los Angeles. Formada pela vocalista porto-riquenha María Zardoya, criada no estado de Geórgia, pelo baterista e produtor Josh Conway, pelo guitarrista Jesse Perlman e pelo tecladista Edward James, os membros continuam a navegar entre momentos de introspecção e explosões de energia em suas músicas.

O título ‘Submarino’ é uma descrição precisa da atmosfera do álbum, que nos transporta para um mundo aquático onde a música flui como uma correnteza suave. O dream pop característico do grupo envolve o ouvinte em camadas de melodias etéreas, como se a música oscilasse entre a superfície e as profundezas. O encanto de Submarine reside na combinação de vocais delicados, sintetizadores hipnotizantes e linhas de baixo marcantes. As letras, muitas vezes introspectivas, giram em torno das frustrações e desconexões em relacionamentos, um tema central que confere unidade ao álbum. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Love You Anyway e Run Your Mouth

DUDA BEAT – Tara e Tal

Em Tara e Tal, DUDA BEAT explora uma sonoridade mais frenética do que nunca e flerta com o pop, rock e EDM. Ao longo do ano de 2024, a artista embarcou em uma turnê que promoveu o disco e colocou multidões para dançar muito em faixas como: NiGHT MARé e SAUDADE DE VOCÊ. O trabalho foi reconhecido por suas referências não-convencionais e a habilidade de DUDA em transformar seu repertório em um disco coeso e competente. 

A habilidade de conseguir mais uma vez ter um trabalho admirado pelo seu público e crítica especializada, fez com que mesmo com a falta de grandes hits comerciais, Tara & Tal fosse lembrado como um lançamento essencial para a indústria musical nacional no ano de 2024. – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: NiGHT MARé, SAUDADE DE VOCÊ, q prazer

Duquesa – Taurus, Vol. 2

Taurus, Vol. 2 narra o desenvolvimento da carreira de Duquesa através do olhar da artista, explorando os sentimentos que a fama trouxe para a vida dela. Durante 2024, o álbum foi responsável por colocar a rapper em uma lugar de destaque na cena do rap brasileiro, junto de outras mulheres como: Ebony e a dupla Tasha & Tracie. 

O álbum foi bem recebido pelo público e crítica especializada, explorando gêneros como rap, R&B e house music, sendo consumido por diversos públicos, posicionando ele como um trabalho que transcende as barreiras do gênero no país. – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: Voo 1360 e Disk P@#$%&!

Gracie Abrams – The Secret of Us

The Secret of Us, segundo álbum de Gracie Abrams, destaca-se como uma das melhores produções de 2024 por sua profundidade emocional e evolução artística. Lançado pela Interscope Records, o disco apresenta uma colaboração notável com Taylor Swift na faixa us. (feat. Taylor Swift), evidenciando o reconhecimento de Abrams na indústria musical.  A produção de Aaron Dessner e Jack Antonoff contribui para a sonoridade expansiva e narrativa envolvente, refletindo o crescimento da jovem artista como compositora e vocalista. 

Desde seu lançamento, The Secret of Us recebeu uma versão deluxe, incluindo quatro novas faixas.  O álbum também rendeu a Abrams uma indicação ao Grammy de Melhor Artista Revelação, além de uma nomeação conjunta com Taylor Swift na categoria de Melhor Performance Pop em Dupla ou Grupo pela colaboração em uma das faixas do disco. A artista lançou videoclipes para faixas como I Love You, I’m Sorry, demonstrando sua versatilidade e conexão com o público, além de versões acústicas das canções de maior sucesso do disco. – Marcela Jardim

Faixas Favoritas: I Love You, I’m Sorry, us. (feat. Taylor Swift), That’s So True

Taylor Swift – The Tortured Poets Department

Com o álbum The Tortured Poets Department, Taylor Swift conquistou um lugar de destaque em 2024 por sua abordagem inovadora, que mistura poesia contemporânea com sonoridades experimentais. Trata-se de uma obra que transcende a simples classificação de gênero, apresentando letras carregadas de significados profundos, narrativas densas e um apelo emocional raro. A complexidade lírica da cantora e compositora  e a riqueza instrumental dialogam de forma brilhante, criando um equilíbrio entre o introspectivo e o compartilhado. O álbum lançado pela Universal Republic Records explora temas como dor, redenção e a tristeza de um término de relacionamento, oferecendo uma experiência que convida à reflexão e à imersão. Essa originalidade foi amplamente reconhecida pela crítica e pelo público, consolidando o projeto como um marco da música contemporânea.

Desde o lançamento, The Tortured Poets Department não apenas cumpriu, mas superou expectativas, quebrando recordes de streaming em plataformas digitais e sendo amplamente celebrado em premiações importantes da indústria musical, como os Grammys e o VMA. O videoclipe de Fortnight (feat. Post Malone), em conjunto com o rapper Post Malone, e a versão deluxe, The Tortured Poets Department – The Anthology, que conta com 15 faixas adicionais refletem o sucesso iminente do disco da loirinha. Os dois trabalhos, , aliados ao impacto cultural que a obra gerou, reafirmam a relevância e a influência de Taylor Swift no cenário musical atual. – Marcela Jardim

Faixas Favoritas: My Boy Only Breaks His Favorite Toys, Guilty as Sin?, Who’s Afraid of Little Old Me?

Rachel Chinouriri – What a Devastating Turn of Events 

O sinônimo de casa pode ter significados diferentes para quem o procura. A busca por pertencimento nos faz questionar sobre a nossa trajetória como indivíduo e quando se é uma mulher na indústria musical, esse sentimento é quase sucessivo. Em What a Devastating Turn of Events, produzido e interpretado por Rachel Chinouriri, ouvimos sobre a série de eventos devastadores que uma artista negra, nascida na Inglaterra, precisou passar até lidar com as adversidades e encontrar a sua própria maneira de fazer arte.

Assinado pela gravadora Parlophone Records, o álbum de debut conta com 14 faixas que combinam pop e indie rock, com uma lírica sensível e representativa. Mergulhando em narrativas difíceis sobre solidão, decepções e autocrítica, o disco representa, com muita sinceridade, o processo de aceitação vivenciado por Chinouriri, sobre ela mesma e o seu trabalho. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Never Need Me, All I Ever Asked, So My Darling

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Maria Vitória Bertotti 

Eles estão em sua forma mais animalesca possível e com fome por Música. Foi com essa premissa que, há 10 anos, a banda norte-americana Linkin Park lançava seu sexto álbum de estúdio, The Hunting Party. A obra pode ser lida como um retorno às origens do rock mais pesado, que beira o visceral mas não esquece dos testes melódicos e eletrônicos de seus outros registros. Com mensagens certeiras e um ritmo perfeitamente equilibrado, o projeto é facilmente um dos melhores álbuns da discografia da banda.

Voltado para o rock e metal alternativo, o disco passa longe das influências eletrônicas, com efeitos e sintetizadores, muito exploradas nos dois anteriores – A Thousand Suns (2010) e LIVING THINGS (2012). Sendo o primeiro álbum sem a produção de Rick Rubin desde o Meteora (2003), quem tomou as rédeas da produção foram Mike Shinoda e Brad Delson, e, talvez por isso, a nostalgia dos velhos tempos tenha batido forte em seus corações para retornar ao nu-metal.

A riqueza do trabalho se deve, em parte, pelas participações especiais de músicos tão talentosos quanto o próprio Linkin Park. Alguns dos convidados para compor o disco são: Page Hamilton, guitarrista veterano da banda Helmet; Rakim, rapper estadunidense considerado um dos melhores de todos os tempos pela Billboard e Tom Morello, guitarrista do Rage Against the Machine e ex-Audioslave. Percebeu alguma coisa em comum entre eles? A escolha de chamar vários guitarristas para a composição do The Hunting Party é justamente para acrescentar mais agressividade através deste instrumento. Nada é por acaso.

A ideia do nome The Hunting Party não foi a primeira que surgiu à mente. Inicialmente, o álbum se chamaria Carnivores, de carnívoros mesmo, mas isso seria muito óbvio para a intenção que eles queriam. A analogia veio de uma conversa onde o herbívoro estaria ligado à passividade e, de acordo com as vontades da banda no momento, eles queriam ir contra a maré que os músicos do rock estavam se dirigindo. O carnívoro estaria ligado à ideia de ir atrás das suas necessidades, dos seus objetivos, já que um selvagem vive assim porque precisa, não porque quer. Já o hunting party é um grupo de caça e, ao contrário do carnívoro, ele faz a escolha desse estilo de vida. Eles escolheram, pela paixão de fazer diferente, voltar para seus instintos selvagens.

Keys to the Kingdom funciona como uma prévia do que o Linkin Park quis trazer. A maior parte dos elementos do disco já estão nessa faixa, que chega assustando os desavisados com os gritos de Chester Bennington, cheios de efeito vocal. Existe um equilíbrio entre o rock e o rap, onde a melodia cai bem entre a explosão de Bennington e as rimas de Shinoda. Já a letra soa um pouco agressiva, sem sentido e, em alguns momentos, como uma ameaça para quem subestimá-los. A guitarra se faz muito presente e, junto com a bateria comandada por Rob Bourdon, elevam a faixa para um outro patamar, mostrando para o que vieram.

Seguindo a vibe de começos estranhos, All for Nothing entra nessa categoria, uma vez que não é possível decifrar o que faz barulho em seu início. Apesar da dúvida, a guitarra fortíssima de Delson entra em seguida para destruir qualquer devaneio que invade a cabeça antes da música começar. Além do guitarrista original, não podemos esquecer da participação brilhante de Page Hamilton, que contribuiu para o espetáculo acontecer na faixa. Além dos riffs, o rap falando sobre honra também está sob holofotes e, logo no final, surge uma trilha sonora de filme dramático fazendo ponte para a próxima faixa. 

Com 45 minutos de duração, divididos entre 12 faixas, cinco delas foram escolhidas a dedo – e provavelmente, com dificuldade – para serem singles. Guilty All the Same é o primeiro deles; arrebatador, traz toda a força da união entre guitarra e bateria nos primeiros segundos. É importante destacar o que essa guitarra faz durante a canção, já que há solos por toda a duração da faixa; os melhores solos de todo o álbum, inclusive. Além do básico para fazer um bom rock and roll, a banda utiliza efeitos eletrônicos para compor a melodia. Chester Bennington conduz os vocais de maneira calma até a chegada da parte rimada, que expõe uma letra bem política. Eles dão o recado e o veredito final, o sistema é culpado.

O recurso de faixa introdutória, aquela que seria uma mais curta, utilizado pela banda em álbuns anteriores (como em Wake, do Minutes to Midnight) também deu as caras no disco. The Summoning funciona como um respiro para o público se recuperar do estrondo que as três primeiras canções fazem. No pós recuperação, War destrói a calma recentemente instaurada para dar lugar ao bate cabeça pesado. Na música, existem vários elementos interessantes, como a mudança de ritmo entre o refrão e o restante da faixa, os vários gritos, o drive na voz e, para variar, mais um solo de guitarra. 

Fazendo jus ao retorno pro rock raiz dos primeiros discos, Wastelands é música para os ouvidos de quem curte o gênero. Ela carrega um equilíbrio entre o rap e os detalhes eletrônicos de Joe Hahn, além da identidade fortíssima da bateria de Rob Bourdon. Sua letra é bem representativa para os jovens de hoje em dia vivendo em meio ao caos climático e humanitário: “o futuro escapa/e sua esperança se transforma em medo”.

Until It’s Gone é uma das canções mais ‘comuns’ do álbum, sem grandes experimentações evidentes, apesar de ser um single. Ela pode parecer meio batida para o estilo deles, um pouco ‘mais do mesmo’, e ainda assim tem seu valor. Todos esses adjetivos são porque a faixa é mais calma e não tem nenhum rap, mas, novamente, quem brilha é Bourdon, juntamente com o baixista Dave Phoenix.

Longe do conceito comum, Rebellion é mais uma das músicas que remetem ao nu-metal da década de 2000. A introdução, já com um solo de Brad Delson logo de cara, só aumenta o frenesi que a faixa carrega consigo. E parte dessa energia visceral se dá pela participação do ícone Daron Malakian, da banda System Of A Down. O guitarrista incorpora muito do estilo que toca originalmente, com mais peso nas guitarras e bateria, e o resultado disso é achar que está ouvindo uma música do próprio ‘SOAD’. E isso é um elogio! O single é brutal, tanto em ritmo quanto em letra; é uma constante entre gratidão e insatisfação pelos que não são sortudos como nós somos.

A criação visual do álbum e ilustrações foram feitas com base na ideia dos carnívoros, de ferocidade e instinto, tanto é que a própria capa do disco e demais conteúdos disponíveis são quase que indecifráveis. Os responsáveis pelo desenvolvimento artístico são Joe Hahn, Rickey Kim, diretor criativo da banda, e Frank Maddocks, vice-presidente criativo da Warner Records. A Arte é minimalista e combina com a estética escolhida pelo Linkin Park para essa produção, mas não deixa de ser uma incógnita sobre o que está em destaque. É uma criatura fictícia? Um humano ou um monstro? As respostas são subjetivas para o imaginário de cada um de nós. 

Muito instrumental, Mark the Graves tem foco em mostrar a força e delicadeza dos elementos utilizados na gravação. Um exemplo disso é a diferença – literalmente – gritante entre o início e o fim da faixa, alternando entre uma voz doce para uma bem rouca. Ela pode parecer um pouco entediante no meio, porém ainda é agradável de se ouvir. Já Drawbar é outra música com aspecto de ‘ponte’, nos levando para as canções finais, que têm uma pegada mais diferente do restante do disco. Mesmo sem vocais, ela nos mostra o resultado do experimentalismo dos últimos álbuns. 

Enquanto isso, Final Masquerade, último single do The Hunting Party, soa um pop rock à la Linkin Park. Além da letra mais romântica, que mostra uma desilusão, as cordas aparecem de maneira muito mais suave em comparação com o restante do álbum, mas fazem diferença ao trazer esse tom mais melódico. A bateria também tem grande destaque, e, nos momentos mais silenciosos da faixa, quem dá as caras são os efeitos sonoros em cima de instrumentos como o teclado. 

Para uma música de seis minutos e meio, A Line In The Sand é verdadeiramente apoteótica. Mike Shinoda se destaca, tanto rimando quanto nos vocais, dando um recado através da letra, lembrando que o karma não falha. Com efeitos eletrônicos bem encaixados entre o rap, há uma variação grande entre os ritmos durante a faixa e a gente pode ouvir: calmaria, gritos, rimas, solos de guitarra e a presença estrondosa da bateria. Inclusive, esses dois últimos instrumentos, rápidos da maneira que foram tocados, são os responsáveis por retomar esse ritmo totalmente contagiante. O rock pesado volta para encerrar a canção e o álbum com o melhor do que o Linkin Park pode dar ao público. 

Pela internet, a repercussão do disco foi positiva tanto entre fãs quanto com a crítica. Pelo lado dos admiradores, a satisfação se deve pelo retorno ao rock pesado que a banda fazia na década de  2000 – reclamação que era feita desde o álbum Meteora, quando o Linkin Park deu um tempo para experimentar novos ritmos e migrar momentaneamente para o EDM.

Nos charts, The Hunting Party estreou na terceira posição do US Billboard 200, ranking estadunidense, e conquistou o pódio na categoria Álbuns de Rock da Billboard. Os críticos culturais do jornal britânico The Guardian também elogiaram o trabalho da banda e a volta para suas origens mais agressivas, concedendo três estrelas de cinco para a produção. 

Após o experimentalismo das produções anteriores, a banda evolui e resgata suas origens, mas sem abrir mão da inovação que descobriram no meio do processo criativo. Quem realmente se destaca durante os 45 minutos de som agressivo é o guitarrista Brad Delson, que merece palmas por manter tão bem o ritmo contagiante durante seus incontáveis solos. Ainda que Kid Abelha diga em sua canção, Como Eu Quero (1984), ”solos de guitarra não vão me conquistar”, os desse álbum já conquistaram muitos. 

The Hunting Party é saudosista bem como inteligente; resgata o público antigo e mantém os fãs alinhados com a ideia mais voltada para o eletrônico/pop. É uma das produções mais pesadas da banda, tanto em sonoridade quanto em letras e, para quem é do rock, o disco é um chamado para gritar com o instinto mais brutal que existe dentro de cada um.

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Maria Vitória Bertotti 

11:58:20. O relógio do juízo final, criado em 1947 e atualizado em 2020, nos dá pouquíssimos minutos antes da meia-noite para repensarmos nossas atitudes antes do fim. Levados por essa simbologia, a banda californiana Linkin Park lançou, em 2007, o Minutes to Midnight, seu terceiro álbum de estúdio que chegou ao público após uma longa espera. Ao contrário dos dois primeiros discos, esse funcionou como uma rachadura, diferenciando com o experimentalismo, o som que a banda já estava acostumada a fazer há 15 anos.  

Conceituado como rock alternativo e nu-metal, ainda seguindo nos gêneros de costume, o álbum traz músicas semelhantes às de seu antecessor, Meteora (2003). Porém, inova ao incluir um tom mais eletrônico e melódico em algumas faixas. Na época, esse desvio de ritmos causou um alvoroço entre os fãs da banda, que alegavam uma transformação do Linkin Park “raiz”  em uma baladinha. Apesar dessa questão ter causado certa rejeição, a banda teve grande retorno no mercado musical com o lançamento de Minutes to Midnight em maio de 2007, apresentando as melhores vendas do ano e entrando em primeiro lugar no ranking Billboard 200.

De suas 12 faixas, Wake segue o modelo introdutório já presente no álbum anterior, porém mais longa desta vez. Ela apresenta o início da “revolução” tecnológica que o grupo propõe, com batidas agradáveis aos ouvidos e mantendo a bateria numa tensão crescente, que se dissipa ao final de seus quase 2 minutos. Com mais elementos, ela cumpre sua função transitória para o início das vozes e inova o conceito do Linkin Park. 

Em seguida, Given Up agita qualquer um que estiver sem ânimo. Sendo uma das únicas músicas do disco que possuem os famosos gritos de Chester Bennington, ela relembra a fase anterior à mudança, voltando às origens do Hybrid Theory (2000), sem muitas inovações. Com base no metal, a característica que mais se destaca é a presença marcante da guitarra de Brad Delson. Apesar de ter um tom mais agressivo no ritmo, sua letra ainda carrega melancolia; dessa forma, o screaming só serve pra colocar essa angústia e raiva para fora. 

Num conceito completamente diferente de Given Up, a canção Leave Out All the Rest pode ser comparada a um pop levemente triste, mas gostoso de ser ouvido. Trazendo um lado mais melódico e eletrônico, ainda acrescenta a orquestra de cordas de David Campbell, sendo a primeira faixa do álbum a introduzir a sonoridade de violinos e baixos. Mesmo que a música aborde um tema já recorrente, a depressão, ela inclui uma segunda pessoa na história, aquela a quem as lembranças seriam deixadas após a partida. Ouvi-la nos dias de hoje nos faz repensar sobre o legado de Chester, que, ao contrário do que escrevia, conseguiu deixar inúmeras razões para ser lembrado.

Com participação dos seis membros nas composições, a produção ficou por conta de Mike Shinoda e o convidado Rick Rubin – conhecido por atuar em discos de outras bandas famosas, como System of a Down e Slayer. Levando em consideração os recursos e a cena do rock alternativo na época, que já contava com vários nomes no nu-metal, do qual o Linkin Park foi precursor, a qualidade musical de Minutes do Midnight é excelente. E ainda, a parceria com Rubin estendeu-se pelos próximos dois álbuns, sendo determinante para o caminho que trilharam enquanto músicos. 

Contrariando as novas tendências experimentalistas, a faixa Bleed It Out é outra que relembra um som mais pesado, com o protagonismo contagiante da guitarra e do baixo de Dave Farrell. É a primeira a realizar uma pequena transição entre o seu final e o início da música seguinte. Além disso, ela estreou o rap do disco, que trouxe o ritmo necessário para embalar o público, sendo o destaque da canção apesar dos vocais serem agressivos e certeiros. O conjunto consegue transmitir o exato sentimento com que foi escrita: “Foda-se, isso dói, não vou mentir/Não importa o quanto eu tente”, ou seja, você pode estar mal, mas consegue seguir em frente, nem que seja na força do ódio. 

Já Shadow of the Day se assemelha ao pop rock, novamente tentando mostrar o lado bom da vida em meio à escuridão. Agradável aos ouvidos, mas sem muito para agregar: o famoso “só o básico”. O que a diferencia das outras é o efeito 8D de quase 40 segundos no final, proporcionando uma espécie de transe sensorial. Uma das mais memoráveis faixas do disco é What I’ve Done, que tomou grandes proporções após aparecer como trilha sonora no filme Transformers (2007), além de render a participação da banda em toda a trilogia. Com ela retornando ao rock alternativo, o single do álbum também está disponível no jogo Guitar Hero World Tour, justamente pelo destaque dado à guitarra – contando com um solo magnífico – e a aparição do teclado, que conduz certa leveza durante o decorrer da trilha. 

A outra canção em que Mike entra como rapper é Hands Held High, cheia de críticas sociais. Apesar de ter sido escrita uma década atrás, ela continua completamente atual, abordando com muita clareza e indignação a violência mundial e a intolerância religiosa. Novamente, o teclado e efeitos eletrônicos dão as caras, comandados por Joe Hahn, que faz um excelente trabalho ao acrescentar  vocais de coro de igreja ao ritmo da rima. É importante ressaltar, ainda, o apoio que a bateria de Rob Bourdon oferece para a composição dessa vibe espiritual. Hands Held High fala, sem medo, dos líderes demagogos e do estrago que causam na sociedade: “Quando o rico aposta na guerra, é o pobre quem morre”. É considerado o rap de maior valor para o álbum e um dos maiores da carreira da banda em questão de representatividade. A canetada de Shinoda foi certeira.

O single No More Sorrow esquece a sutileza e coloca tudo pra quebrar com mais guitarras e baterias de estourar os miolos. Os gritos de Chester marcam presença nessa música, onde o descontentamento com o sistema é explícito, estando corrompido por ganância e mentiras. O grito – “Ladrões e hipócritas!” – é a voz da população lutando contra o que há de errado. 

A falta de transição gradual entre uma faixa e outra é um dos erros cometidos no disco, já que canções super agitadas pulam para outras mais sossegadas. É o que acontece com Valentine’s Day: não recebe bem o astral da anterior e não repassa energia suficiente para a próxima. Tirando isso, ela é bem mediana, melancólica a maior parte do tempo e animada só no final, quando não há mais necessidade de ser. A intitulada In Between começa com um arranjo semelhante ao de uma marcha fúnebre, e continua nesse rumo. O que mais chama a atenção é que, partindo de sua metade, há uma sobreposição das vozes de Mike e Chester, formando uma bela sintonia até gostosinha de se ouvir. 

Em pedaços esfacelados e distantes do que o Linkin Park costumava ser, In Pieces combina o pop ao eletrônico, deixando o rock apenas no solo de guitarra do final da canção – o que acaba dando um toque especial na experiência. O beat relembra um pouco a icônica Breaking the Habit, do anterior Meteora, pela mixagem e semelhança de ritmos, mas não tem tanto sal pra ser um single – e por isso mesmo não é. Serviria como um ótimo hit de verão (e isso é um elogio). 

Para encerrar com chave de prata, a última música no lançamento global do álbum é Little Things Give You Away. Com efeitos do Mr. Hahn, a batida eletrônica mescla bem com o que lembra um violão, e ainda conta com a Orquestra de Campbell para abrilhantar ainda mais o instrumental, sendo a metade da faixa para o encerramento seu ponto alto. As cordas parecem imperceptíveis, mas criam a atmosfera melódica que se mistura perfeitamente às vozes intercaladas de Chester, Dave e Mike. Ela merece essa classificação por resumir a intenção da banda de inovar conceitos, mas peca por ser longa demais e atrativa de menos.  

Uma das injustiças de Minutes to Midnight é não ter incluído No Roads Left na edição padrão. A música bônus, também indisponível no Spotify, pode ser considerada uma das mais chamativas de todo o disco, mas só foi revelada ao mundo na edição de venda do iTunes. Ela é inteiramente cantada por Mike, que se desvencilha do rap e mostra muito talento como vocal principal. Foi produzida com strings em conjunto da guitarra, transformando a canção numa experiência única ao ser ouvida, e as cordas, apesar de estarem num segundo plano, fazem toda a diferença no resultado final. É uma pena que tenha sido, e ainda seja, negligenciada e deixada às traças dessa forma. 

Disponível no canal do YouTube da banda, o documentário The Making of Minutes to Midnight traz grande parte do processo de produção do álbum durante os anos que antecederam seu lançamento. Desde a composição das letras até a gravação dos instrumentos, o vídeo mostra além da Música, abrangendo o nível pessoal que o Linkin Park faz questão de imprimir em todas as suas obras. Além disso, a amizade e parceria entre os membros só deixou os fãs com ainda mais saudade dos seis juntos. 

Como fruto dessa vontade de mudança, a evolução da sonoridade foi alcançada com sucesso. Ao misturar elementos do lírico, rap e metal com os da Música eletrônica, é visível o esforço que o Linkin Park fez para sair da zona de conforto. Após gravar dezenas de vezes as mesmas faixas, a combinação dos ritmos com as letras reflexivas e críticas deu certo. As contribuições individuais também rendem elogios, como os encaixes perfeitos arranjados por Joe, os solos de Brad e Rob (que apesar de poucos foram inesquecíveis), o baixo de Dave e os vocais de Mike e Chester.  

Transitando de um rock mais agressivo para origens suaves, muitos fãs da época não curtiram nada essa inovação: queriam a antiga banda que fazia “som de verdade”. Ignorando as opiniões mais adversas, o disco até que envelheceu bem, tanto por parte do público que viria a gostar dos trabalhos, quanto por parte da própria banda, que conseguiu se desvencilhar do cansaço de replicar o mesmo som. Com poucas músicas realmente memoráveis, Minutes to Midnight ainda causa controvérsia nos riscas-faca do mundo todo.

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