Egberto Santana Nunes, Jho Brunhara, Leonardo Santana Teixeira, Natália Santos e Rafaela Martuscelli

Abril foi um mês marcante para a cultura pop. A chegada do quarto capítulo dos heróis da Marvel, a estreia modesta de Shazam e o fim de Game of Thrones foram destaques aqui. O Persona cavou mais fundo e fez uma seleção do melhor que chegou no mês da Páscoa, passando pela Netflix, Amazon Prime Video e o cinema nacional. Confira.

Guava Island (2019, Hiro Murai)

Ou a arte como instrumento de revolução

Em junho de 2018, uma foto de Rihanna com Donald Glover, na ilha de Havana, em Cuba, ambos sob trajes “desajeitados”, surgiu na internet e os fãs foram à loucura com a nova parceria. Logo se descobriu que era um set de um filme, porém os detalhes da obra foram mantidos em segredo apenas dias antes da estreia. A produção de pouco menos de uma hora foi ao ar no show de Childish Gambino (alter ego musical de Glover) no Coachella, e logo depois disponibilizado na Amazon Prime.  

Para além da união entre os dois artistas, Guava Island é um pequeno musical político sobre disputa de classes e opressão. Na trama, Deni (Glover) prepara um festival para libertar o povo da Ilha de Guava, que trabalha diariamente para Red, líder local.

This is America é refeito aqui, ao som de máquinas de uma fábrica, e Summertime Magic, dentre outras composições de Gambino, aparecem para dar tom na relação com a personagem de Rihanna, Kofi. Celebração, amor e crítica, cada momento tem sua música, quer você entenda como parte da trama, ou como pequenos clipes do rapper.

Inspirado por Cidade de Deus e produzido pela mesma banca de Atlanta, a equipe conseguiu entreter um tema político-social através de uma câmera persecutória e cambaleante junto duma cinematografia colorida e viva. Tudo isso narrado como uma história de ninar, na voz de Riri, e com sons tocados pelos próprios nativos do local de gravação, afro-cubanos de Havana.  

Seja no discurso ou na técnica, Guava Island já nasceu destaque do ano. Obrigatório. – Egberto Santana Nunes

De Pernas pro Ar 3 (2019, Júlia Rezende)

Pela terceira vez, a empresária da franquia de sucesso Sex Delícia volta às telas dos cinema brasileiros. Depois de rodar o mundo e expandir a sua marca, Alice (Ingrid Guimarães) enfrenta um momento delicado: o embate entre sua vida empresarial versus o distanciamento de sua família.

Em meio a uma crise existencial, Alice opta por deixar a liderança dos negócios com sua mãe Marion (Denise Weinberg) e volta para a vida pacata de esposa do João (Bruno Garcia) e mãe dos filhos Paulinho (Eduardo Mello) e Clarinha (Duda Batista). Entretanto, o que Alice não esperava era o aparecimento de Lorena (Samya Pascotto), uma jovem empreendedora capaz de causar um grande alvoroço no mercado de sexy shop com o seu novo produto.

Desde o primeiro filme da franquia, é perceptível uma certa preocupação em enfatizar questões sobre o mundo feminino, principalmente o prazer e a liberdade sexual feminina, temas chave do enredo. O terceiro capítulo, dessa vez, vai além das situações visíveis. Ainda temos a mulher empresária, que tem sido tradicional dos últimos lançamos da Globo Filmes, entretanto agora o leque de debate estende-se às consequências das escolhas de Alice. O longa navega por temáticas já vivenciadas nas telas como a presença feminina no mercado de trabalho e crise conjugal ao mesmo tempo em que se aventura ao refletir sobre envelhecimento e competitividade feminina.

Com a estreia de “Vingadores: Ultimato”, duas semanas após o lançamento de “De Pernas para o Ar 3”, o nacional perdeu cerca de 300 salas de exibição, uma vez que a nova estreia da Marvel ocupou 80% das salas de cinema no Brasil.

Mesmo com mais de um milhão de espectadores antes do corte de salas, o filme de Ingrid Guimarães sofreu com o domínio da produção norte-americana que aproveitou a ausência da política de “cota de tela”, ainda não assinada por Jair Bolsonaro na época de lançamento de ambos os filmes. Essa política consiste em uma forma de afirmar que discriminando o número de dias que toda sala de cinema comercial é obrigada a exibir filmes brasileiros de longa-metragem.

O governo brasileiro resolveu voltar a interferir numa verdadeira luta entre Davi e Golias, e restabeleceu a política de “cota de tela” para as salas de exibição de cinema nacionais. Por conta de um “vácuo” na lei que obriga os cinemas a exibirem um percentual de filmes locais, blockbusters estrangeiros tomaram conta dos espaços disponíveis – caso de “Vingadores: Ultimato”, que ocupou mais de 80% das salas em sua estreia no País, no fim de abril. – Natália Santos

Alguém Especial (2019, Jennifer Kaytin Robinson)

Outra aposta da Netflix em tramas jovens, Alguém Especial é mais um de seus filmes que retrata sobre questões amorosas. Aqui, Jenny, interpretada por Gina Rodriguez, é uma jornalista musical que acaba de terminar um longo relacionamento e conta com suas duas melhores amigas para procurar maneiras de deixar a tristeza de lado e superar essa grande perda.

Apesar do clichê romântico, o filme não decepciona. Ele tem tudo que precisa para te manter entretido por algumas horas, fazer você desejar por um amor e quem sabe até derramar algumas lágrimas. O desenvolvimento de Jenny é incrível, assim como sua personagem, forte e enérgica. Ouso dizer que podemos usá-la como inspiração, já que em nenhum momento trocou sua carreira e seus sonhos por nenhuma paixão, por mais que parecesse que ela seria para a vida inteira.

Não diria que é um imperdível, mas se estiver procurando por algo na Netflix para passar um tempo e se distrair, segue a dica que vale a pena! – Rafaela Martuscelli

O Mau Exemplo de Cameron Post (2018, Desiree Akhavan)

Lançado em território brasileiro apenas no mês passado, O Mau Exemplo de Cameron Post é a adaptação do livro homônimo. A história que se passa em 1993, conta sobre Cameron Post (Chloë Grace Moretz), que é flagrada pelo namorado transando com uma menina. Cam é mandada pela família para um acampamento de cura-gay, chamado God’s Promise.

Lá, como no longa Boy Erased: Uma Verdade Anulada — que também chegou no Brasil apenas esse ano — , Post precisa enfrentar a terapia de conversão, pensamentos arcaicos e preconceituosos dos religiosos que conduzem o acampamento, e encontrar em si sua própria verdade.

Diferentemente de Boy Erased, que é extremamente melancólico e sério chegando até mesmo a ser chato, O Mau Exemplo de Cameron Post aposta em uma linha mais descontraída, que funciona por partes. A certa leveza em tratar de um tema tão problemático permite deixar o espectador mais confortável. Porém, falta coragem de ousar e impôr o que difere o longa de todos os outros de temática LGBT+ e conversão sexual.

O roteiro é reflexivo, a amizade construída é muito bonita, e existem pequenos momentos em que o filme parece crescer, mas de resto é morno e previsível. A falta de uma conexão criada entre o espectador e as personagens gera pouca chance de comoção, e as existentes são chochas.

Cameron Post é o longa perfeito para assistir em uma tarde chuvosa em que se reserva o dia para maratonar filmes, e começar por ele. Gostaria que não fosse tão esquecível quanto é. Está na hora do cinema LGBT+ contar as histórias como o cinema negro vem abordando: de forma crua e verdadeira, sem medo de não ser tão facilmente digerível pelo público geral.  —  Jho Brunhara

Homecoming: A Film by Beyoncé (2019, Beyoncé, Ed Burke)

Mais que cantora, Beyoncé é um gigante cultural. Mais de 20 anos de carreira, incontáveis hits e influência enorme no mercado fonográfico são elementos associados à artista, considerada por muitos (incluindo esse que vos fala) o meio ícone de sua geração. Ela condensou, na edição de 2018 do festival Coachella, todo esse poder em duas apresentações impecáveis e cheias de significado. Por sua vez, Homecoming revela os processos emocionais e políticos por trás das performances.

Ainda que circundando o universo pessoal da cantora — o puerpério depois de dar luz a gêmeos, principalmente, assim como o perfeccionismo —, o longa é mais sobre nós do que sobre ela. Com ‘nós’ me refiro à juventude negra, público maior de Beyoncé e objeto da homenagem prestada aqui.

Dividida em alguns blocos musicais e outros contemplativos, que revelam bastidores do show, o roteiro encontra guia em frases de pensadores negros. O catálogo de Bey se entrelaça com esses momentos de reflexão, levando a um entendimento mais amplo da importância da discografia da artista sob a perspectiva da música da diáspora africana.

A direção é controlada e ciente de onde quer chegar, assim como tudo que Beyoncé realiza. Mas a experiência não perde espontaneidade, já que a importância das narrativas contadas aqui pertencem a um plano social muito maior que a figura da artista. Registro essencial para qualquer interessado por fenômenos culturais, o documentário é um estudo apaixonado da cultura negra no século XXI. – Leonardo Santana Teixeira

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Egberto Santana Nunes, Gabriel Leite Ferreira, Leonardo Teixeira e Vinicius Silveira

Só depois do Carnaval. O sucesso da cantora Lexa não poderia ser mais verídico, já que nem a nossa curadoria resistiu à maior festa do mundo e acabou se atrasando. Pedimos desculpas.

Abaixo você confere os sons que embalaram o fevereiro do Persona e que, um mês depois, ainda valem o play.

Angel Bat Dawid – The Oracle

jazz, experimental

The Oracle é o primeiro trabalho da clarinetista, compositora e multi-instrumentalista Angel Bat Dawid.  Residente de Chicago onde ela comanda uma loja de discos e eventualmente realiza eventos com músicos da região, ela é dona de um talento que culmina numa experiência de 43 minutos de pura introspecção e conhecimento.

Do mais puro underground, ela produziu, mixou, e gravou quase todos os instrumentos e vozes sozinha, e usando apenas seu celular. Centrado num jazz experimental, cada música segue um trejeito próprio. Mistura de instrumentos, vozes distorcidas, spoken-word, ambient e um destaque para um free jazz louco de 15 minutos com participação do baterista Asher Shimizo Gamedze – a única participação entre os solos da artista.

Com vozes duplicadas e um leve piano de fundo, a terceira faixa What Shall I Tell My Children Who Are Black simplesmente distorce como um coral o início do poema de mesmo nome, dando tons de um hino religioso e profundo.  Um encontro entre Alice Coltrane e Miles Davis. As faixas flertam entre o inconsistente e agitado barulho do jazz, e o espiritual e místico das vozes e gravações. No seu todo, uma maneira única da música negra voltar para o passado, moldar o futuro e alcançar novos padrões. Precisamos de mais Angels.

Coloque os fones de ouvido e deixe-se levar. (ES)

Ariana Grande – thank u, next

pop

O sucesso não pára. 2018 foi um ano pra lá de produtivo para Ariana Grande, mas nada que se compare à fase atual da cantora. Isso porque a princesinha do pop conseguiu, nas últimas semanas, emplacar 3 músicas no top 3 da principal parada americana — um gostinho que até então só os Beatles sentiram. Tanta popularidade vem acompanhada de uma carga pessoal fortíssima, já que thank u, next passa longe do pop descartável que muita gente espera do gênero.

A nova empreitada de Ariana é uma coleção de confissões e desabafos sobre diversos temas, mas o que dá liga ao todo é o tratamento sombrio depositado nessas vivências. Mais madura do que nunca, Grande seus fantasmas de frente  e deixa bem claro: é dona de sua narrativa. Destaque para ghostin, faixa que traduz com maestria a desilusão nos amores contemporâneos. (LT)

Jards Macalé – Besta Fera

MPB, experimental

Apesar de nome intrínseco à Tropicália, o carioca Jards Macalé sempre esteve à margem. Junta-se a nomes fundamentais como Sergio Sampaio, Tom Zé e Arthur Verocai no que se denomina “artistas malditos” da nossa MPB. Mas, a julgar por Besta Fera, isso nunca foi problema pra ele; muito pelo contrário.

Seu 12º disco de estúdio – o primeiro de inéditas desde 1998 – bebe da mesma fonte que os últimos trabalhos de Elza Soares. Com produção de Kiko Dinucci e Romulo Fróes, Besta Fera usa e abusa de arranjos tortos e sujos que casam perfeitamente com as letras pessimistas. “Chegamos ao limite da água mais funda”, canta Jards em “Trevas”, single que tem uma peculiaridade irônica bem apontada pela Vice: é uma adaptação do poeta inglês Ezra Pound, notório simpatizante do fascismo.

Besta Fera não é explicitamente político como Mulher do Fim do Mundo. A militância se dá mais pelo clima opressivo que predomina, seja na produção, nos arranjos ou nas letras. E não há solução para nosso aparente afogamento. (GF)

Jessica Pratt – Quiet Signs

folk

Jessica Pratt pode ter nascido em 1987, mas seu DNA musical é de tempos muito mais remotos. O minimalista Quiet Signs poderia ter saído na década de 60, qual sua semelhança com as obras de Joni Mitchell e Nick Drake. A produção seca e o número limitado de instrumentos (violão, guitarra, piano, órgão e sintetizadores) remete aos clássicos do folk, bem como à psicodelia. Há algo de pastoral em Quiet Signs. Perfeito para dias nublados. (GF)

Offset – FATHER OF 4

hip – hop, trap

Em seu primeiro álbum solo, o integrante do grupo Migos, Offset, mostra um lado diferente do usual, daquele que já conhecemos dos seus trabalhos anteriores, como Culture e Culture II. Offset sempre foi integrante mais envolvido em problemas relacionados à polícia e à drogas. Esse passado conturbado, faz com que mesmo nas músicas do trio, onde a proposta dos últimos trabalhos é claramente mais pop e visa mais o mainstream, o rapper tenha versos mais carregados de dor e mais agressivos que os de seus companheiros, e isso se mostra escancarado neste álbum solo.

Produtor da maioria das faixas, Metro Boomin, junto com Southside decidiram dar mais destaque aos graves dos baixos e 808’s, do que nos usuais loops de guitarra e synths, fazendo com que o vocal tenha mais domínio sobre a melodia e menos sobre a bateria. Esse encaminhamento se encaixa perfeitamente na proposta do álbum, algo mais pessoal e menos comercial, onde a voz do artista fica mais evidente.

Claro que não faltaram rimas sobre Glocks e Lamborghinis, porém, nesse trabalho, Offset mostrou que, além de desenrolar no storytelling, também sabe falar de sentimentos como vergonha, arrependimento, dor, ansiedade e paranoia. Como já adiantado pelo nome e pela capa, onde Offset aparece com seus quatro filhos, em um cenário parecido com o Egito ancestral, o projeto é dedicado à seus filhos. A faixa que leva o nome do disco é um pedido de desculpas, onde Offset relata as dificuldades de ser pai jovem, usando letras como “Had a baby as a kid, mama kicked me out/ Had to go and hit a lick, tryna put food in your mouth”. (VS)

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Leonardo Teixeira

O ditado diz que não se mexe em time que está ganhando, mas Ariana Grande não segue máximas pré-concebidas. Sweetener (2018) é cheio de vida, mas já tem um sucessor. “Eu só quero falar com os meus fãs e cantar e escrever músicas e lançá-las do jeito que os caras fazem”, ela disse à Rolling Stone no fim do ano passado. E a atual crescente de sua carreira não deixa mentir: ela tem esse poder. thank u, next nos apresenta mais um capítulo da montanha-russa artística e emocional de Ariana.

Os “caras” a que ela se refere são artistas como Pusha T e Drake, que transformam suas desavenças em músicas (as famosas diss tracks) e as lançam sem o roteiro de divulgação que a indústria pop costuma exigir de artistas femininas, principalmente.

A liberdade de fazer o que quiser e quando  quiser não é a única similaridade entre Grande e esses rappers, já que o hip-hop é a principal influência do novo disco. Prova disso é o hit 7 rings, uma celebração do poder que vem com uma carreira tão bem-sucedida. Ainda que relembre clássicos de Mariah Carey, a faixa não poderia ser mais a cara da nova Ariana — e ainda traz uma amostra do musical A Noviça Rebelde (1965), num dos usos de samples mais legais dos últimos anos.

A auto confiança é apenas uma das novas facetas que thank u, next revela sobre sua intérprete. Narrativas românticas sempre fizeram parte da expertise de Grande, mas nunca em tom tão amargo quanto o que vemos aqui. Diferente da doçura de seu trabalho anterior, em que a princesinha do pop exorcizava seus fantasmas, aqui ela encara as decepções frente a frente.

E é com uma franqueza desconcertante que Ariana prova esse amadurecimento. O amor romântico dificilmente tem um final feliz e essas desalegrias são contadas sem papas na língua. Em needy — o único momento sonoramente mal resolvido do trabalho —, ela admite: é carente de atenção e insegura, além de não saber o que é se sentir importante para alguém.

Tanto desencanto costuma ser relacionado à vida pessoal da cantora, já que os últimos anos não tem sido gentis com ela. Mas o pulo do gato aqui é que as faixas se sustentam sozinhas, em seu próprio universo. Explico: ainda que as narrativas midiáticas tenham sido muito importantes na concepção que o público tem de Ariana Grande, elas não são necessárias para a compreensão do que é dito no novo disco.

Altos e baixos emocionais também são percebidos na disposição das faixas na tracklist, que conseguem ir de momentos da total melancolia a auto celebração de forma súbita. O que poderia soar contraditório e inconsistente, na verdade eleva a experiência do álbum, porque parte do impacto da belíssima e triste ghostin vem do contraste climático que a música exerce com sua antecessora, mais otimista.

Além disso, as variações emocionais marcam o que talvez seja o discurso mais importante do disco: o de que Ariana é uma mulher complexa. O discurso de que o sucesso profissional nem sempre vem com alegrias na vida amorosa ou mental e que aprender com cada um desses picos e vales é o que nos resta na vida adulta.

No fim das contas, Ariana empoderada e a Ariana de coração partido fazem parte de um todo e não necessariamente são conflitantes. Pertencem à personalidade de uma mulher que, mesmo segura de si, não é forte e estável o tempo todo.

A faixa-título é a explosão disso, com a cantora analisando seus relacionamentos passados como oportunidades de aprendizado, passando longe da dor de cotovelo que é tão bem usada na cultura pop. Não é exatamente uma forma melhor de ver as coisas, apenas um ponto de vista de uma mulher que, aos 25 anos, já tem tantas experiência pra relatar.

E, mesmo com o circo midiático constante rodeando sua narrativa, só me interessa a versão que Ariana Grande quiser nos contar.

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Não bastaram os 31 dias do mês passado: o caos de outubro se alastrou em níveis alarmantes em novembro, com tragédias rolando soltas. Talvez por isso muitas publicações tenham optado por já lançar suas listas de melhores do ano agora; ninguém mais aguenta o ritmo pesaroso de 2016.

Como somos teimosos, insistimos na difícil tarefa de escavar a internet para encontrar os bons lançamentos do mês. Aqui estão nossas escolhas – as últimas antes de, enfim, nos despedirmos deste ano.

A Tribe Called Quest – We Got it From Here… Thank You 4 Your Service

hip-hop

Depois de 18 anos, o Tribe Called Quest se reúne para um sexto e último álbum, We Got it From Here, Thank You 4 the Help. Reunindo nomes como Kendrick Lamar, Andre 3000 e Kanye West com os lendários Jarobi, Q-Tip e Phife Dawg, o disco funciona como uma passagem de tocha simbólica para uma nova geração de rappers (“Joey, Kendrick, Earl e Cole,, gatekeepers of the flow”) além de uma homenagem para Phife, morto durante as sessões de gravação.

As letras e a produção continuam tão afiadas como nos clássicos Midnight Marauders e Low End Theory. Em Space Program os rappers discutem uma colonização de Marte onde os negros são excluídos, em “We the People” cantam “All you black folks you must go/ All you mexicans you must go”, capturando a conturbação da sociedade americana, exposta na eleição de Donald Trump. Mais do que um revival ou nostalgia, We Got it From Here… cementa o legado do ATCQ, enquanto um dos melhores álbuns de hip-hop do ano. (MF)

Bölzer – Hero

metal podrão

Após dois eps muito bem recebidos pela imprensa underground, enfim a aguardada estreia completa deste duo suíço saiu. Embora mais lapidada, a sonoridade do Bölzer de maneira alguma perdeu peso ou urgência, e o resultado pode ser definido como um Mastodon inspirado na fase viking do Bathory. Hipnótico, é muito recomendado para fãs de rifferamas. (NV)

Dawn Richard – Redemption

r&b futurista

Em um ano onde experimentos pouco efetivos no lado alternativo do r&b contemporâneo atingiram desde artistas iniciantes até popstars como Rihanna, é um alívio encontrar álbuns como Redemption. Parte final de uma trinca iniciada em 2013, o disco é um desfile de bangers, com a produção explosiva e cristalina ditando o tom até mesmo nas vinhetas. Coloque no último volume e a festa está garantida. (NV)

Jorja Smith – Project 11

r&b

No ano em que Solange e Maxwell voltaram ao estúdio, Jorja Smith nos presenteia com mais um excelente momento para o R&B de 2016. Amadurecendo as referências que apresentou em seus três (ótimos) primeiros singles, a britânica de apenas 19 anos se inspira no jazz e em Lauryn Hill para tecer confissões sobre relacionamentos unilaterais, solidão e racismo nos quase vinte minutos do extended play.

Lançado de forma independente, Project 11 reúne ainda arranjos e vocais impecáveis (a participação do cantor folk irlandês Maverick Sabre é um dos pontos altos) que, somados a letras intimistas, conseguem instigar o público para qual deve ser o próximo passo para Smith. A dica é: ouvir e compartilhar, porque temos aqui um registro que merece todo o hype que possa receber. (LS)

Kate Bush – Before the Dawn

art pop

Com o advento de gravações cada vez mais profissionais disponíveis gratuitamente no YouTube e streaming em tempo real de shows, a discussão sobre a utilidade de discos ao vivo no presente é constante. No entanto, toda regra tem exceções, como é o caso deste registro.

Lançado em cd triplo, Before the Dawn contempla os shows feitos pela diva maior do pop granfino em 2014, os primeiros desde 1979 (!). O setlist abrange tanto os clássicos da obra-prima Hounds of Love (1985) como álbuns mais recentes, e sem dúvidas faz jus à grandeza de sua carreira. (NV)

Marching Church – Telling It Like It Is

pós-punk

Telling It Like It Is é o segundo disco do Marching Church, supergrupo dinamarquês que começou como projeto paralelo de Elias Bender Rønnenfelt, líder do grupo Iceage. Expandindo a sonoridade de Plowing The Fields of Love, o disco invoca a obra de Nick Cave, com um pós-punk soturno e carregado de pianos, mas acima de tudo romântico.

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