Lucas Barbosa

Após 72 anos da sua última grande produção nos cinemas, A Odisseia volta a grande tela com a magnitude de um poema épico da Grécia Antiga, o texto de Homero conta através de memórias a saga de Odisseu, Rei de Ítaca, que após a Guerra de Tróia, fica 10 anos na tentativa de voltar para sua terra natal. Coube a Christopher Nolan a responsabilidade de produzir, roteirizar e dirigir uma das maiores obras da humanidade. E para quem fez Interestelar (2014) e Oppenheimer (2023) é a garantia de um filme com todo o esplendor que a história precisa: Grandes navios, armaduras gigantescas, monstros grotescos, e uma fotografia primordial. O problema disso? A obra se simplifica em um filme de ação e em certo modo foge do épico mitológico do poema homérico.

Nolan tinha uma obra complexa para produzir, com uma estrutura narrativa que foge da ordem natural de três atos que já estamos acostumados a ler em livros e ver nos filmes. É um poema pautado em flashbacks e em relatos subjetivos, e assim o longa foi produzido. O filme propõe uma história que se baseia nas lembranças tanto de Odisseu (Matt Damon), quanto dos personagens que o acompanharam antes, durante e depois da guerra. Porém, o roteiro enfraquece certas relações entre o próprio protagonista com as divindades dentro da obra, foi mais adaptável a um conceito muito mais contemporâneo de herói e vilão, enfraquecendo uma relação lógica de Odisseu, que não era o guerreiro mais forte, mas que tinha mais astúcia dentro do campo de guerra, habilidade essa que foi pouco explorada, deixando exposta apenas uma força física que praticamente não existia.

Existe um problema que aconteceu também em outros filmes roteirizados pelo Nolan: a dificuldade em escrever personagens femininos. Penélope (Anne Hathaway) não é a personagem passiva que chorava pela saudade de Odisseu, toda a narrativa dos pretendentes pela mão da Rainha de Ítaca é uma das mais importantes para toda a obra, não teve nada além de uma personagem que sofria pela partida do marido sem explorar a complexidade e inteligência da Rainha. A presença de Atena (Zendaya) também é muito enfraquecida dentro do longa, se tornando uma personagem de suporte emocional para Odisseu, ao invés de uma divindade importante para a obra.

Por final, a trajetória de Odisseu se transformou quase em uma jornada do herói, com as suas lembranças sendo o principal motor para o entendimento do filme, mas essas memórias reaparecem de forma distintas, pela relação de 7 anos de prisão do Odisseu pela Calipso (Charlize Theron) na Ilha de Ogígia, em que ele frequentemente comia Flor de Lótus. E quando acontece seu retorno a Ítaca, descobre que seu filho Telêmaco (Tom Holland) será atacado pelos pretendentes da mão de sua esposa a mando de Antínoo (Robert Pattinson) que pode ser declarado como o grande vilão do filme. E no fim, após conseguir salvar o filho, voltar a Ítaca e vencer o desafio do arco, elimina os rebeldes do seu reino, conseguindo sua redenção e partindo para o mesmo oceano que foi o seu maior desafio.  

A montagem feita pela Jennifer Lane é esplêndida, os momentos no palácio de Ítaca tem a tensão de um reino sem rei, a trilha sonora feita pelo Ludwig Göransson, é um ápice em toda a trajetória da Odisseia, consegue transmitir o vazio do oceano e também a tensão de uma guerra, tudo em uma mesma singularidade, os figurinos mesmo não sendo os mais fiéis a história e sua época, conseguem ser emblemáticos, a exemplo da Armadura de Agamenon (Benny Safdie), que mesmo sem nenhuma fala, sua postura e sua armadura emblemática são autoexplicativas.

Nolan sabe como produzir filmes que tem uma ação contínua e envolvente, o terror em todas as cenas com o cíclope polifemo é agoniante e sombria, e os momentos da Guerra de Tróia são violentos e sustentam uma velocidade dinâmica ao longa. Ao mesmo tempo, reduz partes drásticas da história para defender um simbolismo não apenas heróico, mas uma meia culpa sentida por Odisseu no momento em que ele percebe que a construção do Cavalo foi o estopim para o fim da Era do Bronze e um começo da Era de Escuridão.

A Odisseia de Homero é uma história muito complexa, e seus personagens trazem uma profundidade imensa que o poema necessitava, A Odisseia de Nolan é uma guerra dos pensamentos de um herói arrependido, onde todos ao seu redor ficaram rasos, sem a expressão necessária para um poema épico, como um filme de ação é excelente, empolgante e tem uma tônica que uma guerra precisa, mas a história falha na tentativa de fazer de uma pessoa ardilosa, um cavaleiro heróico.

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Eduardo Dragoneti

Situado na Era de Ouro de Hollywood, Minions e Monstros fecha a trilogia derivada da franquia Meu Malvado Favorito (2010). Com um novo trio protagonista, James, Henry e Ed, o longa explora a importância da liberdade criativa, repudia a submissão e explora a amizade como os outros dois filmes da saga não haviam feito. Após mais uma procura incessante por um ‘mini-chefe’, os Minions, em especial James, se encontram no Cinema, onde viram celebridades nos anos 1920.

O humor corporal e a linguagem própria das pequenas criaturas amarelas continuam sendo os pontos fortes desses personagens, mas também é o que faz eles serem despachados com a chegada do Som nas produções hollywoodianas. Sem um público que os entenda, os Minions se veem perdidos e voltam a procurar um líder maléfico para adorar. Já os protagonistas, invocam monstros para sua produção independente: ‘Minions y Monstra’.

Entre muitas referências ao cinema clássico e comtemporaneo, o movimento feminista pelo voto das mulheres e o sci-fi, Minions e Monstros mantém a tradição desde os filmes do Gru, de colocar críticas socias costuradas em seu enredo. O longa funciona sutilmente como uma propaganda às produções independentes, colocando James como um cineasta ignorado pelos grandes patrocinadores da Sétima Arte e contando uma história completamente autoral.

Entretanto, existe um subtexto que rouba todas as cenas entre James e Henry. Em uma relação inocente de amizade que lembra muito Luca (2021), os Minions compartilham cenas de afeto, preocupação e alegria um pelo outro, criando uma alegoria LGBTQIAPN+ discreta, como no sucesso da Disney. Os dois são excluídos constantemente do restante da tribo por não aceitarem o tudo o que Dick, o líder arrogante e conservador dos Minions, ordena que eles façam. Pierre Coffin, que dirige e roteiriza o longa, além de dublar todos os Minions, insere o tema com delicadeza, tornando o amor entre os personagens palatável.

Minions e Monstros é o melhor filme da série solo dos personagens. Porém tem um grande problema: suas piadas talvez não funcionarão com a geração Alfa, e o excesso de referências cinematográficas pode confundir o cérebro de quem não conhece a história do Cinema. Sim, é uma obra para cinéfilos e amantes das telonas. Uma verdadeira aula de história, com referências que remetem a Tempos Modernos (1936), Tubarão (1975), Casablanca (1942), Cidadão Kane (1941), westerns dos anos 1920 e filmes de monstros clássicos. Se alguém assistir Chaplin por ter visto os Minions presos em engrenagens já terá valido a pena.

A história em si não é super inovadora, e o terço final, com a reviravolta dos monstros invocados para a produção de James, acaba caindo um pouco na fórmula de ação de sempre. Mesmo assim, a produção se segura muito bem graças ao protagonismo inédito. Leve, engraçado e cheio de sacadas visuais espertas, o longa equilibra perfeitamente a comédia pastelão com um carinho de verdade pela história que está contando. É o filme perfeito para o final de semana e, com certeza, o projeto mais inspirado da franquia em muito tempo.

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Ana Beatriz Zamai  

Pouco mais de quarenta anos depois do lançamento do desenho, He-Man (1983) retorna em seu novo filme Mestres do Universo (2026), estrelado por Nicholas Galitzine no papel do ‘cara mais poderoso do universo’. Apesar da história ser original da década de 80, o longa, produzido pela Amazon MGM, é ambientado nos dias atuais e é mais uma das apostas da Mattel em fazer uma releitura de clássicos, como foi com Barbie em 2023. Dirigido por Travis Knight, diretor de Kubo e as Cordas Mágicas (2016), Mestres do Universo mostra o retorno de Adam Glenn (Galitzine) para Eternia, sua terra natal, depois de 20 anos na Terra, onde se refugiou depois de seu mundo ter sido invadido pelo antagonista Esqueleto (Jared Leto). 

Travis e os roteiristas Chris Butler, Aaron Nee e Adam Nee fizeram um ótimo trabalho trazendo a história para a atualidade. É apenas uma das maneiras usadas para aproximar o príncipe herói do telespectador – o próprio Nicholas afirmou em entrevista que ser um herói invencível afasta o público, e, por isso, queria transformar Adam em alguém mais real. Outra aproximação curiosa foi o emprego escolhido para o personagem no seu tempo na Terra: profissional de Recursos Humanos, um total oposto do seu ‘cargo’ em Eternia: príncipe herdeiro filho do rei. Em uma das batalhas com o vilão principal, He-Man tenta usar termos do RH como “violência não é a resposta”, gerando uma comicidade que não se é esperado em momentos como este. 

Apesar de ser uma releitura de um clássico, Mestres do Universo não apela – ao menos não inteiramente – para a nostalgia. Quando usada, é de uma forma positiva e que vincula o personagem com o público, não apenas ao amor do público pelo personagem. Um exemplo disso é a maneira com que Adam, quando está na Terra, vê sua infância: um olhar gentil, infantil, de fato, como quem nunca cresceu e sente saudades de ser criança, desenhando os ‘personagens’ da sua história mesmo depois de adulto.

Assim como Nicholas Galitzine apresentou uma grande atuação, se diferenciando completamente de seus outros papéis recentes, como Uma Ideia de Você (2024) e Vermelho, Branco e Sangue Azul (2023); os demais atores também se destacaram. Camila Mendes brilhantemente interpreta Teela – fiel escudeira de He-Man, além de grande amiga de infância do herói, que, inclusive, o filme acerta em deixar bem claro, tanto para os fãs quanto para os próprios personagens, que a dupla nunca vai passar disso: grandes amigos. Já Idris Elba aparece como o Mentor, ou Duncan, braço direito do rei e que, assim como Nicholas, agrega ao longa adicionando muito carisma e humor aos personagens.

Jared Leto merece um comentário de destaque por lembrar ao telespectador que, apesar de não parecer, ele ainda é um ator que pode entregar boas interpretações, mesmo que irreconhecível pela computação gráfica. O vilão Skeletor, no original, é definido pelo diretor Travis Knight como “uma representação da masculinidade tóxica levada ao extremo”. É um personagem que não tenta ser um vilão sério ou malvado demais, e tenta ganhar a nova geração com falas irônicas e de duplo sentido. 

Além do bom roteiro, direção e das boas atuações, Mestres do Universo também acerta em outros fatores, e um deles é não ter medo de parecer ridículo. O filme não se leva a sério demais, tendo alguns momentos de alívio cômico quando menos se espera, seja pelos toques de comédia; por manter fatores que eram alvo de riso na década de 80, como a roupa e cabelo do príncipe e os nomes dos personagens (como o Fisto); por ser uma obra com muitas cores – algo que está em falta na indústria cinematográfica atualmente –; pela ótima trilha sonora (Daniel Pemberton) ou até pelo (muito) bom uso de efeitos especiais. O longa traz conforto aos fãs que foram ao cinema em busca de uma boa memória da infância.

Entretanto, apesar dos vários fatores positivos já citados, o filme não está indo bem na bilheteria. No primeiro fim de semana mundial, o longa arrecadou US$54,3 milhões, o que é decepcionante, visto que a produção custou cerca de US$200 milhões. Uma possibilidade é a falta de conhecimento do público sobre a existência dele. O elenco esteve no Brasil recentemente para divulgação, mas é fora do país que a obra não tem se dado tão bem. Além disso, a escolha de não colocar o nome do herói no título – apenas Mestres do Universo, sem He-Man – também pode ter sido prejudicial. 

Por fim, talvez o maior desafio do príncipe de Eternia seja convencer as pessoas a darem uma chance a ele – seja a geração dos anos 80, que não querem estragar a boa memória que tem com os desenhos, seja a geração atual, que já está saturada de filmes de heróis. Caso vença, He-Man certamente poderá agradar ambos os públicos.

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Guilherme Moraes

Mais de 25 anos se passaram desde que o primeiro Todo Mundo em Pânico (2000) foi lançado com seu humor besteirol, suas sátiras à franquia Pânico e os clichês dos longas de terror. A série de filmes havia se encerrado em 2013 no seu 5° capítulo, porém, com o retorno da saga slasher, os irmãos Wayans não perderam a oportunidade de reunir o elenco original para mais uma paródia. No entanto, Todo Mundo em Pânico 6 parece não ter saído dos anos 2000 e encontra uma dificuldade imensa em entender as novas tendências do cinema de terror mainstream.

Todo Mundo em Pânico surge como uma sátira da própria sátira. Pânico (1996) já havia se destacado por retratar os clichês do slasher de maneira cômica, mas sem ser crítico, parecia que havia um certo prazer em replicar esses tropos. A obra de Keenen Ivory Wayans já seguia um caminho diferente. Sua representação demonstrava um certo deboche e ridicularizava os personagens e as repetições do gênero, sem fazer disso um processo crítico, o que não era ruim. 

Chegando para a obra mais recente, Marlon e Shawn Wayans (Shorty e Ray, respectivamente), junto com Michael Tiddes na direção e Anna Faris (Cindy) e Regina Hall (Brenda) no elenco, não conseguem tirar nada de novo desde a última vez que estiveram à frente da franquia. As piadas são basicamente as mesmas, o humor não mudou e as situações se repetem como se ser ridículo de maneira aleatória continuasse sendo engraçado, mas é 2026, a aleatoriedade já é comum e a comédia encontrou novas formas.

As anedotas transfóbicas e homofóbicas, se já eram problemáticas no primeiro, são piores agora. A cena em que Ray está em uma igreja – fazendo referência à Pecadores (2025) – recebendo a ‘cura para a homossexualidade’ e acaba apenas evidenciando para todos que é gay, é, não apenas controversa, como também extremamente forçada; se inicialmente havia qualquer graça, ela se perde por causa do inexistente senso de ridículo.

Parte da comicidade dos antecessores estava nas citações à outros filmes, e como lidava com clichês específicos do gênero de terror. O que mais se destacou foi o slasher no primeiro longa, criando um clima de mistério a partir do enredo de Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado (1997), junto com o mistério do Ghostface. Contudo, no novo, as referências parecem muito jogadas, sem qualquer conexão entre elas. Não há nada em A Substância (2024) que remeta à Pecadores. São alusões vazias. É um filme de esquetes sem coesão.

O que realmente há de interessante é o final em que os protagonistas negam a nova geração, fazendo menção às franquias que retornam depois de muitos anos para encerrar a jornada dos antigos personagens e deixar que os novos tomem conta da saga a partir dalí – como no próprio Pânico 5 (2022). Em Todo Mundo em Pânico, o quarteto não permite essa mudança, relegam a saga para si ao deixarem as novas figuras morrerem no encerramento. Entretanto, isso continua sendo muito pouco, ainda mais considerando que o resto da obra não lida com essa questão. Assim, com poucas ideias, muitas referências e um certo apelo à nostalgia, Todo Mundo em Pânico 6 mostrou que não tinha nada de novo a dizer.

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Eduardo Dragoneti

Sete anos separam Star Wars: A Ascensão Skywalker (2019) de O Mandaloriano e Grogu (2026). Nesse intervalo, a Lucasfilm abandonou os cinemas para investir nas produções do Disney+, onde O Mandaloriano (2019) nasceu como a aposta mais bem-sucedida da franquia desde a trilogia original de George Lucas. A série transformou Din Djarin (Pedro Pascal) e Grogu numa dupla amada globalmente, e o anúncio do longa foi recebido com uma expectativa alta, já que Star Wars não passava nas telonas desde as sequels, que deixaram um gosto amargo na boca dos fãs.

O problema central de O Mandaloriano e Grogu está na sua própria existência, e não na execução. A terceira temporada de O Mandaloriano encerrou o arco de Mando e Grogu com satisfação e as poucas pontas soltas sobre o tão misterioso planeta Mandalore foram ignoradas nesse filme. Bo-Katan e outros personagens interessantes que foram aclamados pelo público na série, também não retornam para o longa. O fanservice de inserir Zeb Orrelios, figura que até então só tinha aparecido nas animações desse universo, também não funciona por falta de aprofundamento na história do personagem. Poderia ser qualquer outro piloto da galáxia ajudando Mando, e o enredo continuaria o mesmo.

O roteiro assinado por Jon Favreau, Dave Filoni e Noah Kloor divide a história em blocos que se surtem como capítulos soltos de uma quarta temporada descartada. A missão de explodir uma base remanescente do Império, a busca por um Hutt desaparecido, ou estar fugindo de outro caçador de recompensas são aventuras que se assemelham com as da série. Uma Nova Esperança (1977), em tempo semelhante de projeção, construía um universo inteiro e apresentava personagens inesquecíveis. A comparação com os sucessos da franquia é inevitável quando se fala no retorno de Star Wars aos cinemas.

A impressão que fica ao fim do primeiro ato é de que o filme acabou, já que a missão que abre a história é resolvida com competência e ritmo. Quando a trama recomeça numa nova direção, já com quase uma hora, fica evidente que o roteiro (Jon Favreau e Dave Filoni) não tinha material suficiente para sustentar um longa-metragem. As cenas que preenchem esse segundo bloco existem para ocupar o espaço entre uma aventura e outra, sem agregar nada ao arco dos personagens nem ao universo de Star Wars, e o longa é autoconsciente disso. As cenas estão ali simplesmente para preencher tempo de tela.

Grogu continua sendo um acerto inegável, e Favreau usa o personagem como uma segurança. O ‘baby Yoda’, construído digitalmente pela equipe da ILM, ganha uma expressividade que o streaming não permitia fazer, e o diretor o usa com generosidade numa sequência central do segundo ato que remete aos clássicos de aventura como Gremlins (1984) e Willow: Na Terra da Magia (1988). A trilha sonora (Ludwig Göransson) sustenta os furos do roteiro e repete a fórmula: músicas icônicas da franquia e de O Mandaloriano, que preservam a identidade sonora de Star Wars.

Pedro Pascal entrega exatamente o que sempre entregou como Mando, nem mais nem menos. O personagem não desenvolve nada além do que já havia sido construído nas três temporadas anteriores, e o roteiro não lhe oferece nenhuma cena que exija algo diferente do que o ator já demonstrou saber fazer. A produção técnica, por outro lado, é impecável. Para as cenas com armaduras, perseguições e combates, Favreau contratou dublês e pilotos profissionais para evitar o excesso de CGI, e o resultado aparece na tela com fisicalidade, que as produções da Disney+ raramente são capazes de replicar.

Rotta, o Hutt, dublado por Jeremy Allen White (O Urso, 2022), é o caso mais sintomático do filme. O personagem tem uma trajetória com potencial, um jovem tentando escapar da sombra do pai, Jabba, para construir uma identidade própria, e Allen White entrega o que pode sob todo o CGI. O problema é que ele explica o posicionamento do personagem pelo menos três vezes em menos de 30 minutos, retirando qualquer espaço para o espectador descobrir por conta própria. A Coronel Ward, interpretada por Sigourney Weaver (Alien, 1979), também poderia se tornar uma nova grande peça para a Nova República, mas a trama rasa simplifica o trabalho da renomada atriz.

O Mandaloriano e Grogu funciona como convite para a série, mas peca em ser uma porta para o universo Star Wars. Uma Nova Esperança e O Império Contra-Ataca (1980), continuam sendo portais de entrada para qualquer espectador, independente de bagagem prévia. O novo longa exige três temporadas de investimento emocional para funcionar, e mesmo quem às assistiu sai sem nada novo e se quer se emociona. Alguém sem conhecimento da franquia provavelmente sairá com curiosidade sobre a série, porém dificilmente com vontade de mergulhar no universo que George Lucas constrói desde 1977.

A decisão de transformar O Mandaloriano em franquia cinematográfica diz menos sobre a história de Din Djarin e Grogu do que sobre o estado atual de Star Wars como propriedade intelectual. O sucesso da franquia é eterno, com boas produções saindo, como Andor (2022). Porém, após o fracasso de Han Solo: Uma história Star Wars (2018) e o fim da trilogia sequel em 2019, a Disney precisava de uma aposta segura para recolocar a saga nas telas. Mando e Grogu eram essa aposta, mas filmes feitos para não errar raramente acertam de verdade.

Star Wars ficou sete anos longe dos cinemas. Os fãs que suportam os episódios VII, VIII e IX, que acompanharam a série semana a semana e se encantaram com Grogu desde seu primeiro aparecimento no streaming, mereciam um retorno à altura dessa espera. O Mandaloriano e Grogu não é ruim, é confortável, competente e, em vários momentos, genuinamente divertido. No entanto, isso não é suficiente quando a franquia mais amada da ficção científica volta aos cinemas pela primeira vez em anos. Jon Favreau tinha os melhores ingredientes possíveis, mas optou por fazer um misto quente com achocolatado.

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Mariana Bezerra
A sombra do meu pai é resultado da união criativa entre os irmãos Akinola Davies Jr (diretor e co-roteirista) e Wale Davies (co-roteirista) e do mergulho de ambos em um passado íntimo em relação às interações de ambos com o falecido pai, que morreu quando os cineastas tinham apenas 2 e 4 anos, respectivamente. O que começou com uma carta de amor a um ente querido, feita por Wale durante uma aula de escrita criativa, se tornou um filme que marcou presença em grandes festivais, como o Festival Internacional de Cinema de Toronto e o Festival de Cannes – onde ganhou menção especial da Caméra d’Or – além da 49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, na qual ganhou o prêmio da crítica. O longa também foi reconhecido no BAFTA, levando o prêmio de Melhor Estreia de Roteirista, Diretor ou Produtor britânico.

O filme articula o drama familiar ao contexto político ao retratar o cenário da Nigéria em 1993 – não apenas como um plano de fundo, mas como um elemento que atravessa profundamente a jornada do trio formado pelo pai, Folarin (Ṣọpẹ́ Dìrísù), e seus dois filhos, Akin (Godwin Egbo) e Remi (Chibuike Marvellous Egbo). O roteiro acompanha um único dia na vida desses personagens, que saem de uma cidade rural rumo à capital Lagos para que Folarin pudesse obter o pagamento por serviços prestados na cidade. Assim, a narrativa íntima e afetiva contrasta com as tensões visíveis na capital durante o dia das primeiras eleições presidenciais do país após o golpe de estado de 1983, permeado, no filme, pelo recente e ficcional massacre da base militar Bonny Camp, em que civis foram assassinados por militares.

A narrativa constrói personagens complexos, intensos, cujas nuances se revelam a partir das performances deslumbrantes e cativantes trazidas pelos protagonistas. Nesse caso, o brilho avassalador dos três atores se revela na simplicidade e, muitas vezes, no silêncio. Essa é uma história que surge diante da tentativa dos roteiristas de preencher uma ausência; uma lacuna permeada por memórias quase oníricas e por relatos de familiares acumulados ao longo da vida. Assim, a dramatização contida, a representação da inocência dos meninos e o esforço do pai em preservá-la – em confronto com as suas tormentas financeiras e pessoais – são entregues sem qualquer necessidade de espetacularização, mesmo diante do contexto intensamente dramático.

Nesse sentido, a dinâmica familiar e a ingenuidade infantil se tornam uma terna mensagem sobre amor em seu sentido mais amplo. A figura de Folarin, que exala uma imagem forte e quase irredutível em um primeiro momento, em grande parte pelas responsabilidades que carrega, revela-se, aos poucos, na de um homem preocupado, acima de tudo, com o caráter e a união entre os filhos. Algumas cenas ilustram bem esse cenário, como quando o mais velho, Remi, diz que comprará um sorvete apenas para si, recusando-se a dividir com o irmão por afirmar que o dinheiro lhe pertence. A atitude é prontamente repreendida pelo pai, que não tolera essa postura individualista. Até mesmo pela sua ausência constante em função do trabalho, o homem busca fortalecer a presença de amor e parceria entre os meninos; uma relação que, de fato, se consolidou na história real por trás do filme.

O retrato dessa intimidade é quase imersivo; elaborado a partir de uma parceria precisa entre direção, roteiro, fotografia e som (Pius Olamilekan Fatoke e CJ Mirra). No filme, tudo o que é necessário para composição da narrativa recebe a devida atenção dessa combinação de elementos: a intensidade do drama familiar, os conflitos políticos e até mesmo o otimismo da população diante da eleição histórica – que foi anulada pelos militares – são atravessados por escolhas técnicas que potencializam essas camadas.
Nesse sentido, há um caráter documental na fotografia de Jermaine Edwards, uma proximidade da câmera com o lugar, que conecta os cenários à história e ao contexto. Esse aspecto parece valioso para Akinola em sua proposta de resgatar as próprias raízes e a sua herança diaspórica.

De um lado, enquadramentos fechados, que conectam o espectador aos personagens; de outro, planos mais abertos que permitem uma observação ampliada do cenário e das tensões ao redor, o que vem acompanhado de efeitos sonoros densos e provocantes, completando de forma harmônica a atmosfera de estresse social e político e econômico, os quais também são enfatizados pelo transmissão de rádio, televisão e manchetes de jornais que aparecem no longa.

Para além da química entre os personagens principais e o cenário que os envolve, os nomes secundários da trama também desenvolvem um papel que é valorizado pelo roteiro. Nessa perspectiva, a mãe dos meninos e esposa de Folarin, é apresentada através de uma imagem alegre e gentil; especialmente se tratando da mulher que construiu, anos antes, juntamente com o atual esposo, as lembranças ternas que ele possui da cidade de Lagos – memórias que são passadas para os filhos enquanto percorrem o local. Aqui, há também discussões que surgem quanto à distância do pai da família e sofrimento dessa que parece ser uma grande mulher em relação a sua ausência. Nesse sentido, A sombra de meu pai se coloca como um drama capaz de mergulhar em nuances múltiplas e profundas dentro de um contexto familiar, mas sem cair no vitimismo.

Ao fim, o filme aprofunda o ar melancólico, quando as frustrações coletivas ecoam diretamente na tragédia pessoal da família: o assassinato de Folarin. Nesse contexto, a anulação das eleições converte o otimismo da população em uma série de revoltas. Assim, a efemeridade e impotência diante da vida, abordadas ao longo do longa como um todo, se tornam ainda mais latentes com a morte do pai e diante da frustração da população nigeriana. Nesse momento, o ar denso e contemplativo tomam conta da tela; não há necessidade de investigar a fundo o assassinato de Fola; aqui, os irmãos por trás da câmera voltaram seus olhares para o luto, justamente o sentimento que foi a matéria prima da obra, e optaram por retratar uma comunidade devastada, seja a familiar ou a nacional, em face da perda de um futuro que nunca se concretizou.

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Catarina Pereira e Jhenifer Oliveira

Há 20 anos, O Diabo Veste Prada marcou uma geração traduzindo os bastidores da moda de luxo ao mundo e trazendo curiosidades sobre a produção editorial. O longa se tornou icônico, atingindo uma bilheteria de enorme sucesso – 326,6 milhões de dólares – e conquistando um Globo de Ouro e inúmeras outras premiações, como BMI Film Award e Satellite Awards, além de contar com as atuações brilhantes de Anne Hathaway e Meryl Streep. Em 2026, a obra ganha uma sequência que chega aos cinemas com muita antecipação do público.

O Diabo Veste Prada 2 é uma continuação satisfatória que vai contra o movimento de sequências decepcionantes lançadas nos últimos tempos, como Meninas Malvadas (2024). O filme ainda se baseia na história de Anna Wintour, ex-editora-chefe da Vogue americana, trazendo conflitos e crises da transição do jornalismo impresso para o digital e da corporativização do jornalismo editorial. Tudo isso sem perder o viés pessoal da evolução das memoráveis personagens Miranda Priestly (Meryl Streep) e Andrea Sachs (Anne Hathaway).

A direção de David Frankel traz novamente um olhar sensível às relações interpessoais das personagens, como a conexão entre a Miranda e Andy, que, mesmo após anos, segue sendo complexa e interessante. O filme cria uma conexão com o público transmitindo uma intimidade maior com as protagonistas, que são retratadas em suas múltiplas faces. A direção de arte assinada por Jess Gonchor é excepcional para a sequência conversar com a obra anterior, já que segue trazendo as marcas do primeiro filme, mas sendo adaptadas para o momento atual.

Outro ponto essencial ao falar sobre O Diabo Veste Prada é o renomado figurino. O novo longa traz para as telas uma elegância minimalista, com peças-chave de grandes marcas, como Chanel e Dior, sem necessitar de muito para criar looks icônicos. A responsável pelo visual é Molly Rogers – parceira de Patrícia Field, figurinista do primeiro filme – que captou muito bem a sutileza necessária para ser extremamente sofisticado.

É de se esperar que, em uma sequência, a dicotomia entre o velho e novo exista, mas em O Diabo Veste Prada 2 esses antônimos convivem entre si dentro da narrativa sem necessitar explicitamente recorrer ao anterior. A grande problemática do enredo se apoia em conciliar as mudanças sofridas através do tempo pelas relações entre os personagens e seu amadurecimento, além das formas de se compreender jornalismo e arte.

O roteiro feito por Aline Brosh McKenna tem enfoque crítico, abordando as mudanças do atual mercado através da ficção. A trama é surpreendente, apresentando uma não obviedade aos acontecimentos e mantendo o espectador cativado durante o filme inteiro. Os personagens são bem desenvolvidos, dando um maior espaço à novos enredos, como Nigel (Stanley Tucci) e Emily (Emily Blunt), que ganham um certo protagonismo na obra, esse teor emocional trás à produção uma nova visão da narrativa, que ganha discussões que abordam além do que foi apresentado originalmente no primeiro filme. Por outro lado, a história se perde ao propor um romance à Andy, que fica em último plano e não conversa com os outros eventos. A impressão que fica é que foi algo necessário para completar a vida da protagonista, sendo que sua carreira sempre foi o enfoque principal.

O Diabo Veste Prada 2 não decepciona ao prometer uma sequência icônica com novos cenários e propostas, porém com fidelidade ao sentimento de nostalgia e apego ao antigo filme. Assim, o longa não procura apenas continuar a proposta da primeira obra, mas sim reinventá-la, e tem sucesso ao fazê-lo. Mesmo com novos enredos, os pontos de conexão entre o primeiro e o segundo exemplar de O Diabo Veste Prada mantém o espectador instigado e satisfeito com a continuação de uma história que lhe é tão íntima e adorada, não decepcionando quem vai aos cinemas buscando sentir o mesmo que sentiu há 20 anos.

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André Aguiar

O que acontece quando fazer o que ninguém está fazendo te torna mais entediante do que original? Após um intervalo de 10 anos desde que lançou seu último projeto solo, Bruno Mars retorna com The Romantic, um trabalho em que o charme do Bruninho não é tão convincente como um dia já foi. Sua posição na indústria musical permite que ele não retroceda mesmo com críticas negativas e uma recepção agridoce do público. Entretanto, quem está aqui apenas pela boa música ainda se questiona se as decisões criativas do artista partem de um lugar de influência ou de conforto. 

Há 10 anos, Bruno Mars era inevitável. Levando o seu já conhecido som nostálgico ao funk das décadas 1980 e 1990 com o disco 24k Magic (2016), ele se tornava cada vez mais merecedor do título de hitmaker que tem hoje. Nos últimos anos, o cantor se recusou a sair do radar do público e emplacou hits irritantemente bem-sucedidos no topo das paradas, como APT. com ROSÉ e a Grammy-winner Die With A Smile, dueto com Lady Gaga, que dispensa qualquer apresentação. Além disso, o projeto em parceria com Anderson .Paak, Silk Sonic, rendeu à dupla um álbum aclamado que se tornou um ponto alto da discografia de ambos os artistas, evocando uma sonoridade fresca espelhada no soul setentista. A decepção bateu quando o posterior ato solo do Bruninho chegou e o resultado era uma versão sem alma do que, anos antes, era inovador.

A maior parte de The Romantic soa como ideias que até tentam se desvencilhar do An Evening With Silk Sonic (2021), mas a sensação é a de que prevalece uma certa conformidade em refazer o que deu certo. Faixas como God Was Showing Off e Nothing Left não mostram muito esforço de Mars em se desafiar e prosseguir de uma das melhores fases de sua carreira, que aconteceu cinco anos atrás. As diferenças são mais notadas em leves nuances do que de fato em direções ou conceitos claramente definidos. 

A banda Silk Sonic trouxe certa novidade ao som de Mars, em grande parte devido à presença de Anderson .Paak, uma voz conhecida em nichos do R&B e da música alternativa que, junto a um amigo das massas (Bruno Mars) fizeram mágica. A personalidade e a musicalidade de Paak em estúdio e nas performances ao vivo colaboraram para que a audiência não pensasse no ‘quão cafona são dois homens de quase 40 anos dançando em conjuntos revestidos de glitter com coreografias simples e sincronizadas’, tudo era envolvente, desde a música à estética, pois o compromisso era com a ideia em si. 

No projeto compartilhado, o selo de qualidade e aprovação crítica vinham de Paak, e os números astronômicos e hits de rádio vinham de Mars. Na tentativa de reproduzir isso sozinho no novo disco, Bruno falha porque o que sobra fora do Silk Sonic é, em sua maioria, o que o torna parte do mainstream: o processado e o que é mais aparente como produto do que como obra de arte. 

Nas poucas camadas inventivas de The Romantic, é possível perceber uma aura de grupos de vocalistas negros estadunidenses dos anos 1960, como The Flamingos e The Temptations. Seja na resposta de vozes no refrão da balada Why You Wanna Fight? ou na melosa faixa de encerramento Dance With Me, existe um espírito coletivo pairando ao decorrer do LP. Os últimos registros de destaque de Mars nesta década mostraram o poder de uma colaboração com o cantor e como ele se conecta com a atmosfera de ‘banda’, e talvez fosse melhor se tivesse continuado assim, de feat em feat. Deve ser difícil para o Bruninho – e talvez para alguns de nós – superar os dias de Silk Sonic.

Outro grande dilema de The Romantic é a linha finíssima, na verdade, quase invisível, entre imitação e referência. Mars ocupa o lugar tão cobiçado da indústria de ter um nome tão potente que dá a ele liberdade de fazer o que quiser, o que acaba caindo por terra quando o seu repertório resulta em cópias das suas musas. On My Soul é uma das canções mais cativantes do álbum, porém, sua inspiração original, Move On Up, de Curtis Mayfield, se torna uma experiência mais proveitosa, preenchida e instrumentalmente interessante do que a peça produzida por Bruno Mars. 

A mesma coisa acontece com Something Serious, que poderia até ser creditada como sample ou interpolação da clássica Oye Como Va, interpretada originalmente pela banda Santana – liderada pelo mexicano Carlos Santana. O sentimento é de que o disco se ancora nas referências icônicas do vocalista e não dá conta de existir por si só.

Ninguém mais no top 50 do Spotify global leva jeito para re-introduzir obras tão emblemáticas do soul como Mars, e mesmo assim não é difícil questionar, na metade de The Romantic, se você já não ouviu essa música antes na tracklist. As únicas exceções e belas surpresas são as duas faixas que abrem o projeto: Risk It All e Cha Cha Cha que, envoltas por latinidade, remetem diretamente às raízes do Bruninho. A primeira é uma balada centrada no violão e numa linha melódica tão atemporal que, mesmo tendo uma sonoridade única comparada à discografia do artista, o ouvinte ainda sente alguma familiaridade. 

Já na segunda, essa ânsia por trazer novos ares à ambiência de Leave The Door Open e Smokin Out The Window funciona melhor. Há mudanças agradáveis na dinâmica rítmica da canção e aquele molho apaixonante do cantor que é capaz de levar músicas tão complexamente projetadas à boca do povo. Para um disco que se prende tanto ao passado – do cantor e do soul – esses dois registros são pequenos passos de bebê rumo a uma nova fase artística.

The Romantic encaixa bem como título deste álbum, pois não revela nada novo sobre Bruno Mars. Ser romântico e piegas o levou ao topo 15 anos atrás, e hoje, mesmo que não seja tão convincente, ainda o deixa lá. I Just Might, lead single do disco, alcançou o primeiro lugar da parada da Billboard nos Estados Unidos na semana em que foi lançada. Ele é um dos únicos grandes artistas capazes de resgatar tão fielmente o som de uma época, incorporar numa roupagem atual, e dominar os charts com isso. Ainda assim, um truque feito tantas vezes pelo mesmo mágico, por mais fascinante que seja no começo, não te faz mais querer saber os segredos de quem está com o coelho de pelúcia na cartola o tempo todo, é só chato mesmo.

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Isabela Nascimento

Depois de anos na tentativa de alcançar o sucesso mainstream, Charli XCX desistiu de se encaixar em um formato quadrado e resolveu apostar em si mesma em seu sexto álbum de estúdio, Brat (2024). Na sua era mais honesta, a britânica explorou suas inseguranças, questões com a fama, luto e sua vida como partygirl. O resultado foi um sucesso imediato e gigantesco, tornando-se uma popstar internacional nos seus próprios termos. 

A fama foi uma surpresa tanto para os fãs como para a cantora. Do dia para noite, ela se tornou um nome bastante comentado em todos os lugares, até em noticiários políticos, como CNN e Fox News. Além disso, ela virou a cara de marcas famosas como YSL, Converse e Poppi. Não demorou muito para os executivos sugerirem um documentário sobre este momento único em sua vida, porém, esta ideia não cativou a britânica. Em entrevista ao The Hollywood Reporter, Charlotte Aitchison disse que este tipo de produção não representava o que ela é como artista.

Contudo, a pressão de criar uma produção deste gênero inspirou a britânica a criar um filme próprio que retratasse a indústria musical do jeito mais real e verídico possível. The Moment, dirigido por Aidan Zamiri e idealizado pela própria cantora, mostra Charli lidando com as complexidades da popularidade, ao mesmo tempo que ela está se preparando para a turnê em arenas.

Classificado como mockumentary, o último respiro de Brat é um retrato sobre a relação que temos com a cultura pop. A história usa uma ‘falsa’ realidade cheia de verdades implícitas e acontecimentos clássicos na vida de uma artista feminina para representar esta relação. O longa-metragem não tem um roteiro e uma direção ambiciosa, Aidan e Charli não tentaram criar um novo movimento, e sim mostrar uma versão crua, precisa e imperfeita desse mundo paralelo que é bem similar ao dela.

Para ajudar na verossimilhança, a produção é cheia de humor ácido, britânico e sem intencionalidade, principalmente nas cenas da cantora com os seus coadjuvantes que sempre têm uma crítica implícita sobre a indústria. Uma dessas cenas é acompanhada pela Kylie Jenner, interpretando ela mesma, em um encontro que cria um contraste interessante com a Grammy winner, de como cada uma lida com os holofotes da mídia. Outro destaque do elenco é Alexander Skarsgård, interpretando o personagem Johannes, um diretor de documentário bizarro, que, durante os encontros com a cantora, rouba a identidade visual dela, transformando-a em um produto comercial.

Os roteiristas Aidan Zamiri e Bertie Brandes também se aproveitam de alguns momentos do filme para mostrar como as produtoras lidam com o público LGBTQIAPN+. O lançamento do cartão queer de Brat e o desenrolar dele pontuam muito bem isso, e é uma das provas que a figura da cantora não foi tão bem entendida pelos executivos e Johannes.

A direção do irlandês vem acompanhada de uma trilha sonora e uma montagem impecável que se encaixa perfeitamente com a trama e estética. O responsável pelas músicas, AG Cook, uma figura já conhecida entre os fãs da britânica, contou em entrevistas que as faixas foram inspiradas pelo Brat, como se fosse uma nova versão do disco com um toque assombrado. A edição de Billy Sneddon e Neal Farmer faz o mesmo, a introdução do filme é igual à da turnê, cheia de luzes e imagens piscantes, apresentando quem é a protagonista e, em momentos de tensão, consegue captar a emoção das cenas e dos personagens.

The Moment soa como qualquer outro projeto de Charli XCX, entretanto desta vez em uma mídia diferente. A produção trata das mesmas questões de Brat, porém de um jeito crítico e reflexivo, como se toda essa experiência tivesse sido uma lição para ela. O objetivo da obra não é a perfeição, mas retratar os anseios da fama. O longa não é feito para o telespectador gostar, e sim, viver, sentir e experienciar The Moment, junto com Charli.

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Gabriel Diaz

Antes mesmo do primeiro teaser ser lançado, os fóruns da internet fervilhavam com muitas teorias. Entusiastas de longa data do encanador bigodudo, que cresceram com os diversos jogos da franquia, esperavam com ansiedade o que a Nintendo e a Illumination teriam para oferecer como continuação de Super Mario Bros (2023). E quando as imagens chegaram, a euforia tomou conta. 

A apresentação de Super Mario Galaxy trouxe as galáxias coloridas, o adorável Yoshi e a tão aclamada Princesa Rosalina – elementos clássicos de todo o universo do game. Assim como no primeiro filme, a história aposta na expansão e não se enquadra fielmente ao enredo tradicional dos jogos, especialmente a inspiração que levou o nome do título, lançado em 2007 na plataforma do Nintendo Wii. 

Se está funcionando, não há razão para arriscar e decepcionar um público fiel, seja de sua maioria infantil ou apenas quem goste dos jogos. Então, a técnica de seguir uma narrativa própria, misturando referências de diferentes títulos da franquia Mario para reinterpretá-las para o Cinema, se mantém. A proposta não é adaptar diretamente o jogo, mas executar uma releitura de uma experiência mais ampla. Além disso, o longa marca os 40 anos de um dos personagens mais icônicos da história dos videogames. A expectativa era de uma celebração à altura. O que poucos perceberam, porém, é que essa celebração tem um destinatário muito específico; e talvez não seja quem você imagina.

O longa propõe a missão de continuar o legado da primeira aventura de Mario (Chris Pratt) e Luigi (Charlie Day), porém a trama parte por outra premissa: Bowser Jr. (Ben Safdie), filho do grande vilão Bowser (Jack Black), sequestra Rosalina (Brie Larson) em busca de poder suficiente para impressionar o pai. Além dos irmãos principais, Peach (Anya Taylor-Joy), Toad (Keegan-Michael Key) e o recém-chegado Yoshi (Donald Glover) partem numa missão de resgate que os conduz por planetas aquáticos, desertos estelares e cidades espaciais.

Rosalina, que no game exerce um papel mais independente e enigmático, passa a ocupar a posição de ‘princesa a ser resgatada’, alterando significativamente a condução da história. Em paralelo, Peach assume uma postura mais ativa ao lado de Toad, reforçando uma abordagem mais dinâmica e atualizada dos personagens clássicos. 

Matthew Fogel escreveu o roteiro com a clareza objetiva de quem entende que seu público-alvo tem entre seis e dez anos de idade, pois entrega começo, meio e fim com uma eficiência quase mecânica. Entretanto, entrega alusões de jogos para os mais antigos fãs, como de Super Mario Odyssey (2017), Super Mario Bros. 2 (1988) e até do Super Mario Sunshine (2002), na forma como Bowser Jr. empunha seu icônico pincel mágico. E diferente do primeiro filme, a sequência demonstra contenção narrativa, o que, paradoxalmente, tanto é um avanço quanto a raiz de suas frustrações mais profundas.

A direção de Aaron Horvath e Michael Jelenic, os mesmos responsáveis pelo primeiro longa, encontra neste segundo capítulo uma versão de si mesma amplificada em confiança técnica. As sequências de ação são fluidas e vertiginosas, com uma câmera que mergulha na gravidade invertida dos planetas como se o espectador estivesse ele mesmo com um controle de Wii na mão. 

Talvez seja importante ressaltar que a Illumination sempre opera com orçamentos notavelmente enxutos: cerca de 100 milhões de dólares, metade do que Pixar e Disney costumam investir em suas produções; e entrega resultados que desafiam e superam essa lógica financeira. A direção de arte, que inclui o brasileiro Renan Porto na equipe, é, sem exagero, o ápice cinematográfico do longa: os planetas têm identidades visuais distintas, as paletas de cores mudam de galáxia para galáxia com uma coerência que sugere um trabalho meticuloso de design que vai muito além do decorativo.

É possível ver numa única pincelada do pincel mágico de Bowser Jr. que ali possui uma textura quase tátil, e os fantoches, que emergem em uma das cenas de ação mais inventivas do filme, revelam uma produção disposta a experimentar materiais e estilos sem medo do estranhamento. É um comportamento comum de produções de animação, mas que conseguiu superar a si próprio e atingiu cenários genuinamente impressionantes.

Brian Tyler, o mesmo do primeiro longa, é o nome da trilha sonora e ela foi reaproveitada em arranjos que transitam entre o sinfônico e o eletrônico, sempre encaixada com precisão cirúrgica nos momentos de ação. Se há uma crítica a fazer ao uso, é essa conexão entre música e emoção narrativa. Se no primeiro era tão marcante, com seus momentos de clímax sonoro que arrepiavam, aqui parece ligeiramente enfraquecida, como se a trilha estivesse a serviço da experiência sensorial mais do que da jornada emocional dos personagens. 

O que a obra faz de melhor, e de forma absolutamente consciente, é funcionar como uma espécie de Super Mario Maker (2015) cinematográfico. Para quem não conhece, este jogo era a materialização de um sonho coletivo: dar ao jogador as ferramentas de criação do próprio Shigeru Miyamoto e deixá-lo construir seus mundos livremente. No cinema, opera-se numa lógica semelhante: pega o arsenal de 40 anos de franquia e o distribui generosamente pela tela, convidando o espectador apaixonado a caçar referências como se cada quadro fosse um nível a ser explorado.

Dentre as menções, Pikmins aparecem em cantos discretos, Fox McCloud (Glen Powell) chega com sua Arwing numa entrada épica, Birdo e Wart ressurgem como antagonistas clássicos e o guarda-chuva de Peach remete diretamente a Super Princess Peach (2005). Nenhum desses elementos pertencia originalmente ao universo Galaxy, e por isso a decisão divide opiniões.

Para quem vê o filme como extensão da franquia, acaba soando generoso. Para quem esperava uma transposição mais fiel ao jogo de 2007, é uma diluição. Felizmente, parece que a Nintendo entendeu isso e realizou um projeto de longo prazo que consegue funcionar de maneira orgânica na maior parte do tempo, sem um caos indigesto de citações sem contexto.

A verdade é que quem não construiu memórias afetivas com esses personagens ao longo de décadas encontrará uma narrativa apressada, personagens subdesenvolvidos e uma quantidade de informações visuais que atordoa sem necessariamente emocionar. Pode-se usar a Rosalina, ausente no filme até o clímax, como um símbolo de desperdício desconcertante de uma personagem cuja história de origem é uma das mais tocantes de toda a franquia. A relação entre ela e Peach, reveladas como irmãs numa das maiores surpresas narrativas do longa, é esboçada com um flashback e depois praticamente abandonada.

Os cortes abruptos entre registros emocionais muito distintos também comprometem a imersão, pois, em um arco mais melancólico e potencialmente rico do roteiro como o de Bowser e seu filho Bowser Jr., não há espaço para respirar entre um power-up e outro, mesmo que a cena em que Bowser conta ao filho uma lição de moral paterna. Apesar disso tudo, a dinâmica entre Yoshi e Luigi é comédia e afeto puro, funcionando no nível humano mais simples. Que bom que existe, porém que pena que o filme passa rápido demais por ela.

No fim, Super Mario Galaxy se define justamente por esse equilíbrio instável entre nostalgia e inovação, nada diferente do que se esperava. Ao escolher expandir em vez de adaptar fielmente, cria-se uma identidade própria que encanta parte do público e desafia outra. Ele não é feito para quem vai ao cinema buscando a densidade de um Studio Ghibli; é feito para quem, ao ouvir o tema principal da série, sente imediatamente o peso afetivo de uma infância inteira guardada naquelas notas e para as crianças que ainda estão construindo as suas

A obra conclui mais uma etapa dentro do universo, que aparentemente está nem perto de ser finalizado. A Nintendo conseguiu se fantasiar de Marvel e criou extensões do universo, dando a entender que outros jogos poderiam estar presentes numa versão cinematográfica. Será que um possível filme da série de Super Smash Bros estará nas telonas nos próximos anos? Se faz sentido? Talvez não, porém o que predomina é o sentimento de fã, então seria sensacional.

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