Marcos Henrique

Através do cenário político dos EUA nos anos 60 e de referências do folclore eslavo, George Romero, o ‘pai dos zumbis’, desenvolve conceitos que desenharam o que hoje conhecemos como apocalipse zumbi: um cenário onde os mortos se levantam de suas covas famintos por carne humana e sem nenhum resquício de humanidade. Apesar de, ao longo das décadas, o subgênero ter se modificado para algo muito mais ‘pipoca’ e focado no horror — o que não é negativo —, é importante lembrar que ele sempre foi rico em pautas sociais, procurando, em meio a um mundo dominado por seres canibais, criticar a sociedade materialista e, principalmente, o instinto de sobrevivência dos seres humanos, que os tornava tão violentos quanto aqueles que combatiam.

Em 2002, Alex Garland (Ex_Machina: Instinto Artificial – 2014) escreveu a história de 28 Days Later, erroneamente traduzido no Brasil como Extermínio. O roteirista resgata as raízes do subgênero estabelecidas por Romero, mas também utiliza o horror como peça fundamental na construção da ambientação. Ao lado de Danny Boyle, que, mesmo com limitações técnicas e um baixo orçamento, dirige como um mestre do Cinema, experimentando novos estilos de filmagem que moldaram o que o longa viria a se tornar. A produção recebeu uma continuação em 2007, chamada 28 Weeks Later, ou Extermínio 2, que não contou com o envolvimento dos criadores originais da franquia. Até que, em 2025, Boyle e Garland retornam para um terceiro longa: 28 Years Later, ou Extermínio: A Evolução, uma continuação direta do primeiro filme, que promete resgatar a franquia e os zumbis de forma tão inovadora quanto na obra original.

28 anos após a infestação da variante do vírus da raiva pela Grã-Bretanha, acompanhamos a história de Spike (Alfie Williams), um garoto de 12 anos, e seus pais: Jamie (Aaron Taylor-Johnson), um homem violento e impulsivo, e Isla (Jodie Comer), uma mulher em condição de saúde delicada. A família vive em uma lugar isolado, onde sobreviventes conseguiram encontrar refúgio e começar uma nova sociedade. Isso se deve ao abandono da ilha, que foi colocada em quarentena e deixado à mercê da própria sobrevivência, gerando um cenário propício para o surgimento de diferentes comunidades e para a adaptação dos infectados. A trama gira em torno do amadurecimento de Spike, que, para salvar sua mãe, precisa confrontar o pai e partir rumo ao território proibido, onde acredita poder encontrar ajuda médica.

Se, em 2002, a franquia reinventou o gênero e abriu um novo caminho para as obras de zumbis, agora é ela quem se beneficia dos conceitos desenvolvidos por suas sucessoras, como The Walking Dead (2010) e The Last of Us (2013), em um processo de retroalimentação. A escolha de ambientar a história anos à frente, em um mundo apocalíptico dominado por infectados e diferentes grupos de resistência, além de um maior cuidado com a psique dos personagens humanos, são bons exemplos dessa influência. A evolução dos infectados, que passaram a se adaptar ao ambiente e se dividir em diferentes classes, como rastejantes e alfas, é resultado direto da abordagem biológica introduzida por The Last of Us em seu universo.  

Boyle, mais uma vez, inova em suas técnicas de condução de histórias, ao mesmo tempo em que homenageia sua trajetória no início da franquia. Se em 2002 as filmagens foram feitas com uma Canon XL1, que deu ao longa aquela ambientação suja e desagradável, no de 2025 o diretor optou por utilizar o iPhone 15 Pro Max. Na verdade, vários deles, adaptados com lentes DSLR e combinados com câmeras tradicionais e GoPros, o que dá um senso de continuidade e evolução em relação ao original, além de criar um estilo bruto de extremo bom gosto. Dizer que Extermínio: A Evolução é um filme experimental talvez seja um exagero, no entanto, a inventividade da direção na realização das cenas e na forma como são testados movimentos de câmera e enquadramentos deixa claro que o longa flerta com essa ideia.

A fotografia de Anthony Dod Mantle (127 Horas – 2010), parceiro de longa data de Boyle, passeia por uma Grã-Bretanha devastada e, ao mesmo tempo, deslumbrante. Em meio a toda a sujeira, violência e perigo, excepcionalmente ambientados ao longo de locações reais, encontramos momentos de contemplação genuína, desde as montanhas da Escócia a lugares intimidadores, como o templo de ossos criado por um dos sobreviventes na ilha dos infectados. Um local que, a princípio, é nojento e perturbador, mas que, com o desenrolar da trama e o aprofundamento da mensagem, revela-se como um espaço de aprendizado e esperança. É nessa sensibilidade escondida em um universo tão violento que encontramos o coração da história.

Garland desenvolve bons personagens, resultados claros de um mundo pós-apocalíptico e de uma sociedade preparada para o pior, mesmo após terem encontrado conforto em suas vidas na ilha. Spike é um retrato vivo do afeto camuflado dentro da narrativa, um personagem cuja criação se deu a partir de uma masculinidade opressora que o pressiona a se tornar homem por meio da violência. No entanto, ele não aceita que, para amadurecer, precise se submeter a tamanha escuridão. É a partir desse confronto interno que Spike se conecta com a fotografia de Dod Mantle, pois, assim como ela, encontra forças em sua sensibilidade, provando a si mesmo que o amadurecimento também pode vir da compaixão. O roteirista ainda foi capaz de encaixar temas como a inevitabilidade da morte, cravada em fortes mantras estoicistas, e críticas às forças militares corrompidas pelo poder.

Extermínio: A Evolução é um ótimo retorno para a franquia e um resgate necessário dos zumbis nas telonas. Alex Garland assinou o roteiro para uma trilogia de filmes; a sequência, 28 Years Later: The Bone Temple, ou Extermínio: O Templo de Ossos, está prevista para o primeiro semestre de 2026, com direção de Nia DaCosta (A Lenda de Candyman – 2021). Um terceiro capítulo, com o retorno de Danny Boyle, será lançado caso os dois primeiros sejam bem recebidos. Se as continuações seguirem o caminho de uma narrativa rica em temas humanitários e ousadia técnica, como neste primeiro, já se pode considerar a trilogia um dos maiores acertos do cinema de horror.

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Esther Chahin

Às ruínas de uma vila de beleza tocante no coração da Itália, o corpo de Eve se estilhaça no chão. Os planos de Villanelle (ou Oksana) de iniciar sua nova vida pacata ao lado da mulher que ama – se é que esse é o sentimento – se desfalecem. Por consequência, o olhar da assassina russa muda e, com isso, Polastri deixa de ser intocável. Esse é o terreno que a irreverente Emerald Fennell, principal showrunner da segunda temporada de Killing Eve, deixa para Suzanne Heathcote, quem a sucede no cargo. Em 2020, Jodie Comer e Sandra Oh se juntaram à Fiona Shaw (Carolyn Martens) e Kim Bodnia (Konstantin Vasiliev) e voltaram ao elenco da produção em uma nova leva de episódios que comemora o seu quinto aniversário em 2025.

Após dois anos pensados por verdadeiros expoentes do entretenimento britânico, as expectativas para o retorno da produção estavam altas. Aqui, o principal desafio dos roteiristas da obra é explicar a imensa quantidade de mistérios herdados que surgiam exageradamente na trama, bem como desenvolver relações as quais, naquele momento, pareciam destroçadas. Villanelle havia atirado em sua assim chamada “ex-namorada”, enquanto as decisões de Carolyn e Konstantin romperam com a confiança que nutriam junto à Eve e à serial killer apaixonada por moda. Daí, surge a questão: “como suceder uma narrativa cujos pilares já não estavam mais ali?” 

Pois bem, o desafio foi aceito. No episódio Devagar Se Vai Longe, que inaugura a temporada, os quatro protagonistas tentam seguir com suas vidas das formas mais inesperadas o possível, indo desde um casamento sáfico em uma província da Espanha, até New Malden, centro cultural coreano em Londres. Porém, assim como a última operação do MI6, tais tentativas nem se aproximaram do êxito. Agora, um grupo de personalidades estreantes no enredo renovam a atmosfera da produção enquanto a grande pergunta da vez tenta ser respondida: “quem matou Kenny?”. O novo enigma é o suficiente para reunir o quarteto novamente, embora a reunião fosse pouco provável. 

O surgimento de uma nova incógnita, entretanto, não parece o caminho certo a ser seguido na nova leva de episódios de Killing Eve. Ainda que o público, realmente, anseie para descobrir quem o matou, a quantidade de mistérios iniciados, mas insatisfatoriamente resolvidos, coloca em cheque o quão apropriado é iniciar mais um deles. Se no primeiro ano, a grande investigação que movia Eve Polastri girava em torno dos Twelve (Doze, em português), agora a eterna Cristina de Grey’s Anatomy se embaralha em múltiplas dúvidas sem que nenhuma delas seja respondida. Assim, a produção caiu na armadilha para reter a atenção do público, mas, quando se deu conta, transformou a narrativa em uma amálgama de problemas. 

Porém, se engana quem pensa que a grande aposta de Heathcote para terceira temporada de foi, apenas, o assassinato de Kenny. A showrunner da vez inovou na abordagem adotada pela série até então ao humanizar os personagens principais. Nos anos anteriores, a única preocupação dos quatro protagonistas aparentava ser o bom desempenho frente aos Doze – seja obedecendo-lhes ou os investigando. Dessa vez, os serviços prestados por Villanelle passam a atormentá-la, Eve deixa de negar seus sentimentos para com a serial killer, Konstantin teme pela própria vida e, surpreendentemente, Carolyn se vê acuada em ambas esferas, pessoal e profissional. 

Embora a humanização dos personagens seja inédita na trama, desde o começo a audiência já mostrava-se envolvida com eles – em especial, com a personagem interpretada por Jodie Comer. É indiscutível que um pouco de carisma, senso de humor e estilo foram o suficiente para transformar uma assassina em série com traços de psicopatia em uma grande queridinha do público. Tal favoritismo da protagonista fez com que um enorme parênteses fosse aberto dentro da terceira temporada para explorar suas origens. Ainda que a deixa parecesse, inicialmente, desnecessária e desconexa, Heathcote obteve êxito encaixando-a na narrativa e, de bônus, prestou um bom Fan Service (serviço para os fãs, em tradução literal). 

Inclusive, quando se fala no agrado aos fãs de Killing Eve, o romance implícito, mas latente, entre Eve e Villanelle não pode ser esquecido. No terceiro ano, a temática é perfeitamente explorada dentro da narrativa. A atração recíproca entre as personagens aparece nos momentos certos para que não se torne o centro da trama, mas, ainda assim, instigue os que torcem pelo casal atípico. O clímax de tal relação ocorre logo nos primeiros episódios, quando, após um embate físico, elas se beijam pela primeira vez na série. O inesperado, e que pode desagradar parte da audiência, é que a cena pouco altera a dinâmica da dupla: Oksana volta à Barcelona e o momento só é lembrado quando Polastri é presenteada com um bolo que referencia a ocasião – o qual arremessa pela janela. 

Presente ora nos enigmas pouco respondidos, ora na paixão secreta que as protagonistas nutrem mutuamente, o implícito é o grande cerne do enredo da série. A audiência consome a produção na expectativa de que o escondido seja, finalmente, escancarado. Por sua vez, o roteiro constantemente avança em direção a satisfazer tal desejo, mas recua pouco antes. No episódio que encerra a temporada, intitulado Você Conduz ou Eu?, a tentativa frustrada de Konstantin de fugir da Europa promete revelar mais informações sobre os Doze, enquanto Eve e Villanelle, pela primeira vez juntas e sem negar os próprios sentimentos, apontam para a tão esperada união entre ambas. 

No entanto, na iminência de atender as vontades do público de uma vez por todas, Heathcote desiste completamente. É assassinada a então maior fonte de informações sobre a organização criminosa que permeou todo o enredo e, para decepção da audiência, a dupla principal segue (literalmente) caminhos opostos em uma cena comovente que encerra a temporada. Dessa forma, a obra se coloca em um local arriscado: até que ponto os que a consomem estarão dispostos a sofrer tantas rupturas de expectativa? O risco assumido pelo roteiro junto ao seu desenvolvimento pouco produtivo fadou a série ao cancelamento logo após a quarta temporada, mas o fato não reduz seu brilhantismo. A produção reuniu personagens carismáticos, mesclando humor, suspense e amor lésbico. Com toda certeza, Killing Eve deixa saudades, e um sotaque russo na cabeça também. 

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Gabrielli Natividade da Silva 

Lançado em 2021 não somente nos cinemas, mas também na plataforma de streaming Star+, Free Guy: Assumindo o Controle chega e se mostra ser mais do que apenas um filme de videogame. Escrito por Matt Lieberman e Zak Penn, e dirigido e produzido por ninguém menos que Shawn Levy – responsável por um dos maiores sucessos da Netflix, Stranger Things –, o longa possui um roteiro interessante, um ritmo envolvente, um balanço perfeito entre comédia e ação, e, claro, efeitos visuais impressionantes que fazem qualquer um ter vontade de jogar o famoso Free City. 

Infelizmente, é impossível jogar o game apresentado no filme, uma vez que Free City não existe, mas todos que se apaixonaram ainda podem desbravar os outros jogos que serviram de inspiração para a produção. Shawn Levy citou entre essas grandes influências Grand Theft Auto (também conhecido como GTA e provavelmente a referência mais óbvia pela adrenalina e pelo caos constante vistos nos dois produtos), Fortnite (que também tem uma dinâmica e outros elementos similares aos do filme) e Uncharted (que conta com o mesmo espírito de aventura visto em Free Guy). 

Falando sobre a história em si, Ryan Reynolds dá vida ao protagonista chamado Guy, um homem comum que trabalha como caixa no banco da cidade sem ter a mínima noção de ser um NPC (Non-Playable Character, em outras palavras, um personagem secundário no jogo). Ele e os demais moradores de Free City vivem uma rotina monótona, todos os dias repetindo as mesmas ações e sendo vítimas da violência dos visitantes de óculos escuros (os jogadores do videogame). Guy só consegue se desprender dessa mesmice e conhecer a verdade por trás de sua existência ao conhecer a garota que sempre idealizou para si, Molotov Girl (Jodie Comer), a jogadora imparável atrás de seu objetivo. 

Além de Ryan e Jodie, Free Guy ganha mais peso ainda com outras estrelas em seu elenco. O programador nerd que encantou corações, Keys, foi interpretado por Joe Keery, o bad boy queridinho de Stranger Things; e Utkarsh Ambudkar – que já tinha experienciado o perfil nerd em A Escolha Perfeita – viveu seu amigo, Mouser. Buddy, melhor amigo de Guy, foi trazido à vida pelo comediante Lil Rel Howery (que tem a capacidade de fazer o espectador rir até em filmes de alta tensão, como Bird Box e Corra!); 

O antagonismo do longa ficou por conta de Antwan, vivido por Taika Waititi, que deu um show de atuação na grande produção que lhe rendeu um Oscar, Jojo Rabbit. Ademais, Free Guy contou com muitas participações especiais que foram muito divertidas de assistir e identificar, alguns atores convidados foram Chris Evans, Channing Tatum e Matty Cardarople, e os streamers (responsáveis por trazer mais veracidade e credibilidade para a ideia de um jogo que se tornou um fenômeno no mundo) que tiveram aparições foram Jacksepticeye, Ninja, Pokimane, DanTDM e LazarBeam.  

Free Guy não foi o pioneiro em questão de retratar o mundo dos games. Detona Ralph, já em 2012, se tornou um sucesso ao traçar aventuras dentro de diferentes fliperamas; e, três anos depois, Adam Sandler vestiu um uniforme e combateu personagens de jogos famosos que invadiram a Terra, no filme Pixels. Contudo, o pulo do gato está no fato de que, apesar de ser um filme surreal, Free Guy se mostra uma produção mais “pé no chão” do que as outras citadas, pois há realmente uma explicação científica e plausível que descreve o comportamento do universo de Free City. Millie apenas entrou no game como Molotov Girl para conseguir provas de que os códigos que criou com seu melhor amigo, Keys, foram roubados por Antwan. Ao longo da produção muitas informações são dadas a respeito desses códigos e como eles afetam Guy e os outros NPCs, é uma trajetória realmente interessante e original.  

A produção de Shawn Levy também teve muito destaque na sua estética, o balanço perfeito entre elementos do mundo real e os do mundo criado, além do design incrível e idêntico ao de um videogame de verdade. O diretor explicou um pouco sobre como criar esse contraste de realidades: “Filmamos o mundo real usando uma paleta de cores frias, cheia de azul, cinza e preto […]. Já nos momentos em que os personagens estão inseridos no jogo usamos cores mais quentes, com composições mais limpas e simétricas […]”. Também é importante ressaltar como Free City é fiel ao conceito livre de regras, todos os conceitos de física são ignorados, como um verdadeiro sonho lúdico e maravilhoso. Pode-se dizer que todo esse trabalho rendeu um bom resultado, Free Guy: Assumindo o Controle foi indicado ao Oscar 2022 de Melhores Efeitos Visuais, ao lado de outros grandes sucessos, como Duna e Homem-Aranha: Sem Volta para Casa. Os responsáveis nomeados foram Swen Gillberg, Bryan Grill, Nikos Kalaitzidis e Daniel Sudick. 

Nesse longa, Guy se tornou um exemplo de desenvolvimento de personagem, desenvolveu seu próprio propósito, manteve consigo o que lhe fazia bem, passou por novas experiências e deu adeus àquilo que ele sabia não ser necessário para sua existência, além disso, induziu seus parceiros NPCs a fazerem o mesmo. Como dito antes, Free Guy é mais do que apenas um filme de videogame: é uma mensagem a todos os espectadores para que se libertem de suas amarras e de suas rotinas monótonas, se aceitem como donos de suas próprias vidas. É visto, acima de tudo, um grande peso de positividade, esperança e conforto, e essa é, com certeza, uma das razões para ter sido abraçado em seu lançamento. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Após uma estreia surpreendente em 2018, a série da BBC America, co-produzida pela AMC e exibida no Brasil pelo Globoplay retorna para mais uma temporada sangrenta, maníaca, chic e deliciosamente obsessiva.

Você sabe desovar um corpo?

Ao final do oitavo episódio de sua primeira temporada, Killing Eve havia feito algo surpreendente: a série, comandada pela atriz e roteirista britânica Phoebe Waller-Bridge (Fleabag, Broadchurch), havia aumentado sua audiência consecutivamente, episódio a episódio, culminando em um final de temporada assistido por 86% pessoas a mais do que sua premiere, algo que não havia sido feito por mais de uma década.

A série, baseada nos romances de espionagem do britânico Luke Jennings, narra a caçada da funcionária do MI5 Eve Polastri (Sandra Oh) pela assassina internacional conhecida apenas como Villanelle (Jodie Comer) e como a obsessão de uma pela outra nasce e cresce ao longo de seu prolongado jogo de gato e rato.

Desde então a série foi indicada ao Emmy pela performance de Sandra Oh e pelo roteiro de Waller-Bridge, ganhando um Globo de Ouro e 3 prêmios BAFTA por Melhor Série Dramática, Melhor Atriz (Jodie Comer) e Melhor Atriz Coadjuvante (Fiona Shaw).

Em sua segunda temporada, Killing Eve alcança outro feito impressionante: ela consegue dobrar a dosagem do que havia dado certo na temporada anterior ao mesmo tempo em que explora destemidamente novas direções, com um dos roteiros mais ousados e bem acabados da televisão moderna.

Se a primeira temporada de Killing Eve é a intro de seu álbum, tensionando os instrumentos e arrumando o palco para o grande solo entre suas duas protagonistas, a segunda é quando o resto da banda começa a tocar e você percebe que as coisas não vão ser mais as mesmas.

É fácil fazer analogias musicais quando se fala em Killing Eve, já que a série possui um excelente senso de ritmo aliado à narrativa; a trilha sonora, parte tirada do primeiro álbum da banda Unloved, Guilty of Love, parte criada especialmente para a série, é feita e editada para ressoar perfeitamente com as personagens de Oh e Comer, ao ponto de que o conflito entre as duas em cena é indistinguível do som enervante de Unloved.

Seja durante a emblemática Xpectations, que toca durante os créditos de cada episódio, seja em When a Woman is Around, que serve de background para o primeiro assassinato de Villanelle que presenciamos, Killing Eve usa cada oportunidade que tem para estabelecer sua música como um motif narrativo, nos lembrando quem são essas personagens e qual o conflito que elas travam.

Momentos de desespero

O maior triunfo de Killing Eve talvez seja sua recusa em assumir um padrão ou cunhar uma fórmula: apesar do sucesso crítico e popular, Waller-Bridge deixou o papel de showrunner da segunda temporada para Emerald Fennell, uma amiga próxima e conhecida por seu papel na série britânica Call the Midwife (2013-2017).

Fennell traz seu próprio charme a série, jogando as personagens em uma espiral de ações e consequências que às vezes parece não ter fim.

“Não podemos trapacear e pular um ano para que todo mundo volte a ser sexy e ótimo novamente. Se você é esfaqueada, mesmo se você for a Villanelle, você precisa achar uma maneira de escapar. Eu quero saber como você se limpa, como é ser uma mulher vulnerável, uma mulher que até aquele ponto nunca deixou que nada ficasse em seu caminho.” – Emerald Fennell para o The Hollywood Reporter.

Seguindo diretamente o final da primeira temporada, nos encontramos com uma Eve emocionalmente fragilizada e perturbada por seu último encontro com Villanelle. As primeiras cenas dela vagando por Paris, falando ao telefone com sua chefe, Carolyn (Fiona Shaw), e comprando um saco de doces que come mecanicamente fazem um ótimo trabalho em estabelecer o estado mental da personagem e nos dar um gostinho do arco pelo qual ela irá passar ao longo dos próximos 8 episódios. Fica difícil dizer qual possibilidade assusta mais Eve: a de Villanelle ter sobrevivido ou a de Eve ter realmente matado ela.

Villanelle, em contrapartida, está sã e… bem, ainda não salva, pelo menos por enquanto. Ela rasteja pelas vielas da Cidade Luz tomando estratégias cada vez mais arriscadas para se manter viva enquanto tenta bolar um plano para se aproximar de Eve. Diferente do que alguém possa ter esperado ao testemunhar o seu esfaqueamento ao final da temporada anterior, a obsessão dela por sua nêmesis parece ter só aumentado com a facada em seu abdômen.

O respeito e admiração que uma tem pela outra são essenciais na representação da relação opositiva delas ao longo tempo, tanto nos momentos em que as duas estão na mesma sala quanto naqueles em que estão a milhares de quilômetros de distância, e tanto Oh como Comer trazem o seu melhor para a tela, vendendo a intimidade e a peculiaridade dessa relação instantaneamente.

Apesar da série seguir por uma nova direção e tomar novos ares, não há nenhuma dúvida de que continua sendo a mesma série que nos cativou no ano passado: todo o garbo e a elegância de suas protagonistas que se traduz no figurino, no jogo de câmeras e na fotografia espetacular da série não procuram competir com a sua carga humorística, já que Killing Eve nunca perde a oportunidade de rir de si mesma e, mais do que isso, convida o espectador para rir junto.

Desse jeito, a série te mantém atento em praticamente toda as cenas, te fazendo se agarrar a cada palavra dita e a cada expressão feita, fazendo com que um episódio de 45 minutos passe com a velocidade de um de 20. Não é só um espetáculo de storytelling, mas também um exemplo de como se estruturar habilmente uma narrativa dentro de um único episódio e ao longo de uma temporada inteira.

Você é minha

As atuações continuam ser de um nível singularmente acima de qualquer outra coisa na televisão. O jogo entre Eve e Villanelle permanece em sua melhor forma nas atuações belíssimas de Oh e Comer, mas também se revelam por meio de personagens secundários inéditos, como os novos parceiros de Eve na caçada por Villanelle, Jess (Nina Sosanya) e Hugo (Edward Bluemel), que revelam novos aspectos da crescente obsessão entre as duas e meios pelos quais Villanelle irá tentar manipular Eve.

Enquanto isso, Fiona Shaw e Kim Bodnia (ambos indicados ao BAFTA pela série) continuam dando um show à parte no papel de mentores das protagonistas; a elegante, impetuosa e duvidosa agente Carolyn Martens e o antigo contratante de Villanelle, Konstantin. Não é um trabalho fácil ter que partilhar a cena com tantas performances de peso, mas tanto Shaw como Bodnia se provam mais do que a altura da tarefa.

Tudo isso encaminha a temporada para um desfecho explosivo que subverte as expectativas ao mesmo tempo que entrega momentos ansiosamente aguardados pelos espectadores. Ver Killing Eve até agora foi, citando Stephen King, “o raro prazer de ver um elenco e uma produção que fazem tudo – cada coisinha – absolutamente certo”. É uma sinfonia de sangue, humor e paixão que te deixa hipnotizado até que a última nota desapareça no ar.

Sorry Baby x

Você pode ter notado a quantidade de vezes que eu usei a palavra “obsessão” até agora. Em circunstâncias normais, eu me desculparia pela minha falta de imaginação, mas realmente não há melhor jeito de se descrever a sensação de se ver Killing Eve, semana a semana, e se deparar com uma das melhores coisas já feitas na televisão.

A própria série sabe que estamos obcecados com ela: foi um dos grandes pontos da campanha de marketing da segunda temporada; “Sua obsessão retornou” foi uma das principais mensagens repetidas ao longo de sua publicidade. Só posso voltar a afirmar, como Allison P. Davis colocou habilmente em um artigo para o The Cut, “nenhuma série de TV importa, exceto Killing Eve”.

“Eu penso em você o tempo todo. Eu penso no que você está vestindo, no que você está fazendo e com quem você está fazendo. Eu penso nos amigos que você tem, eu penso no que você come antes de ir trabalhar, no shampoo que você usa, no que aconteceu com a sua família. Eu penso nos seus olhos e na sua boca e no que você sente quando mata alguém. Eu penso no que você comeu no café da manhã. Eu só quero saber tudo.” 

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