Marcela Jardim

Há dez anos, Jogos Vorazes: A Esperança – Parte 2 chegava aos cinemas encerrando uma das distopias audiovisuais mais influentes do século XXI. Em 2015, o lançamento dividiu público e crítica, mas hoje, uma década depois, o filme se revela uma obra que só ganhou densidade com o tempo. A produção sintetiza o espírito de uma geração que cresceu vendo o colapso de instituições, a crise da democracia e o avanço das guerras por narrativas. Revisitar essas imagens agora, num mundo ainda mais fragmentado e polarizado, expõe a força atemporal da saga e sua capacidade de dialogar com cada novo ciclo de turbulência política. Katniss (Jennifer Lawrence), com sua mistura de heroísmo imperfeito e vulnerabilidade radical, permanece como um símbolo cultural que transcende a ficção e encontra eco nas discussões sobre poder, propaganda e resistência.

A morte de Prim (Willow Shields), talvez o momento mais devastador da franquia, envelheceu como um lembrete incômodo do custo humano dos conflitos. A abordagem da cena, marcada por uma frieza quase documental, ultrapassa o impacto emocional e revela um comentário sobre como governos, tanto no mundo real quanto na ficção, sacrificam inocentes sob o pretexto de uma estratégia maior’. Ver Katniss correr entre fumaça branca e gritos desesperados, apenas para testemunhar a perda de sua irmã, o que moldou toda sua jornada, reforça a dimensão trágica da personagem. 

Uma década depois, a sequência continua doendo não pela surpresa, mas pela inevitabilidade: desde o primeiro filme, a irmã da protagonista sempre foi a representação daquilo que não deveria ser tocado. E quando Panem toca, todo o restante desmorona, tudo isso agravado pelo fato de que Gale (Liam Hemsworth), outrora aliado íntimo da protagonista e moralmente firme, torna-se cúmplice desse mecanismo de destruição. Sua participação no desenvolvimento das bombas o coloca simbolicamente ao lado daqueles que ele jurava combater, ampliando a ferida emocional e revelando como as guerras transformam pessoas comuns em agentes de tragédias irreversíveis, como o oprimido se tornou o opressor.

Outro momento que se tornou icônico com o passar dos anos é a invasão aos túneis e o ataque dos mutts. A cena, filmada como um híbrido de terror e guerra urbana, traduz a lógica desumanizante que permeia todo o conflito, uma lógica que já havia sido aplicada sem piedade a personagens como Peeta (Josh Hutcherson) e Johanna (Jena Malone). O claustro e o ritmo sufocante ecoam diretamente a experiência deles, vítimas de tortura, manipulação psicológica e condicionamento neural que os transformaram em armas vivas da Capital. Quando Peeta entra nos túneis sem saber se é capaz de distinguir amigos de inimigos, sua instabilidade emocional adiciona uma tensão quase insuportável, lembrando o espectador de que guerras produzem traumas que continuam lutando mesmo quando o corpo tenta sobreviver. Johanna, marcada por choques, afogamentos e isolamento, é uma sombra dessa mesma violência institucional. 

 E, nesse cenário já saturado de dor, a morte brutal de Finnick (Sam Claflin) se impõe como uma síntese do horror físico e emocional da guerra. O impacto é ainda maior porque ele morreu pouco depois de se casar com Annie (Stef Dawson), deixando para trás não só uma relação recém-iniciada, como também uma esposa grávida que jamais verá esse filho crescer. Um personagem tão marcado pela exploração, pelas cicatrizes do abuso e pela constante exposição pública termina consumido pelo mesmo sistema que o destruiu na juventude, evidenciando, talvez mais do que qualquer outro momento, a crítica da saga ao uso de corpos, mentes e afetos como instrumentos políticos.

A cena do Túnel da Pedra, em que Katniss leva um tiro e tenta convencer o Distrito 2 a não cair na lógica de ódio disseminada tanto pela Capital quanto pela própria rebelião, ganhou novos significados com o passar dos anos. Assistida dez anos depois, ela se articula diretamente com o fato de que até os distritos mais altos e privilegiados estavam sendo destruídos pela revolução, concretizando a promessa que Katniss fizera no filme anterior: “Você pode nos bombardear, queimar nossos distritos até as cinzas. Mas está vendo isso? Está pegando fogo. E se nós queimarmos, você vai queimar com a gente!”. 

A devastação que atinge Panem inteira evidencia que, numa guerra, não existe lado imune às consequências, e que a retaliação irrestrita cobra seu preço mesmo entre aqueles que antes se julgavam protegidos pelo poder. Nesse contexto, o gesto da personagem no local deixa de ser apenas político e se torna ético: ela está tentando interromper um ciclo de violência que já contaminou o país de ponta a ponta. É uma sequência muitas vezes esquecida pelo grande público, porém que hoje, numa década marcada pela polarização extrema e pela normalização de discursos violentos, ressurge como uma das reflexões mais maduras da produção, uma recusa explícita a permitir que a revolução se torne tão destrutiva quanto o regime que combate.

A troca final entre Presidente Snow e Katniss no jardim, uma conversa calma, quase íntima, permanece como um dos diálogos mais inquietantes da franquia. Coriolanus (Donald Sutherland), revela as fissuras internas da rebelião e planta a semente da desconfiança que levará Katniss ao ato mais ousado da saga: matar Alma Coin. Esse momento, revisitado hoje, parece menos uma reviravolta e mais uma inevitabilidade política. O filme nos lembra que revoluções também se corrompem e que a figura do tirano pode mudar, mas a estrutura de poder tende a se repetir se não for radicalmente transformada. Isso mostra aos telespectadores que Coin e Snow são duas faces da mesma moeda.

Quando Katniss escolhe matar Coin (Julianne Moore) ao invés de Snow, a cena, que na época dividiu opiniões, tornou-se um marco narrativo que resiste ao desgaste do tempo. O ato é simbólico, político e profundamente humano. É Katniss rejeitando ser peça de propaganda, recusando um novo ciclo de violência e destruindo o mito da salvação fácil, além de deixar o ditador morrer nas mãos do povo que tanto destratou. Uma década depois, essa cena ecoa em discussões contemporâneas sobre líderes tiranos, manipulação ideológica e a dificuldade de imaginar sistemas verdadeiramente justos. É a prova de que A Esperança – Parte 2 nunca foi um final grandioso. Na verdade, um fim necessário e revolucionário.

Quando olha-se para trás, o epílogo, no qual Katniss e Peeta vivem em um campo silencioso, tentando costurar traumas com histórias, revela-se infinitamente mais corajoso do que parecia em 2015. Não é um ‘felizes para sempre’ de contos de fada. É um retrato honesto de sobreviventes que carregam feridas invisíveis de guerras que nunca permitiram vencedores, apenas sobreviventes marcados. Embora sigam em frente, criando filhos e cultivando novos rituais de vida, as memórias continuam assombrando, especialmente para a protagonista, cuja paz depende de narrar o passado como forma de domá-lo. 

O final, tão melancólico quanto necessário, dialoga hoje com debates sobre saúde mental, luto coletivo e pós-guerra, mostrando que a paz não apaga o que veio antes, e sim oferece um lugar para continuar respirando. É um encerramento que cresce junto com o espectador, sobretudo em um mundo no qual a noção de ‘recuperação total’ é tão ilusória quanto as promessas dos próprios Jogos. “Meus filhos, que não sabem que brincam sobre um cemitério”, cita Katniss Everdeen.

E talvez o fato de Jogos Vorazes continuar vivo seja o maior indicador de sua atemporalidade. A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes (2023) ressaltou que Panem ainda pulsa como uma metáfora dolorosamente reconhecível, mergulhando nas origens do poder, do espetáculo e da manipulação, temas que permanecem centrais nas democracias contemporâneas. Continuando o legado dos primeiros filmes, Amanhecer na Colheita (2026), que explora a história de Haymitch Abernathy, um dos personagens mais traumatizados e politicamente lúcidos da saga, fica evidente que Suzanne Collins e Hollywood compreendem que este universo não é apenas ficção: é comentário social. 

Nesse sentido, a frase de Kendrick Lamar na performance do Super Bowl LIX halftime show: “The revolution is about to be televised, you picked the right time but the wrong guy” (“A revolução está prestes a ser televisionada, você escolheu a hora certa, mas o cara errado”), ecoa como uma espécie de síntese cultural dessa nova fase. Assim como em Panem, a revolução contemporânea não é silenciosa: ela é transmitida, performada e disputada em telas, narrativas e algoritmos, e nem sempre entregue aos líderes certos. No contexto político atual dos Estados Unidos, marcado pela radicalização partidária, pela desinformação e pela disputa feroz pelo domínio do imaginário público, a produção ganha força como leitura crítica. A saga revela como sociedades podem ser conduzidas por narrativas fabricadas, como inimigos podem ser construídos e desconstruídos conforme o interesse do poder, e como revolução pode se tornar espetáculo.

Dez anos depois, A Esperança – Parte 2 segue sendo um dos finais mais ousados do cinema blockbuster justamente porque rejeita a ilusão de um desfecho limpo. A obra insiste que vitórias políticas raramente são puras, que o espetáculo da violência pode corromper qualquer lado, e que o verdadeiro custo da luta não cabe em discursos heroicos. Se Jogos Vorazes continua retornando ao centro da cultura pop, não é somente por nostalgia, mas porque seu mundo distópico, tão brutal, tão humano e tão cheio de ambiguidades, ainda conversa com o nosso. Enquanto a política real continuar funcionando de arena de espetáculo, vigilância e propaganda, Panem permanecerá menos fantasiosa e mais como aviso sobre ditaduras, revolução e poder: ao que tudo indica seguirá urgente por muitas décadas.

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Rebecca Ramos 

Dirigido por Christopher Smith, um cineasta britânico, O Convento é apresentado como um filme aterrorizante, marcado por momentos de tensão sublime, mas, ainda assim, com cenas repletas de medo e sangue. Na trama, Grace (Jena Malone) recebe a notícia de que seu irmão mais novo morreu em um convento em que vivia, na Escócia. 

Tendo pouco contato com a religiosidade, tampouco com ele, imediatamente viaja até o local e investiga as estranhas ocorrências acerca do falecimento. Apesar da ambiciosa premissa, o longa não agradou a crítica de forma geral, e, ainda que todos possuam o seu ponto de vista artístico em relação a obra, sem dúvida pode-se refletir fortemente acerca das questões de obsessão com crenças individuais, especialmente no contexto contemporâneo.

Construindo uma carreira no gênero do Horror desde os anos 2000, a filmografia do diretor é composta por produções como Plataforma do Medo (2004), Mutilados (2006) e Triângulo do Medo (2009). Apesar da notória experiência no ramo, diversas de suas obras são baseadas em técnicas simplistas para causar a emoção desejada. O uso de jumpscares é recorrente e, mesmo que o recurso possa ser utilizado de maneira inteligente, isto não ocorre com o cineasta. O marketing de O Convento resume-se a um final surpreendente e inesperado, o que certamente não é o caso. 

Embora a premissa religiosa em filmes de terror não seja uma novidade, a obra certamente sugere um questionamento acerca da maneira com a qual as instituições dogmáticas e suas crenças são tratadas atualmente, mesmo que não de forma consciente e intencional. É certo pontuar a existência da devoção por Deus e a atmosfera enigmática que permeia aqueles que habitam o local, deixando O Convento apenas mais tormentoso e angustiante. A produção questiona o ideal cultista que o ambiente possui. 

As cenas, predominantemente compostas por mulheres, levantam sutilmente a questão da moralidade feminina, com suas categorias opostas e distintas, como as humanitárias de bom coração e as pecadoras indecentes, tal qual Virgem Maria e Maria Madalena, respectivamente. Observa-se esta dicotomia na construção da personagem de Grace, sendo ela a médica salvadora e a perversa que não resgatou o próprio irmão, portanto, uma assassina. 

As consequências da culpa extrema e do luto da personagem são visíveis. Se uma vez ela fora uma médica apegada de maneira cética e quase religiosa à ciência, ao se deparar com suas memórias reprimidas e trauma de seu irmão perdido, perde-se completamente, apagando todos os resquícios da pessoa que era antes da viagem. Alucinações são constantes, confundindo o público e deixando com uma sensação quase dissociativa e confusa sobre o que está acontecendo nas telas. 

Além disso, a intrínseca necessidade de controle aparece como sintoma tanto na história de Grace com a Medicina quanto dos moradores do convento com a fé. Esse ponto abre espaço para questionar a maneira como lidar com eventos difíceis e de que maneira a busca incessante por controle em todos os aspectos da própria vida pode ser enlouquecedora. 

Iminente à condição humana, o sofrimento necessita de cuidado. Todos possuem uma forma de lidar com problemas e o fanatismo certamente é um deles. É possível analisar diversos casos de instituições religiosas que se propõem a auxiliar aqueles que estão em uma maior vulnerabilidade psíquica e, embora tenham a sua importância, é preciso estar emocionalmente estável para se adentrar locais que envolvam questões tão subjetivas quanto a fé.  O cientificismo quase determinista, às vezes elitista, que certas camadas sociais possuem também anula diversas reflexões que poderiam ser colocadas em cheque, acolhendo, desta forma, as experiências individuais de cada um.

Assim, embora soe distante à primeira vista, O Convento pode-se equiparar até mesmo ao contexto vivenciado nos últimos anos, tornando-se estranhamente relevante enquanto uma humanidade tão polarizada. Mesmo assim, ainda existe a necessidade de se crer. Com a ascensão de figuras paternalistas envolvidas com a igreja e o aumento dos casos de intolerância religiosa, a adoração sem pensamento crítico não apenas limita a visão e mente de fanáticos, como afeta e até mesmo mata aqueles que pouco têm a ver com a situação e não estão relacionados com esta cegueira e obsessão. 

A obra cai como uma luva acerca de questões sobre a fé cega em quaisquer tipos de ideologias. Apesar de ser um filme simplório no quesito Terror em comparação a outras obras do gênero, como o clássico Carrie (1976), ainda possui o seu valor artístico e questionamentos que pode-se fazer em cima do seu enredo. Torna-se cada vez mais imprescindível a discussão acerca do fanatismo pautado em crenças não fundamentadas em um cotidiano como os vivenciados atualmente. O Convento evidencia aquilo que, lá no fundo, já se sabe: que todos estão em sofrimento, mas muitos lidam com isso do pior jeito possível – de forma autocentrada, egocêntrica, destrutiva e violenta.

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Fábio Gabriel Souza

Sorriem, fiquem eretos. Vocês estão no ar

– Effie Trinket

Após 10 anos do lançamento, é interessante analisar um filme que se mantém tão atual se comparado com a realidade geopolítica do mundo. Jogos Vorazes – Em Chamas acontece no país distópico e totalitário de Panem, onde 12 distritos são governados com mãos de ferro pela Capital. Após uma guerra devastadora, conhecida como Dias Sombrios, os Jogos Vorazes foram instituídos como punição, em que uma garota e um garoto de cada distrito lutariam até a morte em uma arena, sobrevivendo apenas o mais forte.

O longa inicia com um ritmo mais lento e introspectivo, quase exatamente onde terminou o primeiro, Jogos Vorazes. Tal dinâmica demonstra a existência de uma grande confusão na cabeça de Katniss (Jennifer Lawrence), que, após os traumas sofridos na 74° edição do evento, tenta se recuperar antes da Turnê da Vitória. O que ela não esperava era enfrentar as consequências dos seus atos e se encontrar em um intrincado jogo político ditado pelo presidente Snow, interpretado brilhantemente por Donald Sutherland. A trama entra em um ritmo mais acelerado com o início da turnê, na qual a personagem principal e Peeta (Josh Hutcherson) voltam a interpretar os amantes desafortunados do Distrito 12.

Essa viagem não acaba quando volta para casa. Você nunca desce desse trem.

– Haymitch Abernaty

Em paralelo a isso, ainda existe o forçado e sem sal romance da garota em chamas com o revoltado e egoísta Gale (Liam Hemsworth), que não convence e existe apenas para mostrar o quanto a protagonista não sabe o que está fazendo. O plot twist aparece quando se anuncia a 75° edição dos Jogos e o 3° Massacre Quaternário: Katniss voltaria para a Arena e novamente fica sob custódia da Capital.

O longa dirigido por Francis Lawrence, diretor também de Água Para Elefantes (2011), trabalha muito bem a intimidade dos atores com a câmera. Os momentos de tensão, por exemplo, são muito bem feitos e passam ao telespectador um constante recado de que nada está bem e que a qualquer momento irá piorar. Isso acontece durante todo o desenrolar de Em Chamas, mas alguns momentos são mais marcantes, como no encontro entre a protagonista e o ditador instantes antes do início da grande viagem por Panem.

A fotografia, desenvolvida por Jo Willems, é outro ponto de destaque. Com o dobro de orçamento de Jogos Vorazes, o resultado são imagens belíssimas que complementam o brilhante trabalho do diretor em passar mensagens com a câmera. Ora com takes intimistas e melancólicos, ora com sequências revoltantes que despertam ódio e stress, a produção é sem sombra de dúvidas uma obra-prima contemporânea.

Entretanto, a fidelidade extrema da produção para com o livro escrito por Suzanne Collins, que agradou e muito os fãs, por vezes atrapalha a dinâmica da adaptação. As cenas idênticas ao romance quebram o ritmo da narrativa em algumas situações, interferindo na experiência imersiva da proposta cinematográfica. Além disso, sendo o segundo filme, Em Chamas não possui início e nem final, o que, a depender dos olhos de quem vê, pode ser um ponto negativo. Começando logo após o primeiro longa da franquia e terminando exatamente onde começa o terceiro, os desavisados podem ter um problema para entender a trajetória dos amantes e de toda Panem.

Ainda durante a sequência podemos acompanhar o amadurecimento de Jennifer Lawrence enquanto intérprete de Katniss Everdeen. A atriz consegue transparecer claramente todos os sentimentos conflituosos sentidos pela personagem. Quanto ao elenco principal, o que se vê é um show de atuação entregue por atores de peso, como Elizabeth Banks, Josh Hutcherson, Woody Harrelson, Lenny Kravitz e Donald Sutherland, que dão vida com primazia a personagens complexos e profundos construídos por Collins.

A imagem de Effie Trinket (Banks) é essencial para se entender a profunda complexidade da sociedade distópica retratada. A escolta do Distrito 12 é uma pessoa deslumbrada com os jogos, mas que, no decorrer da trama, começa a perceber a verdadeira realidade em que está inserida. Representando todo o fetichismo, futilidade e manipulação que a população da Capital sofre, Effie nos apresenta ao resultado do Pão e Circo proposto pelo governo de Panem.

Novamente, assim como no primeiro filme, Peeta representa a grande oposição a Katniss e o complemento perfeito para toda a voracidade e revolta internalizada da protagonista. Sendo um grande orador, o personagem consegue transformar em palavras belas e convincentes a dura realidade em que estão inseridos, inflamando os telespectadores e patrocinadores da Capital. Afinal, no grande simbolismo do Massacre cada um usa a arma que têm, e o padeiro sabe muito bem usar as suas.

Os novos rostos transformam a dinâmica da trama, nos inserindo ainda mais nesse universo distópico e mostrando um pouco sobre a realidade vivida em cada distrito. Com atuações excepcionais e envolventes, Finnick Odair (Sam Clafin) propõe uma sensualidade fortemente presente na figura dos tributos, mas que faltou nos jogos anteriores, e Johanna Mason (Jena Malone) traz toda a revolta que Katniss e a população periférica dos distritos não conseguem colocar para fora.

Jogos Vorazes – Em Chamas foi um sucesso de público, sendo a 5° maior bilheteria de 2013 e muito bem recebido pela crítica, com altos índices de aprovação. Mesmo após 10 anos, o longa ainda provoca grandes reflexões no telespectador quanto ao capitalismo e a banalização do mal (aspectos fortemente criticados na franquia), além de problematizações sobre a sociedade contemporânea. 

Em Chamas pode ser considerado um excelente segundo capítulo e esse é um dos motivos da grande expectativa para o quinto filme da franquia, Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes. A adaptação da mais recente obra de Collins chega aos cinemas brasileiros no dia 15 de novembro, pouco depois do aniversário da irmã, e promete continuar emocionando a legião de fãs conquistada pelas quatro primeiras adaptações e trilogia de livros.

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