Gabriel Diaz

Tal qual uma festividade caseira entre amigos num final de semana comum, quatro bilionários se reúnem em uma mansão isolada nas montanhas para jogar pôquer, beber uísque caro e compartilhar trivialidades. Só que, neste caso, as trivialidades envolvem desestabilizar economias nacionais, incitar guerras civis com deepfakes e debater a aquisição de países inteiros como se fossem startups promissoras. 

Em meio à vertiginosa ascensão das inteligências artificiais e ao controle socioeconômico cada vez mais concentrado nas mãos de uma elite tecnológica, o longa Mountainhead, distribuído pela HBO, estreia na direção de Jesse Armstrong e emerge não como uma ficção distante, mas como um espelho perturbadoramente nítido do nosso presente. O filme transporta o olhar ácido e cortante de Succession (2018) para o universo desses donos das high techs, aqueles que, nas sombras (ou não tão assim), brincam de ‘deuses dos algoritmos’ que podem desestabilizar nações em questão de horas.

Armstrong opta por uma sátira de tom claustrofóbico, usando o isolamento dessa mansão ultramoderna como microcosmo de um mundo à beira do colapso, que eles mesmos orquestram com uma mistura de arrogância e indiferença. A premissa é tão atual que chega a doer: Venis (Cory Michael Smith), uma amalgamação transparente de Elon Musk e Mark Zuckerberg, lança uma ferramenta de IA sem qualquer ética em sua rede social, desencadeando uma cascata de deepfakes que incitam violência global e colapsos financeiros. Enquanto o mundo arde lá fora, ele e seus pares – Jeff (Ramy Youssef), dono de uma IA supostamente ética; Randall (Steve Carell), o capitalista de risco com conexões militares; e ‘Sopão’ (Jason Schwartzman), o milionário inseguro – discutem o futuro da humanidade com olhares aos próprios umbigos.

A grande força do roteiro de Armstrong reside em sua crueza documental e na sua forma que transfere a ficção para o noticiário. Os diálogos soam menos como invenções e mais como gravações vazadas de retiros reais de bilionários, repletos de jargões do Vale do Silício e uma desconexão moral que é, ao mesmo tempo, cômica e aterradora. No entanto, é precisamente na construção narrativa que Mountainhead tropeça. O diretor, um mestre do formato seriado, parece se perder na transição para o longa-metragem. Os primeiros oitenta minutos, confinados quase exclusivamente às discussões cíclicas entre os quatro personagens, tornam-se repetitivos e, ironicamente, entediantes.

A sátira, que em Succession era alimentada pela dinâmica familiar e por um elenco de coadjuvantes vibrantes, aqui murcha na bolha autorreferente desses homens. Falta o contraponto, a perspectiva da infraestrutura do mundo real que está sendo dizimada por suas decisões. A narrativa carece do dinamismo e da profundidade emocional necessários para sustentar quase duas horas de diálogos cínicos, por mais afiados e absurdos que estejam individualmente. A direção de Armstrong, embora competente, evoca fortemente um estilo visual único de sua antiga série: zooms intrusivos e ângulos que simulam voyeurismo.

O elenco é uma faca de dois gumes. Steve Carell e Jason Schwartzman estão em casa em seus papéis: Carell como o bravata intelectualmente vazio e Schwartzman como o pateta desesperado por validação. Cory Michael Smith captura a essência do tech bro sociopata com uma precisão assustadora. Ramy Youssef, como o único com um resquício de consciência, tenta ancorar o grupo em uma humanidade frágil. O problema não é a atuação, mas o material que lhes é dado. Os personagens são caricaturais, e após a primeira hora, sua falta de profundidade e repetições comportamentais começam a cansar.

Eles não evoluem, não se contradizem de forma significativa: são simplesmente horríveis e ponto final. É uma escolha arriscada de Armstrong, que funciona como diagnóstico social, contudo falha como drama envolvente. A montagem, seguindo o ritmo dos diálogos, é rápida porém não consegue disfarçar a estaticidade da narrativa. O filme só realmente ganha fôlego nos trinta minutos finais, quando a trama abandona a sátira seca e mergulha de cabeça na farsa física. 

É o momento em que os planos mirabolantes de seus personagens desmoronam de forma hilariamente inepta, revelando a incompetência fundamental por trás de toda a sua arrogância. Esta virada de tom salva o audiovisual de um desfecho anticlimático, todavia a sensação é de que poderíamos ter chegado lá muito mais cedo e de forma mais eficaz. Comparações com Succession são inevitáveis e, de fato, Mountainhead soa como um spin-off não oficial, porém menos afiado.

Essa natureza de produto derivado pode ser justamente o passaporte de Mountainhead para o reconhecimento do Emmy. O longa foi indicado na categoria de Melhor Filme para Televisão – um reconhecimento que mais considera a assinatura já contemplada do diretor e a premissa que a obra captura do que à sua execução propriamente dita. A produção chegou no último dia do período de elegibilidade do Emmy, seguindo uma estratégia já consolidada da HBO de lançamentos de última hora, mesmo assim, dificilmente passaria despercebida pelos votantes.

Assim como os personagens superficiais da película, as atuações dificilmente seriam premiadas. No retrospecto histórico da premiação, os atores de telefilmes estão em desvantagem competitiva frente aos de minisséries, e nenhum dos quatro protagonistas masculinos consegue transcender a natureza caricatural de seus personagens. Steve Carell, Jason Schwartzman, Cory Michael Smith e Ramy Youssef são competentes em retratar a arrogância delirante desses bilionários, mas criam personagens tão unidimensionais e desprezíveis que dificilmente conquistarão a empatia ou admiração dos votantes.

Enquanto a série explora as nuances do poder através das lentes da dinâmica familiar e da mídia tradicional, a obra tenta fazer o mesmo com a alta tecnologia e a inteligência artificial. No entanto, o perigo do longa é mais explícito, mais global, porém, paradoxalmente, menos interessante dramaticamente. A sátira é mais mordaz do que nunca – a cena em que Ven questiona se “as outras oito bilhões de pessoas são tão reais quanto nós” é um dos momentos mais perturbadores do Cinema recente. Entretanto, soa como um grito de um ecossistema que já sabe, muito bem, como esses homens são.

Mountainhead é um longa-metragem importante pela discussão que propõe, mas falhou na execução como obra audiovisual. Ele é um sintoma de sua própria época: feito às pressas para capturar um momento fugaz de crise tecnológica, todavia que, ao priorizar a atualidade em detrimento da profundidade, acaba por se tornar tão descartável quanto os produtos que critica.

Há controvérsias em relação à qualidade do filme – os diálogos são inteligentes, as atuações sólidas e a premissa é vital, tão quão necessária. Entretanto, é uma produção que poderia ter sido grandiosa, e que se contenta em ser apenas um reflexo competente, embora um tanto quanto narcísico, do caos que nos cerca – e, talvez, precisaria muito mais do que semanas para a sua elaboração. Não há aberturas que nos ofereçam nenhuma nova perspectiva sobre os monstros que cria, contentando-se em apontá-los e nos mostrar a intensidade do mau-caratismo deles – como se já não soubéssemos.

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Marina Iwashita Canelas

Com elenco de peso, Jessica Yu volta após seis anos desde o seu último longa-metragem com Quiz Lady, que tem como missão unir duas irmãs distantes para pagarem a dívida deixada pela mãe e salvarem o cachorro de Anne, Mr. Linguini. As atrizes Sandra Oh (Jenny) e Awkwafina (Anne) são escaladas nessa trama que dá papel à representatividade asiática, ressignificando e mostrando a força da família e do amor.

Apesar de ser uma comédia padrão que segue um estilo road-trip movie, o que nos prende desde o início é a boa atuação das personagens. Awkwafina e Oh são irmãs totalmente opostas. Enquanto a primeira repete o estereótipo que a pôs no mapa de Hollywood com Anne – que tem falas rápidas, postura curvada e olhar para baixo, sendo mais introvertida e ranzinza, além de amante desde criança do programa Can’t Stop The Quiz –, a segunda, por outro lado, atua entre o drama e a comédia com uma versatilidade em todos os níveis de atuação, dando vida à uma Jenny carismática que, apesar de ser a irmã mais velha, age como a mais nova e irresponsável. Para quem conhece a atriz pelos seus papéis mais clássicos, a mudança nítida de estilo de personagem choca pela boa atuação.

O roteiro busca trazer paradas ao longo da viagem das irmãs pelo país para Anne participar do seu programa favorito, colocando à prova a relação desfalcada e com traumas delas. Além disso, o texto conta com improvisações e piadas de mulheres asiáticas, como a fala de Jenny: “Ah, é tão difícil ser uma mulher asiática na América!”, sem pesar na trama. Isso porque as protagonistas são cômicas sobre elas mesmas, sem se levar tanto a sério, principalmente Oh com sua personagem mais dramática.

Quiz Lady ainda traz a participação de ótimos atores coadjuvantes. Jason Schwartzman, por exemplo, é o competidor determinado e egocêntrico Ron Heacock, que busca bater o recorde do programa; Tony Hale é o cômico Benjamin Franklin, dono de uma pousada temática; e Holland Taylor, a idosa vizinha de Anne que tem crush em um cara que ela acha que é ator, mas não é. Com esse elenco de peso, vemos as personagens tendo interações orgânicas e naturais, quase como se conhecessem há muito tempo.

Vindo do recente Barbie, Will Ferrell estrela como o apresentador do quiz, Terry McTeer, e tem destaque entre os coadjuvantes. Companheiro de todas as noites de Anne há muito tempo, ele é quase o apresentador do programa Jeopardy!, Alex Trebek, mas com uma energia mais ingênua, gerando uma proximidade entre apresentador e espectador. Por conta disso, Anne parece vê-lo como uma figura paterna desde sua infância traumática.

A luta de Anne na seletiva para participar do Can’t Stop The Quiz é árdua. Isso porque a personagem tem ansiedade e não gosta de interagir com outras pessoas. Jenny acaba tendo um papel central como irmã mais velha, ajudando-a a passar por essa etapa desafiadora da vida para que consigam de volta o Sr. Linguini. É nesse período também que vemos ela ficando mais responsável e crescendo na vida adulta.

Desde o início do encorajamento e proximidade das personagens, vemos as irmãs ensinando coisas uma para outra. As duas atrizes nos fazem sentir que, de fato, existem temas do passado não resolvidos entre elas, portanto, quando momentos de conversas íntimas e de reaproximação acontecem, a vida real é realmente refletida no longa.

Quiz Lady cumpre seu papel de comédia. Apesar de ser previsível, traz personagens divertidos e únicos que nos entretém durante toda a evolução pessoal que cada ator tem no seu papel. Para quem tem irmãos, o filme toca em uma parte mais sensível e pessoal de cada um, o que torna o longa realmente mais especial. Com um bom senso de humor, Jessica Yu consegue fazer de Quiz Lady um bom comfort movie.

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Costanza Guerriero

No primeiro semestre de 2023, as redes sociais foram invadidas por vídeos de composições simétricas, cores pastéis, filtros saturados e rostos inexpressivos. Ao som de Obituary, do compositor Alexandre Desplat, os internautas retratavam  os  seus dias cotidianos, no que parecia ser uma viralização do estilo característico do diretor Wes Anderson. O fascínio da mídia espontânea pelo visual característico do cineasta prova o encantamento que suas produções podem causar no telespectador, por meio da intrínseca relação que suas  narrativas encontram com sua estética. Asteroid City, a última obra de Anderson, entrega um pouco desse fascínio. 

Três meses após a estreia no Festival de Cannes, o longa chegou no Brasil em Agosto, fazendo pouco barulho em meio ao rebuliço de Barbie e Oppenheimer. A narrativa se passa, no início dos anos 1950, na pacata e desértica cidade fictícia que dá nome a trama, local marcado pela presença de uma cratera de meteoro. Lá ocorre a Convenção Júnior de Observadores de Estrelas e Cadetes Espaciais, na qual famílias se reúnem para prestigiar suas crianças cientistas prodígios. Tudo ocorre normalmente – ou melhor, “wesanderionamente” – até as personagens precisarem ser submetidas à quarentena pelo exército, após entrarem em contato com um extraterrestre.

Mais uma vez, Roman Coppola colabora com Wes Anderson na criação do roteiro, no qual exploram um ótimo equilíbrio entre elementos que de fato estavam  presentes na década de 1950, com seu modo de contar história, que pouco se preocupa com fatos reais. O clima de corrida espacial e expectativa de ir à Lua, na qual a geração boomer cresceu, é introduzida com as ideias de alienígenas e de crianças que possuem mais conhecimentos do que a própria inteligência das forças armadas americanas. A estética artificial e de elementos pouco credíveis são intencionais, e pode-se dizer que é o mais proveitoso de Asteroid City.

A tônica sideral é o que compõe, em partes, essa narrativa. Em partes porque a história sobre extraterrestres é, na verdade, uma peça de teatro, dirigida pelo personagem de Edward Norton (O Grande Hotel Budapeste). Não é estranho a Anderson dividir as cenas dos seus filmes como atos de uma peça teatral. Porém, dessa vez, além da demarcação explícita dos capítulos, também há cenas que se dedicam a mostrar os bastidores por detrás da obra dentro da obra. O que pode não ter funcionado muito bem nesse modelo é a excessiva troca de uma trama para a outra, marcadas por interlúdios do narrador, sendo um pouco difícil de se conectar com as personagens.

Bem como em A Crônica Francesa, a obra foca em diversos núcleos de personagens de maneira simultânea, mas diferentemente do antecessor, Asteroid City tem dificuldade em juntar todas essas histórias em um desfecho comum. A narrativa mais bem desenvolvida talvez seja o quase romance entre o fotógrafo de guerra Augie, bem interpretado por Jason Schwartzman (Três é Demais) e a atriz Midge Campbell, vivida por Scarlett Johansson (História de um Casamento). 

Em contraste a esse drama romântico, o tom cômico e particular do diretor é explorado no conflito de gerações, retratando crianças que se comportam mais como adultos do que os próprios pais, assunto já explorado pelo diretor em Moonrise Kingdom. Aqui são as crianças que resolvem todos os problemas enquanto seus pais não conseguem superar os próprios fantasmas. 

Além de Schwartzman e Norton, outros atores que já tiveram experiências anteriores com a direção de Anderson retornam para essa produção, como Tilda Swinton (Moonrise Kingdom), Adrien Brody (A Viagem para Darjeeling), Tony Revolori (O Grande Hotel Budapeste) e até mesmo Seu Jorge (A Vida Marinha). Willem Dafoe (O Fantástico Senhor Raposo) aparece em uma das cenas para apenas bater ponto com o diretor. O cineasta é conhecido por sempre trabalhar com um elenco de peso, e como visto, nessa obra não foi diferente. Dos atores que estrelam com ele pela primeira vez destacam-se Tom Hanks (O Pior Vizinho do Mundo) e Maya Hawke (Stranger Things). A escolha de Steve Carell (Querido Menino) foi para muitos inusitada, já que possui um estilo tão particular quanto o próprio diretor. Contudo, a combinação deu certo, mantendo a originalidade de ambos.

Fica óbvio que design de produção é um dos pontos de destaque no filme por se tratar, é claro, de uma obra de Anderson. O recurso em preto e branco é utilizado nas cenas que contam sobre os bastidores do teatro, enquanto as familiares e perfeitamente balanceadas cores no tom pastel são escolhidas para as cenas que contam a peça em si. Aqui também vai uma menção honrosa à designer de figurino Milena Canonero, que complementou a excentricidade do cenário montado, com figurinos que refletem a essência dos anos nos quais o longa se passa.

No quesito fotografia e personagens excêntricos, Asteroid City é um exemplo perfeito para compreender que é impossível assistir a um filme do Wes Anderson sem se lembrar de outro filme do Wes Anderson. Apesar da falta de profundidade na história em si, a obra acaba funcionando como uma espécie de metalinguagem, no qual o diretor reverência a fusão das Artes do Teatro e do Cinema. Ainda que seja uma produção que não chegou aos holofotes da temporada de premiações, é um bom entretenimento e até mesmo, objeto de estudo para os novos fãs do cineasta que chegaram, via redes sociais, buscando o encanto estético que seus filmes apresentam.

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Layla de Oliveira

Ah, a Revolução Francesa. Marcada em nossas memórias do Ensino Médio como o momento de estrelato da guilhotina, mas ela é claramente muito mais do que isso. A grande desigualdade social e econômica resultou em um nível de pobreza nunca antes visto no país, enquanto os aristocratas esbanjavam em festas e novos palacetes. Resultando na Queda da Bastilha, um símbolo da opressão francesa, a Revolução determinou o fim da monarquia absolutista na França, e influenciou muitos outros países a seguirem o exemplo, além de dar início à Idade Contemporânea na história ocidental.

Mas Sofia Coppola não poderia ligar menos para tudo isso. O filme Maria Antonieta, que completa 15 anos desde sua estreia (conturbada) no Festival de Cannes neste 24 de maio, não conta a história de Maria Antonieta (Kirsten Dunst), a rainha absolutista e Madame Déficit como muitos outros filmes, séries, livros e documentários fazem; ela simplesmente nos faz acompanhar a vida de Maria Antonieta, uma jovem de 14 anos que foi obrigada a adaptar-se em um novo ambiente, com muitas expectativas e deveres a rondando sempre. E muitas cores pastéis, também.

Baseando-se na biografia Marie Antoinette: The Journey de Antonia Fraser, o enredo é claro: desde seu casamento, arranjado para melhorar as relações entre Áustria e França, com o então delfim francês Luís XVI (Jason Schwartzman); sua chegada ao Palácio de Versalhes e o deslumbramento com todas as riquezas e pessoas que a cercavam; a antipatia do povo e da própria nobreza para com ela; festas, vestidos e joias; até culminar em sua fuga do palácio, nos auges da Revolução. O que mais importa aqui é como tudo isso é contado e mostrado a nós, humanizando a última rainha da França. 

Coppola é uma mestra em manifestar delicadeza e sensibilidade. Seus filmes são compostos, em maioria, por protagonistas femininas em momentos de fragilidade e de mudança (e até os dois juntos), e Maria Antonieta é o melhor exemplo disso. Desde que chegou a Versalhes, Maria Antonieta foi tratada com desdém por conta de sua nacionalidade, sendo até chamada de L’Autre-chienne, um trocadilho entre as palavras autrichienne, que significa “mulher austríaca” e autre-chienne, “outra cadela”. 

Além de se sentir deslocada no palácio, a mãe de Maria Antonieta a pressionava para engravidar, o que consolidaria de vez a aproximação austríaco-francesa. A expectativa em cima da ainda adolescente rainha da França rendia diversas crises de choro, melancolia, e como estamos falando desta personagem, compras. O conceito de “vazio do excesso” mostra que bens materiais apenas trazem uma felicidade momentânea e a falsa impressão de realização de desejos, enquanto incita o consumidor a comprar cada vez mais, e podemos dizer com toda a certeza que Maria Antonieta não tem escrúpulo nenhum ao gastar.

Quando Maria Antonieta finalmente engravida e tempo depois, dá à luz à primeira filha do casal, há uma mudança comportamental e visual na monarca. Ela troca os grandiosos vestidos coloridos e pomposos por simples vestidos brancos feitos de algodão e uma vida idílica em seu Petit Trianon, um palácio particular (é, ela não ficou tão humilde assim). Porém, isso não diminuiu a antipatia do povo e da corte por ela, que inclusive crescia cada vez mais; essa tensão foi mostrada em diversos momentos, desde pequenas cenas em um teatro, onde ela começa a aplaudir ao final da apresentação e ninguém a acompanha (diferentemente da primeira vez, onde todos juntaram-se a ovação) até a invasão em Versalhes, quando os revoltosos a procuravam para matá-la e toda a família Bourbon. E o final, bom, todos nós sabemos.

Só que a trajetória de Maria Antonieta e seu final trágico não foram bem recebidos na estreia do filme em Cannes, em 2006. Bom, ao menos pela visão de Sofia Coppola. Apesar da indicação à Palma de Ouro no festival, os poucos aplausos dos críticos logo foram sobrepujados por vaias e assobios de desaprovação, além de resenhas ambíguas feitas por jornalistas, que resumiam o filme em algo “bonitinho, mas vazio”. Coppola disse que as críticas negativas provavelmente vieram, em maioria, dos franceses, já que o enredo não segue exatamente o panorama histórico.

No entanto, esse anacronismo torna-se um dos maiores charmes do filme. Desde o figurino, que foi representado de uma maneira bem mais leve e colorida, sem perder silhuetas marcantes dos vestidos do século 18 apesar do uso de alguns tecidos impensáveis para a época; até a música utilizada na trilha sonora que, ao invés da música clássica sempre usada nos filmes de época, faz uma mistura e representa a juventude de Maria Antonieta por meio de sons derivados do punk, como o new wave e o pós-punk. Como exemplo, temos a icônica cena de compras ao som de I Want Candy, da banda Bow Wow Wow, e a aparição infame do All-Star lilás.

Essas decisões foram tomadas para aproximar a rainha do público, especialmente dos jovens, já que ela mesma era uma quando se casou. K.K. Barrett, diretor de arte do filme, explica que decidiram “superenfatizar o fato que ela tinha 14 anos quando chegou lá pela primeira vez, e fazer com que parecesse um novo mundo, e não um velho e deselegante”. Enquanto isso, a figurinista Milena Canonero recebia uma caixa de macarons de Coppola para a paleta de cores dos 66 figurinos que Kirsten Dunst utilizou no filme, o que a fez conquistar um Oscar de Melhor Figurino. Isso sem contar os pares de sapato Manolo Blahnik.

Os filmes de Sofia Coppola sempre relatam pessoas privilegiadas que se perdem no seu mundo ideal, e acabam se desconectando da realidade. No caso de Maria Antonieta com a França pré-revolucionária, a população sentia o grande abismo da desigualdade, enquanto ela se deliciava com doces, passeios e festejos. E nós também.

A falta de visão e perspectiva em relação aos franceses que sofriam com a crise econômica do país parece ser extremamente calculada. Tirando momentos pontuais, ela simplesmente é esquecida, porque ficamos tão fascinados com as intrigas e fantasias dentro do palácio que ficamos imersos naquele mundo. 

Transformando eventos históricos em eventos relatáveis e atraentes para o público, Sofia Coppola conseguiu realizar o quase impossível: fazer com que, mesmo depois de 15 anos da primeira exibição de Maria Antonieta, sintamos comoção por meio de rosas pastéis e músicas dos anos 80 de uma jovem rainha rica, sem noção do sofrimento que a rondava, pois ela estava imersa demais no seu próprio. 

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