Vitória Mendes

Se tudo o que você ama estivesse fadado a desaparecer, ainda assim você escolheria amar? Esse é o questionamento que segue Vincent Lima em To Love a Thing That Fades. Lançado em setembro de 2025 pela Island Records, a estreia do artista leva o ouvinte a uma jornada onde romance e perda são separados por uma linha tênue, que tende a desaparecer com cada passo em direção ao futuro ou ao passado. Com 15 faixas, o álbum se destaca dentro do cenário atual da música folk, principalmente por explorar as nuances emocionais da vida. Acima de tudo, apresenta uma história repleta de vulnerabilidade, sensibilidade, amor e a luta silenciosa contra a inevitabilidade do destino.

Ao longo de sua trajetória, o cantor estadunidense desenvolveu uma estética sonora e vocal que privilegia o compartilhamento das emoções. Na obra, essa fórmula é aprofundada de forma positiva por meio da narrativa que espelha o mito de Orfeu e Eurídice. Na mitologia grega, Orfeu, um músico com talentos sobrenaturais, faz uma jornada ao submundo em busca de sua amada Eurídice, que morreu prematuramente. Hades, o rei do local, se comove por sua música e permite que Orfeu a leve de volta, com a condição de que ele não pode olhar para trás durante o retorno ao seu destino. Vencido pela dúvida, Orfeu olha para trás, vê Eurídice e a perde para sempre. 

A produção reflete a inevitável tragédia que cerca a temática e idealiza o ponto de vista de Orfeu, explorando os momentos simbólicos nos quais esperança, medo e coragem andam juntos e definem cada decisão. Nessa atmosfera mitológica e dramática, o ouvinte é absorvido pela intensa ficção e acompanha em primeira mão a nova abordagem de Lima para a lenda. Ele o reimagina com delicadeza e, ao assumir a perspectiva do herói grego, cria uma estética repleta de contrastes físicos e sentimentais.

Cada faixa foi construída para integrar o conjunto, e apesar de serem similares em temática e estilo, contribuem individualmente para a narrativa contínua. Apesar das referências específicas e nichadas, a escrita permite que o público que não tem familiaridade ou conhecimento de mitologia grega absorva a história e se conecte emocionalmente. Outro ponto alto da produção é a composição sonora. Com o uso expressivo do violoncelo, violão, bateria e violino, tradicionais no folk, o resultado final é marcante e dinâmico. Em sincronia com as técnicas vocais que transmitem a visceralidade na voz, a urgência e a devoção de Lima, ouvir a obra completa é como apreciar uma história contada ao redor de uma fogueira. É imersivo, íntimo e comovente.

A abertura Orpheus já define o tom do álbum com uma interpretação potente e sincera, sintetizando o estilo musical e lírico do compositor. O cenário sombrio sustenta o reconto e dá vida ao conflito entre realidade e memórias, assim como entre o que está presente e o que não pode ser recuperado. Em Eurydice, o piano ganha protagonismo e os elementos mitológicos se tornam mais evidentes. A forma como ficção e experiências reais se entrelaçam torna a narrativa identificável para o público. A fragilidade e veneração presentes na faixa remetem à produção de artistas como Hozier, mas com o toque pessoal de Lima.

A partir de In The Cold, o disco explora as inseguranças dentro de um relacionamento, o luto pela juventude perdida e as dificuldades de amar sob condições adversas, usando o frio como metáfora para o afastamento e a ausência. Por sua vez, The Fire revela traumas e traz o contraponto de que amor não é salvação, é uma luta diária como uma caminhada pelo fogo, que apesar de machucar, mantém a chama acesa. Em The Only Thing Left, esperança e desespero são o foco quando duas almas se unem em meio à ruína e se perguntam quando serão destruídas também. A entrega mútua é o último refúgio antes da inevitável tragédia e, de fato, uma das faixas mais notáveis e significativas do álbum. 

À medida que o disco avança, a tensão aumenta sem romper a coesão construída. Faixas como Dance Here Slowly e Captured desenrolam a história de forma lenta, representando um momento de silêncio antes de uma tempestade. Apesar de serem menos impactantes, contribuem para o drama e para a ambientação adequada. Em Fair To You e nas faixas que marcam a metade da obra, surgem referências ao mito de Ícaro que traz à tona a fragilidade emocional humana e explora o amor como uma âncora estável em tempos difíceis.

Nas últimas canções, a dor e a vulnerabilidade são essenciais e criam uma atmosfera de devastação e de amor que ultrapassa as barreiras do espaço e tempo. Entre dúvidas e perdas, The End of Eurydice é o ápice da tragédia e representa o fim da história de Orfeu e Eurídice. A partir desse ponto, o narrador na forma de Orfeu percebe que deseja reescrever a história, porém não consegue e se concentra em não deixar a memória de seu amor desaparecer também. A jornada é encerrada em Inner Peace e Charon Retires, que refletem a derrota, a paz interna e resignação serena, enquanto Caronte, o barqueiro do submundo, sorri e carrega as almas dos mortos pelo mar. O ciclo se fecha como uma respiração profunda que reflete alívio e contemplação.

O álbum é uma construção minuciosa de sonoridades e letras que dialogam entre si com naturalidade. A produção é coesa e sensível, sendo possível sentir e absorver cada parte do conjunto. A mitologia foi retratada com uma autenticidade que mistura referências clássicas a partir de experiências pessoais de forma agradável. Por meio das composições que trabalham diversos aspectos, o disco tenta entender o sentido de tudo em uma epifania, mesmo que seja uma missão impossível. Afinal, há complexidades e catástrofes até no mais lindo dos amores.

To Love a Thing That Fades não apenas visita uma antiga história. A produção exibe a caminhada em uma estrada devastadora em busca daquilo que se perdeu. Com honestidade brutal e um trabalho que respeita cada nuance das emoções, Vincent Lima entrega uma experiência que vai além do folk tradicional. É um convite para aproveitar a jornada ao passado, aceitar as tragédias e ainda assim encontrar beleza e paz no caminho de volta. 

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Marcela Jardim

Com Man’s Best Friend, Sabrina Carpenter cria um álbum que funciona como um retrato cômico, sensual e, ao mesmo tempo, apático de uma geração que já não acredita tanto nos contos de fadas, mas ainda se diverte com as ruínas deixadas por eles. Do título à capa, tudo remete à ideia de um espelho invertido: se o ‘melhor amigo do homem’ costuma ser o cão fiel, aqui ela se oferece como companhia indomada, que late, morde e brinca, porém jamais se submete. Essa ambiguidade é o eixo central da obra: entre risos debochados e melodias cintilantes, ela tensiona a linha que separa prazer e frustração, amor e desapego, provocação e vulnerabilidade.

Esse projeto, no entanto, não nasce do zero: ele dialoga diretamente com as fases anteriores da cantora. Em emails i can’t send (2022), a cantora expôs pela primeira vez suas inseguranças em forma de desabafo, mergulhando em traumas familiares e dores íntimas, ainda assim mantendo algumas faixas leves e bem-humoradas. Já em Short n’ Sweet (2024), ela transformou esse desamparo em autoconfiança, misturando malícia e sensualidade pop. O sétimo disco de estúdio da pequena surge como a síntese dessas duas forças: herdeiro da fragilidade do primeiro e da malícia do segundo, porém com um verniz teatral bem mais acentuado. Ao mesmo tempo em que confirma sua maturidade artística, eleva a artista a um novo patamar de criadora,capaz de rir de si e do mundo ao mesmo tempo.

Manchild, o primeiro single, já começa estabelecendo o tom satírico com perfeição. A artista atira contra a imaturidade masculina, descrevendo o paradoxo de um homem que é fisicamente atraente, mas emocionalmente infantil. A ironia é transformada em refrão pegajoso, e a produção dançante realça a contradição. Essa sátira ganha ainda mais força no clipe: um vídeo frenético, que mistura estética kitsch e teatralidade surreal, quase como um parque de diversões caótico. Carpenter encarna personagens exagerados que zombam da masculinidade frágil, criando um universo visual que amplifica o humor corrosivo da canção. Música e imagem se fundem em um comentário cultural muito mais contundente.

A continuidade vem em Tears, que mantém a temática provocativa, entretanto troca a gracinha pelo desconforto devasso. A produção cintilante serve de base para versos que transformam a abordagem masculina em piada de mau gosto, repleta de dramaticidade. No clipe, a cantora explora esse embaraço de maneira performática: aparece em cenários que remetem ao estilo Disco dos anos 1970, porém sempre com um detalhe deslocado, uma ‘lágrima’ exagerada, um gesto paródico, um sorriso quase cruel. O escárnio que já estava na letra ganha corpo no vídeo, mostrando como ela não apenas canta sobre o incômodo, no entanto, o encena com comédia ácida e charme calculado. Além disso, o elenco do videoclipe, entre figuras caricatas e gestos calculadamente sensuais, ecoa os protestos de Protect the Dolls, sugerindo que a objetificação pode ser confrontada com humor, sarcasmo e consciência estética.

A sequência ganha outra coloração com Sugar Talking e Nobody’s Son. Se as duas primeiras músicas expõem as atitudes e ridículos masculinos, essas faixas voltam o olhar para uma intimidade mais silenciosa, quase agridoce. Sugar Talking mistura luxúria e ironia, equilibrando-se entre desejo e autopreservação, enquanto Nobody’s Son mergulha em um vazio melódico que denuncia o cansaço das expectativas amorosas. É como se a mensagem fosse: rir é necessário, mas também há um peso invisível que acompanha a experiência de amar homens que não se sustentam. Nesse contraste, Carpenter expande sua narrativa, não apenas uma sátira, também um testemunho de desencanto.

When Did You Get Hot? funciona como uma retomada da leveza, quase como um flashback de adolescência tardia. O espanto diante de alguém que de repente se torna atraente é cantado com um tom brincalhão, e serve como ponte para Go Go Juice, a mais festiva do disco. Juntas, elas representam o interlúdio lúdico, onde o riso volta a ser protagonista. Se no início a cantora debocha da infantilidade, aqui ela se permite também ser leve e ingênua, celebrando a efemeridade da atração como combustível vital. É uma divergência que reforça o aspecto teatral do álbum, como se cada canção fosse um ato com risibilidade própria, ainda sim sempre conectado à peça maior.

O clímax narrativo surge em House Tour, talvez a mais engenhosa de toda a obra. Ao transformar seu corpo em uma casa e convidar o ouvinte a ‘passear’ por seus cômodos, Carpenter brinca com a objetificação de forma consciente, apropriando-se dela para reverter o olhar. Se os singles Manchild e Tears ridicularizavam os homens, aqui ela os seduz com uma inteligência quase performática, transformando a exposição em arma. Essa canção se relaciona com todas as anteriores, porque une humor, sensualidade e ironia em um só gesto, um resumo da estética da produção.

Por fim, Goodbye aparece como um epílogo melancólico e também libertador. A sonoridade grandiosa, inspirada em ABBA, dá ares de teatro musical ao encerramento, fazendo do adeus não apenas um fim, porém um escândalo, além do uso de diversos idiomas para humilhar e dispensar o ex-namorado. Essa faixa dialoga diretamente com Nobody’s Son: se lá o vazio era dolorido, aqui ele se torna uma celebração da ruptura. A linha que conecta as duas mostra como o tema central não é apenas sobre rir dos homens, como também sobre aprender a gargalhar das próprias expectativas e aceitar o fim como libertação. A artista fecha o ciclo com a segurança de quem não precisa de fidelidade alheia para se sentir completa.

Assim, não se trata de apenas um álbum pop divertido: é uma narrativa em capítulos, que alterna sátira, excitação, melancolia e zombaria para pintar um retrato multifacetado das relações contemporâneas. Cada canção funciona como uma cena de teatro, e os videoclipes expandem essa dramaturgia para o campo visual: exagerados e críticos, eles transformam a sátira musical em espetáculo. Mais do que debochar deles, Sabrina Carpenter questiona padrões de comportamento, confronta perspectivas sociais e expõe a própria vulnerabilidade de forma consciente, usando o Pop como linguagem de resistência lúdica.

O projeto consolida uma trajetória de amadurecimento que mistura autobiografia, performance e crítica social. Ao rir de si mesma enquanto provoca os outros, Carpenter transforma sua música em um espaço de empoderamento coletivo, onde humor, sensualidade e opinião caminham lado a lado. Man’s Best Friend é, portanto, simultaneamente um diário íntimo, um manifesto cultural e um espetáculo mainstream, mostrando que o poder do disco reside justamente nesse equilíbrio entre exposição, ironia e invenção estética: uma obra que entretém, desafia e provoca reflexão sobre as complexidades do desejo e da objetificação na contemporaneidade.

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Florence Welch sabe enganar muito bem. Quem ouve sua voz angelical ou já a escutou seus trabalhos anteriores, como Lungs e Ceremonials, de relance nem imagina que a frontwoman do Florence + The Machine reivindica todas as desgraças sentimentais existentes para si. A princípio pode até soar prepotente e egoísta uma pessoa achar que só ela detém de todo o sentimentalismo do mundo, mas é justamente na ignorância de que nenhuma experiência é única que How Big, How Blue, How Beautiful se torna tão singular.

Ao longo de sua carreira, o grupo desenvolveu suas próprias fases do luto. Em Lungs ela assumiu uma película fantasiosa, enquanto em Ceremonials a dor é tão grande que a fez ir para a igreja, porém nesse terceiro álbum ele se torna extremamente mundano. Tais fases refletem também a sonoridade de era desta trilogia inicial. Lungs é renascentista, Ceremonials é barroco/gótico e How Big, How Blue, How Beautiful é vanguarda moderna. 

Porém, há duas coisas das quais Florence não abre mão: o grandiosismo e a água, que neste registro são quase sinônimos. Quanto ao elemento aquático, a própria cantora disse que, em primeiro momento, o produtor Markus Dravs – que trabalhou com nomes como Coldplay, Bjork e Arcade Fire e que aqui substitui Paul Epworth – colocou um copo de cerveja escrito Water to drink, not write about it (água é para beber, não para compor sobre) no estúdio. No entanto, a astúcia da escrita conseguiu driblar a imposição, visto pelo próprio nome do álbum e também pela faixa de abertura, Ship to Wreck, onde a cantora diz estar construindo um navio para naufragar.

Fica evidente então que há coisas que Florence jamais vai abdicar, e uma delas é a grandiosidade. A banda sempre prezou por uma instrumentação de respeito, seu primeiro trabalho traz uma musicalidade mais crua, quase medieval, já seu sophomore é extremamente pomposo, enquanto aqui ele traz um aspecto mais modernista, que lembra um concerto de Bernstein, resultando na melhor orquestração da carreira do grupo, igualmente massiva, mas que sabe ser comedida nos momentos certos e entra em harmonia com os vocais de Welch, tendo a sonoridade mais rock da discografia.

O resultado é, sem dúvidas, o álbum mais consistente do Florence + The Machine, o que é uma pena, pois, acostumados com todo o expansionismo que a banda propôs em seu início, ele raramente é um dos mais lembrados. Mas isso, de forma alguma, tira o brilho que ele tem. De longe, How Big, How Blue, How Beautiful, em termos de produção é o mais robusto, pensado para ser catártico tanto no estúdio quanto no ao vivo.

Aqui, mais uma vez, o grupo mostra que não está preocupado em ser mainstream, e, ainda sim, conseguem imprimir uma roupagem comercial. E isso, dado às temáticas que Welch – que aqui é centrada principalmente na forma que o processo de superação da cantora afeta a vida à sua volta – aborda é uma tarefa bastante difícil, que, quando bem feita, do modo com que Florence + the Machine faz, dá muito certo.  Ao mesmo tempo em que a lírica dá a entender que a frontwoman não tem problemas em abrir seu peito, desde seu debut eles sempre mascaram tais sentimentos abusando da liberdade poética.

Queen of Peace e Delilah deixam evidente como isso é feito. A primeira, usa de um casal de monarcas que perdeu o filho para falar de feridas internas, que, apesar de cicatrizadas, marcam o eu lírico pela dor. Já a segunda, se apropria da personagem bíblica para abordar a auto descoberta após um período de dependência emocional. Mesmo sendo libertador, a música mostra que quebrar as correntes é tão doloroso quanto estar preso por elas.

Se a produção alcançou níveis não vistos anteriormente, o vocal de Welch não fica atrás. Não há tanta teatralidade quanto antes, mas nesse disco, a já autointitulada bruxa entoa seus feitiços com uma visceralidade que emana ódio e desespero, e bebe da influência de vocalistas fortes de décadas passadas que, não à toa, a deu o título de Stevie Nicks da geração Crepúsculo. Which Witch – talvez um dos melhores encerramentos de um álbum em décadas, por exemplo – vai além e pinta a intérprete realmente como a Feiticeira Escarlate, capaz de destruir todos a sua volta apenas com sua voz sofrida, moldando a realidade de quem a ouve.

A força de Florence + The Machine sempre pairou na forma como o grupo nunca teve medo de apresentar suas fraquezas ao mundo e desafiá-las. E How Big, How Blue, How Beautiful potencializa isso a enésima potência ao trazer uma carga de humanidade para a discografia. Períodos de luto e superação podem parecer apocalípticos, ainda mais os representados por Florence Welch, mas, a partir de suas obras fica claro que a dor é implacável e, com a guarda alta ou não, tem que enfrentá-la com as armas disponíveis, nesse caso, é a Música. Se o abismo, por mais lindo e gigantesco que seja, te encara, não se pode somente encará-lo de volta, mas é preciso botar medo nele e, se for o caso, mergulhar.

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Arthur Caires

O início da nova era de Sabrina Carpenter começou muito antes do lançamento de Espresso. A reação positiva em cadeia se iniciou no lançamento de seu quinto álbum, emails i can’t send (2022), que possui em sua tracklist a faixa Nonsense com seu outro engraçadinho: “Acordei esta manhã pensei em escrever um hit pop/Com que rapidez você consegue tirar a roupa?”. No entanto, a piada não é nada em comparação com o que viria em seguida nos shows da cantora, que criou uma tradição de sempre mudar a letra final de acordo com o local da apresentação.

No ato de abertura da The Eras Tour de Taylor Swift, em Novembro de 2023, no Brasil, a cantora cantou: “Garoto, venha aqui, isso não é um teste/Ele disse ‘Fique por cima’, eu disse ‘Eu vou’/Aí ele me fez gozar no Brasil”. Assim, a construção dessa identidade ‘safadinha’ culminou no lançamento de seu sexto álbum de estúdio, Short n’ Sweet. O título, “Pequeno e Doce” (em tradução livre), além de poder ser uma descrição da própria cantora, reflete sobre os relacionamentos curtos, porém, intensos, que ela vivenciou.

Desde o lançamento do single Espresso, seguido por Please Please Please e Taste, Sabrina Carpenter vem trabalhando em peso na divulgação do disco. Clipes super produzidos, entrevistas em canais famosos, presença online constante e apresentações em programas de TV fizeram com que a ‘loirinha da Pensilvânia (versão pocket)’ conquistasse o verão estadunidense.

Apesar de estar fazendo sucesso em 2024, a artista começou sua carreira muito antes desse reconhecimento. Na infância, ela postava covers de Adele e Christina Aguilera no YouTube, e fazia pequenas pontas como atriz. Aos 14 anos, Carpenter conseguiu seu primeiro grande papel na série Garota Conhece o Mundo (2014), da Disney, e assinou um contrato de cinco discos com a gravadora Hollywood Records. Os álbuns lançados durante esse período seguiam a fórmula já conhecida de ex-atrizes da companhia do Mickey – salas repletas de compositores em que a cantora não tinha um grande controle artístico.

Em 2021, Carpenter trocou de gravadora, sendo Skin sua primeira música na Island Records. A canção é um dos resultados provenientes do afamado triângulo amoroso entre a loira, Olivia Rodrigo e Joshua Basset. Porém, foi apenas em 2022 que a voz de because i liked a boy lançou emails i can’t send, que funcionou como um reinício de sua carreira musical. O disco, que explora diversos gêneros, apresentou ao público a flexibilidade da cantora e buscou traçar qual seria o melhor caminho que ela poderia seguir, sendo a combinação do pop e R&B de Nonsense e Feather o que gerou mais sucesso.

Para seguir com a tendência, o primeiro single escolhido foi Espresso. Além de ficar facilmente na cabeça, a faixa destaca o humor delicioso de Sabrina Carpenter e introduz a constante quebra da quarta parede que viria no resto do álbum. “Estou trabalhando tarde porque sou uma cantora” e o “Estúpido” seguido de uma risada no final do segundo verso são apenas alguns exemplos da diversão que a ‘loirinha’ cria. Essa característica a torna autêntica e a faz se conectar com seu público, como se estivéssemos dentro de uma piada interna que mais ninguém entende.

Também é possível observar essa qualidade em álbuns contemporâneos como BRAT, de Charli XCX, e The Rise and Fall of a Midwest Princess, de Chappel Roan. Há muito tempo, o pop confessional tem dominado o gênero, principalmente por influência de Taylor Swift, sendo o nicho principal de artistas como Olivia Rodrigo, Gracie Abrams e Billie Eilish. Por esse motivo, é refrescante ouvir novas sonoridades e letras que não se levam a sério. Isso não significa a abolição da melancolia e da ‘sofrência’ que tanto amamos, mas também precisamos aproveitar a futilidade de dizer: “Minhas preocupações estão de férias”.

É excitante dançar e dar gargalhadas ao ouvir Short n’ Sweet. As músicas Good Graces e Bed Chem provocam o ouvinte o tempo inteiro, fazendo-o esperar ansiosamente pela próxima piada sexual, como “Direi ao mundo que você termina suas tarefas prematuramente”. Por cima dessas letras – ou por baixo, como você preferir – a produção traz de volta o R&B das décadas de 1990 e 2000, juntamente dos vocais de Carpenter inspirados na eloquência desafiadora de Ariana Grande. Os responsáveis por esse som são John Ryan e Julian Bunetta, que estiveram em grande parte da discografia de One Direction.

Ainda que o disco seja dominado pelos desejos hormonais, Carpenter traz algumas nuances temáticas, ao mesmo tempo em que mantém a coesão do trabalho. A faixa Coincidence possui elementos do country, que está em alta no momento, e é a autópsia de mais um triângulo amoroso, desta vez, envolvendo Camila Cabello e o gramaticalmente incorreto Shawn Mendes. Além desta, Jack Antonoff consegue capturar mais uma estrela do pop e aparece como produtor de Lie To Girls, uma balada crescente que mostra que para se iludir não é necessário que estejamos em uma relacionamento tóxico – nossa habilidade de se auto sabotar quase sempre se sobressai.

Se há um ponto fraco em Short n’ Sweet é o seu desfecho. O álbum mantém uma coesão ao longo de suas faixas, mas, ao chegar à última, surge a impressão de que algo está faltando para finalizar a experiência de forma mais marcante. A repetitividade de Don’t Smile contribui para essa sensação de incompletude, como se o álbum pedisse um fechamento mais ousado e memorável. Apesar da leveza ser um dos principais atrativos do trabalho, um final mais impactante teria elevado o disco, levando o ouvinte a um clímax maior e oferecendo uma conclusão que conectasse todo o projeto de maneira mais satisfatória.

Ainda assim, Sabrina Carpenter reafirma seu potencial e se consolida como uma das grandes promessas da nova geração do pop. A faixa Juno, a melhor do disco, exemplifica isso claramente. Com uma batida irresistível e um riff de guitarra que imediatamente chama a atenção, a música se molda como uma canção pop perfeita. A melodia do refrão, contagiante e fácil de memorizar, desperta aquela necessidade de cantar junto, como se cada nota e cada palavra fosse uma liberação de energia e emoção, fazendo o ouvinte gritar com todos os pulmões: “Eu estou com muito tesão”.

https://open.spotify.com/intl-pt/album/3iPSVi54hsacKKl1xIR2eH?si=ug584OCJSbaF3JnobQ8l7Q

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Guilherme Veiga

“Eu sou a artista favorita do seu artista favorito. Eu sou a garota dos sonhos da sua garota dos sonhos”. Foram com essas palavras que Chappell Roan se apresentou ao mundo, ‘de supetão’ mesmo. E nada mais justo. Hoje, o pop se mostra um gênero extremamente cruel, onde se consolidar nele é como lutar por sobrevivência na savana africana. E não foi só com sua personalidade, mas também com seu disco de estreia, The Rise and Fall of a Midwest Princess, que a intérprete chegou para impor seu lugar e permanecer no estilo.

Ser uma estrela pop assumiu por muito tempo uma literalidade cósmica. Assim como um meteoro, alguém simplesmente surgia, podendo seu brilho permanecer pela eternidade, como Madonna, ou simplesmente se apagar, caso de Rebecca Black. Com Roan é diferente. Ela vem da mesma seara que Olivia Rodrigo e Benson Boone, que tiveram as redes sociais – principalmente o Tik Tok – não só para se impulsionarem, como também para documentarem a ascensão, a mesma que a cantora vive atualmente.

The Rise and Fall of a Midwest Princess serve para registrar não só o crescimento da Chappell Roan como também o amadurecimento de Kayleigh Rose Amstutz, a pessoa por trás de toda essa maquiagem carregada. Natural de Willard, Missouri, o álbum é a definição musical de um coming of age, onde a intérprete transita entre a vontade de conquistar novos horizontes, contrabalanceando com o pertencimento em sua terra natal, pequena demais para ela, mas gigante em significado.

Aliado à saída das amarras do interior, Roan consegue incorporar na temática seu descobrimento queer. Deixar o Missouri para trás também significou trazer quem realmente é para o controle de si própria. Se, antes, ela cresceu achando que ser gay era pecado, hoje, ela não tem medo de ir pro inferno e faz das boates LGBTQIAPN+ o templo de adoração para seu culto.

Tudo é muito superlativo no disco, desde a temática lésbica escancarada, passando pelas referências típicas da geração Z até a comédia extremamente ácida, que, aliada aos tópicos anteriores, formam uma farofa gourmet com um gosto delicioso, dessa vez, para os ouvidos. O conjunto de exageros se catalisa perfeitamente em Femininomenon, abertura do registro que funciona como um teste para o que vem a seguir. A faixa é um amálgama de referências sonoras, iniciando com uma melodia de cordas e nos levando até uma moto a lá Rosalía no pré-refrão, que evidenciam a forma como a produção vai trabalhar e brincar com suas referências ao longo dos 49 minutos. Se você sobreviver à efervescência da música, o resto é um deleite.

Chappell Roan tem Dan Nigro como parceiro de produção, o mesmo responsável por catapultar Olivia Rodrigo. Por isso, as duas, além de amigas, se assemelham em obra ao trazer a irreverência e teatralidade para suas músicas, além de fórmulas musicais que se conversam. Porém, enquanto Rodrigo foca na raiva para lidar com suas desilusões e questionamentos, Roan prefere simplesmente vivê-las de todas as formas possíveis, pois é a primeira vez que ela se permite a isso.

Dessa forma, The Rise and Fall of a Midwest Princess sabe construir um caminho de sensações ao longo do play, nos guiando seja por estilo ou por sentimento. Mergulhando fundo no pop, o disco vai da house music da cena drag aos hinos de líderes de torcida para entregar as excelentes Red Wine Supernova, HOT TO GO! e Super Graphic Ultra Modern Girl, que não tem medo nenhum da futilidade e são planejadas, justamente, para fomentar a euforia de se descobrir uma nova voz e personalidade como a de Roan.

Mas a artista, debutando nos seus tardios 25 anos, já conhece as montanhas-russas da vida e as transportam para o álbum, intercalando o pop dançante com as baladas ultra melodramáticas. Coffee e Casual são um primor técnico que constroem uma base melódica para que o poderio vocal da intérprete seja reverberado e sua dor seja sentida, fazendo com que, por mais ousados que sejam seus versos, eles se transformem em uma lamentação.

O cerne do disco se encontra na dualidade vivida pela cantora e como ela transporta isso para sua vivência. O registro é sobre conquistar seu espaço, mas realmente não achar que o mereça, já que houve uma vida na qual a artista foi desacreditada sobre quem era e os locais em que pertencia. Tanto que seu hit inaugural, Pink Pony Club, lançado no longínquo 2020, aborda a mesma temática de Californa, a mudança de estado e de vida. Porém, Roan atribui perspectivas completamente diferentes e quase que antagônicas para cada faixa.

Por isso, The Rise and Fall of a Midwest Princess cresce é na incerteza, no meio termo entre céu e inferno. É contagiante ao mesmo tempo que depressivo; é cunt e também é cult; cidade grande e interior; são sonhos que se erguem enquanto outros se desmoronam e é o vinho tinto e o café. A única certeza que se tem é que estamos diante de uma nova era para o pop, capitaneada por literalmente um ‘femininômeno’ gigante demais para caber em rótulos e que, após ser forçada a se encaixar neles, se rebela para criar seus próprios.

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Monique Marquesini

Um ano após o lançamento do brilhante Dancing with the Devil… The Art of Starting Over, Demi Lovato mostra mais uma vez sua potência em começar de novo. Lançado em 19 de agosto, o seu oitavo álbum de estúdio, Holy Fvck, traz a artista retomando suas origens do rock e do punk em arranjos mais pesados. Além das novas sonoridades, é fácil notar uma mudança genuína em Lovato –  as fases da vida da cantora são reflexos de seus sentimentos, e parece que em cada uma das 16 faixas do disco ela está realmente se redescobrindo.

Do desejo ao amor e à raiva, Demi explora uma explosão de sentimentos e de energia em cada música. A voz precisa nos agudos e a intensidade nas letras carregadas de experiências pessoais e dolorosas, nos leva a experimentar cada emoção da cantora. A primeira canção é FREAK, uma colaboração com YUNGBLUD e uma abertura perfeita para sua nova fase – já que ela aproveita para satirizar a indústria que tratou seus traumas como piada e a colocou como “freak” (esquisita ou até aberração, em português).

Na sequência das faixas estão os intensos singles SKIN OF MY TEETH e SUBSTANCE, que carregam honestidade e intimidade e que são um ajuste perfeito para a Demi Lovato de Holy Fvck. O primeiro single do álbum, SKIN OF MY TEETH, faz uso de batidas intensas e sons de guitarras fortes – junto a letra em que ela tenta reescrever o período de sua overdose e a recuperação, além de carregar as descobertas dela sem o uso de substâncias. Já no segundo single, SUBSTANCE, a cantora busca criticar a exaustão e ausência de conteúdo na sociedade, e produz um clipe com inspiração na década de 90 e início dos anos 2000. “Demi saiu da reabilitação outra vez/Quando essa merda vai acabar?”.

No geral, a lista de faixas é muito coesa e forte. Na quarta música, Demi mostra uma colaboração feroz com Royal & the Serpent, compondo talvez uma das músicas mais impositivas do álbum – EAT ME. Em um rock punk forte, a letra denúncia como a indústria musical é responsável por moldar artistas para o que é mais vendável. E é nesse momento que a Lovato de Holy Fvck aparece vívida na canção, já que ela não mais ignora sua identidade e essência, mas se permite sentir desde o prazer até a raiva.

Em entrevista para Zane Lowe, Demi Lovato se abriu sobre a sua jornada na recuperação, saúde mental, traumas e sua sexualidade: “Voltei ao tratamento e, quando saí, tinha todo esse trauma não resolvido com o qual eu não havia lidado. E então, quando saí, pensei: ‘Tudo bem ficar com raiva e sentir essas coisas’”. Com certeza, é possível entender como cada um de seus processos pessoais tocam cada música e fazem com que o ouvinte se relacione com as sensações da cantora. Na mesma entrevista, Lovato ainda comenta sobre como se sentiu durante a produção: “Nunca estive tão segura de mim e de minha música, este álbum fala por si só“.

29 é um dos exemplos mais crus dos sentimentos dela colocados em uma música. A faixa aborda o relacionamento de seis anos de Demi com Wilmer Valderrama, que começou quando ela tinha 17 anos e ele 29 – Lovato busca trazer uma pesada e direta mensagem sobre idade e consentimento. No podcast Call Her Daddy, ela conta que, anos após o término, a reflexão sobre a situação vem de um olhar mais maduro, de como mulheres jovens são enganadas por homens muito mais velhos.

Além da pressão de viver sob os holofotes e expectativas, em Holy Fvck Demi explora abertamente sua sexualidade. Com letras eletrizantes e sons dançantes, é visível que ela não teve medo de abraçar suas sensações na escrita. Faixas como BONES, CITY OF ANGELS e principalmente HEAVEN são como celebrações da relação com si mesma e com seu corpo. Em HEAVEN, Lovato fala sobre o tabu da masturbação feminina, e faz até brincadeiras líricas entre a letra e referências religiosas: “Crucificada pela vida que vivo/Oh, meu Deus, espero receber perdão/Indo para o inferno, porque parece o paraíso“.

É do meio para o final das faixas que podemos observar uma Demi falando de amor e ainda assim tocando diversas vulnerabilidades de sua vida. Mas algumas músicas podem soar pouco frustrantes, em contraste com a força das músicas que abrem o álbum – como em WASTED e COME TOGETHER, em que a sonoridade não cativa tanto quem experimentou a veia punk rock de Lovato.

O trabalho da cantora em Holy Fvck é antes de tudo um relato autêntico, potente e ao mesmo tempo vulnerável sobre as feridas de Demi. É bravo vê-la abraçando um renascimento em meio aos sons de guitarra, sua potência vocal intensa e letras emocionantes. O álbum tem uma veia nos primeiros trabalhos da artista em Don’t Forget e Here We Go Again, mas as reflexões cruas e a honestidade inabalável mostram o amadurecimento do som pop-rock adolescente para um hard rock muito bem produzido.

Apesar de terminar em tons mais baixos, muitos sentimentos marcam a experiência da obra de Demi Lovato. Talvez essa seja uma das surpresas mais agradáveis da experiência: o álbum é amargo, picante, ácido, forte e encantador. Diferente de todos os seus trabalhos anteriores, Holy Fvck tem a substância que os álbuns pop de Lovato sentiam falta – a identidade, fúria e autoridade. Não há como esconder suas inspirações, que dessa vez soam mais verdadeiras e intensas. A liberdade de si e de chegar aos extremos – da ira ou da vulnerabilidade –, fazem com que Demi acerte em cheio, expondo seus ápices emocionantes e reencontre sua força nos recomeços.

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Ana Júlia Trevisan e Raquel Dutra

Nós apenas nos despedimos com palavras, quando naquela tarde de 23 de julho de 2011, o mundo soube da morte de Amy Winehouse. A vida de uma das maiores vozes do jazz contemporâneo foi uma das mais difíceis dentre as existências artísticas que o mundo teve a dor e a delícia de acompanhar, chegando ao limite extremo da luta pela sobrevivência em meio ao vício em drogas, transtornos alimentares e doenças psicológicas. O fim veio triste, com aquele gosto amargo de algo que consome cada vestígio de vida e genialidade até não sobrar mais nada, por meio de uma overdose na cidade de Camden, em Londres, quando a jovem artista tinha apenas 27 anos. 

Uma década depois, nós voltamos ao luto de Amy Winehouse porque tudo o que ela deixou de herança para o mundo continua precioso, e porque tudo o que ela deixou em débito continua ameaçador e destrutivo. Os monstros de 2011 não desistem de rondar nossos jovens e nossos artistas, que acabam buscando nos vícios o refúgio para o cruel pesadelo que a vida e a indústria podem se tornar. Mas acima de tudo, Amy Winehouse merece ser conhecida pela sua relevância artística, musical e cultural e realizações que não estão compreendidas na imagem midiática marcada pelas suas tragédias pessoais, mas sim que mudaram a história da música para sempre.

A Amy Winehouse que conhecemos hoje teve a música correndo pelas suas veias desde o dia 14 de setembro de 1983. Nascida numa pequena cidade ao norte da Inglaterra dentro de uma família de ascendência judaica, muitos dos seus vínculos familiares mantinham relações próximas e profissionais com a música, principalmente o mais forte deles, que era com a sua avó paterna. Outra forte influência veio diretamente de seu pai, Mitchell Winehouse, que era cantor amador nas folgas do trabalho como taxista e criou Amy ao som de clássicos do jazz como os entoados por Ella Fitzgerald e Frank Sinatra.

Os altos e baixos de sua vida também sempre a acompanharam desde cedo. Quando Amy chegou aos nove anos, cedeu aos incentivos da avó e se matriculou em uma escola de artes, ao mesmo tempo em que se abalava com a separação de seus pais. Aos 14 anos, ela roubava a cena nos aniversários dos amigos quando assumia o papel de vocalista das canções de felicitações e encontrava as drogas pela primeira vez. Aos 15, escrevia suas primeiras canções e manifestava os primeiros traços de sua luta contra a bulimia. Aos 16, cantava clássicos do jazz com orquestras e deixava os estudos para se tornar cada vez mais conhecida nos clubes de Londres.

O poder vocal daquela jovem que conservava uma relação íntima com os clássicos mais antigos e fundamentais do jazz atraía a atenção da cena musical londrina, e foi em 2002 que ela assinou seus primeiros contratos profissionais bem-sucedidos. Com a gestão do grande produtor artístico britânico Simon Fuller, publicação da EMI Music e gravação da Island Records, o sonho musical de Amy Winehouse demonstrava estar cada vez mais próximo.

Naquela época, a potência musical de Amy e suas idas e vindas pelos estúdios londrinos já haviam concretizado algumas canções. É o caso de October Song e Amy Amy Amy, duas das primeiras músicas compostas por Amy que já traziam um primeiro vislumbre do que seria o seu disco de estreia. A primeira, juvenil e lúdica, era onde a artista soltava sua poesia e brincava com um pouco de rock; e a segunda, ousada e sensual, foi a forma que ela encontrou de engatar num country para desabafar sua libidinosa energia, que lhe rendia alguns – muitos – problemas, e suplicar para si mesma num tom meio auto debochado por um pouco juízo. Ou seja, algo completamente contrário a quase tudo o que se cria na nossa cabeça e nos nossos ouvidos quando pensamos no nome de Amy Winehouse.

Hoje, a identidade da artista é associada a uma inspiração profunda, obscura e densa, mas em 2003, a estreia de Amy através de Frank se dedicou a expressar uma energia divertida, jovial, leve e solta. A raiz no puro jazz, no entanto, não é nem um pouco diluída na aparência atraente do álbum, mas puxa o som para algo diretamente relacionado com as suas influências musicais, que como a própria identificava, soava um tanto elitista perto dos gêneros dominantes das paradas do início do novo século. Entre o equilíbrio de elementos mais simpáticos e outros mais fechados, Amy Winehouse chamava a atenção da crítica, atraía o gosto do público, saciava sua fome de jazz e agradava as vendas de sua gravadora. 

A graça de Frank era anunciada por Stronger Than Me – primeiro single, primeiro sucesso, e primeira música do primeiro álbum – e seguido pelo grande destaque do debut, Fuck Me Pumps, que guardava numa melodia brincalhona uma letra polêmica e o que a música tinha de melhor a oferecer nos anos 2000. No entanto, a mais comercial dessa grande ode ao amor que Amy tinha pelo jazz clássico não teve muita resposta das tabelas musicais. Se aproximando do hip-hop e do R&B, In My Bed era uma experimentação que confirmava algo que hoje entendemos como uma das maiores verdades sobre: a relação que a artista mantinha com suas inspirações dentro do seu gênero favorito e a forma como produzia sua própria arte a partir delas era realmente o que a tornava tão especial.

E coloca especial nisso. Para sanar qualquer dúvida a respeito dos motivos da adoração de Amy pelo jazz, ela mostra o quão bem a música faz à ela no cover da clássica (There Is) No Greater Love. Na voz de Amy, a música de Isham Jones e Marty Symes, originalmente tocada em 1936, se derrete numa versão acústica e fresca, performada ao ar livre, que nos leva para o que sempre foi seu melhor lugar. A gravação de Frank desenha no imaginário de seus ouvintes uma pacífica noite estrelada numa praia deserta, com as suas pessoas favoritas ao seu redor e a melhor música do mundo tocando ao fundo, mostrando uma face serena de Amy que, infelizmente, o mundo quase não conheceu. 

Esse ambiente consolador era o que Amy mais precisava em meio às turbulências da vida, e sempre que possível, ela o criava através da música. Em Frank, voltamos a conhecer os refúgios da artista em Moody’s Mood For Love, que marca a sua ligação radical com a música caribenha e jamaicana no gênero híbrido que é o ska. Ali, encontramos uma Amy Winehouse solta, cantando seus versos de forma livre e sem preocupação óbvia com o ritmo, como toda boa música que se deixa influenciar pelo reggae.

A excelência e esmero de Amy com sua música já entregava naquele primeiro disco uma das músicas mais perfeitas de sua discografia. Na segunda faixa de seu álbum de estreia, o desejo da artista era abraçar todas as notas musicais possíveis por meio dos arpejos do piano de You Sent Me Flying. Confiante, espontânea, apaixonante, ela mostrava o porquê poderia ser uma exímia diva do jazz.

Parte da beleza de Frank estava na sinceridade de sua criadora. Outra joia do disco é I Heard Love Is Blind, onde Amy Winehouse desperta todos os nossos sentidos através da melodia vagarosa e conformada de alguém que compreende a gravidade das infidelidades que cercam sua vida, tanto partindo de terceiros, como de si mesma. Nas palavras de qualquer outro artista, uma música como essa não passaria de uma metáfora exagerada. Mas na voz visceralmente verdadeira de Amy Winehouse, aquela era uma forma de desabafar a maneira intensa e destrutiva com que ela vivia o amor. 

Nessas esquinas, o álbum que precisava causar boas impressões não conseguia esconder completamente os cantos escuros de Amy Winehouse. O efeito dramático que os pianos e baixos criam em faixas como Take The Box revelam os aspectos que logo iriam se sobressair e tomar sua vida e arte por completo. 

O movimento de descobrir a profundidade emocional de Amy segue na vibrante Help Yourself. O refrão, composto por um leve “Eu não posso te ajudar se você não se ajudar”, flui dos vocais de Amy mas também se transforma no desabafo que mais se ouvia dos amigos e familiares de Amy. Mostrando seus primeiros contornos em Frank, a mensagem seria ainda mais urgente na próxima fase da vida da artista representada pelo segundo e último disco de Winehouse.

O caminho da jovem artista estava aberto com Frank, que apesar de ter conquistado um impacto positivo, em nada se comparava com o que aconteceria com seu sucessor. Mas como Amy sempre teve que enfrentar seus monstros, o caminho até chegar naquele que seria o maior álbum da carreira foi marcado por períodos conturbados de sua vida. É em meio ao seu envolvimento com álcool e drogas pesadas, unido aos problemas de distúrbio alimentar e a pressão do ritmo produtivo da indústria que a cantora rompeu com a sua primeira gravadora para conseguir trabalhar com autonomia uma produção mais independente.

Assim surge Back To Black, o disco que já nasceu clássico e é considerado um dos maiores do século XXI. O segundo trabalho de Amy Winehouse segue com as referências fundamentais do jazz norte-americano – gênero esse que consagrou Amy Winehouse como uma das maiores cantoras de sua geração -, mas ainda consegue ser um álbum mais eclético e popular em relação ao seu debut, incorporando mais elementos do soul e do R&B, e construindo uma obra completa, de sonoridade e letras complexas, dentro de sua proposta e com o toque final da inconfundível voz de Amy.

A marca principal de Back To Black é ser uma obra forte, pessoal, envolvente e intimista. O trabalho feito ao lado dos produtores Mark Ronson e Salaam Remi levou 5 meses para ficar pronto (compreendendo o período de março a agosto de 2006), e traz muito da própria história de Amy e das transformações em sua vida desde Frank. O tempo gasto na preparação do trabalho carimba o cuidado pela música que espelhava a alma de sua compositora, e também denuncia as dificuldades encontradas pelo caminho da produção. É como Amy confessa logo em seu single de abertura num pedido de ajuda, e continua a aprofundar a carga emocional do disco no faixa a faixa.

Rehab é a música responsável por inaugurar o álbum, e foi a mesma que abriu os olhos do mundo para toda potência de Amy Winehouse. A letra autobiográfica revela uma cantora que já havia passado todos os limites no uso de drogas e precisava urgentemente de ajuda médica, mas os interesses de pessoas próximas – e a dificuldade de aceitação em reconhecer sua própria situação- a levaram para o caminho do estúdio. Todo o álbum é uma grande sessão de terapia com os desabafos feitos em cada verso.

Na  época, a cantora se relacionava com Blake Fielder-Civil. O namoro abusivo que girava em torno à entorpecentes foi um dos combustíveis mais vorazes para a explosão de emoções que Back To Black causa em seus apenas 34 minutos. A canção You Know I’m No Good é como um diário aberto sobre o encontro dos dois e o abuso psicológico que ele causava nela. Cheia de culpa, Amy se abre sobre o relacionamento com infidelidade e drogas, sentimos que ela quer estar longe, mas algo muito maior a domina, um sentimento maior que ela a prende nessa dinâmica de abuso.

A fúnebre canção que batiza o disco também surge do relacionamento de Amy e Blake. Na época que estava com a artista, Blake também mantinha um namoro com Sarah Aspin. É esse pulo que ele dava entre as duas amantes que inspirou a fúnebre canção que batizou o disco. A entrega a cantora se faz presente em todos os aspectos de Back To Black, por meio das letras notamos uma mulher apaixonada matando um dragão por dia, através da voz conhecemos uma das maiores cantoras que o mundo já viu, vivendo cada linha de suas composições.

A canção-título abre uma tríade de músicas especialmente memoráveis na já icônica tracklist de Back To Black, que apresenta um gosto analgésico diferente nessa seleção de ouro. Love Is a Losing Game traz um instrumental marcado pela lentidão que permite a cantora praticamente declamar toda a bagunça do amor. Já em Tears Dry On Their Own, brota a esperança de vê-la longe desse homem que tanto a humilha, mas novamente, ela está numa encruzilhada entre a necessidade de estar junto e a necessidade de nunca mais vê-lo. A autodepreciação é tempestuosa, e mal sabíamos que esse era só o começo do fim de Amy Winehouse.

Just Friends é uma das mais plenas traduções dos sentimentos de Amy em relação a Blake. Todos os incontroláveis defeitos que ela conhecia e todo desgaste emocional sofrido foram transcritos e pacificamente cantados no refrão do blues que indagava “quando vamos arranjar tempo para ser apenas amigos?”. Nessa  emboscada, é evidente que, apesar de toda provação, ela não o queria longe, e He Can Only Hold Her trata dessa dualidade e confusão dos sentimentos do amor à traição, das drogas à paixão e culpa. Some Unholy War nos coloca no centro de uma guerra amorosa onde necessariamente alguém vai sair machucado.

Ao longo do álbum, a citação às drogas e ao álcool são incontáveis e não estão mais presentes na vida da artista de maneira adolescente como antes poderia parecer. Não existiam mais festinhas e pubs para se divertir, e sim o buraco negro do vício que sugava toda a energia e os aspectos da vida da artista. Toda a compulsão da cantora é válvula de escape para a luta que travava com a sobrevivência toda vez que saia da cama, e assim, Addicted nos deixa chapados e colados a quem nem deveria estar ao nosso lado – muito menos ao lado de Amy.

O segundo e último disco de Amy Winehouse é uma descrição sentimental da artista, que viveu seus problemas pessoais mais graves enquanto estava no auge de sua carreira diante dos olhos do mundo inteiro. Back To Black foi o álbum mais comprado no Reino Unido no ano de seu lançamento, e indicado a seis categorias da 50ª edição do Grammy Awards: Canção do Ano, Gravação do Ano, Melhor Performance Vocal Pop Feminina, Artista Revelação, Melhor Álbum Vocal Pop e Álbum do Ano, vencendo as cinco primeiras, e tornando Amy a primeira intérprete feminina britânica a vencer cinco categorias da premiação naquela noite de 10 de fevereiro de 2008.

A fama meteórica fez com que o impacto cultural de Amy fosse tremendo. A personalidade expressa naquela maquiagem marcada naquele delineado gatinho, o piercing em na lateral superior dos lábios, o corpo decorado por tatuagens e as estampas de bolinhas em tons de vermelho em preto em seus looks… De repente, em pleno início do novo século, se via um ressurgimento da estética rockabilly e pin-up dos anos 50 e 60, influenciado por uma figura azarona no meio pop que sequer se identificava com o meio ou reivindicava seu lugar dentro daquele espaço. Era o fenômeno Amy Winehouse.

Mas o holofote da mídia também foi um dos altares de sua queda. Conforme os problemas do vício em drogas e dos distúrbios alimentares e doenças psicológicas se tornaram mais explícitos, o mundo mudou a ótica pela qual a enxergava. Os tabloides, sempre parasitários e inicialmente bajuladores, passaram a se alimentar de Amy sob uma outra perspectiva, a mais cruel possível. Nos momentos de maior vulnerabilidade física e emocional da artista, sua aparência e comportamentos eram os temas de manchetes sensacionalistas, preconceituosas, alarmistas, desrespeitosas e violentas, ridicularizando suas lutas pessoais. Infelizmente, Amy integrou o rol de vítimas do assédio midiático que lançava suas favoritas ao estrelato quando oportuno, e que as destruía com alguns flashes quando rentável. 

Como resposta, a postura de Amy diante da mídia também mudou. A artista do momento que costumava ser simpática e receptiva com os repórteres se transformou numa mulher fechada e perseguida. Suas energias foram sugadas pelo turbilhão de paparazzis que a vigiava 24 horas por dia, 7 dias por semana. A caça por cliques da cantora em seu pior estado gritava mais alto do que todo pedido de socorro que ela emanava. A superexposição sofrida nos fazia prever que perderíamos Amy Winehouse precocemente.

Então, a artista fez uma pausa musical de dois anos. A luta para se sentir melhor era real, mas as pessoas ao seu redor a viam como um caixa eletrônico. O próprio pai invadiu as férias da cantora com uma equipe de filmagem para cenas de um documentário, atrapalhando toda e qualquer evolução que ela pudesse ter. Em maio de 2011, ela foi internada na reabilitação, entretanto o tratamento durou apenas uma semana, para que fizesse sua agenda de shows. Amy visivelmente não deveria estar em cima dos palcos, o que levou ao mais do que necessário cancelamento das 11 datas restantes.

“Eu morri uma centena de vezes”, Amy denunciava o desgaste em um de seus maiores hits, que já havia levado a paixão que ela imprimia nos versos de suas canções, e que transformava em algo cada vez mais distante o momento em que veríamos de novo aquela mulher indefesa e encantada com sua vitória no Grammy. Mas isso não a impedia de compor. O relacionamento de Amy com a música era puro e emocional, e ela não vivia pra cantar, ela cantava pra viver. Em qualquer canto que olhamos, há culpa pela fatalidade que fez com que Amy partisse tão jovem.

O poder de Amy Winehouse se dissipou totalmente quando a artista se encontrava no fim de sua vida. Ali, ela era vítima. De si mesma, da sua intensidade, das pessoas ao seu redor que abusaram de sua fragilidade, dos seus monstros, do preconceito que a sociedade conserva por pessoas que sofrem com a dependência química, da crueldade das doenças e distúrbios psicológicos, da indústria musical, do entretenimento, da mídia. Todo respeito é necessário quando se fala do monumento que era Amy, uma voz potente e sentimento não pode ser apagada ou esquecida à mercê de seus fantasmas.

Uma década depois, a volta ao luto é densa e pesada. Encarar a morte da artista e todas as suas tristes razões e circunstâncias é doloroso, e a saudade de sua expressão artística é avassaladora. E assim como a força que atraía Amy Winehouse de volta aos seus lugares mais escuros até que esse movimento se transformasse em algo insustentável e permanente, sufocando sua vida e genialidade, nós continuamos atraídos pela força do brilho de sua música, voltando à vida e memória de uma maiores vozes do século.

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