Isabella Lima

“Sinceridade não pode ser fabricada; a sinceridade de cada integrante do BTS é sedimento de suas provações, tribulações, tristezas, medos e esperanças a partir de suas próprias experiências vividas”, afirmou Jiyoung Lee em seu livro BTS Art Revolution, sobre o grupo de K-pop que conquistou, e ainda conquista, fãs leais ao redor do mundo. O legado de RM, Jin, SUGA, J-hope, Jimin, V e Jungkook é incontestável; sete rapazes de um pequeno país asiático que foram capazes de quebrar diversas barreiras linguísticas dentro da indústria da Música. O septeto, que iniciou a carreira em 2013, pode até ter anunciado uma pausa na carreira como grupo, mas seus trabalhos solos estão proporcionando aos fãs do BTS, conhecidos como ARMYs, verdadeiras obras musicais. Entre elas, encontramos os projetos de Min Yoongi, que se denomina como SUGA dentro do grupo, porém, quando em carreira solo, é conhecido por Agust D.

Apesar de ser a mesma pessoa, o cantor utilizou os nomes fictícios para explorar todo o seu potencial artístico, seja em equipe ou sozinho. O pseudônimo Agust D não é estreante no cenário musical: suas letras combativas, carregadas de rap e críticas são a marca registrada do artista desde 2016, quando lançou o seu primeiro projeto solo intitulado Agust D. Em 2020, a segunda parte da sua jornada chegou com o nome D-2, e agora, em 2023, conhecemos o capítulo mais recente dessa história: o álbum D-DAY, que além de dois videoclipes inéditos, também ganhou um documentário no Disney+, SUGA: Road to the D-DAY. 

O filme explora o processo de produção do projeto mais recente do cantor, além de abordar suas principais questões criativas. Yoongi sempre foi conhecido por ser um dos membros mais introvertidos do BTS, algo que o ajuda a expor com sinceridade a carga emocional das letras que escreve. Porém, logo no início do documentário, um ponto essencial é trazido pelo próprio artista: a despedida dos seus 20 anos e a chegada dos 30. Isso é algo que faz com ele se pergunte o que ainda pode retratar em suas canções. “Minhas histórias acabaram, mas preciso contar uma”, revela durante a filmagem, mostrando a dificuldade de entender a fase adulta quando se é alguém que atingiu tantos sonhos ainda tão jovem. Em meio a esse contexto, o artista oferece reflexões valiosas misturadas com momentos musicais em um estilo grunge e rock star. 

Aprendemos, ou melhor, relembramos com Min Yoongi que o processo criativo não é uma linha reta. A autocobrança está presente na vida de muitas pessoas e para ele não é diferente. O rapper comenta com muita sinceridade sobre suas preocupações e medos para seu novo disco. Da mesma forma que atualmente as informações chegam extremamente rápido, os produtos musicais também são consumidos de maneira acelerada, o que gera uma ansiedade e pressão nos artistas para atingir a hiperprodução. Apesar dessa espiral de pensamentos, Suga mostra que o caminho para a criatividade não é, e nem precisa ser, linear. Algumas músicas do D-DAY, como Haegeum e AMYGDALA, por exemplo, tiveram suas primeiras versões criadas em 2020, mas só foram efetivamente lançadas agora. 

Além disso, quem nunca teve um bloqueio criativo? Eles existem e está tudo bem pedir ajuda, isso não descredibiliza todo nosso esforço. Em Junho de 2022, Agust D viu a composição do seu novo álbum chegar a um beco sem saída. A maneira como ele decidiu passar por essa situação foi, justamente, saindo da rotina e, o mais importante, pedindo ajuda. Para isso, ele reuniu um time de compositores em PyeongChang, interior da Coreia do Sul, onde foi gravada a segunda temporada de BTS In The Soop. Neste momento, o documentário acompanha a reunião da equipe, mostrando que um processo difícil para apenas uma pessoa se tornou um momento de descontração e trabalho na medida certa quando feito em grupo. Suga ainda comenta que, quando se junta com outras pessoas, pode passar 12 ou 13 horas trabalhando, mas sempre acaba sendo uma construção mais divertida e menos solitária. 

Aqui também percebemos a importância de sempre se lembrar das nossas motivações pessoais. Uma das partes mais emocionantes de SUGA: Road to the D-DAY se passa no Japão, quando Suga tem a oportunidade de conhecer um dos seus ídolos de infância, o produtor, compositor e vencedor do Oscar Ryuichi Sakamoto. Quando pequeno, Yoongi assistiu ao filme O Último Imperador e desde então as composições de Sakamoto o inspiraram a ser músico. As reflexões que leva para essa conversa são focadas em entender como se manter motivado dentro da sua profissão, uma vez que ele já faz música há 17 anos e muitas vezes se sente cansado e até cogita parar. Para Ryuichi, com seus 70 anos de experiência, a composição deve ser interpretada como uma escada infinita, uma vez que, quando um artista fica 100% satisfeito com a sua obra, é o fim do seu propósito.

No fim, Agust D e seu documentário cumprem com o propósito de transmitir um valor muito importante: a vulnerabilidade. É admirável como enxergar e sentir os momentos difíceis de uma celebridade pode a aproximar do seu público prioritário, os seus fãs. Suga expõe suas dores, dificuldades e ansiedades na esperança de que isso possa acalentar outras pessoas. Todos esses fatores fazem SUGA: Road to D-DAY ser equivalente a um daqueles abraços que buscam dizer que tudo vai ficar bem. O artista, que iniciou a jornada do seu novo álbum sem saber qual narrativa explorar, finaliza revelando: “Quais você acha que são as chances da chegada de um futuro totalmente controlável? Há uma grande chance do futuro que você teme nunca acontecer. Essa é a história que eu queria compartilhar com vocês (…) Quero compartilhar histórias que tenham foco no presente”.

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Isabella Lima 

Em 2004, o filósofo Zygmunt Bauman utilizou o termo “Amor líquido” para se referir aos relacionamentos constituídos na pós-modernidade, um período caracterizado pelo rápido padrão de mudança e adaptação. Coube a ele se questionar: como se dá o amor e as conexões afetivas dentro desse mundo fluido? Para essa pergunta, Bauman comenta que a necessidade de praticidade na vida fez o amor se tornar descartável e as relações, superficiais. Queremos estar com alguém, mas, ao mesmo tempo, também não queremos o compromisso de um relacionamento profundo. Na prática, esse conceito é notório quando observamos temas sobre responsabilidade afetiva ganhando cada vez mais visibilidade nas redes sociais. Entre eles, encontramos a narrativa de Copo Vazio, livro ficcional de Natalia Timerman, escritora e psiquiatra responsável por colocar em foco uma das consequências desse amor líquido, o ghosting. 

Quantas histórias de mulheres abandonadas já escutamos? Desde as mais antigas, como Marianne Dashwood, ignorada por Willoughby em Razão e Sensibilidade (1813), até às mais atuais, como Lua Nova (2006) quando Bella Swan sofreu por meses seguidos com a partida repentina de Edward Cullen. Em Copo Vazio, conhecemos mais uma dessas personagens. Mirela é uma mulher dedicada e com perspectivas prósperas de carreira em um escritório de arquitetura em São Paulo. Um dia, por insistência de Marieta, sua irmã mais nova, a protagonista dá uma chance para os aplicativos de paquera, mesmo achando todo esse conceito errado. Ali, conhece Pedro, com quem começa a conversar e, posteriormente, engata em um relacionamento. Mirela só não contava com uma possibilidade: após alguns meses, esse homem sumiria da sua vida sem deixar explicações.

Pedro não atende mais o celular, para de responder as mensagens, apenas visualiza, e, em poucos dias, começa a bloquear Mirela em todas as redes sociais. A dor da protagonista é semelhante à de diversas pessoas que já se colocaram à disposição para sentir, se envolver, imaginar um possível futuro, mas depois perceberam que a paixão estava muito mais relacionada à ideia do amor do que ao sentimentor em si. O livro é composto por uma cronologia fragmentada, alternando entre o passado, presente e um possível futuro, colocando o leitor não só como receptor da história, mas também participante de todas as emoções da mulher. Nesse sentido, a escrita de Natalia é muito bem utilizada para mostrar como as consequências do ghosting vão muito além de ‘levar um fora’. Esses comportamentos também resultam em problemas psicológicos como baixa autoestima e dificuldade em achar fechamento para aquele relacionamento.

“Tinha uma pessoa na minha frente e agora não tem mais”, é um dos muitos trechos em que sentimos a angústia instalada na vida de Mirela. Com isso, entendemos o porquê uma das palavras-chaves para o sucesso desse romance seja a ‘identificação’, pois entramos em contato com uma personagem repleta das reações mais humanas possíveis diante do ocorrido. Entre elas, a sensação de não ser o suficiente está muito presente na narrativa, como se algo convencesse, erroneamente, que a pessoa abandonada não é merecedora de amor. A exemplo disso, há uma passagem em que a protagonista questiona: “se sou alguém a quem se pode amar por que Pedro não está aqui?”. Ou seja, apesar de ser uma mulher inteligente, interessante, bonita e dedicada, o abandono grita mais alto do que todas as suas qualidades, e ela não consegue entender, e até se sente violada, quando outra pessoa além de Pedro demonstra interesse por ela. 

Em sua participação no podcast Bom Dia, Obvious, Natalia Timerman comentou sobre como Copo Vazio vai além de um livro sobre abandono, mas também trata-se de uma história sobre a elaboração do luto. O vazio após um término é sempre acompanhado do luto pelo futuro que se perdeu, diz a escritora, e esse vácuo acaba sendo preenchido por fantasias ou pelo questionamento “e se?”. Essa reflexão é latente na obra, uma vez que a personagem encontra dificuldade em viver no agora e, consequentemente, mergulha em fantasias pensando como seria se as coisas fossem diferentes. Uma das formas mais poéticas que Timerman encontrou para retratar isso está em um capítulo escrito utilizando somente verbos no futuro do pretérito indicativo, mostrando algo que poderia ter acontecido, mas não aconteceu.

Mas e o Pedro nessa história? Assim como para Mirela, ele é uma incógnita para o leitor. É importante ressaltar: aqui temos acesso somente à visão da protagonista, ou seja, a parte mais envolvida no relacionamento. Dessa forma, observamos ele em cima do pedestal no qual foi colocado. Algumas vezes ele parece estar presente, em outras, distante. As vezes parece ser esquisito, em outras, pode até ser considerado bonito. Mesmo quando ainda estava dentro do relacionamento, Pedro era semelhante a uma fumaça, nunca constante. Após algum tempo, a própria Mirela constata que talvez estivesse se relacionando mais com a imagem perfeita de Pedro construída por ela, do que com ele propriamente dito.

Em conjuntura, Copo Vazio consegue colocar em palavras sentimentos que muitos de nós procuramos transmitir, mas não sabemos exatamente como. O livro de Natalia Timerman escancara a volatilidade dos relacionamentos em um contexto pós-moderno, cercado pelas redes sociais e pela ansiedade coletiva na qual estamos imersos. A dor de um coração partido é inevitável; No entanto, refletir e entender a situação é o primeiro passo para procurar ajuda, pois, assim como a personagem Mirela disse: “Há tanto que poderia ter sido de outro jeito, e, no entanto, o caminho é só um, e sempre leva ao dia de hoje.”

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Isabella Lima 

“Austen nos dá a fantasia histórica e ainda fornece uma dura ridicularização daqueles que são muito esnobes em suas distinções de classe” é o que escreve Linda Troost e Sayre Greenfield no livro Jane Austen in Hollywood. Publicado entre os anos 1990 e 2000, as autoras acompanharam o auge das adaptações audiovisuais das obras literárias de Jane Austen. De fato, todos esses elementos, juntos da narrativa romântica, encantam os entusiastas da escritora inglesa e foram bem incorporados em  Orgulho e Preconceito (2005), Emma (2020), ou até mesmo em As Patricinhas de Beverly Hills (1995), uma adaptação mais reconstruída e modernizada. Ao contrário desses títulos, Persuasão, a nova aposta da Netflix  inspirada no livro homônimo de Jane Austen, não conseguiu proporcionar uma experiência capaz de estabelecer conexão com a tradição, nem com a reinvenção da direção inaugural de Carrie Cracknell, nome já conhecido no teatro britânico. 

O casal Anne Elliot (Dakota Johnson) e Frederick Wentworth (Cosmo Jarvis) é o fio condutor da trama, cujo relacionamento foi bruscamente rompido no passado pela persuasão de Lady Russell (Nikki Amuka-Bird). Sendo uma amiga de grande estima de Anne, Lady Russell convence a protagonista a desistir do romance pela falta de títulos e status de Wentworth. Porém, após oito anos separados, Frederick retorna ao círculo social da família Elliot como capitão da Marinha Real Britânica, dispondo de fortuna e reconhecimento. A partir desse reencontro, observamos os ressentimentos de Anne e suas expectativas por uma segunda chance, agora que ele está em busca de uma esposa.

Entre os pontos que mais deixaram a desejar em Persuasion, nome original do longa, o esvaziamento da personagem, originalmente idealizada no livro, é o mais gritante. Anne Elliot é conhecida por ser uma das heroínas mais apaixonantes já escritas por Jane Austen. Seu temperamento tranquilo, resiliente, sábio e empático são características natas, que destoam muito do seu ambiente familiar egocentrista composto pelo pai, Sir Elliot (Richard E. Grant), e pelas irmãs, Elizabeth (Yolanda Kettle) e Mary (Mia McKenna-Bruce). Já no filme, a senhorita Anne é transformada em uma pessoa irônica, cômica, uma cópia não tão bem executada de Fleabag, que se mortifica durante oito anos por ter sido persuadida a abandonar o homem que amava. Em outras palavras, a jornada de aprendizado e evolução da personagem, um dos principais aspectos dos romances de costumes do século XIX, é deixada de lado em prol de trazer toques mais atuais para a obra. 

Tanto a crítica especializada, quanto o público mais familiarizado com a escritora inglesa, fizeram comentários em relação à modernização exagerada da trama. Fica evidente que a estratégia utilizada pela Netflix foi apostar em fórmulas prontas de sucesso, assim como fez em Bridgerton, trazendo diálogos que não condizem com os costumes da época e a quebra da quarta parede. Além disso, Jane Austen é conhecida por não subestimar a inteligência do leitor e, de forma sútil, apresentar suas críticas sociais. No entanto, o filme vai na direção oposta quando incumbe a personagem principal de explicar os mínimos detalhes ao telespectador em diversos momentos, rompendo com qualquer carga emocional que a cena poderia carregar e tornando o roteiro, escrito por Ronald Bass e Alice Winslow, maçante em muitos momentos.

Outra questão pouco explorada, que dá sentido ao título da obra, é a crítica à estrutura social da Inglaterra no século XIX. A ironia sutil que a produção literária utiliza para criticar o contexto social garantiu seu lugar entre os clássicos da Literatura, portanto, adaptar a narrativa de Persuasão sem levar esse trabalho a sério é uma tarefa difícil. Para trazer alívio cômico, o filme ignora o pano de fundo histórico e deixa de se aprofundar nos motivos pelos quais  a protagonista desistiu do noivado no passado. Motivos esses muito ligados ao papel aprisionador das mulheres da época, que tinham no casamento a única forma de ascensão social. No livro, Anne é persuadida ao entender que terminar com Wentworth era seu dever, uma precaução acerca das condições sociais e econômicas precárias do homem. Dessa forma, a personagem passa por um processo de racionalização dos seus sentimentos, ao contrário do que vemos no longa.

Apesar de todas as inconsistências, nem tudo foi perdido. É preciso reconhecer que pelo menos uma característica de Jane Austen foi aproveitada: a sátira pitoresca dos personagens. Um ponto forte da escritora inglesa é satirizar os costumes da época, apresentando uma ‘elegância ridícula’ daqueles que se esforçavam para manter o status social a qualquer custo. A família Elliot é o maior exemplo disso, pois, mesmo estando à beira da falência, Sir Elliot e Elizabeth não deixam de lado a vaidade e o egocentrismo. Esse aspecto é bem retratado no filme com diversos auto-retratos do patriarca espalhados pela casa e a presunção arrogante da irmã mais velha de Anne. 

Vale ressaltar também a diversidade que a produção trouxe para o elenco e, claro, a maneira como retrata a natureza e o espaço físico da história em si. O bucolismo, já muito utilizado nas adaptações cinematográficas anteriores das obras de Jane Austen, se trata de um elemento chave para transportar o telespectador para o enredo, que, na maior parte do tempo, se passa na região interiorana da Inglaterra. Em Persuasão, somos apresentados a três cenários: o interior (Uppercross e Kellynch Hall), o litoral (Lyme) e a paisagem urbana (Bath). Nesse aspecto, o longa rendeu imagens agradáveis capazes de trazer a natureza como um personagem da narrativa.

Persuasão se apresenta como o ponto fora da curva entre as adaptações de Jane Austen. Repleto de anacronismos e modernizações, o longa não conversa com aquele que deveria ser seu principal elemento: o questionamento se o amor é verdadeiro a ponto de sobreviver às imposições sociais, ao tempo, à opinião da sociedade e, acima de tudo, se é capaz de perdoar. A construção apaixonante do casal não estabelece uma conexão genuína com o telespectador em relação a esses aspectos e, ao final, o sentimento de recompensa quando os personagens ficam juntos não é tão gratificante. Para aqueles que estão tendo o primeiro contato com a obra, o longa pode garantir certo divertimento, mas não é capaz de trazer uma experiência verdadeiramente digna de um romance de Jane Austen. Elementos como a sátira e a ridicularização estão presentes, de fato. Porém, a fantasia histórica mencionada por Linda Troost e Sayre Greenfield foi deixada de lado para ceder lugar a, praticamente, uma comédia romântica.

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Isabella Lima

A maneira como lidamos com os sentimentos desencadeados pelo fim de um relacionamento diz muito sobre a nossa capacidade de adaptação. Muitas vezes, temos de lutar contra o desejo constante de voltar desesperadamente para alguém que não faz mais sentido manter ao redor. Mesmo estando cientes disso, ainda amamos aquela perigosa ideia de estar perto de algo familiar. Agora junte isso com momentos de epifania, com uma vontade de gritar para o mundo ‘quando esses sentimentos vão acabar?’, riffs de guitarra e o melhor do indie rock. Dessa combinação, temos  os elementos principais do álbum Tell Me That It’s Over, o novo trabalho da banda californiana Wallows. 

Formada por Dylan Minnette (sim, o protagonista da série 13 Reasons Why), Braeden Lemasters e Cole Preston, a banda lançou o seu segundo álbum de estúdio, composto por 10 faixas inéditas. Para este disco, o trio intérprete de Scrawny conta com a produção de Ariel Rechtshaid, um nome de peso na indústria: ele possui 3 Grammys em seu currículo e, anteriormente, já trabalhou com outros representantes da música indie, como Vampire Weekend e HAIM. Além disso, o fato dos três amigos já se conhecerem desde o início da adolescência traz muita familiaridade, leveza e facilidade ao trabalharem juntos no processo criativo de todas as músicas.

Wallows não decepciona ao transparecer a evolução musical, cultivada desde 2018 com o lançamento do Spring EP, seu primeiro EP assinado com a Atlantic Records. Logo depois, em 2019, veio o primeiro álbum de estúdio, Nothing Happens. Em 2020, os integrantes também não ficaram parados: durante a quarentena, o trio trabalhou no projeto mais experimental da carreira até então, o Remote EP. Agora, com o lançamento de Tell Me That It’s Over, observamos um retorno triunfal à essência da banda, que, mesmo incorporando novos elementos, consegue manter a originalidade e entregar composições muito além do hit viral do TikTok Are You Bored Yet?.

A jornada proposta pela Wallows no disco leva o ouvinte a refletir sobre a pressão que colocamos nos relacionamentos modernos, o medo de estarmos sozinhos e as inseguranças decorrentes de uma separação repentina. Nesse caminho, somos guiados através da perspectiva de uma pessoa que se sente deslocada na relação, e se perde em várias versões dela mesma para salvar  o romance. A partir disso, a história se inicia com a faixa Hard to Believe, passando por todos os estágios de um rompimento conturbado, até culminar no encerramento, com Guitar Romantic Search Adventure. 

Apesar das letras tratarem de assuntos românticos, a sonoridade é expressivamente enérgica, na maioria das músicas. Os arranjos remetem ao conceito nostálgico dos anos 80, que ganham tons mais modernos e característicos da Wallows. O primeiro single, I Don’t Want to Talk, marcou o retorno da banda com uma vibe retrô e tecnicolor, acompanhada de reflexões pertinentes sobre a juventude e vulnerabilidade, temas muito recorrentes em toda a discografia do grupo. “Percebi que quanto mais velho fico, fico mais inseguro/Se eu não tiver você ao meu lado, então não posso ter certeza”, o vocalista canta.

No processo de divulgação do álbum, a faixa escolhida para ser o segundo single foi Especially You. Aqui, a ênfase está na letra, que mira em retratar a mente de uma pessoa ansiosa, em um relacionamento no qual as incertezas e a falta de comunicação são persistentes: “Minha cabeça não pode compreender/Vivendo em segundo plano, imaginando o que você quis dizer”, os meninos cantam. Apesar de ter recebido uma divulgação expressiva e até um videoclipe, a canção é bem razoável, se comparada com as demais. Porém, é preciso admitir que o trio acertou no ponto e representou muitos de nós com o seguinte trecho: “Não consigo parar um humor que oscila/Vou ler qualquer coisa/Eu sei que não é isso que você quis dizer/Eu tenho o sentimento errado”.

Outra menção honrosa na nova fase da Wallows é a estética visual, repleta de imagens analógicas, luzes e um estilo que remete aos anos 90. As características estão presentes em todo o projeto, em especial no terceiro single, At the End of the Day, uma balada romântica que ganha traços melancólicos na voz suave de Braeden Lemasters. Na abertura da canção, já somos instigados a saber até onde vai a nostalgia despertada pela composição: “Por favor, deite sua cabeça aqui no meu ombro/A noite é jovem, mas ainda estamos envelhecendo/Você pode nos ver apaixonados assim para sempre?/Ou você tem medo de que seja muita pressão?”, o baixista canta. O clipe em si possui aspectos típicos de um curta-metragem indie, no qual viajamos em uma road trip, através da beleza do deserto até a cidade de Las Vegas.

Mas não é só de lamentos que a Wallows vive. A partir da metade de Tell Me That It’s Over, um momento de epifania nos faz entender, junto com a banda, algo muito importante: para superarmos, primeiro precisamos aceitar. A narrativa percebe que a energia gasta para tentar recuperar um amor perdido não vale a pena, se trata de um preço muito alto, que pagamos com o nosso tempo e até mesmo com a saúde mental. Esse tema está presente nas canções Permanent Price, Missing Out e  Hurts Me. Dentre essas três, a última merece um lugar especial. A melodia contagiante e o jogo de palavras estabelece um diálogo entre os intérpretes, que, juntos, concordam não precisarem estar nessa relação problemática. “Eu não me importo/(Eu vou ter que aceitar que eu)/Eu não preciso disso porque me machuca”, diz a letra.

Um fato curioso, também comentado pela banda em seu canal no YouTube, é em relação ao título do álbum: a frase “Tell me that it’s over” é repetida diversas vezes ao longo do disco. Por isso, Breaden sugeriu que esse fosse o nome do álbum, ao invés de escolherem uma música-título. Tanto no primeiro single quanto no encerramento, a sentença está presente, o que dá uma sensação de fechamento de ciclo: “Gostaria que pudéssemos cancelar o tempo/Ou deixe tudo voar/Apenas me diga que acabou agora”, canta o trio em Guitar Romantic Search Adventure, última faixa do CD.

Tell Me That It’s Over é um retrato do amadurecimento desses artistas, que possuem uma essência capaz de proporcionar um futuro promissor. Enquanto isso, continuam a retratar as inquietudes da juventude e estabelecem conexões com pessoas que, assim como eles, estão adentrando os conflitos da vida adulta. Dentre os dilemas dessa fase, a questão amorosa é apenas uma das ramificações. Porém, com maestria e sinceridade, a banda de Los Angeles mostra que está tudo bem em sentir – é preciso sentir. Para alguns, o álbum pode ser um conforto ou até mesmo um jeito de perceber que não estão sozinhos nessa situação. Ao final, uma coisa que a Wallows apresenta neste novo trabalho é certa: o caminho para superar ensina mais sobre nós mesmos do que o fim.

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