Isabela Nascimento 

Em maio de 2020, no meio da pandemia do coronavírus, a cantora britânica resolveu criar um álbum e documentar o processo criativo inteiro, enquanto relatava sobre a experiência de estar isolada da sociedade. “Como eu estou me sentindo agora“, tradução do título em português, contém 11 faixas que navegam em seus sentimentos mais íntimos. O reacender de uma paixão, a insegurança consigo mesma e com a sua carreira e as aflições de estar sozinha. Esse seria o primeiro disco que a artista abordaria de maneira profunda suas emoções, dando início a uma nova era de produções mais pessoais e cruas da Charli XCX.

Charli XCX: Alone Together, documentário lançado em 2021, mostra a criação do trabalho, ao mesmo tempo, que a compositora desabafa sobre o isolamento social e as sensações que começaram a aflorar nesse período. Ela conta em um dos seus relatos que trabalhar é a única coisa que a faz se sentir bem. Como estava cansada de ficar em casa sem fazer nada, Charlotte Aitchison começou a idealizar uma obra em cinco semanas como forma de se desafiar e de se ocupar naquele momento atípico.

Além de retratar a produção do álbum, o projeto também mostra vários desabafos da performer, muitos deles são sobre seu relacionamento com o desenvolvedor de videogames, Huck Kwong. A voz de Von Dutch, revela que, em sete anos de namoro, aquela foi a primeira vez que eles estavam vivendo juntos e como a pandemia fez com que eles se aproximassem mais. Antes disso, a britânica sentia que o relacionamento estava acabado, mas a chama foi acendida novamente.

how i’m feeling now foi lançado com uma temática bem definida, se destoando dos seus trabalhos anteriores. A obra é focada nas fases do amor, nas suas vulnerabilidades e também a vontade de festejar com seus entes queridos. O quarto disco de estúdio de Charli XCX é mais reflexivo, profundo e intimista, pois navega de uma forma única em seus sentimentos e expõe de maneira crua as dificuldades de seu antigo relacionamento.

No primeiro single, a cantora deixa essas emoções bem claras, já mostrando como o projeto seria. forever tem uma sonoridade eletrônica e com alguns elementos de Hyperpop. Na letra, a artista se declara para ex-namorado, dizendo que mesmo se um dia o romance acabar, ela o amará para sempre. Ela, também, desabafa sobre esse quase fim do romance e como estava em um lugar feliz naquele momento.

“Sim, agora precisamos esquecer isso/Dirigi o carro para fora da estrada/Preciso te dar tempo para amadurecer/Você não é um fantasma, você está na minha cabeça/Eu sempre vou te amar (te amar)/Eu vou te amar para sempre” – forever

A produção é encabeçada por Dijon, Bj Burton, Benjamin Keating e seu produtor de longa data, A. G. Cook. Charli e o profissional colaboram desde 2017, quando a britânica lançou a sua primeira mixtape, Number 1 Angel. A coisa mais interessante sobre a parceria é que mesmo depois de uma década trabalhando juntos, os amigos continuam fazendo músicas únicas e atemporais. A canção que deixa isso perceptível é party 4 u.

Agora, no começo de 2025, depois de cinco anos do seu lançamento oficial, a composição começou a ganhar uma popularidade que nenhuma faixa do álbum tinha até então. Nos últimos meses,  party 4 u ganhou mais de 50 milhões de streamings nas plataformas digitais, sem contar as trends e os vídeos criados nas redes sociais. O sucesso inédito pode ser surpreendente para os novos fãs, mas essa balada é uma antiga conhecida dos seus seguidores mais fiéis.

A primeira versão foi produzida por Sophie, e tocada no Nylon Japan’s 13th Anniversary Party, no Japão em 2017. Charli XCX contou em uma entrevista a Apple Music que em todos os projetos depois de sua criação, ela e seu produtor consideravam adicionar em seus trabalhos. “Toda vez que nos reunimos para fazer um álbum ou uma mixtape, ela é sempre levada em conta, mas nunca tinha achado um momento certo, até agora. Por mais bobo que pareça, era hora de dar algo em troca”, disse a performer.

A canção é fascinante do começo ao fim, pois narra o sentimento da artista de estar desesperadamente apaixonada por alguém, e só querer fazer uma festa a essa pessoa e ser amada por ele, mas não ter esse amor correspondido. As súplicas nos versos finais e o toque de  A. G. Cook, tornaram party 4 u atemporal, complexa e com uma carga emocional que apenas os dois poderiam nos trazer. O hit orgânico faz ainda mais sentido quando se olha por esse lado.

 Em comemoração ao aniversário do álbum, a britânica lançou um clipe digno para a composição. O vídeo foi criado quatro dias antes de ser divulgado, com os elementos do disco aniversariante, o visual intimista, uma filmadora e a vulnerabilidade acompanhada de detalhes atuais, fazendo com que seus fãs se sentissem mais uma vez próximos dela. A compositora finaliza o vídeo destruindo um outdoor com sua cara, talvez, indicando o fim do Brat summer, ou expondo o cansaço da fama recente.

Mas não é só de melancolia que how i’m feeling now é composto. Em entrevista ao Zane Lowe em 2024, a cantora contou que Brat seria um parente próximo desse álbum. Quando escutamos a música de abertura, pink diamond, inspirada no anel de Jennifer Lopez, não podemos concordar mais com a afirmação dela. A escolha dessa faixa para iniciar o trabalho dá uma pista aos seus projetos futuros e, ao mesmo tempo, explora o desespero de estar presa em casa.

Com uma batida pesada, digna de um Boiler Room, é a canção mais dançante do disco. É notável o toque de club music, com elementos mais experimentais, algo que a britânica gosta de misturar. Em seus versos, a artista repete como só queria estar em um clube e dançar com seus amigos a noite inteira. É impossível ficar parado ouvindo. Embora sua produção mais recente seja inspirada em baladas e festas,  ela tem o seu lugar ao sol na playlist de clube da cantora. 

how i’m feeling now explora sons agressivos e dançantes. Apesar de boa parte não fazer mais sentido, já que a compositora terminou com seu ex-namorado e a pandemia acabou, as faixas ainda fluem de uma maneira gostosa. anthems tem uma base animada, mas com um toque existencial. claws e 7 years exploram o mesmo tema, a  paixão, porém se distanciam na sonoridade. A primeira é mais animada com uma repetição de palavras, marca registrada da cantora, e a segunda é mais melancólica, tendo uma batida mais eletrônica desconstruída. Esses são os maiores exemplos da atemporalidade do disco.

Mesmo tendo sido lançado há meia década e em um momento atípico do mundo, o quarto álbum de estúdio de Charli XCX segue sendo um de seus maiores trabalhos. A obra é um conjunto único, que se destaca magnificamente. A presença de aspectos pessoais, algo que a performer não tinha feito antes e que veríamos em trabalhos futuros, trouxe um ar mais fresco e cativante. O projeto não só mudou as impressões das pessoas sobre ela, mas também alterou a forma como a própria iria produzir.

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Henrique Marinhos

Não é novidade que ‘ser brat’ é sobre quebrar regras. Charli XCX não só entende isso como vive essa filosofia há um bom tempo. Brat and it’s completely different but also still brat é paradoxal e só poderia ser assim. A coletânea de remixes – se é que podemos definir assim – não se trata da adição de versos ou uma versão estendida; é uma desconstrução completa do álbum original, completamente diferente e, ainda assim, brat.

Mais lento, impregnado de colaborações e profundamente diferente, ele chega a soar como a versão primária quando aplicamos o que comumente consumimos como remix. O álbum conta com a produção de A. G. Cook e Danny L Harle, mestres do experimentalismo eletrônico que moldaram o hyperpop e PC Music como os conhecemos. Com um toque etéreo, as faixas são mergulhadas em novas camadas de distorção e vulnerabilidade. Ironicamente, com sua atmosfera eletrônica frenética e caótica, Brat poderia facilmente ser o verdadeiro remix.

Por que mudar todas as músicas? Porque ela quer e pode. E quem quiser a versão original, que volte para ela. Reclamar disso é como resmungar sobre um buffet que oferece dezenas de opções: escolha o que quiser e vá em frente. XCX nos dá fartura sonora e liberdade total. O remix não substitui, ele expande, amplia e destrói ao mesmo tempo. É completamente diferente. Ela sabe disso e nós sabemos disso, não foi falta de aviso.

Para alguns, pode soar frustrante, mas essa é exatamente a graça: não entregar ao público o que ele espera – algumas vezes funciona, outras nem tanto. Sympathy is a klnife featuring ariana grande, a aguardada colaboração com a ‘dangerous woman’, é para quem alcançou o topo e descobriu que a vista é solitária. Enquanto todos esperavam que Grande assumisse o protagonismo, ela surge como uma backing vocal quase imperceptível, jogando contra as expectativas e deixando um gosto agridoce. É o desconforto em forma de som e do que ele poderia ser.

Por outro lado, B2b featuring tinashe, segunda colaboração com a intérprete de Nasty, é um dos momentos mais iluminados do projeto. A química entre as duas se renova e brilha mais uma vez, celebrando a trajetória de ambas. As artistas relembram sucessos como 2 On e Boom Clap, enquanto a faixa carrega a energia pulsante de 5 In The Morning. É como se as duas se reconhecessem e abraçassem nesse reencontro, celebrando anos de luta, perseverança e evolução artística em uma indústria implacável.

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A campanha visual foi um espetáculo à parte. Outdoors espalhados pelos Estados Unidos anunciaram as colaborações como se fossem atrações de um festival: Ariana Grande, Tinashe, Caroline Polachek, The 1975, Lorde, Troye Sivan, Billie Eilish, shygirl e muitos outros. Cada um, cuidadosamente escolhido, foi encaixado em faixas que potencializam o tema original. Essas escolhas foram estupidamente precisas.

Lorde, por exemplo, traz uma sensibilidade quase espectral à faixa em que participa, com vocais suaves que pairam como uma névoa e ressoam sobre polêmicas de anos: a rivalidade feminina encontra sua redenção em Girl, so confusing featuring lorde. Já 365 featuring shygirl, é pura insanidade sonora. Um frenesi eletrizante que invade os sentidos, como se cada batida fosse uma chicotada, com menos batidas por minuto em relação à primeira versão, mas tão potente quanto.

Se a melancólica I might say something stupid featuring The 1975 & Jon Hopkins captura o peso do arrependimento, a agitada B2b featuring tinashe, celebra as garotas workaholics. Enquanto Talk talk featuring troye sivan provoca: “vamos para minha casa?”, Everything is romantic featuring Caroline Polachek, desacelera em uma balada trágica e esperançosa. Lado a lado, Von dutch a. g. cook remix featuring Addison Rae e Guess featuring Billie Eilish são cult, clássico, pop, e brincam com calcinhas deixadas para trás. Essas e outras faixas têm seu momento: o que hoje é um skip, amanhã é o repeat.

Tudo é sobre fartura e liberdade, que não agradam a todos e tampouco se preocupam em ser previsíveis. A dinâmica das colaborações não é só complementar; elas expandem o que as primeiras versões tinham a dizer. Definitivamente não são enfeites, mas peças-chave e indispensáveis, na maioria dos casos. Mesmo que algumas faixas não tenham suprido as expectativas de alguns, ainda sobram 16 no original e mais três na versão deluxe.

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Brat and it’s completely different but also still brat é um manifesto sobre liberdade criativa e uma rejeição declarada à ideia de que algo precisa ser definitivo. A artista nos convida a abraçar o imprevisível, aceitando que a Arte nunca está pronta e, sim,  em constante construção, como nós. No fim, o álbum é uma metáfora para a própria vida: nada é imutável e cada versão é só mais uma entre tantas outras possíveis.

Não gostou? Sem problemas. A versão original ainda está disponível, esperando por você. Agora temos mais opções. Podemos comparar, escolher ou simplesmente nos perder em todas elas. Em um mundo obcecado por estabilidade e nostalgia, Charli XCX nos lembra que a verdadeira diversão está na transformação constante. Afinal, ‘ser brat’ é isso: viver sem pedir permissão.

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Henrique Marinhos

Provando por ‘A+B’ que opera nas margens do mainstream, não por falta de talento ou oportunidade, mas porque simplesmente quis assim, Charli XCX tornou-se uma força motriz na Arte contemporânea. Um álbum. Um movimento. Um estilo de vida. BRAT é quase inadjetivável e não tem espaço para introspecções ou profundidades poéticas excessivas. É o agora.

Das noites de Londres para o mundo, o álbum não se limita aos clubes e raves ilegais em que se inspira. É uma injeção de ânimo ao acordar, um saudosismo em relação a década de 2000, um manifesto do próprio Id – conceito freudiano da natureza humana – e sua primitividade. A internet o abraçou com todo coração, tanto em seus momentos mais agressivos quanto vulneráveis, afinal, até cortar a ‘brisa’ encaixa no conceito.

O termo que costumava descrever uma pessoa teimosa ou malcriada, que não segue regras e trilha seu próprio caminho, consagrou-se como algo muito maior do que qualquer um esperava. Ele é representado por uma capa verde neon com fonte preta pixelada e transcende seu sentido. É, inegavelmente, a obra mais memorável de 2024, tendo como produtores principais A. G. Cook e EASYFUN, parceiros de longa data de XCX no PC Music.

Em uma entrevista à Vogue Singapura, Charli XCX conta que queria algo ofensivo, um tom de verde fora de moda para despertar a ideia de que algo estava errado. Ela queria provocar as pessoas e conseguiu. BRAT passa longe de ser só uma audição passiva. É um convite – ou melhor, um desafio –  a participar de uma narrativa transmídia, conectando diferentes plataformas e públicos, cruzando estéticas visuais, sonoras e comportamentais para criar algo maior do que a soma de suas partes, como bem dizia Henry Jenkins. 

Essa estética tão fora de moda acabou sendo o lançamento mais moderno de 2024, virou meme, trend, se tornou viral no TikTok e no X (antigo Twitter), e tudo isso não foi à toa. Orquestrar esses efeitos de sentido, criando uma rede colaborativa entre ela e seus fãs é uma jogada precisa, pensada, que vai muito além de soltar uma música e esperar que aconteça algo.

Depois disso, ela nunca mais poderia andar de metrô com seus fãs em SP, mas os palcos da ZIG estão reservados para quando quiser voltar. Seu alterego Partygirl veio ao Brasil e evocou a pirralha – tradução literal de brat – de 15 anos que conheceu um cara no MySpace e a chamou para tocar em suas raves ilegais em Londres, marcando o início de sua carreira.

Apesar de tudo que a mídia a faz sentir, em Von dutch, produzido por EASYFUN, Charli XCX sabe seu valor. O  batidão do primeiro single dita o tom sonoro e visual do álbum, a artista – com ‘A’ maiúsculo – repetidamente agride câmeras no clipe, as joga de escadas, sobe em asas de aviões, se lança em carrinhos de mala e ‘dá closes’. Longe de qualquer prepotência, ela sabe que pode fazer tudo isso porque “É óbvio, sou sua número um”.

Creditada como compositora de todas as faixas, Charlotte Aitchison  traz pensamentos rápidos, ‘bobeiras’ que falamos bêbados e exageros deliciosos que nos fazem rir. BRAT não é o lugar de procurar qualquer comparação com Clarice Lispector. Mas nem por isso deixa de ser extremamente inteligente. Não é surpresa alguma que provocar efeitos de sentido intencionais e usar a convergência midiática com tamanha maestria exige um trabalho extremamente minucioso, e traz resultados mais eficazes que lançar vários trabalhos em curtos espaços de tempo; cof, cof, Taylor Swift, Ariana Grande…

Tudo aqui é uma narrativa interligada, mesmo que introspecção e críticas não sejam o foco, podemos discorrer sobre elas por um período de tempo. Em suma, essa nova era explora as pressões da vida moderna, especialmente para mulheres que estão na casa dos 30. Temas como maternidade, amizade, fama e a constante busca por autenticidade são costurados ao longo das faixas e nos clipes, às vezes, com remendos, porém se propondo a quebrar os moldes da identidade feminina criados pelas expectativas sociais. No clipe de 360, dirigido por Aidan Zamiri, XCX chama todas as It Girls para provar seu ponto: Rachel Sennott, Julia Fox (mencionada em versos), Chloe Cherry, Gabriette (do Nasty Cherry) e Richie Shazam, ainda com a participação de A.G. Cook, produtor e precursor do PC Music.

A maternidade, por exemplo, surge de forma sensível em I Think About It All the Time, onde a cantora reflete sobre o desejo de ser mãe. “Mas finalmente conheci meu amor/E um bebê pode ser meu […] Se eu não ficar sem tempo/Isso daria um novo propósito à minha vida?”. Pensando sempre em sua carreira e conquistas pessoais frente às expectativas de terceiros, é uma das faixas que, sonoramente, mais destoam do tom de rave e hyperpop.

Paralelamente, existe So I, faixa feita em luto. “Sempre na minha mente/Todo dia, toda noite/Sua estrela é a mais brilhante de todas”. Nessa música, Charli se permite chorar e sentir tudo o que tem para sentir. É uma faixa menos acelerada e muito mais pessoal. É como se abrissem seu diário, citando seus momentos no palco e os pensamentos que a levam a fazer homenagem à Sophie, assim como Crash, dedicado à ela em 2021.

As nuances entre admiração e competição também são muito bem exploradas em Girl, So Confusing: “As vezes penso que você me odeia/Às vezes penso que te odeio”. Indireta ou não, associaram à Lorde. Seja pela tensão entre ser comparada constantemente ou pelo desafio de preservar a autenticidade no meio. Em mais uma polêmica, todo conflito se dissolveu nos versos do feat sugerido pela estrela de Melodrama. “Você me contou como estava se sentindo/Vamos resolver isso no remix”;  a troca de indiretas em stories teve uma interpretação dúbia.

O mesmo aconteceu com Sympathy is a knife, outra situação em que seus fãs foram na contramão à mensagem que XCX quis passar, tecendo uma crítica à polidez forçada e às rivalidades escondidas. Isso foi o suficiente para a fanbase, que mordeu a isca. O alvo da vez? a ‘loirinha’ mais polida do pop, Taylor Swift. A suposta dona de uma simpatia que parece amigável, carregada de intenções negativas junto a julgamentos ocultos disfarçados de elogios, reforçando o tema de vulnerabilidade em meio à fama. Mas logo os fãs se calaram (online e presencialmente). Em pronunciamento, Charli XCX afirmou ser contra manifestos que ‘enterravam’ sua possível rival, “A Taylor morreu”.

Cultivando profundo senso de nostalgia pela década de 2000, as referências à estética e cultura Y2K permeiam todo o álbum, se concentrando em faixas como Club Classics, literal e intencionalmente intitulada. A faixa evoca tanto o espírito despreocupado quanto a rebeldia e estética do período, sem celulares, só com a noite para viver. No entanto, como sempre, misturando-os com sons eletrônicos modernos desde o lançamento de 1999 feat. Troye Sivan.

O cantor australiano praticamente se manifesta como o público alvo principal de BRAT. De propósito ou não, a comunidade LGBTQIAP+ foi a que mais engajou, divulgou e sentiu todo processo cultural do álbum. Desde conceitos como adolescência tardia, liberdade para sermos quem somos, ou quaisquer outros espaços de libertação – que envolvam ou não aditivos a lá 365 –, o Id é, provavelmente, o conceito em que mais podemos associá-lo, por mais técnico e academicista que possa parecer.

Em termos freudianos, diferente do ego e superego, o Id representa nossos impulsos e desejos básicos, frequentemente em conflito com as expectativas sociais. Agressiva e conflitante, ela explora temas de desejo, quebra de limites, fala o que vem à mente, mesmo que acabe pesando o clima e ‘cortando a brisa’ ao perguntar o motivo de – com liberdade poética – querer comprar uma arma e atirar em si mesma de tanta vergonha.

No fim, BRAT é sobre si mesmo. Quando todos estão malucos em uma festa, ninguém se importa com quem você é, quais roupas está vestindo, como você dança, se está feliz, na sua própria bad trip ou preocupado com seu ex no telefone. Ninguém está ligando e você também não deveria, porque essa noite vai acabar. E quando essa euforia se dissipar durante o dia, tudo que você vai querer é que a noite chegue novamente.

BRAT não é um álbum perfeito e nem se propõe a isso. É um disco intencional e minucioso. Charli XCX merece tudo que tem conquistado e o que ainda está por vir. Ao escutarmos, pulamos algumas faixas, deixamos outras no repeat e isso varia para cada pessoa. Com o projeto, estamos de volta aos primeiros anos da década de 2000, lembrando do valor de estar presente e de viver cada instante plenamente.

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Vitória Borges

O Batidão Tropical Vol. 2 está entre nós e a drag queen mais amada do Brasil mais uma vez não nos decepciona. Trazendo suas raízes do forró do Nordeste e Norte do país, Pabllo Vittar faz a releitura de alguns clássicos que marcaram sua vida, além de cantar músicas inéditas. O projeto da artista dá continuidade ao Volume 1 do álbum homônimo, que também conta com regravações de hits,  como Zap Zum da Companhia Calypso.

Indo do pop ao funk com os aclamados Não Para Não (2018), After (2023) e, agora, o forró do Batidão Tropical, Vittar mostra, novamente, sua versatilidade artística, entregando um disco coeso e dançante. É facilmente possível atestar esse destaque da artista em cada faixa da obra, mostrando sua capacidade de interpretar e se conectar com diferentes ritmos, reinventando-se a cada trabalho.

Com batidas quentes e envolventes, a produção conta com 14 canções – três delas, posteriormente reveladas. Nas faixas ocultas, a  cantora faz uma quebra da quarta parede sonora ao falar diretamente com o ouvinte e indagar que logo elas seriam desbloqueadas. Já nas redes sociais, os fãs de Pabllo Vittar especularam que as músicas que ainda não haviam sido lançadas seriam novas regravações ou contariam com colaborações inéditas.

Reverenciando grandes nomes do forró e do tecnobrega, a obra possui participações de cantores do Norte e Nordeste do Brasil como Gaby Amarantos, Taty Girl, Will Love e Maderito. “Dessa vez, nosso objetivo principal era dar um passo à frente do que fizemos no Volume 1. Por isso, incluímos mais músicas do que no primeiro e também temos diversas colaborações no disco”, conta Rodrigo Gorky, produtor de Vittar.

Dentre as músicas escolhidas para serem relidas pelos produtores musicais de Pabllo Vittar, Pede Pra Eu Ficar é o carro-chefe da nova era da artista, sendo uma regravação da canção Listen To Your Heart, da banda sueca Roxette. Ai Ai Ai Mega Príncipe – um grande sucesso nortista da banda paraense Batidão – também foi refeito na voz de Vittar e se tornou segundo single do álbum. Ambas as composições possuem a presença marcante da estética musical da drag queen.

Ao dar play no álbum, já nos deparamos com o estilo único que Vittar tem de ‘dar sua cara’, aderindo seus icônicos vocais ao ritmo do forró e completando com seu clássico toque de cultura pop, como nas canções Me Usa e Nas Ondas do Rádio. Nelas, Pabllo Vittar diz: “Se estiver ouvindo essa minha canção/Pense em mim, eu fiz pra você”, fazendo com que seus fãs se sintam mais próximos dela, como se estivesse cantando a música especialmente para eles.

Ornando muito bem com a ‘pegada’ das faixas relidas, Idiota é a única canção de composição autoral presente no Batidão Tropical Vol. 2. O arranjo contagiante e cheio de detalhes excelentes de produção dão a cara à tapa, a deixando melodiosamente harmônica com os outros sons do álbum. Além disso, a música é considerada uma das favoritas entre o público.

A escolha seletiva de Vittar para criar a tracklist de regravações do álbum foi genial. As canções relidas pela artista contam com vocais impecáveis e assertivos, essenciais para dar o seu toque especial. As composições conversam com o ouvinte não só pela letra, mas também pela forma de cantar, que nos foi entregue algo incrível sem perder a sua originalidade. A faixa São Amores comprova esse ponto, sendo a mais carismática do disco com seu icônico “PEW PEW” dentre as frases do refrão que fixam, do início ao fim, a música na cabeça de qualquer um – o que só ajudou na visibilidade na plataforma TikTok.

Com faixas viciantes e insaciáveis, a cantora combina muito bem o tecnobrega com o hyperpop, e seus vocais abusam de efeitos e aparelhos eletrizantes de instrumentação eletrônica, criando uma vibe muito próxima a After, seu trabalho anterior. Em Não Vou Te Deixar (I Don’t Want to Get Hurt), colaboração com Gaby Amarantos, as artistas souberam justamente sintonizar as batidas do techno com os sons do teclado. A faixa, inclusive, integra o disco TecnoShow (2022), o álbum mais recente de Amarantos.

Infelizmente, a obra carece muito de canções inéditas, trazendo somente Idiota como de autoria própria. Num geral, as faixas do Batidão Tropical Vol. 2 parecem bem fundamentadas e injetam uma gama muito diversa de releituras pop. A coletânea presente no álbum mostra que ainda existe muito potencial a ser explorado e frutos a serem colhidos. 

O disco em si, deságua sobre amores e paixões em suas mais diversas densidades. Os vocais da drag queen, ornados com as canções melosas de término de relacionamento, brilham por cima de sintetizadores que refletem as sonoridades regionais do Norte e Nordeste do país. Mais uma vez, a união entre Pabllo Vittar e a Brabo Music trouxe canções absurdamente divertidas e de som arrebatador.

E não para por aí: os visuais do projeto também são muito bem coesos e significativos. A cantora soube usar e abusar de elementos como reggaeton e o hyperpop, alinhados às vertentes do forró eletrônico e tecnobrega. Vittar soube captar impecavelmente o sentimento dos projetos que foram relidos e o furacão envolvente causado pelos sons dos aparelhos, provocando um misto de emoções no ouvinte.

Pabllo Vittar é tão esperta que, dias depois do lançamento do álbum novo, já fez sua primeira apresentação ao vivo com o trabalho inédito. Como headliner do festival Hopi Pride, que celebra o orgulho LGBTQIAP+, a artista cantou seus maiores hits, além do Batidão Tropical Vol. 2. Após uma performance estrondosa, a drag queen viu que o disco foi muito bem aceito entre seus fãs e que todos já estavam com as letras na ponta da língua. Ela inclusive agradeceu aos admiradores pela repercussão do projeto dentro das plataformas de streaming.

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Apesar das poucas músicas autorais no projeto, ouvir o sucessor do estrondoso Batidão Tropical é, de longe, muito prazeroso. Ver a intérprete de Triste com T nos apresentar o ‘seu lado’ do Brasil só mostra a força e a paixão da música popular no Norte e Nordeste do país. “As músicas e letras que aqui serão mostradas podem soar inédito para muitos, enquanto que para outros vai transmitir uma nostalgia de um tempo bom”, disse a artista em uma publicação no Instagram.

Por fim, Batidão Tropical Vol.2 é considerado um dos melhores álbuns de Pabllo Vittar. Sua versatilidade e habilidade de referenciar alguns dos nomes mais importantes da Música nortista e nordestina do país, dão significado muito importante em sua composição. Com a sua mistura única de melodias e mensagens instigantes, o disco não apenas diverte, mas também desafia as convenções do tecnobrega e, até mesmo, do pop chiclete cantado pela drag queen. É uma obra que alia alegria e carisma, reforçando a excelente qualidade artística de Vittar e reafirmando o fato dela ser referência no que faz.

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Gustavo Capellari

Em 23 de Junho de 2013, o selo e coletivo Personal Computer Music, mais conhecido por seu nome encurtado PC Music, disponibilizava seu primeiro lançamento musical, o single Bobby, da cantora GFOTY. A empresa foi fundada pelo produtor britânico A.G. Cook, que um ano antes já testava um protótipo de selo independente, a Gamsonite.

Embora Cook tenha sido essencial para a sua construção, quando ouvimos falar de PC Music, mais do que uma história linear ou um conceito fechado em uma empresa do Reino Unido, é aberta uma multiplicidade de significados, auras artísticas, gêneros musicais e estéticas (im)possíveis da pós-modernidade tecnocapitalista. O decênio do selo não pressupõe que as histórias das mais variadas subversões da música pop mainstream tenham começado apenas em 2013. A construção da PC Music e, juntamente, de gêneros musicais recentes como o hyperpop e o bubblegum bass, é produto direto e indireto da música que os antecede e da que é criada no mesmo período.

Dentre as influências, poderíamos citar a ascensão do uso de sintetizadores, a popularização do electropop, a plasticidade tecnológica do art pop de Björk, a idiossincrasia eletrônica de Aphex Twin e o ecletismo alternativo da indietronica. Já na EDM, é possível pontuar a mistura de estilos do UK bass, ou a forma pela qual o house passou de estilo de nicho das comunidades negras e casas noturnas de Chicago para se tornar um dos gêneros mais comercialmente relevantes da música eletrônica mundial.

Para entendermos o hyperpop, o digicore, o glitch pop e outras cenas e microgêneros relacionados, é interessante refletirmos sobre temporalidades: do mesmo modo que o passado é complexo, o presente também é, pois ambos são compostos por múltiplos eventos que se relacionam dialeticamente. Eventos concomitantes se interconectam e, ao mesmo tempo em que o passado influencia o presente, os eventos contemporâneos também moldam a forma como entendemos e concebemos nossa noção de pretérito (e de futuro). A música é influenciada pelo tempo social, mas ela também o influencia.

A noção de pop futurista poderia ser interessante para pensarmos sobre essas manifestações, mas seria facilmente confundida com o futurepop, um gênero específico que mistura a positividade do synthpop com a sonoridade industrial e visão gótica-apocalíptica da EBM (electronic body music). Embora a ideia de PC Music enquanto um gênero seja instigante, já que há de fato estéticas e sonoridades que são comuns à maioria de seus artistas, ela pode ser tratada como uma central de múltiplos gêneros e expressões artísticas que ultrapassam as fronteiras do pop comercial, o que se demonstra pela variedade de perspectivas que ela comporta.

Nesse sentido, o conceito de pós-pop poderia nos servir para refletir sobre as transformações da Música, dos gêneros e das ciberculturas ao longo do tempo, especialmente durante a década de 2010. O pós-pop não seria uma negação do pop, mas sim uma outra maneira de enxergá-lo, tanto que esses atos ainda são considerados, no geral, música pop. A PC Music não é a única a atuar nesse nicho, já que uma gama importante de artistas com grande relevância na cena experimental, como Arca, 100 gecs e FKA Twigs, não possuem vínculo direto com ela.

É interessante notar que, muitas vezes, mesmo quem não está dentro da PC Music também passa por ela de alguma forma. SOPHIE, cantora e produtora escocesa falecida em 2021, não era vinculada formalmente à produtora, mas colaborava frequentemente com A.G. Cook e GFOTY, por exemplo. Charli XCX, vinculada à Asylum Records, teve múltiplas faixas produzidas por EASYFUN, A.G. Cook e pela própria SOPHIE, além de ter colaborado com Hannah Diamond na música Paradise, do Vroom Vroom EP.

O caráter anglocêntrico da PC também deve ser levado em conta, já que há artistas de outros países e de outros idiomas que não têm a mesma visibilidade. Trata-se de um circuito técnico-artístico que se origina em um dos grandes centros do capitalismo, Londres, e não necessariamente questiona explicitamente o status quo – poderíamos dizer que a gravadora enquanto entidade artística e econômica dá luz a um pop aceleracionista e pós-irônico.

No senso comum, o uso exagerado do autotune na música pop é visto com maus olhos, pois sugeriria falta de talento vocal. No hyperpop, por outro lado, ele é uma das bases de construção sonora das composições. É um gênero pautado fortemente no exagero, na performatividade, no feminino e no andrógino – tanto que vê-se cada vez mais pessoas queer inseridas em suas próprias produções independentes de pós-pop.

Evidentemente, a PC Music não deve ser vista como a única grande impulsionadora dos processos de transmutação da música pop e eletrônica. Ainda assim, é necessário reconhecer o seu pioneirismo, especialmente na cena britânica e norte-americana, e as portas que foram abertas para que os artistas continuem exercendo a sua criatividade e o seu criar, seja dentro ou fora da gravadora.

A popularidade atingida pela PC, mesmo que não se dê no mesmo nível das grandes gravadoras, demonstra que projetos independentes, alternativos, avant-garde e/ou experimentais podem e devem ter seu espaço no mercado fonográfico. A Arte em sua era de reprodutibilidade técnica não é necessariamente uma mera massa homogênea de conteúdo facilmente digerível, amorfo ou sem personalidade, mas tem o potencial de transformar-se, deformar-se, reformar-se.

A criação musical, quando tem um caráter autocrítico, permite provocar e trazer novas experiências e visões por meio de ondas sonoras, que são o meio e também a mensagem. O impacto da PC Music vai além da Música em si – atinge casas noturnas, clubes, shows, instalações musicais, comunidades e até a forma como as produtoras e distribuidoras musicais se organizam e interpretam o processo de criar, promover e entregar a música a seus ouvintes.

Esse arcabouço ciberartístico desestabiliza nossas próprias construções conceituais sobre o mundo da Música. Afinal, o que é o pop? É o gênero que faz sucesso? O que vende? O que tem um apelo comercial, então mesmo se não fizesse sucesso ainda seria considerado pop? E onde entra o pós-pop da PC Music nisso? Talvez nem existam respostas definitivas para essas perguntas. O que chamamos de pop é uma construção abstrata, um conjunto vasto e heterogêneo de diferentes sonoridades e composições, que variam ao longo do tempo – o que é popular hoje é diferente do que era popular 10, 20 ou 50 anos atrás.

Tentar colocar a gravadora em um molde, seja pop ou eletrônico, seria retirar o potencial de inovação, diferenciação e diversidade que se observa em coletâneas como Month of Mayhem e PC Music, Vol. 3. Longe de estar morta, a PC Music, ao se renovar e testar outras possibilidades e artisticidades, com projetos como o de Hyd – parceira de SOPHIE que é o rosto do projeto QT e estreou sua carreira solo em 2021 –, pôde demonstrar que o seu encerramento marca apenas o presságio para novas iniciativas de inovação musical que estão por vir.

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Giovanne Ramos

Para quem não está habituado com as gerações do K-Pop, aqui vai uma rápida aula. A primeira lição é: não há consenso entre os recortes entre as gerações do ritmo, mas elas realmente existem. Esse bloco temporal foi construído analisando o perfil sociocultural, visual, conceitual e, principalmente, o estilo musical de grupos em determinados períodos. Popularmente, é dito que existam 4 gerações, sendo a primeira delas a que fundou o gênero e a última a mais instável e de difícil definição, mas certamente é na qual Aespa está localizada e ditando as tendências com o seu mini-álbum de estreia, Savage.

Desde as primeiras coletivas da empresa SM sobre o seu novo girlgroup Aespa, já se esperava um grupo de alto nível e com um conceito futurista envolvido, e de fato isso vem se concretizando. As 4 integrantes do projeto, Karina, Winter, Giselle e NingNing, foram anunciadas junto de seus avatares, bonecas virtuais representativas das artistas. ÆSPA, vem literalmente das palavras avatar, experience e aspect, sendo assim, um grupo compromissado em explorar a realidade e o melhor do universo virtual com as tecnologias disponíveis.

O conceito não foi bem visto pelo público. A ideia de uma representação virtual das idols, que já levam uma rotina exaustiva na realidade, assusta. Havia-se o medo dos fãs, tão exigentes, acabarem perdendo ainda mais a noção de distância com as suas ídolas as tendo ali por perto. Mas todas essas incertezas e medos foram por água abaixo em novembro de 2020 com Black Mamba, single de estreia. Toda a subjetividade conceitual do quarteto se materializou em um clipe super produzido com ótimos jogos de câmera, um estética coesa e garotas totalmente talentosas e uma música de tom questionável.

A melodia não é lá das inovadoras, é possível que, vasculhando o arsenal da terceira geração, em grupos como BLACKPINK, Everglow e até o os veteranos da mesma empresa, NCT, você encontre algo semelhante, mas o que faz da faixa única é a sua letra. Cheia de referências, easter eggs e códigos, Aespa cria o seu próprio universo como se estivessem em sua própria aventura RPG, onde a black mamba é a vilã suprema e elas, as heroínas. Termos como FLAT, SYNK, KWANGYA, não fazem o menor sentido, mas são elementos que constroem a narrativa nos seus lançamentos seguintes: a balada-cover Forever, a obra-prima de 2021 Next Level e fechando todo o ciclo de preparação com o EP Savage.

Antes de falar propriamente sobre o primeiro trabalho extenso do grupo, é válido mencionar o hit Next Level. A música é um cover adaptado da faixa de mesmo título lançada na trilha sonora do filme Velozes & Furiosos: Hobbs & Shaw. A faixa, no entanto, foi adaptada e, de um trap simplista, se tornou uma viagem mesclada em hip-hop dance e upbeat-jazz. Com isso, as novatas aumentaram o nível e estabeleceram uma expectativa enorme para o disco de estreia.

E elas foram cumpridas! Através dos teasers que antecipam o lançamento, já era previsto que o grupo mergulharia numa sonoridade futurista, utilizando muitos sintetizadores e outras parafernalhas tecnológicas disponíveis aos produtores. Mas funciona. De cara, somos recebidos pela energética aenergy, a primeira faixa do EP. E o título não poderia ser melhor. Se existem gritos de guerra para todo artista, essa cumpre o papel para Aespa. Autoreferenciação, batida envolvente, letra preenchida com mensagens de autoestima, tudo isso define um hino e mostra que teremos uma surpresa agradável com as outras 5 faixas seguintes.

A seguir temos a faixa título e a de trabalho, Savage. Iniciando em tom debochado “Oh my gosh, don’t you know I’m a Savage?” (Oh meu Deus, você não sabia que eu sou selvagem?), temos uma música que pode causar estranhamento inicial. É uma daquelas canções que você escuta uma vez e tenta digerir o que foi que aconteceu. Ao contrário de Next Level, single anterior, não é feita de altos e baixos surpreendentes. Mas na segunda escuta, na terceira, na quarta e, sem perceber, você já está cativado e viciado em elementos diversos da produção. O “zuzuzuzu”, no refrão, a ponte melancólica interpretada em vocais poderosos e a batalha de notas altas no final da música, tudo isso faz com que você revisite diversas vezes a canção, principalmente junto do videoclipe, que traz uma linearidade da narrativa construída desde o seu debut e um provável encerramento de fase. A música é um hit pronto.

Uma característica interessante de todo o conceito e desenvolvimento de Aespa e de suas músicas é a sensação – e talvez realmente seja – de que as integrantes estão numa aventura contra um inimigo e existe toda uma jornada ali envolvida. I’ll Make You Cry reforça essa teoria. Pode parecer paradoxal, mas ao mesmo tempo que a faixa, que abusa do dubstep, é moderada, ela é intensa. As frases de efeito pós-refrão, quase como se fossem uma descrição de um ato, criam uma dimensão de que elas realmente estão vivendo em um jogo e você consegue reproduzir a imagem simplesmente pela maneira como a música é vocalmente interpretada. Uma ótima sequência para Savage.

Dentro do álbum sempre temos aquelas músicas díspares, mas que de maneira alguma significa que não combinam com a sonoridade e impactam negativamente na coesão do trabalho. É o caso de YEPPI YEPPI e ICONIC. A primeira citada destoa do tom sério e ousado construído até então, é quase que um encerramento da quest de Aespa. Agora elas estão descontraídas numa música hyperpop e hiper animada. As intérpretes estão longe do color pop e aegyo conhecidos no K-Pop, mas certamente fizeram a sua própria interpretação do que seriam esses gêneros na visão do Aespa. A música é divertida e certamente coloca quaisquer ânimos para cima com o casamento do canto falado e o beat envolvente. Iconic por sua vez, tenta retomar a densidade encontrada na primeira parte do álbum, mas perde o seu gás. Longe de ser ruim, mas as faixas anteriores parecem cumprir o seu papel bem melhor.

Por fim, Savage se encerra com a sensacional Lucid Dream, um pop mesclado de um R&B alternativo. Aqui, visualizamos o melhor que uma produção pode oferecer com os seus sintetizadores, mixagens e amplificadores, tudo isso para uma balada. A música foi bastante comparada com algo que a sub-unit do grupo Loona, Odd Eye Circle, lançaria. Uma balada que ao mesmo tempo mostra a intensidade, sensualidade vocal e uma tridimensionalidade delirante para todos aqueles que estão vivendo um sonho lúcido, como diz a tradução do título da faixa.

Savage entra em um legado de álbuns onde todas as b-sides estão bem trabalhadas e são de grande qualidade, algo que o K-Pop, conhecido por trabalhar somente os singles e lotar o restante do material de produções fillers, está começando a investir. Era esperado um trabalho de alto nível e ele foi cumprido, não à toa está quebrando diversos recordes. O álbum já se tornou o maior primeiro trabalho em vendas por um grupo feminino em sua primeira semana e está constantemente alcançando marcas impressionantes até mesmo para grupos veteranos da última geração. Temos ótimos nomes nessa nova leva feminina do K-Pop, como Itzy, Stayc e Weeekly, mas em questões de números? Aespa tomou a dianteira e a concorrência terá que correr atrás, principalmente as que estão para estrear.

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