Jhenifer Oliveira e Livia Queiroz

A primeira segunda de maio é um dos momentos mais aguardados quando se trata de juntar moda, cinema e luxo: o Met Gala. Ela resguarda não só a audiência de quem tem sede pelo conhecimento têxtil, mas também aqueles que são apaixonados pelo corpo como uma forma de se expressar. O dress code escolhido por Anna Wintour este ano explora justamente este conceito, a moda como arte.

Apesar de amplo, esse direcionamento trouxe mais liberdade para os convidados transmitirem sua interpretação do que é essa forma de manifestação humana e como ela se encaixa em seu corpo e história. A exposição do teatro apresentada trouxe uma vertente semelhante, com o tema Costume Fashion (Arte do Figurino, em tradução literal). Charles Frederick Worth, uma das principais figuras responsáveis por ter consolidado a ideia que moda também é uma expressão artística, provavelmente estaria orgulhoso de ver aquilo que tanto defendia ser o tema central do Met Gala este ano.

Nomes como, Hudson Williams, Hunter Schafer, Emma Chamberlain, Sabrina Carpenter, Madonna e muitos outros se destacaram ao seguirem o dress code trazendo referências criativas às suas produções. O ator de  Heated Rivalry (2025), apostou em um conjunto azul claro com detalhes pretos e uma cauda, assinado pela Balenciaga. O outfit é uma releitura de um bolero de 1947 do fundador da grife, que se inspirou no traje de toureiro espanhol – uma forma de arte performática conhecida na Espanha. Outro nome que trouxe a arte à tona foi a estrela de Euphoria (2019), vestida como a pintura Mäda Primavesi (1912) de Gustav Klimt. O visual desenvolvido pela Prada conta com um vestido de cauda longa, repleto de arranjos de flores e uma camada branca por cima, fazendo referência às características da obra.

A influencer Emma Chamberlain está cada vez mais inserida no mundo da moda e entregando looks estonteantes que a destacam na multidão de celebridades presentes. No Met Gala 2026, ela foi a estrela da noite, um holofote merecido para a obra de arte que revelou em forma de vestido. Ironicamente ou não, a referência de seu look vem da obra de Van Gogh, A Noite Estrelada (1889), e O Grito (1893), de Munch. Já a cantora de Espresso optou por revelar uma outra forma da criatividade: o cinema. Sua arte veio em forma de rolos de fita do filme Sabrina (1954), com um vestido Dior feito sob medida para a popstar, ele compõe uma saia assimétrica que já se tornou assinatura da cantora neste evento também revestido em fita.

Madonna chegou ao topo como rainha do pop por sua clara genialidade artística, e em um evento como este, ela não se faria passar despercebida. Sua composição de look não traz significado em si, mas da performance que ele compõe. Inspirado em um fragmento da obra de Leonora Carrington, A Tentação de Santo Antônio (1945), sua figura vestida em all black Saint Laurent e coberta por um véu representa, ao lado de sete mulheres em vestidos claros e blindadas com uma renda branca, o questionamento dos costumes da fé cristã, a luta contra o patriarcado e a busca por iluminação espiritual.

https://www.vogue.com/video/watch/the-run-through-inside-the-met-gala-with-chase-sui-wonders

Este ano, muitos homens também marcaram seu destaque, como Karan Johar e Jeremy Pope. O diretor apareceu com uma obra de arte em forma de vestimenta tradicional indiana completa em bordado dourado e imagens inspiradas em pinturas clássicas do seu país de origem, uma linda homenagem aos artesãos. Já o ator superou as expectativas, usando um item de arquivo de Vivienne Westwood, da coleção de outono de 1996, chamado Escravo do Amor, uma jaqueta-corset formada por centenas de pérolas em cores diferentes formando um peitoral e em suas costas pedras de rubi marcando feridas.  Alguns dos destaques da noite mostram ao público que a handmade couture é a arte, a antiguidade mais fina da moda.

Após uma década sem comparecer ao evento, Beyoncé fez um retorno memorável ao Met Gala como co-anfitriã, dividindo o posto com Anna Wintour, Venus Williams e Nicole Kidman. Para marcar a ocasião, Bey e Nicole apostaram em duas produções diferentes ao longo da noite. No tapete vermelho, Queen B surgiu com um vestido repleto de pedrarias assinado por Olivier Rousteing. No encerramento do evento, a cantora trocou o visual por uma criação de Robert Wun, peça que chamou atenção por conter mais de um milhão de cristais. 

Kidman também apostou em um visual marcante ao usar um modelo vermelho-rubi da Chanel, bordado com lantejoulas e penas por Matthieu Blazy. Mais tarde, a atriz apareceu com outro vestido da mesma grife, que transmitia um ar de conforto enquanto mantia a paleta de cores quentes. Já Williams vestiu uma peça personalizada de cristais Swarovski, que foi inspirada em sua própria obra de arte Venus Williams Double Portrait (2022), e para incrementar, um acessório metálico no pescoço, desenhado pela própria atleta.

Apesar da temática do evento ser de extrema importância e um critério geral de julgamento do público sobre cada look, é impossível negar presenças que acertaram em suas escolhas, afinal, a arte é moda e moda é arte independente do dress code. Doechii foi um dos destaques, com um look vinho assinado por Marc Jacobs, a cantora expõe seu corpo como arte ao complementá-lo com seu vestido e ornamento do cabelo. Hailey Bieber também fugiu do tema proposto, e mesmo assim, é inegável a beleza de sua apresentação, em um busto dourado que contrasta com o azul vivo, look que já foi visto nas passarelas da Balmain.

Mesmo que o tema Moda é Arte seja uma proposta flexível e dá liberdade para cada celebridade se expressar através de obras, nem todo mundo conseguiu traduzir suas ideias de acordo com o que foi proposto. Margot Robbie, por exemplo, usou uma peça da Chanel mais clássica e minimalista, o vestido de cor champagne e com uma cauda bordada de pétalas de flores não ofereceu a ousadia e a interpretação conceitual que a temática pedia. Kim Kardashian optou por usar uma produção de alta-costura que faz mais jus à sua identidade pessoal, do que ao dress code do bazar. O traje desenvolvido pelo designer Jean Paul Gaultier conta com um corset alaranjado bem acinturado e sensual, e uma saia da mesma cor.

Para além de uma tristeza por ver algumas celebridades não entendendo a temática, tem-se aquelas que decepcionaram por terem surpreendido em anos anteriores. Gigi Hadid, por exemplo, sempre apareceu ao evento com looks estonteantes, e muito conectados à temática, porém, este ano, com um vestido translúcido preto da Miu Miu e uma calcinha azul bebê, deixou a desejar com presença. Outro ponto negativo são as mesmas vestimentas all black de sempre, que, pelo bem da arte na moda, estão se mostrando cada vez menos numerosas.

Entre elogios e críticas, a edição de 2026 do Met Gala ficou sem grandes nomes da cena da moda. Segundo os rumores que circulam pelos corredores, o possível motivo estaria relacionado ao patrocínio de Jeff Bezos ao evento. As controvérsias políticas em torno do bilionário, principalmente seu apoio ao governo Trump, teriam influenciado a decisão de algumas celebridades a não aceitarem o convite. Zendaya, uma das figuras mais conhecidas por entregar looks extraordinários ao lado de seu fiel estilista, Law Roach, optou por não comparecer nesta edição. A ausência da modelo Bella Hadid também foi notada e gerou repercussão nas redes sociais, sendo interpretada como uma possível posição política e crítica à presença dos CEOs de grandes empresas de tecnologia.

Este pode ser considerado um Met Gala histórico em ausência e presença. Sempre é muito desafiador escolher um look para um evento tão grande como esse. Porém, este ano foi possível enxergar como a moda é arte em sua plena construção. E o recado que esta edição nos deixa está na handmade couture ao encontro com o conceito, e, quando os dois se juntam, a moda vive.

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Livia Queiroz 

Ao tratar de uma cerimônia como o Oscar, é impossível não dissertar sobre o mundo fashion que à envolve. Sem figurino, o cenário não se concretiza. Sem glamour, o tapete vermelho desbota. Este é o lema que encaixa perfeitamente ao momento vivido, com pouco political fashion e maior referência a suas obras indicadas. A cerimônia apresentou emoção e manifestação, mas será que podemos afirmar o mesmo sobre o red carpet? A resposta é sim, porque até onde não há intenção há expressão, formando personalidade, identidade e, consequentemente, a moda. 

Em conjunto, parte do casting de Sinners (2025), vencedor de quatro prêmios, chegou para o evento com trajes diversos da Louis Vuitton, coordenada pelo diretor criativo Pharrell Williams. Jack O’ Connell, para destacar seu papel dentro da obra, aparece na passarela com próteses de presas cobertas de sangue, semelhantes aos vampiros do filme. Indo além da roupa que se veste, o diretor do filme, Ryan Coogler, se manifesta por meio de suas tranças, feitas por Tyzanna B., formando duas guitarras, mais especificamente, do gênero musical blues. O elenco, sem dúvidas, soube ousar na quietude e prestou seu carinho e gratidão pela cultura e arte negra durante a temporada. 

A moda brasileira também se fez presente e brilhou. Alice Carvalho, atriz de O Agente Secreto (2025), surge na passarela em um vestido bege – infelizmente um pouco fora do caimento ideal –, da Normando, uma marca amazônica desenhada por Marco Normando e Emídio Contente. Para acrescentar ainda mais a composição, usa uma bolsa com estatueta dourada, do designer catarinense Jay Boggo e um broche representando a América na língua do povo Kuna, originários do Panamá.

“O tecido escolhido foi uma mistura de duas fibras cultivadas na Amazônia, a juta e a malva amazônica. Fibras cultivadas por diversas famílias nos estados do Amazonas e do Pará, sem uso de agrotóxicos e pesticidas e com irrigação natural dos rios e igarapés da região, e tecidas pela @somoscastanhal no estado do Pará, na cidade de Castanhal, o processo é sustentável e 100% orgânico e da Amazônia brasileira” – Normando

O vintage sempre volta

As tradicionais nunca saem de moda. Chanel, Louis Vuitton, Dior, Armani e Valentino; essas são as marcas não só mais vistas este ano como desde que Hollywood é o palco do luxo e da alta costura. Porém, o que mais encanta são as homenagens ao vintage e looks de seus arquivos sendo usados novamente em diferentes modos, silhuetas e ocasiões. Desta vez, as referências foram usadas pelas atrizes e por personalidades fora da passarela cinematográfica, como Amelia Dimoldenberg, que teve uma escolha sólida e minimalista, mas elegante, com um Ralph Lauren fall 2007. A figurinista Miyako Bellizzi, representante de sua categoria por Marty Supreme (2025), ousou com o vermelho vibrante e assimétrico de John Galliano para a Dior em 1999. 

A vencedora do prêmio de Melhor Atriz, Jessie Buckley optou por um vestido Chanel que glorificava e rememorava o mesmo utilizado por Grace Kelly em 1956, vencedora do Oscar de sua mesma categoria, naquele ano. A atriz homenageia o amor, visto que esse vestido marca o encerramento da carreira de Grace que viria a casar-se com o príncipe de Mônaco, Rainier III. Na festa da Vanity Fair, mais tarde, Anna Taylor-Joy aparece em um macacão curto preto que, novamente, é assinado por John Galliano para a Dior em 1994. O movimento vintage aplaude, então, homenagens ao passado que ressignificam o presente.

Quem veste a política? 

É inegável que, na ignorância, se encontra a paz. Nesse sentido, apesar da maior parte dos trajes da noite seguir um padrão de referência às obras indicadas e retratar o mundo fantasioso do audiovisual, é prazeroso analisar esta moda que ousa para dentro daquilo que o evento homenageia: o cinema. Porém, visto o cenário global, em especial envolvendo os Estados Unidos, deveria ser esperado que os figurinos apresentassem e falassem – nem que fosse de forma velada – mais sobre as opiniões que acercam pessoas influentes como são os presentes, afinal, a moda sempre foi um espaço de impacto para manifestações políticas sem a necessidade de fala. 

Este, com certeza, não é o caso de Javier Bardem, que, desde o início de sua carreira, se mostra disposto a verbalizar e estilizar-se conforme o que pensa. Em situações semelhantes, o ator espanhol revive seu look do Oscar 2003, usando o mesmo broche para pedir o fim da guerra com o Oriente Médio e um novo para a liberdade da Palestina. Além dele, Saja Kilani, atriz palestina de The Voice of Hind Rajab (2025), veste Ziyad Buainain, designer saudito que revigora a moda feminina com um luxo consciente, além de destacar cor em seu único broche, pedindo o cessar-fogo em Gaza. Rei Ami, cantora vencedora em Melhor Canção Original, assim como nos Grammys 2026, reforça a cultura asiática com um conjunto de vestido e boleira longa com pavões bordados em dourado de Rahul Mishra, designer indiano que busca a sustentabilidade étnica.  

“Não à guerra e Palestina livre” – Javier Bardem

O Oscar 2026 fica marcado por um red carpet diverso porém pouco colorido, ressaltando a ideia de cores como movimento, solidez artística e adequação social. No fim, o evento prova que a moda nunca é silenciosa, é um espaço que carrega a intensidade estética e narrativa juntos. Não se trata apenas de vestir-se, mas também a posição que revela. Mesmo faltando ousadia, segue impressionando com looks glamourosos, vintages ou minimalistas, porque, afinal, a versatilidade e atemporalidade de como se veste e porquê se veste permanece.

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Arthur Caires

Em uma era em que o entretenimento parece girar em torno de reembalar o passado – seja em forma de séries recicladas, live-actions que ninguém pediu ou o saudosismo Y2K nas músicas –, é raro ver alguém navegar por esse mar de referências com autenticidade. A nostalgia virou estratégia de marketing, e o resultado quase sempre escorrega na superfície: muito glitter, pouca substância. 

É por isso que Addison, álbum de estreia de Addison Rae, chama atenção. Mais conhecida pelo seu sucesso nas redes sociais, Rae surpreende ao construir uma identidade musical própria e bem definida. Com referências claras a ícones como Madonna, Britney Spears e Lana Del Rey, ela mostra que tem mais a oferecer do que se imagina – e que, ao contrário do que o público pode esperar, seu repertório cultural vai muito além dos hits virais das dancinhas. Com coesão e personalidade, Addison Rae entrega um dos debuts mais marcantes desde quando Olivia Rodrigo lançou SOUR em 2021.

Para entender o que Addison representa como álbum, é preciso revisitar a jornada da própria artista. Addison Rae se tornou um rosto conhecido como uma das maiores estrelas do TikTok, viralizando com coreografias e dublagens que a transformaram em fenômeno digital. Mas ela nunca se limitou à tela do celular: buscou espaço também no cinema, com a comédia He’s All That da Netflix, e no mundo dos negócios, ao lançar sua própria linha de maquiagem. 

Sua primeira tentativa na música veio em 2021, com o single Obsessed, produzido por Benny Blanco, que teve uma recepção morna. Depois disso, Rae ficou em silêncio – até que, em 2023, uma leva de demos vazadas reacendeu o interesse do público. A coletânea, conhecida como AR, trouxe faixas como 2 Die 4, que, apesar das críticas, já indicava o potencial de Rae para algo maior.

O que veio a seguir foi, na prática, um rebranding. Com o apoio decisivo de Charli XCX – que não apenas virou mentora, como também a ajudou a conquistar credibilidade no universo pop ao incluí-la no remix de Von dutch –, Rae passou a construir sua persona artística com mais consistência. Participou do Coachella ao lado de Arca, lançou singles com videoclipes bem produzidos e começou a ser reconhecida por um trabalho que ia além da estética viral.

O primeiro indício de que Addison Rae estava construindo algo maior do que apenas um hit viral surgiu em agosto de 2024, com o lançamento de Diet Pepsi. Embalada por sintetizadores nostálgicos e vocais que remetem diretamente às entonações de Lana Del Rey, a faixa conquistou o público com seu refrão viciante e atmosfera etérea. Mais do que um bom single, funcionou como um manifesto estético: dali em diante, cada lançamento seria tratado como uma mini-era com identidade própria, acompanhada de videoclipes meticulosamente produzidos e uma curadoria visual que sustentava o universo que Rae começava a construir.

Entre os destaques dessa sequência está High Fashion, lançada em fevereiro de 2025. Com produção trip-hop e aura hipnótica, a faixa foi rapidamente comparada à sonoridade de Blackout, o clássico cult de Britney Spears – e não à toa. Tanto Rae quanto Britney são filhas do interior de Louisiana, e compartilham mais do que a geografia: High Fashion bebe diretamente da fonte de Heaven On Earth, com vocais sussurrados, pulsos eletrônicos sensuais e uma entrega performática que evoca o glamour de uma estrela determinada a conseguir o que quer.

Em Headphones On, lançada em abril de 2025, Addison Rae mergulha ainda mais fundo em suas referências densas e sofisticadas, agora evocando o introspectivo trip-hop noventista com um toque inesperado de new jack swing. A faixa, que fala sobre encontrar refúgio na música em meio ao caos exterior, soa como um diário íntimo da cantora. É aqui que Rae se aproxima da Madonna dos anos 90 – mais especificamente da fase Bedtime Stories e Ray of Light, em que a Rainha do Pop flertava com gêneros eletrônicos para expressar vulnerabilidades e desejos com mais maturidade. Assim como Madonna naquela época, Rae parece interessada em construir camadas emocionais por meio de texturas sonoras, transformando uma experiência de escapismo em algo quase espiritual.

A coesão de Addison não se revela apenas na estética bem amarrada ou nos videoclipes meticulosamente pensados, mas também no núcleo criativo por trás do disco. Produzido inteiramente por duas mulheres – Elvira Anderfjärd e Luka Kloser, pupilas diretas da escola Max Martin – o disco aposta em uma sonoridade consistente, que sabe brincar com o exagero, a sensualidade e a introspecção sem jamais parecer desorientado. As letras oscilam entre o humor irônico e a vulnerabilidade sutil, mostrando que Rae não tem medo de rir de si mesma, mas também sabe exatamente o que está fazendo. É essa combinação entre inteligência estética e autopercepção que a distancia de outros projetos “conceituais” que acabam engessados pela própria ambição.

Um ótimo exemplo disso é Fame Is a Gun, faixa em que Rae reflete sobre o poder e o peso de ser constantemente observada. Aqui, vale um paralelo inevitável com Piece of Me, de Britney Spears. Ambas abordam a fama como arma, porém com perspectivas bem distintas. Enquanto Spears expunha a brutalidade da exposição pública em um momento em que não controlava a própria narrativa, Rae canta sobre a fama como algo que ela deseja, domina e sabe usar a seu favor. A diferença entre as duas está no tempo e no contexto: se Spears pavimentou o caminho com trauma e resiliência, Addison Rae é parte de uma nova geração de popstars que herdaram esse legado – e agora têm as ferramentas para contar suas próprias histórias sem pedir permissão.

Addison Rae talvez não esteja tentando mostrar quem ela é, mas sim lembrar ao público o que o pop pode e deveria ser. Addison não tenta soar mais profundo do que realmente é, e essa honestidade é uma das maiores virtudes do álbum. Em vez de mergulhar em metáforas complexas ou criar enigmas para os fãs decifrarem, ela entrega letras diretas, refrões marcantes e melodias que grudam na cabeça sem pedir desculpas por isso. É um disco que convida à diversão, ao escapismo e, por que não, ao puro prazer de se sentir famosa ouvindo música no fone de ouvido.

E mesmo com toda a estética nostálgica – da capa saída direto dos anos 2000 ao uso estratégico de referências que dialogam com a história do pop –, Addison não soa como uma cópia. Ela sabe usar o passado como material de construção, não como muleta. Ao longo do álbum, sua entrega vocal e carisma revelam alguém que compreende o jogo da fama e joga com entusiasmo, sem perder o controle da própria narrativa. Em Times Like These, quando ela ouve a si mesma no rádio e diz “Vamos ver quão longe eu vou”, não soa como dúvida; e sim como uma provocação.

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