Davi Marcelgo

O diretor mexicano tem afinidade com temas e estilos: a criatura que não é aceita pela humanidade, o trabalho artesanal (do stop motion à criação de equipamentos) e a influência de movimentos artísticos, como o gótico, o ultraromântico e o neoclássico. Frankenstein, que faz parte da seção Apresentação Especial na 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, prossegue a parceria de Guillermo del Toro com a Netflix em mais um filme que adapta um clássico da literatura sobre um ser trazido à vida com todos os símbolos que remetem ao Cinema do artista. 

No entanto, à medida que o cineasta, que assina a produção e o roteiro, articula seu estilo e sua visão sobre a obra, também tenta manter-se fiel à trama e aos subtextos de Mary Shelley e, diante disso, assim como um escultor de cinebiografias de astros da música, o diretor se atrapalha entre tantas ideias disponíveis, pincelando passagens importantes com pouquíssima profundidade. Não se trata da relevância existir somente no livro, mas para a própria história do longa – ora, se del Toro escolheu para as telas tal capítulo, ele o considera importante.

O enredo se divide em três partes: Prelúdio, A história de Victor Frankenstein e a versão do monstro. Nesta última, há a tentativa de se aprofundar no personagem interpretado por Jacob Elordi, contudo a escolha da voz over para narrar a descoberta do mundo, da humanidade, do amor e da violência acaba por apressar a relação de Frankenstein com seu redor e, portanto, com o público também. A culpa do criador, a tragédia que cai sobre a família do cientista e a solidão da criatura são elementos postos na trama que soam apenas como um aceno aos fãs da literatura, sem atingir o âmago do espectador. 

Datado de 1818, o texto da britânica é extremamente melancólico e autodepreciativo. O monstro, Victor e o capitão Robert Walton, os três narradores do romance, são embargados por uma escrita poética e falas sobre solidão, que afluem em dilemas sociais do século XIX – embora a narrativa tenha conseguido resistir ao tempo e se atualizar. Esse exagero respira o Cinema do mexicano, que rebusca o sentimentalismo em suas obras, seja pelas trilhas sonoras, as fotografias com baixa luz ou até pelos roteiros que sempre deixam bem claro, até pela exposição nos diálogos, as metáforas e subtextos, com pouca sutileza. O roteirista vai direcionar a principal questão do longa para os daddy issues, um movimento bem presente em Hollywood. Conflitos éticos da ciência são substituídos pela narrativa de um filho que não atende às expectativas do pai. 

Entretanto, se a falta de discrição está presente, os visuais expressivos da filmografia do diretor estão em eclipse. Há um ou outro elemento no cenário que chama atenção, a maioria das cenas remete ao Tim Burton em sua pior fase, a partir de 2010. Nada é tão marcante quanto o Homem Pálido em O Labirinto do Fauno (2006) e o Homem-Anfíbio em A Forma da Água (2017), ambos personagens interpretados por Doug Jones. A aparência do Frankenstein se associa mais às descrições de Mary Shelley, um homem alto, forte, de cabelos escuros e pele pálida, em relação ao clássico de 1931, eternizado no imaginário coletivo por Boris Karloff. Talvez tenha uma funcionalidade maior no filme, tanto para valorizar as expressões de Jacob Elordi quanto para a reiterar a rejeição de Victor, que é muito mais sobre a inteligência do que aparência. Contudo, ainda que seja cedo para cravar, isto tem um preço: não entrará para a história. 

Oscar Isaac como Victor Frankenstein é trágico. del Toro tem uma visão específica sobre o protagonista, diferente de Shelley. Para a autora, ele soa como um Lord Byron que carrega uma maldição, porém para o diretor, ele é um ser desprezível, mesquinho. Isaac é canastrão e parece um cientista louco, no sentido mais pobre do arquétipo. Pelo menos, Elordi e Mia Goth conseguem unir os dois aspectos que faltam no longa: sensações e estilo. A estrela de Euphoria (2019-) passeia entre a inocência e a violência de forma adequada. Nos primeiros dias de vida da criatura, seu olhar e gestos se assemelham aos de uma criança, enquanto na fase adulta consegue trazer imponência com sua voz grave. 

Já Elizabeth (Mia Goth) garante a elegância que remete ao romantismo, como se ela estivesse filmando uma adaptação de Jane Austen. Suas linhas de fala são exageradas e poéticas, assim como sua química com Frankenstein tem resquícios de A Bela e a Fera – um caminho óbvio a se seguir e repetitivo na filmografia de del Toro, mas que talvez fosse o melhor a fazer. Sua trama é melodramática, é uma personagem que faz sacrifícios românticos, age como heroína e tem sua tragicidade. A Direção de Arte de Tamara Deverell trata especialmente  as aparições de Elizabeth com mais ferocidade, injetando o exagero e o gótico; nelas há um retorno da ideia do que é ver um filme do cineasta mexicano.

O novo Frankenstein é uma invenção que não deu certo. Uma colcha de remendos de inspirações artísticas castradas, autoria no enredo misturado com fidelidade ao material original e atores que não parecem fazer o mesmo projeto, inclusive o estimado Christoph Waltz não está na sua melhor forma. É árduo não compará-lo com Nosferatu (2024), de Robert Eggers, que foi humilde em assumir sua paixão pelo clássico de 1922 e não fez grandes mudanças, mantendo um trabalho mais coeso, inspirado e polêmico. 

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Larissa Mateus

“Sempre pensávamos que vida alienígena viria das estrelas, mas veio das profundezas do mar“, explica o protagonista Rayleigh nos primeiros segundos do filme sobre a reviravolta que seu mundo sofreu, cuja consequência foi uma guerra contra seres de fora do planeta que durou mais de dez anos. Círculo de Fogo (2013) constrói um plano de fundo que se leva extremamente a sério, mas lava seus elementos realistas com as verdades de sua narrativa: a pura nostalgia e a total admiração por robôs gigantes batendo em alienígenas ainda maiores. 

Esse clássico recente da ficção científica completou uma década em 2023 e envelheceu como vinho devido ao carinho do diretor, Guillermo Del Toro. O cuidado e a afeição tanto de Del Toro quanto de seu time de produção transparece em cada cena, e demonstra uma sincera homenagem às animações japonesas de mechas, como Evangelion (1997), e aos clássicos do gênero Kaiju, como Godzilla (1954). O típico romantismo das obras do diretor, evidenciado em A Forma da Água (2017), não está presente em sua literalidade – ou literariedade – aqui. Sua paixão, porém, ainda se manifesta nas características irreverentes do gênero, a exemplo do próprio sentimentalismo que constrói o caráter nostálgico do filme. 

Um dos principais elementos que demonstra a profundidade de pensamento do diretor é a construção do mundo. A sociedade retratada em Círculo de Fogo é complexa e interessantíssima, mesmo que seja apenas para a ambientação da narrativa, e não para o próprio enredo. Cada minúcia de um planeta em guerra contra alienígenas colonizadores foi pensada: desde itens, como uma nova arquitetura para proteger as cidades desses gigantes, novas alianças políticas entre países e até uma crise ambiental causada pelo sangue extraterrestre derramado. O resultado é um mundo nítido e vívido que, embora distópico, desperta a vontade de vivenciá-lo em toda a sua tatilidade. 

Apesar de colorido e bem construído, a cinematografia deixa a desejar, por vezes, caindo em um uncanny valley na gradação de cores. O filme é gravado de maneira inteiramente digital, o que faz os tons de preto serem extremamente profundos e o contraste entre as cores seja forte demais em alguns enquadramentos. O objetivo é claro: facilitar ainda mais a conexão do filme às animações japonesas – porém, em um filme live action, essa saturação de cores pode destoar demais da realidade pintada. O principal exemplo é o do palácio dourado do criminoso Hannibal Chau, interpretado pelo sempre ilustre e caricato Ron Perlman. A cena é dirigida com maestria, mas a dor de cabeça causada pela combinação enojante de verde e amarelo, não tanto.

Dentro desse universo extremamente detalhado, a narrativa se contrapõe em sua simplicidade, tendo sua trama focada apenas em entregar a ação mais bombástica possível. O roteiro de Travis Beacham e Guillermo del Toro, inclusive, perdeu um pouco de seu impacto com a idade: o futuro distópico da década de 2020 mostrado em Círculo de Fogo virou piada agora que enfrentamos coisas talvez piores. Em 2013, a maior ameaça imaginada do então futuro próximo eram as consequências sociopolíticas de invasões extraterrestres. No verdadeiro 2020, a humanidade foi dizimada por algo mais próximo de um filme de zumbis do que de uma espalhafatosa guerra entre mechas e monstros gigantes.

A trama pode ter perdido certa essência com o passar dos anos, mas sua construção continua sendo ideal para o produto que deseja ser. A lógica do longa-metragem trabalha com o contratempo de uma história despretensiosa, enquanto investe em todos os outros aspectos de produção para elevá-la a uma ficção científica inesquecível.

Um dos principais elementos mais enaltecedores do filme é a atuação, novamente sendo mais um fator responsável por transformar o roteiro em um empolgante espetáculo. As personagens estereotipadas ganham uma nova dimensão com a clara paixão dos atores neste projeto. Idris Elba como Stacker Pentecost, por exemplo, representa o típico e estóico general com um coração de ouro, e entrega o melhor discurso inspirador de fim de mundo da última década. O personagem que, até então, não havia expressado abertamente a profundidade de seu apreço pelas pessoas à sua volta, traz na fala a esperança de alguém que, mesmo nas mais sombrias circunstâncias, encontra a solução de todas as angústias em confiar na comunidade que construiu. 

Outros destaques são Burn Gorman e Charlie Day, que dão vida, respectivamente, ao matemático Hermann Gottlieb e ao xenobiólogo e roqueiro Newton “Newt” Geiszler. Os cientistas vivem um relacionamento conturbado, trazendo um humor indispensável para dar leveza à tensão constante da história. Entre suas disputas filosóficas e briguinhas infantis, o par de inimigos com tensão homoerótica palpável descobre o quanto verdadeiramente se importam um com o outro, e, trabalhando juntos, conseguem unir a sistemática matemática com a fluidez da biologia para cancelarem o apocalipse. 

Para além das minúcias, o prato principal desse banquete visual é a ação temperada pela Música. A trilha sonora de Ramin Djawadi transforma o impacto de cada soco em algo sentido não só pela gigante massa dos monstros dentro do filme, mas também pela própria plateia. Aliás, a composição contém um toque de rock’n’roll dentro das cordas mais tradicionais e inspiradoras, além de batidas pesadas e elementos eletrônicos típicos de composições mais futurísticas. A ação torna-se visceral no momento em que soma-se à violência analógica dos robôs gigantes, os Jaegers, quando atingem um Kaiju desprevenido.

Os designs dos mechas são perfeitamente distinguíveis entre si, cheios de personalidade e detalhes individualizadores que conseguem transformar aquelas máquinas gigantes em seus próprios personagens. Os Jaegers mais novos, como o australiano Striker Eureka, têm designs limpos e minimalistas, dando a impressão de leveza e agilidade. Os mais antigos, por sua vez, como o protagonista Gypsy Danger e o russo Cherno Alpha, contam com características no âmbito do steampunk, dado o brilho de energia futurística fluindo entre canos, polias e pistões antiquados visíveis. 

O desenho autômato desses robôs preservou de maneira espetacular os efeitos especiais do filme, aparentando ser bem mais palpáveis que muitos atualmente, principalmente em sua violência. A brutalidade é física em todos os aspectos, já que a tecnologia na história do longa não é futurista o suficiente para impedir o fato da melhor solução para combater um alienígena gigante ser uma espada bem enfiada no coração ou um chute nas costelas.

Círculo de Fogo demonstrou que é possível, sim, fazer um filme de qualidade com uma premissa boba, desde que seja construído com todo o amor e dedicação de uma equipe motivada a entender nuances da ficção científica. Em seus dez anos de história, o longa trouxe vitalidade a um gênero mais reservado às animações, e provou que um apreço genuíno dentro da produção de um filme é o suficiente para cultivar um grupo de fãs dedicados. Esses que nunca esquecerão como a conexão entre as pessoas é o suficiente para pilotar um robô de guerra e impedir o apocalipse. 

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Aryadne Xavier

Pergunte a alguma criança ou adulto sobre a história de um menino cujo nariz aumenta sempre que mente e, muito provavelmente, ele saberá te dizer de que história você está falando. A grande quantidade de adaptações cinematográficas do boneco de madeira vivo pode trazer o sentimento de mais do mesmo sempre que algo novo sobre o conto, popularizado pela Disney há mais de 80 anos, é lançado. Isso não ocorre na sua mais recente adaptação, construída de maneira a trazer de volta a magia a uma história repetida incontáveis vezes. O longa Pinóquio por Guillermo del Toro, dirigido por Guillermo del Toro e Mark Gustafson, reafirma como animações podem tratar de pautas importantes, equilibrando o discurso filosófico com o visual estonteante.  

A história de Pinóquio pode ser considerada um clássico no universo de contos infantis e, mesmo sendo adaptada muitas vezes, com certeza a sua versão mais memorável é a de 1940, dos Estúdios Disney. Na narrativa, o jovem boneco de madeira tinha seu nariz crescendo toda vez que mentia ao tentar se safar das consequências de se meter em problemas causados pela sua inocência. A adaptação de del Toro para a Netflix, no entanto, retoma a obra original de Carlo Collodi, de 1881, voltando ao cerne de um menino vivo, mas feito de madeira, que ganha vida. A alteração de trechos memoráveis da narração entrega ao espectador uma história sobre amor, luto, responsabilidade e, mais que tudo isso: uma exposição sobre a preciosidade do que se sabe ser passageiro.

A vontade de del Toro de realizar o projeto é antiga, de anos atrás. Os 117 minutos do filme foram planejados nos mínimos detalhes, com a criação do roteiro, storyboard, demonstrações e uma grande vontade do próprio diretor. Esse cuidado e dedicação podem ser notados no primeiro olhar ao longa: uma animação stop motion em uma época de tantas possibilidades no mundo digital, que consegue mesclar o artesanal com um estilo característico de outras obras do cineasta. Visualmente, o longa é estonteante e mágico, transmitindo a veracidade de uma história que aborda sobre uma marionete viva com o uso de bonecos, feitos como marionetes reais, que ganham a vida na junção dos vários frames realizados um a um.

O conto se passa em uma Itália fascista. Gepeto, aqui carpinteiro e não relojoeiro como na adaptação da Disney, é um homem amargurado, que não se perdoa e não consegue seguir em frente após a morte de Carlo, seu único filho, atingido por um bombardeio. A construção do fantoche, em uma noite chuvosa, embriagado e agindo por impulso, demonstra que seu coração estava tão vazio quanto o do boneco, desejando com tudo o que tinha o retorno de seu menino. E Pinóquio, aqui, é uma criança que, ao ganhar a vida de uma criatura mística e etérea de cor azul (equivalente à Fada Azul da animação de 1940), desconhece o mundo e, por isso, erra muito. Seus erros, porém, não são facilmente perdoados. 

A fúria de seu pai sobre seu comportamento é incisiva e desproporcional; Gepeto desejava que aquele garoto à sua frente fosse exatamente como Carlo, mas ele era Pinóquio. O olhar de estranheza e o ódio que recebe da comunidade após aparecer em uma missa da igreja local aumentam a carga sobre o que era apenas uma criança aprendendo sobre o mundo ao seu redor. Ele era exatamente igual o Cristo de madeira que viu em destaque na paróquia, mas era rejeitado. A agressão verbal que recebe do Podesta, o engano de Candlewick e a exploração da qual é vítima pelas mãos do Conde Volpe reforçam que a história contada aqui é sobre a vida real – mesmo que, por vezes, o aparecimento sem razões prévias, com um tom até mágico, de situações (fabricadas para aumentar a tensão) e personagens (que quase se teletransportam) possa quebrar a imersão com a história.

De todas as cenas de Pinóquio, entre os ambientes e personagens com os quais o boneco de madeira interage, um em específico, com coelhos, ampulhetas e muita areia, abriga uma sutileza especial. As conversas com a esfinge azul, uma criatura mística ao estilo del Toro que cuida da morte, se apresentam sempre filosóficas e valiosas, pingando de gota a gota algo ao espectador, uma mensagem que era preciosa demais para ser despejada de uma só vez. A quem assiste, é necessário aguardar a passagem de tempo da mesma forma que Pinóquio aguarda para retornar a vida toda vez que morre, para, então, descobrir que todo momento pode ser o último em uma realidade com início, meio e fim como lei.

A humanização que é percebida no filme, desde sua produção artesanal impecável até a escolha por utilizar seres humanos em um contexto real, ajuda e muito na simpatia pelo personagem. Se anteriormente o menino de madeira se metia em seguidos problemas, que poderiam ser considerados bobos, e saia deles tão rápido quanto entrava, aqui ele lida com algo muito mais sério: a guerra e a morte. Acompanhar de perto os sentimentos do mestre Gepeto e sua consequente jornada ao reaprender a ser um pai e lidar com suas mágoas e sofrimento oferece uma reflexão além do arco principal. O tempo de tela de personagens secundários e arcos menores que foram trabalhados, como a similaridade de Pinóquio e Candlewick, também dá ao filme um respiro e apoio a história principal. Todos os sujeitos, em certa altura, tornam-se importantes a quem assiste.

Todas essas características culminaram em uma crítica muito favorável e cheia de elogios ao projeto. Bem antes de Pinóquio, Guillermo del Toro é inegavelmente uma figura marcante em premiações. Projetos anteriores de sua autoria, como O Labirinto do Fauno, lhe renderam prêmios de Melhor Roteiro Original no British Academy Film Awards e Melhor Diretor no Prêmio Ariel. Um de seus filmes mais aclamados, A Forma da Água, contou com 13 indicações ao Oscar 2018 e ganhou nas categorias de Melhor Filme e Melhor Diretor. Com Pinóquio não foi diferente. A obra, que já acumula indicações em prêmios anteriores ao da Academia, começou performando muito bem na temporada: a animação conquistou um Globo de Ouro na categoria de Melhor Animação.

Agora, o longa concorre em uma categoria no Oscar 2023, sendo a de Melhor Animação. Em terras britânicas, no BAFTA, o longa concorre em três categorias, entre elas a de Melhor Animação. Além dessas premiações, a produção disputa o 50º Annie Awards, considerado o Oscar da animação, em nove categorias, entre elas a de Melhor Direção em Animação, Melhor Música em Animação, Melhor Animação de Personagem, para Tucker Barrie, e uma dupla indicação a melhor dublagem para Gregory Mann e David Bradley. Outra indicação interessante foi na quarta edição do Society of Composers and Lyricists, na qual o longa aparece na lista de Melhor Trilha Sonora e Melhor Canção, com Ciao Papa, trilha que já havia sido indicada anteriormente ao Globo de Ouro como Melhor Trilha Sonora Original, mas foi esnobada pelo Oscar. 

De forma despretensiosa, Guillermo del Toro levanta discussões extremamente importantes em um filme de visual fantástico, que pode prender e encantar o espectador com sua abundância e riqueza em detalhes. O roteiro, escrito em parceria com Patrick MacHale, não se preocupa necessariamente em amarrar todas as suas pontas de maneira explícita, quase como soletrando ao público a resolução de todas as questões que se propõe a abranger. E o seu Pinóquio nos ensina que a verdadeira vida, aquela que é preciosa pela sua raridade, nasce quando não se é quem se esperava de você, quem queriam que você fosse. A verdadeira vida começa quando se é quem você nasceu para ser: você, do jeitinho que é.

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Caroline Campos

Guillermo del Toro sempre teve uma predileção pelo inóspito e o bizarro. Conforme sua carreira foi amadurecendo, o diretor se viu cada vez mais confortável em meio às suas criações monstruosas com olhos nas mãos, chifres reluzentes e escamas pelo corpo, buscando reforçar que, no final das contas, o estranho pode ser um convite para uma vida fantástica. No entanto, em O Beco do Pesadelo, sua nova empreitada, del Toro prende as criaturas no baú, fecha o livro de histórias mágicas e assume uma roupagem realista à sua maneira para provar, mais uma vez, que o ser humano é bem mais perigoso que o pior dos monstros.

Baseado no romance de mesmo nome escrito por William Lindsay Gresham em 1946 e inspirado pelo filme subsequente de Edmund Goulding lançado em 1947 – que, apesar de estampar o Nightmare Alley original, ganhou o título de O Beco das Almas Perdidas no Brasil –, o longa repaginado do diretor mexicano é uma viagem suja e moralmente degradante pelos Estados Unidos dos anos 30. Com uma mistura heterogênea de personagens desesperados, quem encabeça a trama é Stanton Carlisle, um andarilho contido e misterioso que é acolhido por um circo itinerante e passa a se envolver com os segredos de seus artistas.

Se nos primeiros momentos do thriller Carlisle é envolto em um silêncio ameaçador, logo passa a exalar um charme determinado a conquistar mais – mais dinheiro, mais amor, mais fama. Quem garante forma ao protagonista é Bradley Cooper, que, apesar de acumular atuações sem muito tempero na carreira, entrega uma alma intensamente perturbada ao noir de Guillermo del Toro, assumindo o fardo que uma vez pertenceu a Tyrone Power. Com uma persona para cada fase de O Beco do Pesadelo, Cooper entende o que o trabalho exige e se adequa a uma narrativa própria de ascensão e queda, corrompido pela ganância e rumando assumidamente a sua derrocada.

Enquanto Stan encontra seu bilhete premiado rumo ao estrelato em meio às lonas brancas e vermelhas encardidas, nós encontramos o melhor que o comboio de coadjuvantes tem a oferecer. Com Willem Dafoe, Toni Collette, David Strathairn, Rooney Mara e Ron Perlman, parceiro de longa data do diretor, del Toro extrai uma profusão de talento para contar a sua história – seja por meio da inocência juvenil de Mara ou da crueldade de Dafoe e seu “selvagem”. Mesmo ultrapassando as duas horas de duração, o resultado final é hipnótico, como se o espectador fosse apenas uma parte da plateia de aflitos de Madame Zeena.

Ao migrar para a segunda metade do longa, Cooper se mantém firme como dono da narrativa, mas Rooney Mara tem dificuldades para ficar de pé em meio ao mar agitado de Chicago e seus novos personagens. Apagada, a atriz e sua Molly dividem o peso fantasmagórico da indiferença não só do marido, como também do roteiro de Guillermo del Toro e Kim Morgan, que falha em dar uma personalidade minimamente chamativa para a mulher-elétrica. Como consequência, a garota é devorada pela trama niilista, rendendo poucos bons momentos e ficando ainda mais ofuscada com a chegada felina de Cate Blanchett.

Interpretando a psiquiatra Lilith Ritter, a atriz veterana carrega nas mãos a perdição do ato final no melhor estilo femme fatale que embalou o gênero dos anos 40. Sempre acompanhada de um facho certeiro de luz, Ritter auxilia na manipulação mediúnica de Carlisle, mas mantém seu jogo por debaixo dos panos durante toda a produção, estrelando seu próprio enredo secreto sem que nos demos conta. Blanchett, por si só, é um fenômeno à parte; a câmera a segue como uma amante reprimida, sempre receosa de se aproximar demais, mas nunca tirando o olho ciclópico de cada movimento que sua doutora performa.

A elegância da personagem faz jus ao ritmo da Era de Ouro da vida de Stan, momentos antes da dupla de roteiristas adentrar na conclusão sombria de O Beco do Pesadelo. Enquanto o longa de 1947, empastelado pelo Código Hays, precisou se conter na violência e transmitir uma mensagem esperançosa antes dos créditos subirem, a regravação do diretor mexicano deixa claro que os tempos de censura há muito acabaram. Com a sublime participação de Richard Jenkins, o último ato do Grande Staton é banhado a sangue, ganância e corrupção. Já que, em seu 11º filme, Guillermo del Toro não pôde inserir demônios diretamente nas telas, ele deu um jeito de encontrá-los na alma atormentada de um médium picareta.

Inundado pela inventividade artística de seu criador e da equipe de renome por trás das câmeras, não foi surpresa alguma se deparar com o título Nightmare Alley citado quatro vezes na lista de indicados ao Oscar 2022. Olhando pela lente da Academia, o maior trunfo da produção está concentrado nas categorias técnicas, especialmente pelas mãos talentosas de Tamara Deverell e Shane Vieau, responsáveis por agarrar com unhas e dentes a nomeação em Melhor Design de Produção. Claro que não poderia ser diferente, já que é difícil desviar a atenção do deslumbramento colossal que o freak show criado pela designer e o decorador causa. 

Funcional e hipnotizante, o habitat das criaturas assombradas por vícios, sonhos e pela Grande Depressão é o cenário perfeito para dar início a decadente trama visual que del Toro planejava contar há mais de trinta anos. Em complemento, o jogo entre penumbras primorosas e cores vibrantes idealizado por Dan Laustsen também marcou presença na categoria de Melhor Fotografia. O circo de Deverell e Vieau é parceiro direto da cinematografia de Laustsen na criação da atmosfera suja de O Beco do Pesadelo e, mesmo quando Stan e Molly passam a frequentar a alta sociedade americana, repleta de luxos e ostentações, a força das sombras que rodeiam seus números é um lembrete constante da fragilidade daquela realidade.

O filme também foi lembrado em Melhor Figurino, estampando o nome e o trabalho vintage de Luis Sequeira entre os indicados. Construindo sua estética lado a lado com a iluminação e o tom de cada cenário, Sequeira buscou representar com fidelidade os dois períodos de tempo diferentes da história, mas sem perder uma base moderna. Por fim, a obra garantiu a grande honraria de participar da seleta lista dos que concorrem a Melhor Filme. Dessa vez, o trio de produtores que pode subir ao palco da maior celebração do Cinema mundial é composto por Bradley Cooper, J. Miles Dale e Guillermo del Toro – os dois últimos tendo recebido a estatueta principal pouco mais de quatro anos atrás, pelo realismo fantástico de A Forma da Água. 

Dispensando histórias de amor épicas e submundos sobrenaturais, O Beco do Pesadelo encontra na degeneração humana o lugar-comum entre todos os seus caminhos, onde cada personagem funciona como um paciente terminal; sem salvação, condenado. Ao se enveredar pela reinvenção de uma trama antiga, Guillermo del Toro se mantém fiel às suas próprias perversões, construindo um universo visualmente rico e espiritualmente pútrido para abarcar seus artistas circenses desesperançosos. E para nós, respeitável público, não há escolha senão aproveitar o espetáculo. Afinal, senhor, nascemos para isso.

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