Nathalia Tetzner e Thuani Barbosa

Inspirada no mangá de mesmo nome, Alice in Borderland retorna ainda mais brutal em sua 2ª temporada. Dirigida por Shinsuke Sato, a trama persegue os protagonistas Ryōhei Arisu (Kento Yamazaki) e Yuzuha Usagi (Tao Tsuchiya) em uma Tóquio apocalíptica e repleta de jogos mortais, criados a partir dos naipes de Reis e Rainhas de um jogo de mesa. A criatividade para executar a sequência dos desafios é surpreendente, além de muito fiel à obra original, agregando valor sentimental para os fãs que acompanham a saga dessa Alice distópica. Sem medo de jogar com quem assiste, a série da Netflix bagunça o baralho e guarda uma carta na manga. 

Se em 2020, ano em que a produção do estúdio japonês Robot Communications Inc. foi lançada, o público enxergou um grupo de personagens extremamente imaturos, confusos e perdidos, ao final de 2022, o desenvolvimento proporcionado pela vivência em meio ao caos desse universo distópico se tornou perceptível. No ápice da violência física e emocional do enredo, as atuações do elenco florescem como nunca antes visto e a assinatura caricata quase inata da Televisão asiática traz uma incoerente harmonia com a composição cinematográfica de Taro Kawazu.

Como toda sequência de produções originais, a comparação entre os diferentes formatos é inevitável, mas Alice in Borderland já está acostumada com suas adaptações do mangá para o anime e do anime para a série. Se nos quadrinhos japoneses as ilustrações adotam linhas cruas, o plano bidimensional da animação permite uma continuidade excepcional e, por fim, o live action consegue parcialmente unir tais qualidades.

Porém, tratando-se da transição de uma temporada para outra, o seriado trabalhou muito bem as mudanças, que conseguem ser perceptíveis e sofisticadas ao mesmo tempo. Em 2022, o roteiro flui com maior agilidade graças ao desenvolvimento do enredo, enquanto o tom adquire uma obscuridade que parece querer acabar com qualquer esperança de um final feliz. Os jogos mantiveram seu respeito pelos naipes, porém todos se tornaram mais psicológicos, moralistas e suscetíveis à manipulação do coração.

Pelo fato de se tratar da segunda e última temporada, a série da Netflix finalmente procura revelar a estrutura detrás desse mundo nefasto e desconhecido tanto pelos aprisionados na destruição quanto por quem assiste no conforto do sofá de casa. Uma das principais surpresas descobertas pelo protagonista Arisu é a diferenciação entre pessoas como ele, meros jogadores, e os criadores dos jogos, representantes dos naipes e classificados como cidadãos da cidade de Tóquio.

Responsáveis pela agonia das personagens e pela satisfação dos espectadores, os jogos brutais são, desta vez, exclusivamente elaborados pelos reis e rainhas do baralho, o que significa que as mortes nunca foram tão sangrentas, repugnantes e, ainda, constantes. Afinal, a presença do mercenário Rei de Espadas atirando a quase todo minuto chega a ser traumatizante até para quem está do outro lado da tela.

O romance entre Arisu e Usagi começa a ser desenvolvido ainda na primeira temporada, de um jeito costumeiro dos dramas asiáticos, ou seja, com muita sutileza e atenção aos pequenos detalhes, como respirações pesadas ao conversar, longos olhares e um bom jogo de câmera. Porém, é na continuação que esse affair se desenvolve, carregado de dúvidas e cumplicidade que beiram um amor adolescente, entregando momentos sensíveis mesmo em um universo tão mortal. 

O manejo dessas duas sensações é muito bem feito pela direção de Shinsuke Sato e pelo roteiro escrito junto a Yoshiki Watabe e Yasuko Kuramitsu, que conseguem colocar delicadeza e choque na mesma obra, sem que uma machuque a outra. A cena em que o casal se banha em águas termais no meio de destroços e são surpreendidos por elefantes é o exemplo de um timing bem feito: mesmo em um ambiente desfavorável para que o amor aconteça, o menos esperado se revela cativante.

Derivado do mangá do artista Haro Aso, a produção audiovisual é fiel às características dos quadrinhos, seja no comportamento das personagens ou nas cenas dramatizadas. Shuntarō Chishiya (Nijirō Murakami), um dos coadjuvantes, exala a personalidade de anti-herói costumeira de alguns animes: silencioso, observador e insensível, de um jeito atrativo que chega a ser justificável; tal qual Itachi Uchiha, de Naruto. 

Em contrapartida, é interessante ver a forma que a adaptação se desvencilhou do exibicionismo sexual recorrente desse gênero. Mesmo que o uso de biquínis e shorts por Hikari Kuina (Aya Asahina) e Ann Rizuna (Ayaka Miyoshi) ainda seja incoerente para a narrativa, não se equipara à sexualização corriqueira dos desenhos asiáticos. 

Em evidência na 2ª temporada, os distintos passados dos criadores dos jogos, os fatídicos cidadãos de Tóquio, trazem profundidade para os oito episódios inéditos de Alice in Borderland. Ainda que os jogos sejam divididos em naipes, nos quais as Espadas significam a exigência física, Paus necessita da união em equipe e Ouros clame por inteligência, todos parecem ter em comum a carga emocional de uma partida de Copas.

Em especial, o terceiro e sexto capítulos atingem o primor da sensibilidade do audiovisual. Neles, o imponente e confiante Rei de Paus se revela um vocalista movido pelo laço com os amigos de sua banda e, igualmente a flor-da-pele, o Rei de Ouros ensina sobre o valor da vida para Chishiya, finalmente se libertando de erros nostálgicos. 

Não recomendada para menores de 16 anos, a série da Netflix coloca em cena enormes explosões, ferimentos expostos e embates grotescos pela sobrevivência. Frente a este desafio, a equipe de caracterização e maquiagem faz um trabalho surpreendente ao conseguir trajar o realismo com fidelidade; afinal, são muitas as personagens que nasceram após horas na cadeira do camarim. 

Entre elas, o irritante e completamente desfigurado após a primeira temporada, Suguru Niragi (Dori Sakurada), renasce do fogo e está de volta para provocar o nojo e o ódio. Já Morizono Aguni (Sho Aoyagi), também retorna com rancor em excesso, mas acompanhado de Heiya (Yuri Tsunematsu), a jovem arqueira que precisou ter a perna amputada e a quem ele protege com todo o seu coração de gigante.

Dividindo opiniões e separando os espectadores em fãs e haters, a cena final, diferente de tudo que foi mostrado ao longo de duas temporadas, não tem nada de mirabolante, deixando uma série que percorreu um caminho cheio de plot twists, com um final comum até demais. O que pode parecer um problema, acaba sendo o preço pela fidelidade da adaptação ao final do mangá, que o mantém idêntico ao produzido por Aso. 

Repleto das referências mais óbvias a Alice no País das Maravilhas o jogo de críquete, as rosas brancas e a risadinha cínica da Rainha de Copas aumentam a animosidade para as últimas cenas que levam a atriz Riisa Naka ao melhor de sua atuação. Além de Arisu, a Rainha de Copas é a referência mais óbvia ao clássico de Lewis Carroll: manipuladora e bem humorada, a vilã consegue ser a favorita de muitos.

“Vida, vida, vida, que seja do jeito que for“. Inesperadamente, a canção Maravida de Gonzaguinha poderia facilmente ser a inspiração para as salas de jogos dessa temporada. Adicionando aprofundamentos morais baseados em suas trajetórias antes dos jogos, os reis, valetes e rainhas carregam algo em comum: os questionamentos sobre o valor da vida. Mesmo que rodeados pela morte, a vivência de cada um carrega significados profundos.

Sutilmente mostrado na primeira temporada com o exemplo de Chapeleiro e Aguni, os ideais sobre ela são reforçados por cada representante de jogo; carregando suas próprias peculiaridades, mas com a mesma intenção, mostrar o quão preciosa e o quanto precisa-se de fidelidade a si mesmo para conhecer sua jornada, dando a Arisu a lição mais valiosa da temporada. E quanto a você, já descobriu sua própria razão de viver?

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Raquel Dutra

A primeira vez que Elza Soares cantou em público foi em 1953. Na época, com apenas 23 anos, a artista já enfrentava a dureza da vida e viúva de um casamento que aconteceu quando ela tinha apenas 11 anos, lutava pela sua sobrevivência e a de seus filhos. Movida pelo desespero de ver um deles doente e sem dinheiro para o tratamento, ela decidiu participar de um programa de calouros da Rádio Tupi, apresentado por Ary Barroso. Naquele dia, com suas vestimentas humildes, Elza encarou os risos da plateia quando foi se apresentar e foi questionada em tom de chacota pelo apresentador: “De que planeta você vem, minha filha?”. O público gargalhou e logo foi cortado e constrangido pela resposta de direta de Elza, que mesmo ainda revestida de humildade, não deixou-se intimidar e disparou: “Do mesmo planeta que você, seu Ary. Do planeta fome”. 

O silêncio constrangedor imperou e Elza foi autorizada para soltar a sua voz, surpreendendo a todos mais uma vez. A letra forte de Lama combinada à interpretação rouca e vivaz da jovem criou uma atmosfera no estúdio do programa e Ary Barroso a interrompeu afirmando que, naquele momento, “nascia uma estrela”. Foi ali que parte do Brasil conheceu a força da mulher que viria a ser uma das artistas mais relevantes e de maior impacto cultural do país.

E no ano passado, chegando aos 90 anos de idade e 60 de carreira, Elza relembrou esse dia emblemático para sua história e para a história da música e da cultura brasileira num álbum que carrega os elementos mais intrínsecos de sua identidade enquanto artista. Planeta Fome é construído com revolta e celebração por uma artista sempre revolucionária e inovadora, que desta vez se reveste de futurismo para ousar ser esperançosa e imaginar dias melhores para nosso país, sempre encarando sem rodeios nossas duras realidades.

O furacão Elza Soares já se manifesta na abertura do disco com o evento que é Libertação. A parceria da artista com a grandiosidade musical do BaianaSystem – também conhecidos no Grammy Latino – se enlaça numa música que soa de forma quase profética. Ao abrir poderosamente a canção cantando “Eu não vou sucumbir” junto das guitarras e arranjos do grupo, Elza marca o futurismo que estabeleceu seus últimos trabalhos e anuncia todo o tom do disco, composto por memória crítica e esperança, com pés muito bem fincados no chão, olhos atentos avistando possibilidades para o nosso futuro e uma mente que incessantemente imagina e cria novos cenários a partir da arte. Não a toa, a faixa é uma das melhores do disco e indicada a Melhor Canção em Língua Portuguesa no Grammy Latino 2020.

Se tem futuro, também tem passado. Inclusive, misturados. É o que Elza faz no interlúdio Menino. “Venha cá menino, não faça isso não. Eu sei como é triste, não ter casa não ter pão. Não te leva a nada destruir o seu irmão. Você representa o futuro da nação” canta a sabedoria da artista em ritmo de samba suave digno de um aquece da bateria da Mocidade, que não deixa de ressaltar a importância da juventude para que nosso país tenha rumos melhores e que também nunca esquece suas raízes.

Desigualdade social é um dos principais temas do Planeta Fome, que é abordado enquanto a artista mescla sua tradição do samba com os solos de rock em Brasis. A canção é um exemplo perfeito da mudança de estilo muito bem sucedida que Elza vem apresentando nos últimos anos, migrando do samba para misturas de estilos com algo mais experimental.

Esta que, como toda boa experimentação, nem sempre apresenta um resultado completamente satisfatório, vide Blá Blá Blá. A faixa mantém a base de rock como a identidade contemporânea de Elza e não casa com o sample de Me Dê Motivos, de Tim Maia. Alocada num estilo muito diferente do de Elza na canção, a produção de Rafael Ramos não deu conta de amarrar o refrão apaixonado do rei com a canção de revolta da rainha, dueto que adoraríamos ouvir e que não precisaria de muita moda para ser incrível, mas que em meio a tantos elementos é a única mistura do disco que não funciona em sua totalidade.

Tem um Brasil que é próspero
Outro não muda
Um Brasil que investe
Outro que suga (…)

Tem o Brasil que cheira
Outro que fede
O Brasil que dá
É igualzinho ao que pede

Pede paz e saúde
Trabalho e dinheiro
Pede pelas crianças
Do país inteiro

Planeta Fome também é terra de valorização da arte brasileira como um todo. Revisitando o artista que levantou sua voz contra a tirania do governo militar brasileiro entre os anos de 1970 e 1980, Elza empresta sua voz à Pequena Memória para um Tempo Sem Memória, originalmente cantada por Gonzaguinha em 1972. Em seu lirismo característico, Elza canta pela “legião que se entregou por um novo dia”, reverenciando na batida do seu samba todos aqueles que perderam suas vidas lutando pelos seus direitos.

Mais uma canção do artista ganha uma versão de Elza, que canta Comportamento Geral acompanhada de um reggae suave, limpando o paladar do rock experimental enquanto critica a passividade do brasileiro frente às injustiças. Num show de arquitetura sonora, é adicionada à faixa doses de música clássica que gradativamente transformam a atmosfera da canção, se iniciando num balanço tranquilo e terminando com um incômodo importante de ser sentido. “Você merece. Você merece. Você merece.” repete Elza seguida de sussurros de seus vocais que permanecem nos versos mesmo quando todo o instrumental se esvai, nos lembrando da responsabilidade que temos com a nossa realidade.

Criticidade é o que não falta em Elza Soares. Assim, nem tudo do passado do Planeta Fome é exaltação. Em Tradição a sabedoria de nossa rainha dá um outro recado: “Desparafuse a construção. Descontinue a tradição. Desaproprie esse galpão. (…) Se jogue em meio a confusão.” Recomendando o que a própria vem fazendo nos últimos anos, ela canta ainda em meio as cordas clássicas num ritmo nostálgico: “No colorido da avenida, se jogue nesse turbilhão.”

É claro que ela sabe o que conservar, e relembrando a fé que ela tem em si mesma também sua própria história é que Elza canta Virei o Jogo. Reforçando mais uma vez seu compromisso com a luta pelo fim da violência contra a mulher, ela cria um louvor à resistência num hino dessa vez é quase universal, se opondo a uma série de injustiças e desumanidades com o refrão “Não descarrega sua arma em mim, a sua raiva não vai me abater. Você é não, eu sou um milhão de sins. Tenho meu povo pra me proteger.”

O quê de MPB que por tanto tempo fez sucesso na arte de Elza aparece no romantismo de Lírio Rosa, fazendo com que o Planeta Fome não seja só composto por denúncia e revolta. Em dedilhados de violão aconchegantes, a faixa tem um caráter acústico e minimalista atenciosamente arquitetado que em nada destoa do restante do álbum. Suavizando a força de sua voz, Elza se descobre apaixonada numa canção que engloba o amor muito além do romântico.

Nessa vibe mais suave é que aparece mais visivelmente a esperança que a artista nutre pelo futuro. Tudo o que a rainha deseja para o nosso país é cantado em País do Sonho. A utopia de Elza é repleta de sua guitarra característica, que aqui cria algo entre o samba e o funk. À essa mistura, ela ainda manteve a sutileza de seus instrumentos clássicos, mais uma vez, numa mistura única que só poderia surgir de Elza Soares.

Além de memorar de uma maneira muito forte o início de sua carreira, Planeta Fome conserva todos os elementos da identidade de Elza, já figurados em sua vasta discografia. Entretanto, dentre todos eles, um se destaca: o que fez a artista se atualizar no cenário da música popular brasileira em 2015, com o icônico, poderoso, inovador e aclamado Mulher do Fim do Mundo. O disco inaugurou uma era mais moderna e experimental da artista, continuada com a ousadia de Deus é Mulher (2018), também indicado ao Grammy Latino.

Já não precisamos mais explicar a potência que é Elza Soares. Mesmo depois de décadas e décadas de carreira e com a saúde debilitada a artista consegue se reinventar, atrair novos públicos, permanecer nos ouvidos dos mais velhos e se instaurar no imaginário dos mais jovens. Estar presente na história do Brasil pra sempre, revelando realidades mascaradas, representando e acalentando corações marginalizados e ajudando a imaginar futuros melhores é tudo o que a Mulher do Fim do Mundo quer, e realiza como ninguém. “Me deixem cantar até o fim” ela suplica na faixa-título de um dos melhores álbuns de sua carreira e da música brasileira dos últimos anos, lançado há 5 anos. Como se precisasse pedir. Tudo o que nós queremos é ouvir e celebrar a rainha do Planeta Fome – que pasme: em muito se assemelha ao nosso Brasil – até depois do fim. 

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