Davi Marcelgo

Existem filmes que transformam cidades em personagens ou fazem delas elementos importantes para a trama. Na 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, por exemplo, o longa A Árvore do Conhecimento (2025) usa as transformações de Lisboa como ponto de partida de sua história. Já Baby (2024) faz das ruas da capital paulista um local de refúgio e identidade. Essa característica não está presente em Love Kills, apesar de a diretora Luiza Schelling transformar a terra da garoa em sua Transilvânia, ela pode ser substituída por qualquer outro cenário. A produção faz parte da seção Mostra Brasil do evento e reproduz a linguagem e a gramática de países externos. 

A trama de vampirismo é inspirada no quadrinho de mesmo nome, escrito por Danilo Beyruth (Astronauta MSP), e é persuadida por produções estrangeiras do subgênero, seja pelas roupas de couro (Blade: O Caçador de Vampiros, 1998) ou  inspirações no enredo de Drácula de Bram Stoker (1897). Tentar se desvincular de uma obra inaugural como o livro do final do século XIX não é só exaustivo, como faz parte da Arte o diálogo com influências externas. Porém, repetir os padrões estilísticos do Cinema Hollywoodiano em um longa brasileiro é, no mínimo, castrador. 

Helena (Thais Lago) e Marcos (Gabriel Stauffer) transitam nas noites de São Paulo, entre covis e escadarias onde o abandono estatal e a dependência por drogas são codificados como elementos de Terror, mas superficiais. A morte de pessoas em situação de rua, servidas de alimento para os vampiros, remete à alegoria dos ricos que sugam as classes mais vulneráveis. Contudo a temática está mais apoiada ao clichê dessa metáfora no imaginário do público do que um compromisso no enredo, que dá preferência à fantasia e ao amor, fazendo com que esse plano de fundo da cidade de pedra seja puramente estético – o que não seria um problema, se a direção de Schelling não estivesse tão apegada aos vícios americanos. A título de comparação, As Boas Maneiras (2017) consegue incorporar a natureza folclórica do lobisomem, contada de forma oral por gerações, por meio de paisagens pintadas e estilo artificial, o que proporciona elementos do Brasil.

Os personagens lutam com uma coreografia e encenação bastante formulaica, ora por planos abertos no escuro, ora por uma câmera estática que se fixa nos golpes. São socos que quebram a barreira do som, arremessam adversários para longe e fazem eles gemer durante o combate. Quando os poderes de levitação entram em cena, a situação piora, e os figurinos de couro remetem aos X-men, de Bryan Singer, e ao principal produto midiático brasileiro oriundo dos heróis da Marvel: a novela Os Mutantes: Caminhos do Coração (2008-2009). Essa semelhança não atribui uma carga cômica ou camp, mas de um simulacro mal feito das batalhas travadas nos blockbusters, uma briga difícil de se imaginar acontecendo nas ruas paulistanas. 

Apesar da boa iluminação e da fotografia de Jacob Solitrenick, que traz ares góticos em suas composições, Love Kills não transmite a paixão ardente que os protagonistas tanto verbalizam ou que a cena de abertura consegue transmitir, momento que, inclusive, lembra a primeira sequência de ação em Blade. Ambas são ambientadas em uma balada, filmadas com tesão e que ejaculam sangue, ao passo que a roupa de Helena, amarrada com um laço atrás, dá indícios de uma abordagem BDSM. Apesar disso, o estilo quente só retorna ao final da trama e as roupas coladas ficam sem apelo, engolidas pela escuridão noturna, sendo difícil apreciar os estilos dos vampiros.

Se tem alguma coisa que Love Kills remete de São Paulo, talvez seja essa ideia de uma cidade frívola, sem amor, que já foi desmentida por meio de produções que inundaram o cotidiano com esse sentimento poderoso. É uma representação bem morna sobre o desejo dos dráculas, que em uma abordagem contida, lembra muito mais a fase casta da Hollywood atual do que uma identidade brasileira. Com certeza a capital paulista não habita uma profecia de filme de aventura, em que um ser poderoso está vindo e é preciso agir, antes que seja tarde demais. Afinal, que tipo de história esse plot te lembra? 

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Felipe Nunes

Maisa Silva e Camila Queiroz estão de volta para viajar no tempo como Anita na segunda temporada de De Volta aos 15, seriado nacional da Netflix baseado na obra literária homônima de Bruna Vieira. Dessa vez, a imatura personagem de 30 anos no corpo de uma menina de 15 passeia com mais complexidade pelos dramas e incertezas da fase adulta e é acompanhada por um parceiro inesperado, Joel, interpretado por Antônio Carrara (adulto) e por Gabriel Stauffer (jovem).

O gancho do início da sequência é o final da primeira temporada: a invasão do Floguinho – rede social e espécie de portal virtual que permite as viagens no tempo acontecerem – por Joel. A trama livrou a obra do lugar-comum em que poderia ter caído, no qual a narrativa se retroalimentaria em diversos pulos temporais que modificariam o futuro, acertando um ponto e destruindo outro. Em partes, isso aconteceu, porém a inclusão de um novo personagem nas misteriosas expedições trouxe frescor para os arcos.  

Com as mais diversas referências à cultura dos anos 2000, a continuação da série mostra que cumpre o papel a qual foi incumbida desde o lançamento em 2022: o de abordar as brasilidades de uma forma transitória entre o presente e passado. Tida como uma subversão do célebre filme De Repente 30, os elementos sonoros, e os visuais e cenográficos, coordenados por Camila Gaglianone, exalam como era a vida dos jovens da época de 2006, sem necessariamente escancarar essa alusão, o que traz fluidez ao enredo.

Se por um lado a história manteve a assertiva articulação com a cultura do início do século 21, por outro também continuou a desenvolver com superficialidade a construção de alguns personagens. A fase atual, retratada no ano de 2021, é o maior problema. Os atores mal aparecem e, quando o fazem, têm pouquíssimo tempo de tela. Como na temporada anterior, o presente da obra serve apenas para mostrar a Anita que ela precisa voltar ao passado e nada mais que isso. 

Todavia, no meio das leviandades, um trio ganha destaque. Tratam-se de Anita, Joel e Camila (Nila e Alice Marcone). A importância dos dois primeiros é quase uma redundância, dado que conduzem todo o fio narrativo das viagens no tempo. Já Camila traz o que de melhor a série fez nesta sequência, essencialmente ao relembrar do escasso desenvolvimento que teve na primeira leva de capítulos.

A transexualidade é diluída em diversas camadas: a descoberta de Camila, até então vista como um garoto cisgênero; o preconceito da sociedade, do qual o irmão, Fabrício (João Guilherme Ávila) e o pai do personagem não estão isentos; a representatividade de pessoas que já passaram por esse processo e a importância da rede de apoio formada por amigos e familiares. O arco é uma redenção com a própria série, que, durante a primeira temporada, não abordou com profundidade uma temática tão necessária. Felizmente, a trama foi revisitada e interpretada com dramaticidade, sensibilidade e destreza pela dupla formada por Nila, atriz trans não binárie, e Marcone, artista trans, que têm lugar de fala fora da ficção, para discutirem esse tema.

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As versões jovens de Carol e Luiza, vivenciadas respectivamente por Klara Castanho e Amanda Azevedo, são outros acertos da trama. Castanho sabe muito bem como expor os desequilíbrios emocionais intensos e típicos da puberdade como ninguém – não à toa tem no currículo obras como Confissões de uma Garota Excluída e Tudo por um Pop Star. Já Azevedo se encontra na pele de uma personagem combatente aos julgamentos de Imperatriz, uma cidade pequena que – assim como qualquer outra da realidade – julga todo comportamento fora do padrão e é outra excelente construção ficcional da série.

Nos pátios do Ensino Médio, o balanceamento dos núcleos é desproporcional. Histórias paralelas quase inexistem. Tudo gira ao redor dos mesmos personagens e faltam explorações que poderiam compor melhor a obra, que, mesmo tendo apenas seis episódios, transmite a sensação de monotonia em certos momentos. A adição de novos dramas trouxe certa inovação, mas aquém do que realmente conseguiria com um melhor trabalho na elaboração dos subenredos, que não estão ali como enfeites.

As qualidades e defeitos do roteiro permeiam a ambiguidade. Bem fundamentado nas cenas da protagonista, porém com furos grotescos até mesmo para um seriado voltado ao público juvenil, o texto de Vitor Brandt e Gautier peca e acerta ao decorrer do enredo. Os constantes descuidos de Anita e Joel com as informações do futuro e a ingenuidade dos demais personagens entregam a imprecisão textual. Apenas uma pessoa ter percebido que Anita era uma viajante? Inconsistente, visto que a mocinha não poderia ser mais explícita. Quando Joel passa a viajar no tempo também, a situação piora. 

Felipe Camargo, conhecido pela trajetória na teledramaturgia nacional, interpreta, de forma sensível e plena, Antônio, o pai de Anita, como uma espécie de contraponto a tudo que a série é. Os conselhos dados à filha pelas frustradas tentativas de construir o futuro perfeito são metáforas que pensamos quando cogitamos a possibilidade de voltar ao passado para mudar nossas atitudes. Para o personagem, o passado não deve ser mudado, porque é uma forma de aprendizado. A inevitável morte dele, mesmo com tantas linhas temporais criadas por Anita, é uma triste comprovação desse argumento.

A trilha sonora volta com mais timidez de forma geral, mas fica em evidência quando embala os acontecimentos de diversão nas festas em Imperatriz, cidade fictícia que retrata fielmente municípios do interior, e São Paulo. A ida dos adolescentes para a grande metrópole é outro furo do roteiro, inclusive, tendo em vista que Joel não teria a idade necessária para ter habilitação, e os pais dos jovens sequer os procuraram quando eles passaram uma noite fora da cidade interiorana. Já a direção principal de Maria de Medicis e a produção de Carolina Alckmin e Mayra Lucas é consonante com o elenco: parecem mais à vontade e livres com o universo do seriado, que novamente foi confeccionado pela produtora brasileira Glaz Entretenimento. 

Já o quadrilátero amoroso de Anita com Joel, Fabrício e Henrique indica a perda de um integrante, e, ainda que tivesse sido vendido nos trailers e teasers como o gancho principal, não foi o grande enredo. Depois de uma incontável sucessão de bolas fora da protagonista com seu primeiro amor, Henrique parece ter superado a paixonite que nutria por ela e, agora, se envolve com Carol. A disputa fica entre Fabrício e Joel. De um lado, o valentão do Ensino Médio que alcançou a redenção, principalmente nas cenas com a irmã Camila; do outro, o melhor amigo preso na friendzone.

O conjunto de cenas em que as versões de Anitah_Malukah2006 – nome da página virtual de Anita no Floguinho – estão juntas ao mesmo tempo esbanjam a sintonia de Camila Queiroz e Maisa Silva como as imaturas, dúbias e impulsivas Anitas, aos 15 e 30 anos, respectivamente. A fluidez na interpretação é defendida com mesmo afinco por Carrara e Stauffer, que nem parecem ser interpretados por atores diferentes, o que exalta, mais uma vez, a qualidade da direção e da atuação. A imaturidade, aliás, é algo presente no arco de ambos, essencialmente no da protagonista.

Com o segundo ano lançado em Julho de 2023, a terceira temporada já foi confirmada pela Netflix. Agora, com uma mudança necessária, mas ainda não confirmada se, de fato, permanente. O teaser que anuncia a sequência apresenta uma nova fase temporal em 2009, na qual os personagens terão 18 anos, o que auxiliará na verossimilhança do elenco de adolescentes, que já não aparentavam, mesmo com a caracterização, terem 15 anos. Porém, as informações divulgadas não expuseram se a série se passaria somente em 2009 ou se transitará de volta para 2006 concomitantemente.

Nessa nova geração, os cenários da escola do Ensino Médio serão substituídos pela faculdade. Dessa forma, as tramas ganharão uma nova roupagem e devem ampliar o que já vimos. A estratégia é uma ótima forma de manter a nostalgia da série sem transmitir, apenas, a sensação de que estamos vendo uma reciclagem de viagens no tempo. Larissa Manoela, que já trabalhou com parte do elenco em outras produções, como Carrossel e Cúmplices de um Resgate, será uma das novas personagens da terceira e última temporada.

Entre viagens temporais e lições sobre amor e amizade, a segunda leva de episódios se mostra mais madura do que a anterior, revisita tramas essenciais e se apoia na nostalgia quando exalta a cultura dos anos 2000 com fluidez. Sem concluir os dramas da protagonista, a obra destrincha a jornada de Anita na busca pelo amadurecimento, seja ele pessoal ou profissional, e ressalta que ela ainda não foi concluída e, talvez, nem seja. Afinal, quem realmente perde toda a essência da adolescência e da infância só porque virou adulto?

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Nathalia Tetzner

A história contada por Pantanal é atemporal e se confunde com uma moda sertaneja que há décadas emociona peões: “ele tinha um cavalo preto por nome de Ventania e um laço de doze braças do couro de uma novilha”. Desde a primeira exibição da novela, em 1990, até o remake em 2022, a trama pouco mudou, ainda que o Brasil, acumulador de uma quantidade exorbitante de gado, tenha sofrido grandes transformações. Ao som da mesma canção, o ‘Véio’ Joventino cavalgou país afora até um dia sumir e deixar seu filho José Leôncio para trás. Ele, bicho do mato, se meteu com uma moça da cidade e da união nasceu Jove, o primeiro herdeiro sem padrão de boiadeiro que chegou para “cutucar a onça com vara curta”. Da luta entre humano e felino, a novela reviveu o seu destino. 

Originalmente, a música responsável pela abertura icônica foi entoada por Marcus Viana e sua voz pulsante. Dessa vez, no entanto, Maria Bethânia e Almir Sater adicionaram frescor e serenidade ao instrumental, atribuindo, assim, um sentimento de pertencimento em um futuro que constantemente clama pela nostalgia do enredo; se os nossos pais assistiram o folhetim há 32 anos e nós no ano passado, “os filhos dos filhos…dos nossos filhos” certamente também verão Pantanal. Mantendo o sentido da árvore genealógica, a nova roupagem foi adaptada por Bruno Luperi, neto de Benedito Ruy Barbosa, o escritor da versão que virou um clássico e se mantém atual graças a ambientação, feita em um bioma que traduz tão bem a resiliência e diversidade da nação através de sua fauna e flora.

Diferentemente do contexto de consolidação das telenovelas na época em que o texto estreou – quando a extinta Rede Manchete emplacava clássicos como Dona Beija e Kananga no Japão -, a refilmagem da TV Globo herdou o fracasso de Lícia Manzo com Um Lugar ao Sol, drama inédito em dois anos e o primeiro a ir ao ar totalmente gravado após uma sequência de repetições causada pela pandemia de coronavírus. E, por isso, assumiu a árdua tarefa de reerguer a audiência e chamar o público jovem para sentar no sofá e assistir à Televisão – um desafio para os dias atuais. A tentativa não foi falha: a direção composta pelos nomes Davi Lacerda, Noa Bressane, Roberta Richard, Walter Carvalho e Cristiano Marques soube desde a claquete inicial como atingir em cheio o seu público-alvo.

Em um ato que soou como o cantar de um passarinho recém-nascido, que fez sentir a brisa fresca que sopra à beira-mar, o núcleo central da faixa nobre foi finalmente deslocado do ciclo vicioso fundado no uso de cenários divididos apenas entre as grandes capitais da economia e do entretenimento brasileiro, São Paulo e Rio de Janeiro. Com audição e tato apurados, a direção artística de Rogério Gomes e Gustavo Fernandez capturou em cena as cores vívidas ainda não totalmente descobertas pelo espectador e, desse modo, os prédios cinzentos da Avenida Paulista e as enormes mansões do Leblon foram deixados para trás em meio ao resgate de um passado mais simples e condizente com a realidade sociocultural do país.

Como toda novela de respeito, Pantanal foi dividida em duas fases não somente com a intenção de demonstrar a passagem de tempo, mas também de desenvolver o conflito principal da trama e transformar as suas personagens. Acontece que a atuação excepcional do elenco jovem conseguiu surpreender e fidelizar o público em poucas semanas de exibição, sendo extremamente difícil se desapegar das faces que se tornaram tão familiares. Renato Góes e Bruna Linzmeyer nos corpos de José Leôncio e Madeleine construíram uma tensão cortante digna de protagonistas imponentes. Já Letícia Salles, estreando como atriz, roubou os holofotes e entregou uma Filó forte para Dira Paes. Por outro lado, Malu Rodrigues e Gabriel Stauffer carregaram a melhor versão dos antagonistas Irma e Gustavo.

Porém, se a região pantaneira ainda não havia sido habitada por camaleões, tudo mudou com a chegada de Irandhir Santos, a quem se deve a maior aclamação artística. Na pele do ‘Véio’ Joventino, o ator externou as marcas de uma trajetória vivida no lombo de cavalos com um berrante em mãos e, em uma escalação tão peculiar quanto a linhagem da série Dark, ele voltou para a segunda fase do enredo como o neto bastardo José Lucas de Nada, dono de uma personalidade completamente distinta e, não por isso, mal interpretada. Mesmo que apegados aos atores, a brilhante transição não deixou a animosidade dos noveleiros cair. Marcos Palmeira, Karine Teles, Camila Morgado e Caco Ciocler conduziram o texto até o seu clímax.

O remake do clássico trouxe de volta os clichês intrínsecos ao gênero e que, há tempos, estavam sumidos. Isso porque as produções sofreram uma mudança brusca de tom e passaram a adaptar a estrutura para o drama ‘pé no chão’ das séries, modelo repercutido pelo avanço dos streamings, incluindo a própria Globoplay. Exibida em 2019, A Dona do Pedaço, de Walcyr Carrasco, foi a última obra antes de Pantanal que teve direito a coincidências improváveis e uma dose de humor cavalar. Para a surpresa de quem subverteu o formato novela, o carisma um tanto quanto utópico da mulher que vira onça, do homem que é possuído por uma entidade muito boa de viola e do senhor de idade que se transforma em sucuri foram suficientes para eternizar os personagens em memes nas redes sociais.

Desde a irritação de José Leôncio com “larga a mão, Filó”, passando por Ari na comunicação com a fazenda em “Pantanal, na escuta? Câmbio”, e a vontade de fugir de Juma com “querimbóra”, os jargões ganharam espaço no cotidiano. Foi graças às expressões marcantes dos protagonistas e a adesão da juventude, agente controlador da popularização pelos meios, que a novela se tornou um fenômeno multimídia. O retorno das cenas dos próximos capítulos nos minutos finais também ajudou no resgate do gênero de folhetim. O aspecto foi extinto da TV Globo justamente pela exibição de Pantanal na Rede Manchete. A sua volta diminuiu a pressão para encaixar um gancho e aumentou o desejo de continuar assistindo com apenas alguns relances, mantendo uma ordem natural dos acontecimentos.

O diretor geral Walter Carvalho também assinou a Fotografia do remake. Vívida, esplendorosa e natural, a ilustração da região manteve uma característica autoral por todos os cenários, tenham sido eles a grande fazenda dos Leôncios ou a simples tapera dos Marruá. Ainda que rodeado de beleza, Carvalho não deixou de demonstrar o drama da violência no campo, tópico recorrente do enredo, com a mesma sensibilidade. Por meio de tons frios, o ciclo de destruição causado pela especulação latifundiária, que se alastrou pela trajetória de Gil (Enrique Diaz) e Maria Marruá (Juliana Paes), colocou em debate a luta pela terra. É tal composição visual que une as duas famílias principais da novela, quando os agricultores se apropriam de um canto abandonado pelos peões.

Juma (Alanis Guillen) chegou ao mundo tida como uma maldição pela mãe, desorientada depois da perda de três filhos para os senhores da agropecuária brasileira. Porém, o destino em forma de sucuri despertou a onça que defendeu a sua cria até a sua segunda morte, quando já encantada no corpo do felino pintado. Em busca de vingança pelo pai, dono de um pedaço de terra vendido ilegalmente, Muda entrou na trama para confundir os sentimentos da filha de Marruá, criada para se defender de tudo, menos do amor. Assustada pelo instinto animal que farejava as suas mentiras, incluindo a farsa acerca da falta de voz, a personagem falou através do olhar intenso da intérprete Bella Campos e, em sincronia com Guillen, consagraram-se em uma dupla imbatível: “não fala nada, Muda”.

Outra forma de violência que pautou o roteiro foi a agressão física e psicológica enfrentada por Maria Bruaca (Isabel Teixeira) nas mãos do seu esposo e grande vilão de Pantanal, Tenório (Murilo Benício). Ao contrário da ficção, em que o apelido pejorativo marcou as falas das personagens, no ‘dia a dia’, os noveleiros se simpatizaram com a representação brutal e adotaram um apelido carinhoso, ‘Mary Bru’. Ela, inicialmente tida como uma personagem secundária, ganhou espaço de protagonista graças à interpretação fascinante de Teixeira ao lado de Benício, ambos incoerentemente unidos no mesmo tom em cena. Galã de muitas gerações, ele se desfez da face icônica de ‘mocinho’ e se transformou em um ser humano cruel. 

Contudo, se os pais causaram uma mistura de sentimentos, os filhos do casal e da outra família do antagonista foram insuportáveis, não havendo a mínima chance do público nutrir algo por eles para além do desprezo, com destaque para a chatice apoteótica de Guta ‘regatinha’. Bruno Luperi, na tentativa de modernizar a narrativa, errou a mão na construção da personalidade da jovem e deu uma bomba para a atriz Julia Dalavia segurar. Ainda nessa questão, o autor conseguiu reescrever a trajetória de Zaquieu (Silvero Pereira), mordomo que se apaixona pelo peão Alcides (Juliano Cazarré). Mas a assombração da heteronormatividade permaneceu no discurso, no qual ele e Jove (Jesuíta Barbosa) foram frequentemente enquadrados como ‘frozô’ e o repúdio de José Leôncio ao ato dos boiadeiros não colou.

Assustadoramente encantador e possuído por um ‘cramulhão’ que fez magia com as cordas da viola, o peão Trindade (Gabriel Sater) parou o coração do público e de Irma (Camila Morgado). O casal, no entanto, foi injustiçado por um fim desanimador motivado pelo interesse da ruiva em José Lucas de Nada. O ator, filho de Almir Sater, repetiu o papel que na versão original era do pai e dividiu a cena uma última vez com ele em Pantanal; dessa vez, na pele do chalaneiro Eugênio, em uma batalha de Música fervorosa que arrancou lágrimas e arrepios. Em meio a simplicidade deslumbrante da natureza, momentos como este jogaram de um precipício as passagens tenebrosas no urbano do Rio de Janeiro, felizmente deixadas de lado ao longo dos meses.

Mergulhando nos altos e baixos dos romances de Pantanal, é perceptível o quanto o remake se esforçou para provar que “a maior força da natureza é o amor”. José Leôncio e Filó provaram que o tempo realmente cura tudo. Já Muda e Tibério se encontraram em um cenário nada esperançoso e trouxeram para as telas a doçura de um enlace verdadeiro. Por outro lado, Tadeu (José Loreto) e Zefa (Paula Barbosa) superaram as diferenças de valores que os separavam para ficarem juntos. Entretanto, nenhum casal expressou com tanta fidelidade o slogan apaixonado quanto Maria Bruaca e Alcides em busca da liberdade que somente o bioma fértil pode proporcionar, após a violência covarde de Tenório contra o peão que protagonizou o momento mais chocante da trama. 

Na pele de Tadeu, José Loreto surpreendeu com uma atuação que fez parecer que o personagem foi escrito especialmente para ele. Ao lado de Dira Paes, o ator concretizou o feito extremamente difícil de não ser engolido pela aura de uma das veteranas mais experientes da dramaturgia. Confrontados com diálogos duros e secos, Loreto e Paes afloraram o lado sentimental de quem assistiu diariamente a relação genuína entre mãe e filho. De filho bastardo a sucessor natural do legado de boiadeiro do avô Velho Juventino, Tadeu muitas vezes brigou sozinho pela atenção do pai até o seu encontro com o ‘Véio do Rio’ no último cápitulo: “Você não ganharia a minha sela de prata se não fosse um Leôncio. […] Diz pra ele que eu disse que ocê é o meu neto de amor”.

Responsáveis por manter o coração de Pantanal batendo forte, Juma e Jove foram, mais do que nunca, os grandes protagonistas da novela. Em 2022, assistir o encontro do casal foi como presenciar o embate entre felino e humano. Ela, nascida livre como um ser selvagem na imensidão da natureza, e ele, criado na redoma de vidro de uma mansão luxuosa, mas sem vida. Embalados pela música-tema Amor de índio na voz de Gabriel Sater, a união desses dois opostos fez o amor se consagrar como sagrado. Em harmonia com o verde do bioma e o vermelho da paixão, a dupla Alanis Guillen e Jesuíta Barbosa trouxe o frescor da descoberta de algo novo: uma química delirante, estrondosa e arrebatadora digna de reportagem do Fantástico. 

“O homem é o único animal que cospe na água que bebe. O homem é o único animal que mata para não comer. O homem é o único animal que corta a árvore que lhe dá sombra e frutos. Por isso, está se condenando à morte…” – Benedito Ruy Barbosa

A entidade ‘Véio do Rio’ foi a personificação do remake. O ator Osmar Prado trouxe para a composição a força da sabedoria de quem conhece o bioma, fala com os animais e espalha o amor. Único capaz de laçar um marruá, espécie de boi feroz, ele também foi o fator responsável por arrematar as histórias das famílias Leôncio e Marruá em uma só trajetória. Entre as paisagens belas e o desmatamento impiedoso, a novela de Bruno Luperi reergueu a audiência do gênero, fez jus a versão original de seu avô e reviveu o destino. Atemporal, é um dever que Pantanal seja adaptada novamente no futuro, assim, repetindo um ciclo fundamental: “Redescobrindo as Américas quinhentos anos depois/Lutar com unhas e dentes pra termos direito ao depois/Fim do milênio, resgate da vida, do sonho, do bem”.

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Felipe Nunes

Triângulos amorosos, traições, paixões não correspondidas, festas, pais controladores e jovens que desejam embarcar em suas próprias jornadas de autodescoberta. É a clássica receita de uma boa e trivial série teen que tem como pano de fundo as amizades e os amores vivenciados nos pátios do tão temido Ensino Médio. Em De Volta aos 15, as mesmas situações aparecem. No entanto, a configuração das narrativas escolhidas, e a forma com as quais são trazidas para a trama, mostram que a obra é bem mais que uma simples comédia romântica adolescente da Netflix. 

Na recém-lançada produção nacional, já renovada para uma segunda temporada, conhecemos Anita (Camila Queiroz), uma mulher adulta que tentou ganhar a vida na grande São Paulo, mas volta à sua cidade natal, Imperatriz, para o casamento de sua irmã Luiza – interpretada na fase adulta por Mariana Rios. Lá, a personagem de Camila reencontra seus familiares e amigos, e, ao presenciar um deles trair sua própria prima (Yana Sardenberg), ela começa a expor verdades – não tão fáceis de serem ouvidas – para os convidados do casório. 

O resultado dessa lavagem de roupa suja, em um momento impróprio, não é muito bom para a protagonista, que é reprovada pela figura mais importante ali presente: a noiva do casamento, sua irmã. Envergonhada pelo transtorno que causou na festa matrimonial, Anita, desolada, busca amparo em seu antigo quarto. Ali, abre seu computador e acessa sua página no Floguinho, uma rede social antiga de sua juventude. Lá, quando faz o login, ela acaba voltando aos seus 15 anos de idade, tendo a chance de reparar os erros que a levaram a ser quem ela é. Pode entrar, Anitah_Malukah2006! 

Nos momentos iniciais, a sensação de que tudo se trata de um sonho é o que Anita, agora vivenciada por Maisa Silva, relata. Toda sua primeira viagem no tempo é considerada uma fantasia, ela só se dá conta de que tudo foi real quando volta ao presente e percebe que suas ações realmente modificaram sua vida. Para os amantes de exatas, a terceira lei de Newton sobre ação e reação pode explicar essa relação de causalidade. 

Ainda perdida sobre como transitar entre seu passado e seu presente, a personagem percebe que realiza as viagens sempre que se conecta com sua antiga rede social. Descobrindo o funcionamento desses misteriosos passeios temporais, a protagonista tenta mudar o passado – a fim de que tudo fique da forma que sempre sonhou. O grande problema, no entanto, é exposto quando Anita, não satisfeita em mudar a sua vida, tenta mudar as histórias das pessoas que a cercam.

A trama central, então, se reconfigura. A história de uma adulta em decadência desaparece, suavemente. Surge uma nova narrativa: a mocinha vira anti-heróina. Nesse momento, a ambiguidade ganha espaço e a dúvida de não saber qual lado tomar é um dos grandes sentimentos que a série traz. Entendemos as motivações de Anita, sabemos de seu anseio em afastar as pessoas ruins de seus amigos. Mas, concomitantemente, observamos que ela mesma se torna uma pessoa ruim para aqueles que tanto ama – quando tenta mudar a vida deles. 

A cada viagem, uma nova modificação é feita; algumas vantajosas, outras nem tanto. A questão não está em quem é beneficiado, e sim em quem é prejudicado. No meio de suas falhas tentativas em construir o futuro perfeito, a protagonista provoca o atropelamento de sua prima, Carol (Klara Castanho), e nesse momento percebe o quão destrutiva suas alterações no tempo podem ser. Além disso, desperta sentimentos em Joel (Antônio Carrara), que não só se apaixona pela protagonista como também desconfia das viagens no tempo, principalmente pelas informações do futuro que a própria deixou escapar para ele. Essa paixão repentina não era um sentimento presente na linha temporal original da vida de ambos.

Entristecida pelas consequências que suas atitudes causaram, a personagem de Maisa tem uma longa conversa com seu pai (Felipe Camargo) e percebe que para tomar o controle de sua vida, ela não precisa, e nem deve, controlar a vida dos outros. Encorajada a ser quem realmente é, Anita retorna ao presente segura de si, realizada profissionalmente e acompanhada de seu amor e melhor amigo, Henrique (Caio Cabral e Breno Ferreira), na cidade das luzes, Paris. 

Tudo parece estar sendo a melhor versão futurística da protagonista, que decide então fazer apenas mais um ajuste final: salvar sua irmã – que, aparentemente, se tornou uma pessoa tão fracassada quanto a Anita dos primeiros episódios. No entanto, quando tenta regressar ao passado, para sua surpresa, ela não consegue. Isso porque, Joel (Gabriel Stauffer), já desiludido amorosamente e desconfiado há anos das viagens de Anita, decifra a senha do Floguinho da personagem. Invadindo a página Anitah_Malukah2006, quem volta ao passado é ele.

Os desfechos, que provavelmente servirão como pontapé inicial para a segunda temporada, parecem conduzir a história para a mesma situação que desencadeou tudo: o desejo de mudar o presente, alterando o passado. Dessa vez, por parte de Joel (Antônio Carrara e Gabriel Stauffer), um personagem que teve algumas camadas abertas durante a série, mas que ainda tem muito a contribuir. 

Esse tipo de situação envolvendo viagens no tempo parece familiar, não? E de fato é. Durante os teasers, trailers e coletivas de imprensa da série – inspirada no homônimo livro de Bruna Vieira – as comparações com o clássico e insuperável De Repente 30 foram instantâneas, tomaram conta das redes sociais e fizeram com que muitos pensassem que a obra seria uma releitura do tão aclamado longa. Contudo, na série vemos uma inversão do que foi apresentado no famoso filme. 

Se em 2004 Jennifer Garner e Christa B. Allen, intérpretes de Jenna Rink, contavam a história de uma adolescente que, com um pó mágico, é transportada aos seus 30 anos, a idade do sucesso, em 2022 temos Maisa Silva e Camila Queiroz interpretando Anita, uma adulta que quer ser jovem, mas dessa vez sem pó mágico, pois o portal temporal é sua rede social. A subversividade construída é muito bem alicerçada. Em De Repente 30, a jovem quer ser uma adulta bem sucedida e aproveitar o auge de seus 30 anos, enquanto, em De Volta aos 15, há uma adulta fracassada que enxerga nas viagens no tempo a possibilidade de mudar o futuro que a aguarda. 

O sentimento nostálgico é praticamente inato em quem assiste e tem alguma recordação – ainda que vaga – dos anos 2000. Essa nostalgia é construída em diversos elementos da série, que vão desde a trilha sonora, até a caracterização dos figurinos e penteados das personagens. Tudo é milimetricamente apresentado de forma sutil e aconchegante, como uma boa e velha lembrança deve ser. 

Nesse clima de nostalgias, a obra ganha vida própria e conversa muito bem com as duas fases nas quais é ambientada. No entanto, somente entre as protagonistas, haja vista que as versões adultas de outros personagens não foram muito bem exploradas, como se apenas aparecessem para mostrar à Anita que ela precisa consertar outra coisa em seu passado. Pasmem: alguns apareceram apenas no primeiro e no último episódio. 

De Volta aos 15 é uma série curta, facilmente maratonada em um final de semana, tendo em vista seus 6 curtíssimos episódios. Em sua segunda temporada, pode expor melhor outros núcleos. Abordando as facetas de personagens, como Fabrício, Joel e Luiza, que, diga-se de passagem, não tiveram um bom desenvolvimento. Em contrapartida, com um ótimo aprofundamento, temos a personagem Camila (Alice Marcone), que em 2006, na primeira fase, foi interpretada por Pedro Vinícius dando vida a Cesar. Essa sensibilidade na escalação trouxe representatividade para o arco das personagens para além da trama, já que as atrizes responsáveis possuem, de fato, lugar de fala para os conflitos, preconceitos e dificuldades que Camila e Cesar enfrentaram na pacata e interiorana cidade Imperatriz.

Todavia, é necessário pontuar que a construção das narrativas, ainda que com falhas na superficialidade dos demais personagens, transmitem a sensação de que devemos aproveitar cada instante de nosso agora, pois o passado já se foi, e como diria o memorável Rafiki, de O Rei Leão, “O passado pode doer. Mas, você pode fugir dele, ou aprender com ele”. A mensagem é uma verdadeira lição para refletirmos sobre as ações que nos levaram a ser quem somos, porque, ainda que tenhamos o desejo de alterar o passado, ele sempre será o responsável pela construção do presente de nossas vidas.

Nessa jornada de amadurecimento, percebemos que a Anita adulta nunca tinha existido, ela era na verdade uma jovem de 15 anos que não tinha crescido junto com sua idade. A experiência temporal vivenciada foi a responsável para que a personagem de Queiroz e Maisa, enfim, amadurecesse. E é assim que a série se despede até sua próxima sequência, que pode corrigir os erros de sua primeira temporada e entregar uma reflexão profunda, a qual ninguém imaginaria ter ao assistir uma série teen da Netflix, com um enredo, ilusoriamente, clichê.

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