Talita Mutti

Em uma mistura de confusão e autoconhecimento, Tyler, The Creator revela seu verdadeiro ‘eu’ em CHROMAKOPIA, lançado em Outubro de 2024. Com faixas marcadas por sua produção criativa e autêntica, repletas de composições que constroem uma experiência completa e imersiva, a obra consolida a relevância do cantor na cena musical. Tyler Gregory Okonma explora um outro lado do rap atual, com oito álbuns de estúdio na discografia, ele constroi narrativas através dos alter egos que marcam cada trabalho, junto de uma produção carregada de elementos que o difere de outros artistas da cena. Okonma externa pensamentos e temas que o assombram, refletindo cada fase da própria vida, mas sempre por trás de um personagem.

A revolta, agressividade e dificuldade de aceitação são temas predominantes em Goblin (2011), Wolf (2013) e Cherry Bomb (2015). Enquanto o amor, autoconhecimento, sexualidade e solidão são tópicos presentes em Flower Boy (2017) e IGOR (2019), álbuns em que ele expõe seu amadurecimento, fechando feridas que estavam abertas desde seu debut e, ao mesmo tempo, mudando a narrativa dos alter egos. Em CHROMAKOPIA não foi diferente. Logo de cara, ‘T’ apresenta seu novo personagem na faixa de nome St. Chroma.

O disco pode não ser o trabalho mais inovador de Tyler, The Creator. É certo que, se você é fã do artista, deve ter sentido certa familiaridade ao escutar Darling, I, composta por uma melodia parecida com SWEET/ I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE, por exemplo. Mas, mesmo usando de ritmos e estilos parecidos, o produtor traz elementos que reciclam seu próprio repertório e, de certa forma, reinventam o que ele já criou em outros trabalhos.

O disco tem uma entrada agressiva, com sons de marcha e um suspense através do sussurro de St. Chroma e, mais uma vez, o rapper faz mágica através de sua produção. A faixa apresenta uma crescente estrondosa a cada elemento que lhe é adicionado: latidos do próprio produtor, passos, melodia,  cantos ecoantes da palavra “CHROMAKOPIA” e, principalmente, os vocais de Daniel Caesar, que constroem uma atmosfera que leva o ouvinte a uma sensação de imersão total ao que está prestes a ser apresentado. “Você consegue ver a luz?” certamente, após ouvir essa música, sim.

Todas as faixas foram escritas, produzidas e estruturadas por Tyler Gregory Okonma e, como em outras eras, a lírica reflete muito do que o rapper vive e traz à tona suas próprias reflexões sobre a vida. Mas, dessa vez,  essa versão de ‘T’ realmente se preocupa com o futuro. O tempo tem passado; sua mãe tem envelhecido; seus amigos têm construído família; sua ex já se casou. E ele? Tem uma Ferrari e algumas coisas para falar. Parece ser um misto de sentimentos, uma parte dele não se importa com o futuro, porém, quando começa a pensar em tudo o que lhe é cobrado conforme a idade, não soa como algo obrigatório, e sim como o tempo passando e ele estagnado.

Okonma se vê, pela primeira vez, preocupado com o futuro. Ele mesmo não se reconhece. Não é algo característico de sua personalidade. Tomorrow, décima faixa do álbum, muda de marcha com uma melodia lenta e reflexiva que parece mais íntima do que seu estilo usual. “Não espere por mim, eu ficarei bem” – a repetição desse verso ao longo da música reforça seu desejo de independência e sua relutância em se conformar às expectativas. A faixa é profundamente pessoal para o produtor, abordando medos universais sobre envelhecer e as expectativas que vêm com isso. Sua decisão de focar no medo da paternidade em um mundo que está sempre mudando é identificável, e a produção delicada permite que suas letras introspectivas ecoem.

Em uma conversa muito sincera, o compositor escolhe citar supostos casos de pessoas que perderam sua personalidade por tentarem provar algo para outras pessoas ou, como em suas palavras, “para ter validação de gente burra e confusa”. Seja um rapper, um ‘riquinho’ que tenta pagar de gangstar, um homem gay no armário, uma mãe frustrada e, no final, o próprio ‘T’.  Em Take Your Mask Off, há uma introdução serena que prepara o cenário para uma exploração profunda de identidade e autenticidade, um tema recorrente na discografia de Tyler Gregory Okonma. Esta exploração sincera da vergonha e da autenticidade convida os ouvintes a se envolverem em uma diálogo mais amplo sobre aceitação e a coragem necessária para viver a verdade.

Após a ponte, o rapper parece estar dentro de um monólogo, falando de todas suas inseguranças e desafios que enfrentou durante sua vida e carreira. Com os vocais de Daniel Caesar, ‘T’ constrói uma faixa harmônica e tranquila, acompanhada de muito sentimento e sinceridade na lírica. Take Your Mask Off pode ser relacionada com o próprio alter ego do álbum, que utiliza uma máscara semelhante ao rosto do cantor. “Esse é o primeiro álbum que tudo o que eu disse é verdade. É tão honesto que acho que tive que usar uma máscara com meu próprio rosto para conseguir colocar algumas dessas coisas para fora”, afirma o artista ao falar sobre CHROMAKOPIA para o portal X.

Além de crescimento pessoal e autoconhecimento, o compositor aborda os desafios da fama e, em um videoclipe com possíveis referências de outros artistas, como Runaway de Kanye West, ele externa a paranoia que o assombra. Em outros projetos, o produtor já havia exposto como a fama se tornou um obstáculo em sua carreira e Noid confirmou isso. Okonma exemplifica o quão angustiante é a vida de quem tem que se submeter a esse tipo de exposição, mostrando que nem na própria casa há privacidade. Tudo é visto, gravado e registrado. Sempre há alguém olhando e, mesmo sendo uma pessoa pública,  expondo em outras músicas que é ‘o melhor da cidade’, até ele precisa de espaço. Esse alter ego de ‘T ’ humaniza e mostra como a vida dele realmente é.

Como de costume, o rapper não tem medo nenhum de esconder que se vê como um dos ‘melhores da cena’. Com uma produção intimidadora, Sticky é um exemplo de como o disco cresce. Com a participação de GloRilla, Sexyy Red e Lil Wayne, a faixa é marcada pela energia agitada e toda a criatividade do artista. Formando uma fusão dinâmica de estilos, entrelaçando sem esforço entre rap e sons experimentais. O refrão, “A coisa tá ficando feia, feia…“, que funciona como um gancho que traz o ouvinte a crescente da música, parece estar te levando para algum lugar. Assim, prendendo o ouvinte e tocando na energia divertida e caótica da faixa.

A composição na música é igualmente envolvente, cheia de reviravoltas imprevisíveis. O produtor brinca com sons diferentes, desde as batidas infundidas de trap nos versos até os breakdowns distorcidos e pesados ​​de baixo. Há uma energia frenética nas transições que mantém o ouvinte envolvido, tornando-a uma daquelas faixas que parece mais intrincada a cada audição. A disposição de ‘T ’ em experimentar batidas e texturas compensa aqui, dando uma vantagem única dentro do álbum que, a cada vez que você der o play, vai perceber algo novo que não tinha escutado.

Além de Daniel Caesar, Lil Wayne, GloRilla e Sexyy Red, CHROMAKOPIA conta com a presença de nomes relevantes na cena, como Doechii, Teezo Touchdown, Latoiya Williams, Schoolboy Q, Santigold, Lola Young Childish Gambino e Willow. Escolhas que encaixaram perfeitamente no projeto. Tanto em relação aos vocais que ajudaram na composição da produção dinâmica e fantasiosa, quanto aos feats marcados por autenticidade e potência.

Em CHROMAKOPIA, o rapper externa temas profundos que o assombram a vida inteira, mas, como em todo álbum, ele traz uma narrativa diferente. Os receios com a fama; a paternidade; o medo de ser insuficiente. Esses e outros temas já foram abordados pelo o rapper de Goblin, Wolf e seus outros discos. Entretanto, agora, vemos Tyler Gregory Okonma maduro e compreendendo questões que apenas com a idade seriam fáceis de assimilar.

Para os fãs de longa data, é como um reencontro, com uma sensação de nostalgia. Um pressentimento de que já vimos alguém, mas que, hoje, está totalmente diferente. CHROMAKOPIA é sobre amadurecimento, aceitação e, nas palavras do rapper, sobre os conselhos que a mãe do artista dava, que só com o tempo ele pôde entender. “Você nunca cansa de me impressionar; continue brilhando”, reforça a mãe no final do álbum.

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Andrezza Marques

O sexto álbum do multiartista Tyler, The Creator, lançado em 25 de junho de 2021, coroa a sua melhor fase, escalada a cada lançamento, tanto em técnica e produção, como na autenticidade da execução. Em CALL ME IF YOU GET LOST, o rapper protagoniza uma odisseia de dor e glória compilada em 16 faixas, diferentes de tudo o que já ouvimos – mais uma vez. “Me chame de Sr. sempre em alguma merda que você nunca viu” e “Encontre outro mano como eu, porque eu não vi nenhum”, ele canta ácido na efervescente CORSO, e prova seu ponto.

No novo projeto, o músico retorna às suas raízes para se reinventar, e surpreende, como se esse movimento fosse fácil. Novamente na composição, produção e arranjo de todas as faixas – além da direção artística nos clipes e visuais à moda Wes Anderson, que reproduzem a obsessão por hóteis retrô, magnatas e tons pastéis -, Tyler mescla sucesso e paixão à avareza e amargura. Na nova roupagem, apesar de mais madura, o artista ainda sofre do mesmo mal que se dedica a musicar desde trabalhos anteriores: seu coração partido. 

 Ao entregar a trilogia Flower Boy (2017), IGOR (2019) e CALL ME IF YOU GET LOST, Onkonma expõe, sem pudor, a sua má-sorte no amor, que apesar de alguns momentos apaixonados, nunca parece lhe agraciar com um final feliz. Assim como no penúltimo, o eu-lírico mais recente de Tyler é vítima de uma fortuna obscena, que reflete o seu histórico de aventuras e permanência em triângulos amorosos – obviamente mal sucedidos.

Ainda assim, o álbum extrai o melhor da maturidade e de todos os projetos precursores do cantor. Em vários momentos de CALL ME IF YOU GET LOST, o ouvinte um pouco mais atento ao repertório se sente transportado para trabalhos como, Goblin (2011), Wolf (2013), Cherry Bomb (2015) e até para o próprio IGOR.

A atmosférica faixa de abertura, SIR BAUDELAIRE, nos introduz ao novo eu-lírico viajante e turista até em suas próprias relações, Tyler Baudelaire. Na música, o universo do personagem que ganha vida também começa a ser ambientado. Entre voos e viagens de trem, o destino final é Genebra, na Suíça. 

Além de todo o cenário, o sobrenome escolhido supostamente faz referência ao bon-vivant e poeta francês Charles Baudelaire, que com frequência abordava viagens e pessimismo em seus textos. Considerado um artista maldito e revolucionário, Baudelaire era muito introspectivo e sinestésico em seus versos, descrevendo-se sempre como deslocado e inapropriado. Somando o trio Bastard, Goblin e Wolf e passando por Flower Boy, seria essa referência simples coincidência?

Sob o homônimo, ironicamente, a nova era representa uma versão menos intimidadora e mais segura do criador. Ela também é intrinsecamente mais conectada e verdadeira consigo, talvez por ser vista do alto das suas três décadas de vida, com uma carreira já consistente e um Grammy em mãos, do Melhor Álbum de Rap de 2020 por IGOR.

Apesar do título, o projeto anterior repousa suave e etéreo no dilema ‘ser ou não ser’ um disco de rap (o que independe sua qualidade inegável), ao passo que CMIYGL escancara já no som pesado de LUMBERJACK, primeiro single divulgado, que veio para ser um clássico do gênero, ao mesmo passo em que se estabelece como uma profunda experimentação. 

 A canção que anunciou o álbum faz referência à era das mixtapes e a agressividade dos primeiros trabalhos do rapper. A sensação é reforçada pela presença marcada do icônico DJ Drama, que ‘locuta/grita’ – e incomoda, como sugerem as más línguas – em trechos de todas as canções com menções constantes à clássica tag “GANGSTA GRILLZ”. Sem contar nas participações de membros do coletivo Odd Future ou OFWGKTA, abreviação para Odd Future Wolf Gang Kill Them All. 

Para quem acompanha o trabalho do artista a partir das eras mais recentes, o contraste causa estranhamento, que era de praxe quando tabloides e fóruns on-line costumavam atribuir o rótulo de horrorcore às produções do cantor. Mesmo com faixas que narravam estupros, assassinatos e transtornos mentais, em entrevistas e declarações, ele sempre negou aproximação com o gênero: os universos e personagens macabros e transgressores revelam a sensibilidade peculiar e o poder satírico do artista.

Os sons intensos, como os de MANIFESTO, LUMBERJACK e LEMONHEAD, provocam essa nostalgia com maestria. O último remete, de algum modo, à debochada TRANSYLVANIA, em que Tyler performa sua versão distorcida e auto-tunada do Conde Drácula. De maneira muito inteligente, a inserção destacada de instrumentos de sopro, já existentes no sample do Rap do Minecraft, dão o tom impactante da faixa. 

Essas são algumas provas de que Tyler se equilibra entre batidas do trap e old school  em CMIYGL, sem tropeçar no óbvio. Ao mesmo tempo em que explora um pouco mais do soul e jazz. Tudo isso, só até que o disco de bossa nova, com guitarras e em espanhol seja lançado, talvez em 2023?

A sonoridade e sequência totalmente inesperadas atingem o ápice com a décima faixa do álbum e favorita do artista, o pout-pourri atmosférico de SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE. Precedido pelo refrão e outros trechos na voz de Brent Faiyaz, nome promissor do R&B, a primeira parte do medley narra o que parece ser o início de um romance. 

Já o dancehall, subgênero do reggae, presente na segunda parte da música, traz uma justaposição proposital do trágico fim, que harmoniza perfeito com o groove na voz de Fana Hues. Na faixa, Hues e Tyler vivem um ato de paixão descompassada, com erros de timing (e pseudo traição). Ao lado de WILSHIRE e CORSO, os sons mandam a letra de que a vítima é ninguém mais, ninguém menos, do que um grande amigo do cantor, seria karma, ou o desejo do oprimido?

O clipe da música, que conta com um show alucinado de T. Baudelaire em uma festa infantil, mostra certa aproximação sagaz do presente e passado, representada por garotos de bicicleta que observam sua performance ao vivo do lado externo, e retornam em clipes que parecem ser subsequentes. Mas nem só de decepções amorosas vive o disco, que tem espaço para sons motivacionais, temas como o cancelamento,  intercâmbio cultural, racismo, referência à Amy Winehouse e até um pedido de desculpas à Selena Gomez.

“Tentei roubar a mina de outro cara porque sou uma pessoa má/Não me arrependo de merda nenhuma porque valeu a pena (…)/Vou receber aquele textão quando esse som vier à tona” – Tyler, The Creator em CORSO. 

Fora o apelo ao perdão, a potente MANIFESTO, com o ex-colega do coletivo Domo Genesis, traz recortes de antigas colaborações entre os artistas. Muito mais madura, no entanto, em seus quase seus três minutos que sampleiam o clássico Nazareth Savage, do já consolidado rapper Nas, a track irrompe numa argumentação por vezes sarcástica, Tyler desabafa na abertura:“V*diazinhas brancas vão dizer/“Você precisa dizer algo sobre aquilo”/“Você precisa falar algo sobre negros”/V*dia, chupa o meu…”. 

Além da lírica hostil, o passeio pelo gangsta rap, até em melodias delicadas, é reforçado pelas participações de 42 Dugg, Lil Wayne, YoungBoy NBA e Lil Uzi Vert. E é em meio à samples de neosoul, como em HOT WIND BLOWS, a hipnotizante mudança de direção de JUGGERNAUT, ou o monólogo superprotetor da mãe do rapper – personagem à parte -, presente em toda sua vida e discografia, até na divulgação do álbum, com a faixa MOMMA TALK, que o disco se torna uma deliciosa armadilha sonora.

A melodiosa WUSYANAME e a dançante RUNITUP!, provocam um saudosismo instantâneo e involuntário, já que poderiam muito bem ter saído do Cherry Bomb, ou do Flower Boy, respectivamente. Por outro lado, faixas como SAFARI e BLESSED não se destacam e soam como produções feitas para ocupar espaços de finalização e transição na sequência, e acabam funcionando como tramas coadjuvantes, mas fundamentais para complementar o discurso motivacional e contrastante do bem-sucedido.

E é num ritmo sóbrio que escala para psicodelia e paranoia, bem marcadas por piano e bateria, que a versão mais íntima e honesta de Okonma fica exposta. Nos quase quatro minutos da confessional MASSA, o artista resume altos e baixos da sua trajetória, com habilidade que transcende qualquer personagem.

Magnética, e possivelmente a composição mais importante do disco e até da carreira, MASSA toca em pontos como sua sexualidade, (Tyler sugeriu pela primeira vez ser bissexual em 2017, no Scum Fuck Flower Boy), origem pobre e até a estadia da mãe de Tyler em uma casa de abrigo, situação nunca antes abordada. Segundo o cantor, o fato aconteceu durante a mesma época do lançamento do hit Yonkers – cujo clipe, de acordo com Kanye West, deveria ser considerado o vídeo do ano de 2011, enfatizando a incongruência das circunstâncias.

 Rompantes de distorções vocais que lembram diálogos do Goblin, com um de seus alter egos, o  analista Doctor TC, aparecem com certa frequência em CALL ME IF YOU GET LOST. Mas é nos momentos de pressão, como nos últimos versos da canção, em que estes elementos soam ainda mais desconcertantes:

“Você não se relaciona com essas coisas que eu digo nesses instrumentais/Seja sobre riqueza ou merdas que são dolorosas/Eu faço pinturas completas a partir da minha perspectiva nessas batidas/Só para você me dizer que isso não é bom para o seu intervalo de almoço”

Nos versos finais de MASSA – e em vários outros – , Tyler dá pistas claras de que ele sempre soube para o que, ou para quem se posicionou: “Se qualquer coisa acontecer, não venha me culpar, América branca”. Acontecimentos como ter sido banido do Reino Unido e da Nova Zelândia por quatro anos pelo suposto incentivo ao “terrorismo”, homofobia e violência, em letras como Radicals, ou a sua desconexão que não “representa o produto esteriotipado do seu meio”, são recursos catalizadores das mensagens do músico, que com exatidão prevê como e para quem irá se projetar, doa a quem doer. 

É com a perspicácia cada vez mais aguçada de quem conhece seu público, mas não se preocupa em agradar sempre, que Tyler trabalha numa equação inversamente proporcional,  atingindo novas audiências a cada lançamento. Assim como o antecessor IGOR, que em 27 de julho de 2021 ganhou o selo de platina, o novo álbum estreou em primeiro na Billboard 200, e esgotou versões Deluxe, que incluíam CD e fita cassete, em apenas um dia. Sem contar as altas avaliações atribuídas, por veículos tradicionais como o jornal The Guardian, do Reino Unido, e o portal nova-iorquino especializado em música alternativa, Pitchfork. 

Tudo indica que CALL ME IF YOU GET LOST é um marco para fãs e para o artista, e tem chances reais de levar novos prêmios para além das categorias nichadas, como em 2019. O álbum foi destrinchado e freneticamente divulgado pelo cantor em seu Twitter, creditado por Tyler como 100% verdadeiro: “Nenhuma história, ou sentimento foi produzido”. Quiçá, seja isso que faz o ouvinte aceitar o convite, e viver uma experiência real: para só ser encontrado, depois de se perder.

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